Поцелуй, рой лихтенштейн

Поп-арт начался в середине 20-ого века с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, все из которых так или иначе привлекали в свои произведения образы из поп-культуры.

После популярности абстрактных экспрессионистов поп-арт со своими идеями, взятыми из средств массовой информации и народной культуры, стал серьезным сдвигом в модернизме.

Напротив, художники изображают обыденные предметы и людей повседневной жизни, тем самым стремясь поднять популярную культуру до уровня высокого изобразительного искусства. Возможно, благодаря многократному включению коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и звезд СМИ, движение поп-арт стремилось размыть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Понимание того, что не существует никакой иерархии культуры и что искусство может быть заимствовано из любого источника, как раз и являлось ключевой идеей поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как приверженцы поп-арта искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом.

Но, пожалуй, даже точнее будет сказать, что поп-арт художники первыми признали, что нет никакого прямого доступа ни к чему: будь то душа, мир природы или построенная среда.

Они считали, что все взаимосвязано и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разным мироощущениям и настроением, в целом о нем можно сказать, что это эмоционально абстагированное искусство. В отличие от «горячего» самовыражения жестикуляционной абстракции, которая предшествовала ему, поп-арт обычно «хладнокровно» амбивалентен.

Поп-арт художников, по-видимому, взрастило обильное послевоенное американское производство и медиа-бум. Некоторые критики интерпретировали выбор образов поп-арта как восторженное одобрение капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие критиковали за возвышение элементов повседневности до высокого искусства.

Большинство художников поп-музыки начали свою карьеру в области коммерческого искусства: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером, Эд Русча также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве дизайнера рекламного плаката. Этот бекграунд в мире коммерческого искусства обучил их визуальной лексике массовой культуры, а также методам плавного слияния царств высокого искусства и популярной культуры.

Великобритания: Независимая группа

В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющее себя Независимой группой, регулярно встречалось для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, науке и технике. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Дилей и Рейнер Банхам.

Британия в начале 1950-х годов все еще переживала аскетизм послевоенных лет, а ее граждане были неоднозначного мнения об американской популярной культуре. Тем не менее группа с энтузиазмом относилась к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, сулила хорошее будущее.

Образы, которые они подробно обсуждали, попадались в западных фильмах, научной фантастике, комиксах, рекламных щитах, автомобильном дизайне и рок-н-ролльной музыке.

Э. Паолоцци, «Я была игрушкой богатого человека», 1947 г

Фактический термин «Поп-арт» имеет несколько возможных истоков: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренс-Дилей, так и Элисон и Питер Смитсон, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение этому слову на письме, в то время как первое произведение искусства с собственно содержанием слова «Поп» было создано Паолоцци. Его коллаж «Я была игрушкой богатого человека» (1947) содержит вырезанные изображения девушки-пин-ап, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, истребителя Второй мировой войны и руки человека с пистолетом, из которого вылетает слово “POP!” в плюшевом белом облаке.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличные поп-арт изображения

Поп-арт коллажи Паолоцци и Гамильтона как раз передают эти смешанные чувства европейцев к американской популярной культуре: возвеличивание серийных объектов и изображений и одновременную критику их избытка.

В своем коллаже “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?” (1956), Гамильтон объединил образы из различных источников средств массовой информации, тщательно подбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в единый обзор потребительской культуры после войны.

Р. Гамильтон, “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?”, 1956 г

Рой Лихтенштейн и бумажная культура

Р. Лихтенштейн, «Поцелуй», 1962 г

Лихтенштейн доказал, что способен создавать серьезные произведения, хотя они и базируются на комиксах. Он использовал методы, используемые для создания изображений в комиксах, и для создания своих картин. Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, как иллюстрации из комиксов, его самым инновационным вкладом было использование “Ben-Day dots» — таких характерных маленьких точек, используемых для визуализации цвета в популярных комиксах. Несмотря на то, что Лихтенштейн сосредоточился только на комиксо подобных изображениях, его полотна не являлись точным факсимилем, а скорее были творческим реинжинирингом художника, в котором некоторые элементы могут быть добавлены или устранены, масштаб может сдвинуться, а текст может быть отредактирован. Своей ручной росписью, обычно создаваемой машиной, и воссозданием сцен комиксов Лихтенштейн размыл различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Р. Лихтенштейн, «Девушка в зеркале», 1964 г

Джеймс Розенквист и монументальный образ

Д. Розенквист, «Звездный вор»

Розенквист также непосредственно вовлек изображения из популярной культуры в свои картины. Однако, вместо того, чтобы создавать тиражи копий, Розенквист увлекался сюрреалистическими сопоставлениями продуктов и знаменитостей, часто дополняя работы политическими сообщениями. В рамках своего метода Розенквист собирал вырезки журналов, рекламных объявлений и фотографий, а затем использовал результаты в качестве вдохновения для его финального творчества. Навыки Розенквиста в создании афиш прекрасно пригождались ему в реалистичных изображениях этих коллажей, увеличенных до монументальных масштабов. Своими работами до 6 метров и более Розенквист как бы напитал обыденное тем же статусом, который ранее был зарезервирован лишь за предметами высокого искусства.

Д. Розенквист, «F-111», 1965 г

Энди Уорхол и многократное повторение

Э. Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962 г

Энди Уорхол известен своими яркими портретами знаменитостей, однако предмет его работ широко варьировался на протяжении всей его карьеры. Общим для всех его произведений является то, что они вдохновены массовой культурой потребления. В его ранних работах изображены такие предметы, как бутылки Coca-Cola и суп-банки Кэмпбелла, воспроизведенные до бесконечности, как будто стена галереи была полкой в супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати для дальнейшего облегчения крупномасштабного тиражирования поп-изображений. Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергла представления о художественной аутентичности и гении. Вместо этого он признал коммодификацию искусства, доказывая, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелл: оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как товары народного потребления. Он также приравнял знаменитостей к массовым товарам народного потребления в портретах, таких как “Мэрилин Диптих” (1962).

Э. Уорхол, “Мэрилин Диптих”, 1962 г

Клас Ольденбург и поп-скульптура

К. Ольденбург, мягкая скульптура из папье-маше

Известный своими монументальными публичными скульптурами бытовых предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру с гораздо меньших масштабов. В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке в течение месяца, где он установил и продал свою проволочную и гипсовую скульптуру из обыденных предметов, начиная от пирожных и заканчивая мужским и женским нижним бельем, которую он назвал The Store. Ольденбург взимал номинальную плату за каждый отдельный элемент, что подчеркивало его мнение о роли искусства как товара. Далее он начинает создавать свои мягкие скульптуры: большие повседневные предметы из ткани и набивки, такие как кусочек торта, конус мороженого или миксер. Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных вещах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к масштабному публичному искусству. Одной из наиболее известных его работ является «Прищепка» высотой 45 футов (1974) в центре Филадельфии.

К. Ольденбург, скульптура «Прищепка», Филадельфия (слева), скульптура «Огрызок» (справа)

Независимо от масштабов, работа Ольденбурга всегда содержит игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы оправдать ожидания зрителя.

Источник: http://lobsta.ru/pop-art-iskusstvo-vdohnovlennoe-massovoy-kulturoy/

Рой Лихтенштейн. Духовный мучитель человечества

Вот сколько можно – где ни начнешь дискурс, т.е. профессионально ограниченный базар, про Лихтенштейна (1923-1997), сразу начинается: «Ах, Лихтенштейн… ах, Лихтенштейн! Ах, его комиксы… ах, его комиксы!». Ну, разве что, в Пушкинском музэе* некоторые скажут: «Да, интересно он Пикассо трактовал, нестандартно так, знаете ли…».

Веселая игра

И пойдут задумчиво с Аполлона пыль смахивать.

А он, Лихтенштейн, с моей точки зрения, больше славен как раз не комиксами. Нет, они, конечно — «Ах!», и продаются вон за десятки млн долларов, но есть у него кое-что и получше. Ладно.

Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в приличной еврейской семье. Естественно, родители с юных лет прививали ему неистребимую любовь к прекрасному, т.е. к классическому искусству**. Альбомы, наверное, показывали. В музэй*** водили. Краски с ватманом покупали. И вон, что получилось.

Искусство Лихтенштейн стал изучать только в университете. Оттуда его забрали в армию, в 1943-44 гг. он служил на военных базах. Дембельнувшись, вернулся в университет. Но это все не важно. Важно то, что он получил степень магистра изящных искусств. Хотя, тоже не очень. Вот – важно то, что он стал этим типа изящным искусством заниматься.

В те, 1950-е гг., Лихтенштейн красил в нескольких направлениях. В кубизме красил, в экспрессионизме красил. Не пренебрегал и абстрактным экспрессионизмом – первым мировым американским брендом в авангардизме. Вот его экспрессионистические картинки того времени.

Герой возвращается

Индейцы преследуют американских драконов

Понятно, что в историю американского искусства он бы с ними попал, куда-нибудь в главу «Жанровая картина в нью-йоркской живописи 1945-60 гг. и влияние на нее традиций экспрессионизма». Но тут Лихтенштейну попалась на глаза жвачка.

Вернее, вкладыш из нее. Лихтенштейн скопировал вкладыш на холст – в увеличенном, понятно, размере. В результате он попал в то, что потом называлось горячей пятеркой поп-арта из Нью-Йорка (еще Раушенберг, Розенквист, Уорхол и Ольденбург).

И понеслось.

Смотри, Микки

Вот это первая работа того самого Лихтенштейна, которого все знают. 1961 год.

Что он сделал? Поверхность холста – она ведь практически сакральная, на ней в рамках традиционного искусства происходит таинство преображения постигаемого умом и чувством мира в плоское изображение, обогащенное тем, что называется «взгляд художника».

В рамках близлежащего абстрактного экспрессионизма на эту поверхность случается выплеск таинственных движений подсознания. В более раннем авангардизме выплескивают и преображают какие-то другие вещи.

В любом случае, речь идет об уникальном событии – художник творит! Этот творческий акт, в пределе, повторяет акт Божественного творения – художник создает свой мир. И, в результате, получается уникальная вещь – произведение. Даже если речь идет всего лишь о «Черном квадрате». Я, конечно, не говорю тут о дадаизме – с ним своя история.

И вот, в рамках этой возвышенной и почтенной традиции Лихтенштейн берет банальнейшую бумажонку и тупо переносит ее на холст. Где все? Где творческие муки, вдохновение, желание вложить в свою работу мысли, чувства, переживания, мечты? Где, хотя бы, простая человеческая радость оттого, что ты хочешь запечатлеть мир, и тебе это удается? Где-е-е?!!

А нигде. Поп-арт – а рассматриваемое произведение – это он и есть, не про это. Т.е., конечно, есть в нем все эти вышеперечисленные прекрасные вещи, но они хорошо скрыты под крепким, глянцево сверкающим и все на свете отражающим панцирем банальности, который нацепил на себя поп-арт. А там, внутри, он — хороший.

Кухонная плита

Тут надо бы немного, все-таки, вспомнить дадаизм. В тексте о поп-арте я уже говорил об их связи. Напомню, что после войны в США образовался всплеск интереса к дада – там жили Дюшан и еще несколько бывших дадаистов, были проведены несколько крупных выставок, посвященных дада, выходили альбомы и каталоги.

Поэтому появление чего-то, генетически восходящего к этому славному движению возмущенного духа, вполне понятно. Да и внутренняя логика развития искусства требовала какого-нибудь поп-арта – больно пафосно все было перед ним. Наверное, самое главное, что перекочевало из дадаизма в поп-арт – это всепоглощающая любовь к тривиальному.

Достаточно вспомнить великий дюшановский «Писсуар».

Рото Бройл

Поп-арт, он, в частности, о чем? Потребление – вот главный бог нашей цивилизации****. Со всеми своими эманациями: неуникальностью, поп-культурой, гламуром, китчем, тиражированием, приземленностью, меркантилизмом, жаждой потребления и прочими банальными вещами.

Все хотят иметь холодильник, машину, телевизор, десять пар обуви и отдых в Майами. Вот постичь тайны экзистенциализма, додекафонии или творчества Рогира ван дер Вейдена не хочет никто. И квантовая механика никого не трясет. А искусство – оно же самое главное должно выражать. Вот оно и выражает – нового бога. Через его проявления.

Например, через вкладыш из пачки с жевательной резинкой. Но делает это не так злобно и агрессивно, как это делал дадаизм, а с любовью, в сущности. Типа, художнику тоже нравится такой мир потребления. Ирония там, безусловно, есть, но она скрыта вот этим миролюбием и как бы совпадением позиций автора и зрителя.

Мы же с тобой оба знаем, что бытовая техника – это замечательно и ее изображение ничем не хуже, а местами даже лучше, чем «Мона Лиза». Что нам эта далекая тетка? А техника – она вот, мы ее знаем. Она дарит нам комфорт и чувство удовлетворения от того, что она у нас есть, ибо обладать ею – престижно, а пользоваться — удобно.

И, вообще, она – красивая. «Почему вы думаете, что холм или дерево красивее, чем газовый насос? Только потому, что для вас это привычная условность. Я привлекаю внимание к высшим свойствам банальных вещей».

Конечно, Лихтенштейн не с пня упал. Он был знаком с Ольденбургом. Уже существовал «Флаг» Джонса, уже были работы Раушенберга.

• Ну, надо поговорить об его знаменитых комиксах.
• У-а-а-м!
• М-может быть

Прелесть этого жанра в том, что комикс – это, в отличие от вкладыша или рекламы техники, такой эрзац-культурный символ.

Комикс, являясь могучим представителем общества потребления, проходит вроде как по его духовному департаменту, но при этом уровень этой духовности там на уровне конфорки газовой плиты. Но – как бы культура. Т.е.

вся описанная выше игра здесь усложняется. Типа, поп-арт все-таки занялся настоящим искусством.

Комикс – название тут не совсем точное. Это картинка из комикса. Лихтенштейн обрывает все ее сюжетные связи по сторонам прямоугольника, что, конечно, является дополнительным добрым издевательством над зрителем. Ну, и тщательно копирует типографскую технику – раст, небольшой набор цветов, черный жирный силуэт и т.д.

Но мало того, что он превратил комикс в станковую живопись. Он превратил его в скульптуру. Мощнейший ход.

Взрыв шляпы II

Блондинка

Сделав все, что он мог, с массовой печатной продукцией, Лихтенштейн совершает совершенно нахальный кульбит. В конце 1960-х гг. он стал работать с мировым искусством в диапазоне от Моне до абстрактного экспрессионизма. Начал он с последнего.

Желтые и зеленые мазки

В своей комиксной манере, к которой он уже приучил весь мир, он изобразил отдельно взятые мазки – сочные, пастозные, с потеками – из арсенала абстрактных экспрессионистов. А потом пошли все остальные направления.

Красный всадник

Это вот – футуризм. Смысл тут какой? Интересный, конечно. Лихтенштейн совершает обратное движение. Он никак не дает любителю прекрасного успокоиться.

Только тот искренне научился ценить изображения всякой массовой тиражированной хрени больше, чем пейзажи школы реки Гудзон*****, как ему тем же изобразительным языком говорят – смотри опять настоящее искусство.

Ну, что ты будешь делать? И вот это мне нравится больше, чем комиксы. Хотя, конечно, может, просто приелись. Да без них и этот ход бы не сработал. Ладно, пусть будут.

В последние годы жизни Лихтенштейн дошел до интерпретаций средневекового дальневосточного искусства.

Пейзаж с учительским камнем (Гонгши)

Это – одна из последних его работ. Дальше идти было некуда. Впереди был Тихий океан, за ним – опять начиналась Америка. Поэтому Лихтенштейн умер.

1. Бонусы
2. Современная скульптура с отверстиями
3. Трибьют русскому авангарду.
4. Голубая обнаженная

Тоже из области искусства. Художники над голой женщиной в XX веке как только не измывались.

• На выходе
• Ну, это что-то из Леже.
• Девушка со слезой
• Пикассо, конечно.
• Экспрессионистическая голова
• Хоть она так и названа, но тоже какой-то кубизм.
• Лицо Барселоны
• Это напоминает экспрессионизм его юности.
• BMW 320i

Почему-то этот немецкий концерн очень любил приглашать американских поп-артистов расписывать свои новые модели. Это модель 1977 года. Лихтенштейн красил, естественно.

Интерьер с Аяксом

Одна из последних работ Лихтенштейна. Все-таки, было ему куда двигаться – во времени. Вот, Аякс появился.

* Знаю, как пишется.

** Когда Лихтенштейн начал красить свои знаменитые картинки, его родители пришли в ужас. Этому они его разве учили!

*** См. *

**** Оно везде – бог. Там, где потреблять нечего, он живет в виде мечты о потреблении. Вспомните советское время.

***** Для американцев то же, что для нас – передвижники. Вадим Кругликов

Источник: https://adindex.ru/publication/gallery/2012/10/26/94196.phtml

Рой Лихтенштейн картины

Рой Лихтенштейн (Roy Fox Lichtenstein) — знаменитый американский художник в стиле поп-арт. Родился в 1923 году, на Манхеттене, США. Детское увлечение искусством со временем переросло в самую сильную страсть художника.

Он поступил на курсы по искусству в Огайо, однако после трёх лет обучения ушёл на службу, так как началась Вторая Мировая война. После войны он продолжил обучение и даже был преподавателем в течение 10 лет в художественном университете.

В этом же университете в Огайо он получил степень магистра изящных искусств.

Первая выставка Роя Лихтенштейна прошла в Нью-Йорке в 1951 году. В начале своей художественной карьеры художник предпочитал такие стили и жанры, как кубизм и экспрессионизм.

Рой Лихтенштейн создал собственный поп-арт. Он брал понравившиеся картинки из комиксов и увеличивал их во множество раз. Причём, увеличение он делал вручную, просто перерисовывая картинку в большем формате, но с соблюдением всех растровых точек, которые получаются при печати.

Большие картинки из комиксов получались как бы созданными из множества крупных точек, что можно где-то отдалённо сравнить с пуантилизмом. Для печати своих работ он использовал шелкографию и трафаретную печать.

На выставки поп-арт художника приходили не только обычные зрители, критики и ценители, но и авторы комиксов, которые неожиданно для себя находили свои собственные рисунки теперь уже в роли картин. За свою жизнь получил множество престижных наград и премий. Был дружен с Энди Уорхолом.

Работы художника считаются одними из самых дорогих не только среди всех художников поп-арта, но и всех художников мира прошлого и настоящего. Цены на них доходят до рекордных высот. Вот лишь несколько из них: «Torpedo…Los!» — 5,5 млн. долларов, «In the Car» — 16,2 млн. долларов, «Ohhh . . . Alright . . .» — 42,6 млн.

долларов, «I Can See the Whole Room! … and There’s Nobody in It!» — 43 млн. долларов, «Спящая девушка» — 44,8 млн. долларов.

Художник Рой Лихтенштейн, оставивший значимый след в искусстве поп-арта, умер в 1997 году на Манхеттене.

Любите хорошее кино в отличном качестве? Российские фильмы смотреть онлайн вы можете в любое время в интернет-кинотеатре Cinema-HD. Кроме того, здесь же вы найдёте сериалы, боевики, комедии, ужасы, клипы и многое другое.

Безнадежность

Бум

Веселая игра

Возвращение героя

Голубая обнаженная

Девушка с мячом

Ковбой спиной на лошаде

Красный всадник

Кухоная плита

Лицо Барселоны

М-может быть

На выходе

О, Джефф… Я тоже люблю тебя… Но…

Ох… Ну хорошо

Плачущая девушка

Поцелуй

Рото Бройл

Смотри, Микки

Танец

Тонущая девушка

Шедевр

Яхты сквозь деревья

Источник: https://art-assorty.ru/5492-roy-lihtenshteyn-kartiny.html

Рассказали в красках

Эту магию проще описать словами, и, конечно, писателям, от гениев до безымянных создателей дамских романов в мягких обложках, рассказать о поцелуе довольно просто. И тем не менее художники вновь и вновь обращаются к той же теме. Wedding выбрал самые известные картины, которые говорят о любвина языке искусства.

• По-русски (Марк Шагал «Зеленые любовники», 1914 г., частная коллекция)

 

Часто мы слышим от влюбленных: «Я будто во сне». Марк Шагал был тем художником, который смог превратить сон в реальность, перенеся его на холст. Герои его картин парят в воздухе и зависают в невесомости. Шагал отменил закон гравитации и описал тех самых бабочек, которые поднимают человека ввысь.

Цикл «Любовники» писался под вдохновением брака с его первой женой Беллой Розендельф. К сожалению, смерть их разлучила, но даже позднее женившись второй раз, он не уставал повторять, что только девушка из Витебска была для него всем.

В этот цикл входят картины целующихся «Синие любовники», «Розовые любовники», «Серые…» и «Зеленые…». Цветом художник описывал эмоции: сдержанность, нежность, меланхоличность и умиротворение.

Так как зеленый — это цвет плодородия, любовники, лица которых раскрашены им — история о рождении чего-то нового. Шагал изобразил то самое начало поцелуя: двое замерли в ожидании.

• По-французски (Анри де Тулуз-Лотрек «Поцелуй в постели», 1892 г., частная коллекция)

 Постель — самое интимное и незащищенное место, в котором человек расслаблен и максимально уязвим. Анри Тулуз-Лотрек «положил» влюбленных в одну кровать, они обнажены и укутаны облаком-одеялом.

Художник мог использовать любой цвет и принт для постельного белья, но предпочел именно голубой, что говорит о чистых и искренних отношениях людей. Понятно, что это чуть больше, чем поцелуй, но художнику удалось удержать грань между эротикой и вульгарностью. Все самое откровенное осталось за кадром.

Чтобы понять, что это нечто большее существует  остальное показывать и не нужно — любовь имеет право на таинство.

• По-английски (Фредерик Лейтон «Рыбак и сирена», 1856—1858 гг, частная коллекция)

 Фредерик Лейтон искусно владел кистью в классицистической живописи, сюжетами его картин часто становились истории из античной литературы, а главной героиней, конечно, женщина.

В основу сюжета картины «Рыбак и сирена» легла легенда о сладкоголосых полуженщинах-полурыбах, которые заманивали рыбаков в свою обитель, где те погибали.

На картине изображен юноша, утративший всякую возможность здраво мыслить, поддавшийся искушению и доживающий последние минуты своей жизни. Не самая ужасная смерть: в объятиях красивой, пусть и коварной женщины.

• По-итальянски (Франческо Айец, «Поцелуй», 1859 г., частная коллекция)

 Одной из главных работ в творчестве Франческо Айеца, писавшего в стиле романтизма, стала картина «Поцелуй». Она представляет собой аллюзию на Ромео и Джульетту Шекспира и Ренцо и Лючию из романа Алессандро Мандзони «Обручённые».

Обе любовные пары стали жертвами обстоятельств, в которых не могут быть вместе, и ради совместного будущего им нужно расстаться. У зрителя есть возможность будто случайно пройти мимо и заметить прощальный поцелуй двоих возлюбленных.

• По-испански (Пабло Пикассо «Фигуры на берегу моря (Поцелуй)», музей Пабло Пикассо в Париже.)

 У Пабло Пикассо есть несколько картин с изображением поцелуя, но, наверное, именно эта картина «Фигуры на берегу моря» максимально честно описывает, что происходит внутри и снаружи страстно влюбленных людей.

Уже не понятно, где здесь рука, нога, все смешалось в истерии страсти и хочется рассматривать картину, собирая любовников по пазлам.

Возможно, художник предпочел не идентифицировать людей и просто назвать их фигурами, тем самым максимально обнажив их перед нами, потому что настоящий чувственный импульс человека всегда далек от разума и уже неважно где заканчивается он и начинается она.

• По-немецки (Макс Эрнст «Поцелуй», 1927 г., музей Гуггенхайма в Берлине)

Ещё один представитель сюрреализма, но уже немецкого, Макс Эрнст и его картина «Поцелуй». Эта работа — чистое воплощение идеи любви, в соединении двух таких разных и одновременно одинаковых миров мужчины и женщины. Голубое небо и коричневая земля запутываются в нитях, образуя один клубок любви, нежности и страсти.

• По-американски (Рой Лихтенштейн «Поцелуй», 1962 г., частная коллекция)

 Можно ли скупыми линиями и лаконично нанесенными красками изобразить целый спектр человеческих эмоций: отчаяние, нежность, страсть? Поп-арт художник Рой Лихтенштейн справился с этим на отлично.

Он прославился работами на основе комиксов, но чтобы изобразить действие, ему не нужно было писать целую серию картин, история писалась на одном полотне.

Его знаменитые целующиеся возлюбленные, несмотря на кажущуюся статичность, полны жизни и кажутся не менее реальными, чем мы с вами.

• По-норвежски (Эдвард Мунк «Поцелуй», 1897 г., музей Мунка, Осло)

Эдвард Мунк написал цикл картин «Поцелуй», узнать их все можно по отличительной черте — влюбленные изображены у окна. Оно отделяет двух людей от социального мира, подчеркивая важность того, что происходит только здесь и сейчас. Влюбленные Мунка лишены лиц и уже неважно красивы они или нет, сколько им лет, сейчас они представляют одно целое.

• По-австрийски (Густав Климт «Поцелуй», 1907-1908 гг., галерея Бельведер, Вена)

История создания «Поцелуя» Густава Климта гласит, что некий граф заказал у него картину для своей возлюбленной, на котором попросил изобразить их пару целующейся. Климт выполнил пожелание, и заказчик был доволен.

Но его мучил один вопрос: почему уста влюбленных так и не сомкнулись? Художник ответил, что хотел описать чувства и мотивы поцелуя.

«Поцелуй» Климта —  картина невероятно интимная и по эмоциональности очень наполненная, потому что нет ничего откровеннее и честнее надежды и ожидания.

• По-бельгийски (Рене Магритт «Влюбленные», 1828 г., музей современного искусства, Нью-Йорк)

Трактовать картину «Влюбленные» Рене Магритта можно по-разному.

Кто-то подумает, что поцелуй через простыни — это олицетворение фразы «Любовь слепа», и влюбленные являются загадкой не только для друг друга, но и для окружающих.

А кто-то оптимистично скажет, что мужчина и женщина сумели постичь любовь такой силы, что способны ощутить настоящую близость, несмотря на любые покровы тайн и разделяющие их преграды — каждый увидит то, что ему близко.  

Источник: https://www.wedding-magazine.ru/articles/blog/53033

Лихтенштейн, Рой (Roy Lichtenstein)

Рой Лихтенштейн (Roy Lichtenstein) (1923 – 1997) – популярный американский художник, представитель поп-арта. Известен работами в стиле фиксированного рисунка на основе комиксов, мультфильмов и журнальной графики. В своем творчестве Рой использовал технологии промышленной печати: шелкографию и трафаретную печать. Помимо поп-арта Лихтенштейн также работал в стилях экспрессионизм, кубизм и абстракционизм. Был дружен с Энди Уорхолом (Andy Warhol).

Звучное имя Роя Лихтенштейна весьма удачно сочетает в себе главные творческие достижения этого художника. Яркие и выразительные звуки сплетаются в красивую и изысканную конструкцию, аналогично тому, как под рукой мастера образы массовой поп-культуры соединялись с истинными принципами живописного искусства.

Детские годы Роя прошли в серой атмосфере стандартной общеобразовательной школы, а затем и школы Франклина в Манхеттене. Ни в одном из этих учебных заведений не преподавалось искусство, поэтому начальные шаги в живописи и дизайне Рою пришлось совершать в формате хобби.

Кто знает, может именно поэтому основной причиной вдохновения художника стали образцы из области массовой культуры.

Киноафиши, комиксы и реклама – все эти далекие от традиционного искусства объекты Рой впоследствии преобразовал в иконографические экспонаты потребительской культуры Америки.

Первые годы своей жизни Рой Лихтенштейн провел в родном Нью-Йорке. Но, получив стандартное образование, он направился в Кливленд. Со сменой места преобразился и уклад жизни: периоды активного творчества сменялись периодами поиска работы.

И этот поиск, надо признать, бывал удачным, приводя порой к хорошим творческим должностям вроде помощника декоратора. Радостными событиями отмечена и личная сторона его жизни: с разницей в 2 года (1954 и 1956 гг.

) у Роя рождаются сыновья Дэвид и Митчелл.

Учебные заведения высшего звена являются местом заметной концентрации таланта. Именно здесь Лихтенштейн находит прекрасного идеолога для своего творчества в лице известного американского художника и теоретика искусства Аллана Капроу (Allan Kaprow).

Вдохновленный его идеями, Лихтенштейн создает свои первые работы в стиле поп-арт.

Техника Роя Лихтенштейна заключалась в своеобразной обработке понравившихся изображений, взятых из журналов и мультфильмов.

Картинки увеличивались путем ручной перерисовки растра, а затем печатались при помощи простого трафарета или шелкографии. Но художник не пытался сохранить точное соответствие оригиналу.

 В своих работах он стремился к заметному усилению ироничных и саркастичных черт своих персонажей.

Данная техника не была какой-то очень сложной, но в своих работах автор сумел уловить и путем особого выразительного языка жестов и ситуаций передать зрителю столь понятные и близкие для американской культуры состояния и настроения, что не мог остаться незамеченным.

Ироничный взгляд художника на массовую культуру раскрывал саму суть навязываемых идеологических и ценностных стереотипов общества. В наше время похожий прием часто используется в искусстве современного демотиватора. Неслучайно Рой Лихтенштейн заслужил такое количество разнообразных премий.

И неслучайно его работы продаются за миллионы долларов.

Награды:

• Медаль Скоухеганской школы (Скоухеган, Мэн), 1977
• Премия американской академии искусств и писем (Нью-Йорк), 1979
• Премия американской академии в Риме (Рим, Италия), 1989
• Премия «За творчество в живописи» Университета Брандейса (Уолтем, Массачусетс), 1991
• Премия «Друзья Барселоны» (от мэра Барселоны Паскуаля Марагаля), 1993
• Национальная медаль искусств (Вашингтон, округ Колумбия), 1995
• Премия японского фонда Инамори (Киото, Япония), 1995

Рекорды продаж работ художника:

• Работа «Торпеда… Огонь!» (Torpedo…Los!) продана за $ 5,5 млн. на аукционе Кристис, 1989.
• Работа «В машине» (In the Car) продана за 10 млн. фунтов стерлингов ($ 16,2), 2005.
• Работа «Оххх… Хорошо…» (Ohhh . . . Alright . . .) (1964) продана за 26,7 млн. фунтов стерлингов ($ 42,6 млн.) на аукционе Кристис, 2010.
• Работа «Я вижу гостиную! … и в ней никого!» (I Can See the Whole Room! … and There’s Nobody in It!) (1961) продана за $ 43 млн. на аукционе Кристис, 2011
• Работа «Спящая девушка» (Sleeping Girl) продана за $ 44,8 млн. на аукционе Сотбис. Самая дорогая из работ художника.

Торпеда… Огонь!

Оххх… Хорошо…

В машине

Я вижу гостиную! … и в ней никого!

Спящая девушка

Бах!

М-может быть

Девушка со слезой

Бам!

Ррррррррррр

Поцелуй

Смотри, Микки

Источник: https://www.kultoboz.ru/roy-lichtenstein

Художник Рой Лихтенштейн – король комиксов

Результаты недавнего теста «Чья скульптура?» навели меня на мысль о том, что не все, оказывается, знакомы с творчеством «поп-артиста» Роя Лихтенштейна. Заполним этот пробел его разноцветными точками?

Многие из Вас перепутали его с Энди Уорхолом. Что ж, это немудрено, учитывая принадлежность обоих к классу мастеров поп-арта – той точки, где элитарная культура сливается с массовой (к слову о точках).

Привожу свой перевод отрывка статьи из журнала Frieze о Рое Лихтенштейне. Автор – Ара Мерджиян (Ara H.

«На протяжении своего извилистого пути искусство Роя Лихтенштейна было невероятно восприимчивым к истории искусства. И речь не только о серии гравюр и картин, созданных им в 1968-1969 годах «в ответ» на стога сена Клода Моне, и не только о цитировании Анри Матисса в «Натюрморте с полулежащей обнаженной» (этюд 1997 года).

Рой Лихтенштейн, Натюрморт с полулежащей обнаженнойРой Лихтенштейн, Стог сенаКлод Моне, Стог сена

Само то, как его живопись передает видимый мир и метафоризирует его – пульс творчества Лихтенштейна, хотя порой он заметен только на поверхности. Фишка художника – фоновые точки – материализируют образ, дистанцируя его и придавая ироничное звучание. Они одновременно и напоминают портреты Чака Клоуза, и «оглядываются» на пуантилизм Жоржа Сера.

Рой Лихтенштейн, Девушка со слезой IIIРой Лихтенштейн, ПоцелуйРой Лихтенштейн, М-может быть

До 1961 года его работы были построенны по таким же принципам, как картины Энди Уорхола. Поэтому их гребли под ту же гребенку, что и более кричащую и броскую живопись его коллеги. Но есть несколько нюансов.

Конечно, упрощение эмоций и индивидуальных черт – именно те цели, которые преследовал поп-арт, сторонившийся при этом слишком эксцентричных живописных средств. Но сам Лихтенштейн вскоре вышел на абстрактно-экспрессионистскую орбиту.

Однако изображение объектов популярной культуры в нескольких абстрактных работ, похоже, уже предвещало что-то принципиально новое.

Маленькая большая картина

Обучение в Ратгерский университете и дружба с Алланом Капроу (его работа «Импровизации» (Happenings) перевела живопись в режим реального времени) усилили интерес Лихтенштейна к комиксам и товарам народного потребления.

Поп-арт позволял себе изображать объекты, которые словно испарялись в разреженном воздухе торжественно-молчаливого абстрактного экспрессионизма.

Изображения повседневных объектов, таких как шина или кольцо, привлекают внимание зрителя не меньше, чем христоматийный рисунок «Смотри, Микки!».

Рой Лихтенштейн, КольцоРой Лихтенштейн, Смотри, Микки

Рой Лихтенштейн, Бум

Читайте также статью «Пин-ап: откуда ноги растут?»

Перевод статьи с сайта https://frieze.com. Статья была впервые опубликована в моем арт-блоге.

Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/5a928a644826776268e5af72/5c46da560fa41100ac49caf5