Портрет амбруаза воллара, пикассо, 1910

Авиньонские девицы

Масло, холст 244 x233,7 см, 1907, Нью-Йорк Музей современного искусства

Портрет Амбруаза Воллара

Один из самых известных портретов работы Пикассо, пример свойственных кубизму приемов декомпозиции. Амбруаз Воллар был парижским торговцем предметами искусства, его галерея принимала величайших французских художников, начиная с импрессионистов. Воллар еще в 1901 году распознал талант Пикассо.

Тут его лицо разъято, разделено на грани: большие геометрические плоскости произведений, непосредственно предшествующих возникновению кубизма, здесь теряют связи, гарантировавшие органичность формы, требуя от зрителя интеллектуального понимания.

Цвет изображения стремится к унификации, рождается общий тон, который — как уже было во время «голубого периода» — граничит с монохромностью. Через несколько лет, с распространением кубизма среди других французских художников, портрет станет своего рода эталоном, стандартом «а ля Пикассо».

Необычный угол зрения

В картине поражает прежде всего неожиданный угол зрения, благодаря которому можно видеть даже затылок головы Воллара. Кроме портретов Воллара и Уде Пикассо создает также и портрет своего друга, торговца Даниэля Канвейлера.

Коро в обмен

«Портрет Вильгельма Уде» (1910, Сент-Луис, Пулитцер). Уде был одним из первых, кто приобрел произведения Пикассо. Он входил в группу, объединенную вокруг Гертруды Стайн. В обмен на портрет он подарил Пикассо картину Коро.

Портрет Амбруаза Воллара

Масло, холст 92×65 см, 1910 Москва, ГМИИ им. А.С.Пушкина.

Натюрморт с соломенным стулом

Беспощадность кубистических деформаций в начале периода кубизма резко обособила произведения Пикассо и Брака. Они чувствовали потребность перенести на холст детали, которые позволят угадывать сюжеты. Они вставляли в картины фрагменты рисунков в реалистической манере и проштампованные письма.

Желая изобразить стул, Пикассо приклеивает на холст кусочек вощанки с отпечатком соломенного плетения стула и окружает картину по периметру веревкой. Это обманчивое изображение на самом деле усиливает отнюдь не обманчивое впечатление от рисунка, утверждая обособленность современного художественного выражения.

Это важнейшее произведение, предваряющее многие поэтические творения будущего, от ready-made до поп-искусства. И Пикассо, прекрасно осознавая это, не желал с ним расставаться.

Портрет газеты

Пикассо часто использовал в картинах титульные листы и страницы ежедневника «Журналь», который тогда читал.

Предметная живопись

Гертруда Стайн писала: «Он начал развлекаться, создавая картины с листами цинка, жести, папье-колле. Из всех этих вещей он создавал не скульптуру, но живопись». «Гитара, ноты и стакан» (1912, Музей искусств Марион Кооглер Мак Ней, Техас).

Натюрморт с соломенным стулом

Масло, холст 29×37 см, 1912 Париж, Музей Пикассо

«Стол с бутылкой и стаканом» (1912)

«Мертвые птицы» (1912, Мадрид, Прадо).

Флейта Пана

С концом войны неугомонный, беспокойный дух авангарда решает перевернуть традицию.

Этот рисунок убедительно иллюстрирует способ, которым Пикассо отреагировал своим творчеством на создавшуюся ситуацию.

Осознавая свои возможности и считая период кубизма законченным, Пикассо не намеревается более меряться силами с реальностью и бросает вызов самому сокровенному в истории официального искусства.

Внимание к размерам, поддерживавшее творческий поиск в период кубизма, превращается теперь в медитацию на тему классической линии французской живописи, от Пуссена до Давида и Энгра.

Даже экономное использование палитры, содержащей теперь исключительно вариации нескольких основных тонов, нацелено на то, чтобы подчеркнуть строгость, которой отмечена данная стадия его искусства.

Нельзя недооценить и интерес к греческой и римской живописи и скульптуре, возникший у художника после посещения Помпеев во время поездки по Италии.

Балет

Внизу «Женщины, бегущие по пляжу» (1922, Париж, Музей Пикассо). Это произведение стало символом неоклассического поиска, которому Пикассо посвятил начало двадцатых годов. Картина послужила украшением театрального занавеса для «Голубого поезда», балета, поставленного русским хореографом Дягилевым на музыку Дариуса Мильо и текст Жана Кокто.

Ссылки на классику

«Флейта Пана» — одна из важнейших картин «неоклассического периода» в творчестве Пикассо. Он возрождает множество фрагментов прошлого в композиции своей картины: «Купальщицу» Сезанна, «Аполлона и Марсию» Перуджи но и даже несколько помпейских фресок, изображающих Пана и нимф, увиденных им в 1917 году во время поездки в Италию.

Флейта Пана

Масло, холст 205×1745,1923 Париж, Музей Пикассо

Танец

Характерной чертой живописи Пикассо является умение одновременно проводить исследования в самых различных, казалось бы далеких друг от друга направлениях.

Например, эта картина по своей манере коренным образом отличается от великих «неоклассических» работ той эпохи. Такого рода композиция не смогла бы существовать без опыта кубистского периода (это очевидно при взгляде на фигуру танцовщицы в центре), но теперь Пикассо обращается к живописи, отдающей дань двухмерности изображения.

Цвет становится необычайно живой и важной деталью, что прежде было необычно для произведений Пикассо, тогда как символический смысл в картонах этого периода не столь подчеркнут и необходим, как раньше: фигуры возникают из скрученных линий и зигзагов (взгляните на танцовщицу, изображенную слева), которые можно найти также в произведениях еще одного каталонца, живущего в Париже, — Жоана Миро.

Это ,несомненно, свидетельствует о влиянии сюрреализма на его работы.

Снова кубизм

Лицо центральной танцовщицы в «Танце» напоминает образ с картины «фигура» 1927 года, помещенной внизу. Особая манера искажения черт, типичная для живописи Пикассо, стала заключительным открытием его художественного поиска, начатого в период кубизма.

Решающий год

1925 год стал решающим для Пикассо: он участвовал в выставке, объединившей произведения Андре Массона, Жоана Миро, Мана Рея, Пауля Клее и Ханса Арпа. Тем не менее Пикассо не присоединился к новому сюрреалистическому движению и часто критиковал его.

• Танец
• Масло, холст 215 х 142 см, 1925 Лондон, Галерея Тейт

Герника

Пикассо хотел посвятить картину испанскому городу, подвергшемуся нацистской бомбардировке, передав ее испанскому павильону на Международной выставке искусства и техники в Париже в 1937 году.

«Герника» — результат творческого исследования, начатого художником в то время, когда он сблизился с сюрреалистами, в сочетании с другим сильнейшим интересом, мифотворчеством.

Эти два источника вдохновения помогают понять монументальный характер многих произведений Пикассо, созданных им после тридцатых годов, как новаторский художественный монументализм, в котором ссылки на современность (чернобелое изображение напоминает фотографии сцен гражданской войны в Испании) соседствуют с великими историческими примерами живописи «большого формата», от комнат Ватикана работы Рафаэля (ассоциации с которыми порождают многие из фигур, изображенных на картине) до искусства тринадцатого века, с его триумфальным шествием смерти по средиземноморскому побережью.

Источник: https://dom-knig.com/read_180384-7

Амбруаз Воллар

В розовый и голубой период творчества испанского мэтра месье Воллар покупал и продавал его работы по приятной для художника цене с приятной для себя комиссией. В 1901 году Воллар организовал первую крупную выставку Пикассо.

Затем испанец переключился на кубизм, но Воллар такие эксперименты продавать отказался. Однако спустя пару десятков лет их сотрудничество восстановилось.
Портрет Амбруаза Воллара с котом. Пабло Пикассо

Многие художники рисовали портреты Воллара, но Пикассо был, пожалуй, самым продуктивным в этом вопросе. Первый портрет в стиле (1910 г.) Воллару не понравился, зато понравился Щукину — работа уехала в Москву и теперь обитает в Государственном музее им. Пушкина. В следующие годы Пикассо нарисовал множество портретов, классических и не очень — всего около 20-ти. Публика видела далеко не все.

Именно Воллар надоумил Пикассо рисовать на керамике,понимая, что дорогие сувениры — именно то, что может заинтересовать богатых покупателей. Так и случилось.

В Париже начала XX века было так много талантов, что не выжать из них что-то принципиально новое для Воллара было бы стыдно. В какой-то момент маршан понял, что галерея — слишком мало для его бизнеса. Он осознавал, что мир в XX веке быстро меняется, запросы публики — тоже, а значит, надо заранее угадывать, что станет популярным завтра.

Воллар первым придумал издавать арт-буки и привлекать к этому художников.
Пикассо, Матисс, Сезанн, Шагал и многие другие сотрудничали с издательством Амбруаза Воллара.

Пикассо создал для арт-дилера серию офортов про Минотавра,Шагал — иллюстрации к Библии.
Дега проиллюстрировал «Заведение Телье» Ги де Мопассана. Кстати, эта книга вышла ограниченным тиражом,и Пикассо очень гордился экземпляром в своей коллекции.

Без Воллара Шагалу в первые годы эмиграции пришлось бы очень несладко. Маршан организовал для него заказы на иллюстрации к Гоголю и Лафонтену — на эти гонорары Шагал прожил несколько месяцев.

Прежде чем попасть в галерею к Воллару, Матисс успел неплохо поскитаться по Европе — долго,но безуспешно. Вернувшись в Париж, он был в таком отчаянии, что пытался устроиться в театр на постыдную работу: охранять за кулисами лестницу без перил, с которой однажды упал работник и разбился насмерть. На эту работу художника не взяли.

Воллар же устроил у себя в галерее первую персональную выставку Матисса. За окном стоял 1894 год. Полотна фовиста продались неплохо в основном не из-за спроса, а из-за низкой цены. Это позволило художнику хоть как-то удержать брюки на талии.

Арт-дилера трижды писал Ренуар, несметное количество раз — Пикассо, дважды — Морис Дени, а также многие другие. Казалось, вся арт-богема Парижа хочет потешить тщеславие Воллара, чтобы получить награду — отличного арт-дилера. Хотя месье Амбруаза сложно было назвать просто арт-дилером — скорее,он был бизнесменом и куратором искусства в одном флаконе.

Интересно,что любимым для Воллара был не портрет кисти Сезанна(1895 г.), которого арт-дилер очень любил,а работа Боннара. Секрет прост: Боннар «посадил» на руки арт-дилеру любимого кота. Этот прием использовали и другие художники, но только Боннару удалось выполнить портрет без китча и лишних экспериментов (последними грешил Пикассо).
Портрет Амбруаза Воллара с котом. Пьер Боннар jpg

Работа была жизнью Воллара, а вот семью он так и не завел. Постоянно рядом с ним находились только картины и кот — именно поэтому на половине портретов питомец увековечен вместе с хозяином.

О личной жизни Амбруаза Воллара известно мало. Его называли «человеком с лицом бульдога, но богатым внутренним миром», обвиняли в излишней бизнес-хватке, но при этом любили, временно уходили к другим агентам — но возвращались.

Погиб «патрон постимпрессионизма» в автокатастрофе в свои 73 (1939 г.), не дожив до ужасов войны. Их увидели «дети» Амбруаза — коллекция полотен. Часть из них досталась дальним родственникам, часть разлетелась по свету.

Амбруаз Воллар одетый как тореадор. Пьер Огюст Ренуар

Мы привыкли думать, что музы — бестелесые духи или красивые девушки. Но реальная «муза» выглядит как Воллар: человек с угрюмым лицом, отличным вкусом и большими планами.
Для искусства XX века он сделал не меньше, чем сами художники — он дал им свободу творчества. Как такого не любить?

Источник: http://artwoa.ru/articles/ambruaz-vollar/

Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара». Описание картины

Поразительное произведение великого Пикассо. Картина была создана зимой 1909-1910 г. и ознаменовала рождение нового стиля – аналитический или стереометрический кубизм.

Само направление сосредотачивается на перевоплощении пространства путём упрощения и рационализации, в результате мы получаем окружающий мир, сложенный из простых геометрических фигур, не теряющий при этом объёма.

Амбруаз Воллар был известным в ту пору коллекционером, издателем, а также торговцем произведениями искусства. За материальную и моральную поддержку ему были благодарны множества выдающихся художников – Гоген, Сезанн, Ван Гог. Оказывал Воллар покровительство и Пабло Пикассо, хотя и не принял его революционный кубизм.

Портрет Амбруаза Воллара напоминает разбитое зеркало, отражение которого успело чудодейственным способом сохранить лицо смотрящегося. Все фрагменты картины расчленены и одновременно собраны в единую гармоничную конструкцию из чистых кристаллов.

Несмотря на оригинальную манеру написания, современники сходились во мнении, что данный портрет является самым лучшим из когда-либо написанных пусть даже и в реалистичной манере.

Кстати, среди авторов, которые писали этого видного человека сплошь звёзды художественного мира — Ренуар, Валлотон, Сезанн, Дени, Боннар.

Сам Воллар не без удовольствия вспоминал, как маленький четырёхлетний сын одного из его друзей, впервые увидев портрет кисти Пикассо, воскликнул: «Это же дядя Амбруаз!».

На картине мы можем рассмотреть и отметить приплюснутый нос Воллара, прямой высокий лоб, закрытые глаза, драматичное выражение лица, Пикассо даёт рассмотреть зрителю даже затылок героя (такой ход, где сразу приведены элементы разных ракурсов часто можно встретить в портретных работах Пикассо). В одежде ощущается щепетильность и элегантность, на что указывает белоснежный платок, выглядывающий из кармана.

Цвета монохромны и не контрастны – главную роль здесь играет сложносоставная геометрическая конструкция. Преобладают жёлтые, чёрные, серые и коричневые плавно переходящие друг в друга оттенки.

Вскоре создания, портрет был куплен купцом Сергеем Щукиным и перевезён в Россию. Картина по сей день находится в Государственном музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, являясь общепризнанным лучшим шедевром аналитического кубизма.

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. Холст, масло. 92 x 65 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А. С. Пушкина

Источник: http://picasso-picasso.ru/pablo-pikasso-portret-ambruaza-vollara/

Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара»

Описание картины Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара»

Пикассо создает эту картину в 1810 году.

Это творение написано им в стиле кубизма (аналитический его тип). Такой кубизм еще носит характерное название объемного. Все изображение состоит из отдельных частей.

Каждый фрагмент отделен друг от друга и причудливо рассредоточен по пространству всего полотна. Создается впечатление, что это разбитое зеркало, составленное из осколков разного размера.

Но в этом недавно сломанном зеркале еще можно угадать очертания того человека, который смотрелся в него не столь давно.

Художник изображает очень известного в Париже человека. Он торговал всевозможными произведениями искусства. В этом портрете можно угадать невероятно точный образ Воллара. В его одежде мы ощущаем некоторую щепетильность: платок белоснежного цвета выглядывает из его кармана. Известно, что Воллар был действительно невероятно элегантен.

Перед зрителем предстает разъятое на отдельные структуры лицо. Он состоит из плоскостей геометрического типа, которые предполагают обязательное интеллектуальное понимание этого необычного произведения. Цвета достаточно монохромны.

Можно лишь ощутить довольно темные тона, преобладающие на общем фоне. Контрастов здесь практически нет. Здесь доминирует конструкция, все построение нарочито усложнено. Лицо героя невероятно драматично.

Здесь кубизм наделен стилевыми особенностями абстракционизма.

Не может не поразить столь необычный угол зрения, открывающий зрителю даже затылок персонажа картины, но при этом мы не перестаем видеть его лицо. Совсем скоро именно эта работа станет для художников кубизма неким эталоном. Общепризнанно, что Пикассо изобразил Воллара в стиле кубизма более удачно, чем его изображали другие художники в обычном стиле реализма.

Воллар помогал деньгами многим уже достаточно известным художникам. Начинающие живописцы тоже удостаивались его поддержки, не только финансовой, но и моральной.

Пикассо сотрудничал с Волларом достаточно долго. Но он не смог понять кубизма художника

Этот портрет по праву считается лучшей картиной, которая была создано Пикассо в период его творчества, связанный с кубизмом.

(3 votes, average: 5.00

Источник: https://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-pablo-pikasso-portret-ambruaza-vollara/

Портрет Амбруаза Воллара. написан в 1910 году

Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма.

Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца – Руис и матери – Пикассо.

Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в 8 лет он пишет свою первую серьезную картину маслом, «Пикадор», с которой он не расставался в течение всей жизни. В возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 лет он блестяще сдал приемный экзамен в Школу изящных искусств в Барселоне.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо. В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество «Els Quatre Gats», по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе пройдет его первая выставка.

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом, уехал в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.

При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет.

Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток.

В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 год); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 год).

«Девочка на шаре» (1905 год) – произведение переходного периода.

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже.

Круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску.

Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. Все же картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов.

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы. Искания приводят его к абсолютно новому жанру. Таким образом он становится основоположником кубизма, в котором трехплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещенных воедино плоскостей.

Хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам.

В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913 год).

Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны. Однако в своих особо значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приемы вплоть до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу», 1922 год).

В сентябре 1916 года Пикассо участвует в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» Русского балета Сергея Дягилева. Он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы.

Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле немало способствовал подъему популярности Пикассо. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада». Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой.

Они венчались в русской церкви в Париже. В 1921 году у них родился сын Поль. В это время Пикассо пишет цикл великанш и купальщиц, многочисленные портреты жены и сына, которые являют собой одни из самых пленительных произведений, когда-либо написанных художником.

В 1925 году в творчестве Пикассо появляется атмосфера конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929 год), орущих («Женщина в кресле», 1929 год), раздутых до абсурда и бесформенных.

Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность.

В этот период Пикассо создает скульптуры и бюсты, животных, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934 год) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов.

В 1937 году симпатии Пикассо – на стороне республиканцев, борющихся в Испании против диктатуры Франко.

Пикассо создает полотно «Герника», посвященное трагедии столицы басков, разбомбленной фашистской авиацией. Светлые и темные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара.

В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мертвым ребенком и быком за ее спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность. Вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения.

Среди них – Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами. Никогда еще женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточенностью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображенные в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассеченные тела, раздутые до чудовищных размеров.

Во время фашистской оккупации Пикассо жил в Париже. Его деятельность не ослабла: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи.

Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах: в 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции. Произведения, созданные в 1945 – 1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений.

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе; увлеченный проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных.

В 1953 года Франсуаза Жило и Пикассо расходятся.

Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года; в них Пикассо, по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи. В 1954 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию статуарных портретов.

Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция) на своей вилле Notre-Dame-de-Vie. Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт.

В 1985 году усилиями наследников художника был создан Музей Пикассо в Париже, насчитывающий более 200 картин, более 150 скульптур и несколько тысяч рисунков, коллажей, эстапмов, документов.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведенного газетой «Таймс» в 2009 году, Пикассо был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет. Он оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке.

Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

Эксперты назвали Пикассо самым «дорогим» художником – в 2008 году объем только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов. Картина Пикассо «Обнаженная, зеленые листья и бюст», проданная на аукционе Кристис за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире.

• Полное имя Пикассо состоит из 23 слов: Пабло-Диего-Хосе-Франсиско-де-Паула-Хуан-Непомусено-Мария-де-лос-Ремедиос-Киприано-де-ла-Сантисима-Тринидад-Мартир-Патрисио-Клито-Руиз-и-Пикассо.
• Первым словом Пикассо был «карандаш».
• Пикассо носил длинную одежду, а также у него были длинные волосы, что было неслыханно для тех времен.
• Его полотна стоят на первом месте по «популярности» среди похитителей.

Амбруаз Воллар – владелец галереи, коллекционер, знаток искусства, друг художников. Его портреты рисовали многие художники.

Картина Пикассо создана в 1910 году и представляет собой портрет в стиле «аналитического» кубизма. Его еще называют объемным, или стереометрическим. Изображение дробится на части, фрагменты отделяются друг от друга, рассредоточиваются по поверхности полотна. Холст напоминает осколки зеркала, которое недавно разбили, но где еще сохранился образ человека, смотревшегося в него последним.

Пикассо изобразил одного из самых уважаемых торговцев произведениями искусств в Париже. В портрете угадывается не только точный образ знаменитого артдиллера, но и присутствует нотка щепетильности в одежде – из кармана выглядывает белоснежный платок. Воллар был очень элегантным мужчиной.

Цветовая гамма граничит с монохромностью, как некогда было в «голубом периоде» творчества мастера. На общем фоне преобладают темные тона, контрасты сведены до минимума. Доминанта здесь – конструкция, построение – усложнено.

Лицо Воллара исполнено глубокого драматизма. Кубизм именно в этой картине – это черты абстрактного стиля.

Поражает само изображение, а точнее угол зрения, который открывается зрителю – мы можем видеть даже затылок головы, одновременно наблюдая лицо Воллара. Пройдет совсем немного времени, и эта работа станет своего рода эталоном для художников, которые будут писать в стиле кубизм.

Источник: http://indbooks.in/mirror7.ru/?p=258086

Амбруаз Воллар «Воспоминания торговца картинами»

Рассказываю, как и обещала, про недавно прочитанную книгу Амбруаза Воллара «Воспоминания торговца картинами».

Кто такой Амбруаз Воллар наверняка все знают, а если нет, то напомню, что это человек, торговавший картинами импрессионистов и других художников того и чуть более позднего времени.

Его портрет кисти Пикассо, находящийся в настоящее время в ГМИИ им. Пушкина в Москве, запоминается навсегда.

Пабло Пикассо. Портрет Амбруаза Воллара. 1910

Когда я прочитала название книги и имя ее автора на одном из стендов Книжной выставки-ярмарки, перед глазами возник образ, созданный Пикассо, несмотря на то что на обложке фрагмент портрета, выполненного Сезанном.

1. 2. 3.

1. Воллар А. Воспоминания торговца картинами: Роман / Пер. с фр. Г. Генниса. — М.: Издательский Дом Мещерякова, 2008.2. Сезанн. Портрет Воллара. 1899.

3. Ренуар. Портрет Амбруаза Воллара. 1908.

Воллар был известным торговцем картинами, издателем и автором биографий таких художников как Сезанн, Ренуар, Дега. Неудивительно, что его портреты писали многие художники того времени.На страницах его воспоминаний возникают пестрые образы Парижа рубежа веков, военного и послевоенного времени.

Воллар рассказывает анекдотичные случаи из жизни художников, коллекционеров картин. Кажется, что все тогда интересовались искусством, правда интерес этот был у каждого на своем уровне.

Но равнодушных точно не было и улица Лаффит, на которой находились многочисленные галереи и картинные лавки предстает неким живым организмом, вершившим судьбы художников, заключая многочисленные сделки купли-продажи картин.

Удивляешься тому, как многие художники-импрессионисты создавали свои великие картины, рисуя деревянных лошадок и бумажные цветы у себя в мастерских, а вовсе не на природе.

Поражает и то, как Воллар, имея юридическое образование, сумел разглядеть, оценить художников нового направления, сумел достичь успехов в торговле картинами.А многие его высказывания и суждения настолько точны и вместе с тем оригинальны, что в полнее могли бы стать афоризмами, а сценки из жизни художников и коллекционеров – анекдотами.

Процитирую лишь одно высказывание Воллара об американских небоскребах: «…будучи освещенными, все эти здания напоминают пироги из пчелиного воска, где каждая ячейка приняла вместо меда капельку электричества».

Источник: https://neringa-iris.livejournal.com/14063.html

Читать

Франческо Галлуцци

Пикассо

• Мастера живописи
• БЕЛЫЙ ГОРОД МОСКВА, 1998
• ISBN 5-7793-0160-3
• Франческо Галлуцци Оформление: Джованни Брески
• На обложке: фрагмент Герники (1937), Холст, масло, Мадрид, Касон дель Буэн Ретиро
• © 1996, Giunti Gruppo Editoriale, Rrenze © 1998, «Белый город», издание на русском языке

1. Образ художника
2. Пикассо всегда очень интересовало изображение человеческого лица, особенно его собственного, как возможность выражения отношения между внешним (чертами лица) и внутренним (эмоциями).
3. В автопортретах молодого художника очевидно желание изобразить себя забиякой, распутным богемным художником, как на «Автопортрете с растрепанными волосами» (1896, Барселона, Музей Пикассо).

Авантюрный художник

В течение первых десятилетий нашего века всего несколько человек преобразили лик мира.

Подобно Чаплину в кино, Джойсу в литературе, Фрейду в психологии и Эйнштейну в науке, Пикассо произвел в живописи революцию, ниспровергнув все привычные точки зрения (сокрушая при этом и свои взгляды, если они становились ему помехой).

Его роднило с этими новаторами сознание фундаментального различия между предметом и его изображением, из-за которого стало неприемлемым применение языка простого отражения реальности. Обнаружилось, что можно выразить разницу между реальностью и формой.

Его звали Пабло Руис и Пикассо (согласно испанскому обычаю, он носил и отцовскую, и материнскую фамилию. Впоследствии он выберет последнюю), он родился в Малаге в 1881 году. От отца, Хосе Руиса Бласко, учителя рисования, он унаследовал страсть к искусству и перенял основные представления о стиле.

В его, самых ранних и незрелых, рисунках, видна уверенность, с которой подросток сумел усвоить и отцовские уроки, и те устремления, которые могла предложить ему культурная среда Барселоны, города, куда семья переехала в 1895 году, оживленного центра со множеством интеллектуальных кружков.

• Барселонская культура
• Темные тона, характерные для этого автопортрета (1896, Барселона, Музей Пикассо), еще одного примера юношеской «неприкаянности», также свидетельствуют об интересе художественных кругов Барселоны, где в то время жил Пикассо, к живописи французских художников Тулуз- Лотрека и Гогена; интересе, который спустя очень немного времени заставил беспокойного Пикассо покинуть Испанию и отправиться в Париж.
• То же влияние постимпрессионистской живописи проглядывает и в портретах родителей.

В рисунках раннего Пикассо темные академические тона крупных аллегорических картин, в которых преобладает влияние отцовской школы, через пару лет уступают место новой манере, впитавшей в себя все, что было возможно узнать в Испании о новых тенденциях в живописи парижских художников, например Тулуз-Лотрека или Гогена.

Но вскоре Пикассо перестанет довольствоваться «одежками с чужого плеча», какие могла ему предложить Барселона. В первый раз Пикассо прибыл в Париж между октябрем и декабрем 1900 года и вновь вернулся туда в 1901-м, между июнем и январем. Молодой художник воспользовался своим вторым посещением города, чтобы закрепить наметившиеся связи с французской культурой.

Он выставляет свои рисунки в галерее Амбруаза Воллара (одного из первых меценатов, открывателя величайших талантов своего времени) и знакомится с поэтом Максом Жакобом, который привил ему вкус к французской поэзии, чьим поклонником Пикассо оставался всю жизнь.

Благодаря этим впечатлениям Пикассо сформировался как самостоятельный, самобытный художник произведения, созданные во время второй поездки в Париж, рассматриваются как начало этапа в его творчестве, известного как «голубой период».

 Отец и мать

Два произведения 1896 года изображают родителей Пикассо: «Портрет матери художника» (1896);

«Портрет отца художника» (1896, Барселона), учившего юного Пабло основам живописи. Оба произведения хранятся в Барселоне в Музее Пикассо.

Пикассо тех лет, неистовый труженик (Макс Жакоб вспоминает, что «он писал по две или три картины в день»), жадно вбирал в себя самые разнообразные впечатления. Он живет между Барселоной и кружком художников Монмартра и рисует, углубляясь в характеры персонажей «голубого периода».

От французских постимпрессионистов он перенимает интерес к людям цирка и мюзик-холла, которые в его картинах становятся высокими, глубоко символичными. Эта тяга к созданию аллегорий в области человеческих характеров, с помощью обращения к фигурам, поставленным вне общества, выражена в выборе персонажей, повторяющихся на его полотнах тех лет.

Даже цвет становится необходим-, название «голубой период» (как и впоследствии название «розовый период») происходит из стремления Пикассо подчинить всю гармонию цветовой гаммы картины исключительно голубому цвету с целью подчеркнуть духовные стороны сложной графической символики.

Жестокий год

«Наука и милосердие» (1897, Барселона, Музей Пикассо) все еще носит явную печать академизма. Тем не менее в том же 1897 году Пикассо начинает посещать кружок каталанских модернистов, отдаляясь от стиля, типичного для его прежнего окружения. Однако в нем неизменно оставался интерес к таким темам, как страдание и жизнь бедноты.

В 1904 году Пикассо переезжает на Монмартр, в студию, расположенную в живописном здании Бато-Лавуара, построенном меценатом специально для начинающих художников.

Кроме Жакоба он часто встречается с Аполлинером (поэтом и художественным критиком, главным действующим лицом парижской культурной жизни того времени) и людьми, подобными испанскому скульптору Маноло, с легкостью переходящими от искусства к преступлению, которые впоследствии войдут в экстравагантную группу, известную как «банда Пикассо». Теперь в его работах цвет заново раскрывается в своем разнообразии, палитра обогащается оттенками, которые почти все ведут свое происхождение от розового. Этот короткий период, в течение которого исследование возможностей формы сочетается с возвратом к глубине изображения, получит известность как «розовый». Между 1905 и 1907 годом Пикассо сужает цветовой спектр до нескольких основных цветов, акцентируя существенность форм, скульптурных и лишенных декоративности. Ко всему этому прибавляется также характерный для художников начала века интерес к искусству неевропейских (так называемых «примитивных») народов, с которым Европа ближе познакомилась в эпоху усиления политики колониального господства.

1. Учителя
2. «Moulin de la Galette» (1900, Нью-Йорк, музей Гугенхейма).
3. Произведения Ренуара и Тулуз- Лотрека — одна из вех в творческом пути Пикассо, его трансформаций, коснувшихся как тем его творчества (ночная жизнь), так и его стиля, вдохновленного контрастами и расплывчатыми формами современной ему французской живописи.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=571238&p=6

Читать онлайн "Пикассо" автора Галлуцци Франческо — RuLit — Страница 12

Уличные девки или городские женщины?

Сюжет картины являет собой воспоминание художника о доме терпимости в Барселоне, находившемся в «Каррер де Авиньо». Первоначальное название картины, «Философский бордель», похоже, было подсказано художнику его друзьями Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером. Вначале Пикассо предполагал изобразить пять женских фигур и две мужские. Настоящее название было дано уже в послевоенные годы.

Жестокая улица и шедевр

«Авиньонские девицы» не завоевали мгновенного успеха. Их считали позором для французского искусства. Произведение, одной из стадий подготовки которого явилось создание «Пяти женских фигур» (1907, Филадельфия, Музей Современного Искусства), оставалось в мастерской Пикассо до 1920 года, когда его приобрел коллекционер Жак Дусе. Впервые оно попадает на выставку только в 1937 году.

Авиньонские девицы

Масло, холст 244 x233,7 см, 1907, Нью-Йорк Музей современного искусства

Один из самых известных портретов работы Пикассо, пример свойственных кубизму приемов декомпозиции. Амбруаз Воллар был парижским торговцем предметами искусства, его галерея принимала величайших французских художников, начиная с импрессионистов. Воллар еще в 1901 году распознал талант Пикассо.

Тут его лицо разъято, разделено на грани: большие геометрические плоскости произведений, непосредственно предшествующих возникновению кубизма, здесь теряют связи, гарантировавшие органичность формы, требуя от зрителя интеллектуального понимания.

Цвет изображения стремится к унификации, рождается общий тон, который — как уже было во время «голубого периода» — граничит с монохромностью. Через несколько лет, с распространением кубизма среди других французских художников, портрет станет своего рода эталоном, стандартом «а ля Пикассо».

Необычный угол зрения

В картине поражает прежде всего неожиданный угол зрения, благодаря которому можно видеть даже затылок головы Воллара. Кроме портретов Воллара и Уде Пикассо создает также и портрет своего друга, торговца Даниэля Канвейлера.

Коро в обмен

«Портрет Вильгельма Уде» (1910, Сент-Луис, Пулитцер). Уде был одним из первых, кто приобрел произведения Пикассо. Он входил в группу, объединенную вокруг Гертруды Стайн. В обмен на портрет он подарил Пикассо картину Коро.

Портрет Амбруаза Воллара

Масло, холст 92×65 см, 1910 Москва, ГМИИ им. А.С.Пушкина.

Натюрморт с соломенным стулом

Беспощадность кубистических деформаций в начале периода кубизма резко обособила произведения Пикассо и Брака. Они чувствовали потребность перенести на холст детали, которые позволят угадывать сюжеты. Они вставляли в картины фрагменты рисунков в реалистической манере и проштампованные письма.

Желая изобразить стул, Пикассо приклеивает на холст кусочек вощанки с отпечатком соломенного плетения стула и окружает картину по периметру веревкой. Это обманчивое изображение на самом деле усиливает отнюдь не обманчивое впечатление от рисунка, утверждая обособленность современного художественного выражения.

Это важнейшее произведение, предваряющее многие поэтические творения будущего, от ready-made до поп-искусства. И Пикассо, прекрасно осознавая это, не желал с ним расставаться.

Источник: https://www.rulit.me/books/pikasso-read-469906-12.html