«поклонение волхвов», мазаччо — описание

Изначально эта картина составляла часть Пизанского полиптиха, самого значительного заказа, который получил Мазаччо. “Поклонение волхвов” было центральной панелью пределлы – нижнего ряда картин, расположенных под главными сценами полиптиха.

Как правило, пределла состоит из длинных узких панелей, и в данном случае здесь представлена панель такого же формата. Владельцем капеллы, для которой был написан этот алтарный образ, был нотариус сер Джулиана ди Колино дельи Скарси, он-то и оставил записи о денежных суммах, выплаченных за работу Мазаччо и другим художникам.

Это единственные дошедшие до нас документальные свидетельства, связанные с именем Мазаччо. К сожалению, не сохранилось документов о дальнейшей судьбе полиптиха, поэтому мы можем лишь сказать, что этот алтарный образ просуществовал, по всей видимости, до конца XVI века, когда началась крупная перестройка церкви.

Семь из них, включая “Поклонение волхвов”, находятся в Берлине.

(No Ratings Yet) Loading…

Еще картины:

1. Поклонение волхвов – Давид Герард Картина Давида Поклонение волхвов написана им между 1515 и 1520 годами, но по фактуре письма, по всем многочисленным деталям, по……
2. Воскрешение сына Теофила – Мазаччо и Филиппино Липпи Мазаччо в середине 1420-х гг. был заказан цикл фресок для капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции,……
3. Четыре эскиза головы африканца – Питер Рубенс Этот привлекательный эскиз головы человека в четырех различных позах – одна из наиболее популярных работ Рубенса в Брюссельском музее. Рубенс……
4. Поклонение пастухов – Антон Рафаэль Менгс Полотно “Поклонение пастухов” написано Менгесом в Риме специально для испанской коллекции. В этом значительном для понимания творчества художника произведении хорошо……
5. Церера и две нимфы – Питер Рубенс Картина фламандского живописца Питера Пауля Рубенса “Церера и две нимфы”. Размер картины 223 x 162 см, масло, холст. Эту картину……
6. Пигмалион и Галатея – Аньоло Бронзино Самые масштабные светские работы Бронзино не сохранились. Однако нам известно некоторое количество его небольших светских композиций, которые образуют очень интересную……
7. Политих из Перуджи – Пьеро делла Франческа В своей книге “Жизнеописания знаменитых живописцев” Джорджа Вазари подробно описал полиптих, созданный Пьеро делла Франческа для монастыря Сан-Антонио в Перудже…….
8. Образы Христа – Джованни Беллини Большинство подобных работ Беллини создавал, по всей видимости, для частных лиц. В пользу данного утверждения говорит то, что почти все……
9. Пейзаж с Аполлоном и Меркурием – Клод Лоррен На этот сюжет Клод Лоррен написал несколько картин. Миф повествует, что в наказание за убийство киклопов, ковавших отцу Аполлона Зевсу……
10. Алтарь св. Варнавы – Сандро Боттичелли Мадонна с Младенцем на троне, четырьмя ангелами и восемью святыми, или Алтарь Св. Варнавы Центральная часть: Мадонна на троне, четыре……
11. Перуджийский триптих – Анджелико Фра Фра Анджелико в своих произведениях применяет новый принцип создания перспективы. Его суть заключается в том, что фигуры уменьшаются по мере……
12. Маха одетая – Франсиско де Гойя Картины были написаны, видимо, специально для кабинета во дворце премьер – министра Испании Мануэля Годоя, который украшали изображения обнаженной натуры…….
13. Иксион и Юнона – Питер Рубенс Иксион, царь Фессалий, вероломно убил тестя. Он пытался также соблазнить Юнону, но ее муж Юпитер одурачил его, создав ее образ……
14. Луна над мысом – Утагава Хиросигэ Настоящая гравюра относится к числу немногих в серии, в которых точное определение местности невозможно. Вид Эдоского залива играет в гравюре……
15. Приближение грозы – Джордж Морленд Сельская Англия с живописными холмами и речками, сочной растительностью, с ее трудовым населением и патриархальным бытом – излюбленная тема многочисленных……
16. Маленький нищий – Бартоломе Эстебан Мурильо Мурильо по праву называют последним мастером “золотого века” испанской живописи. Он был младшим современником Сурбарана, Веласкеса, Риберы, но в отличие……
17. Поцелуй – Федор Моллер Произведение относится к первому итальянскому периоду творчества живописца. В подражание своему учителю К. П. Брюллову Моллер с увлечением начал писать……
18. Труд – Форд Мэдоксон Браун Аллегория труда во всех его формах, созданная Фордом Мэдоксом Брауном, – это самое амбициозное прерафаэлитское полотно на тему современной жизни……
19. У колыбели – Николай Александрович Тархов Сегодняшний искушенный зритель отчетливо понимает место Тархова в русской и европейской культуре начала ХХ века: ему не хватает общего образования,……
20. Летом – Валентин Серов Валентин Александрович Серов, выдающийся портретист и прекрасный живописец, создает в 1895 году светлое лирическое полотно “Летом”. Работа получилась легкой, воздушной…….

Описание картины Поклонение волхвов – Мазаччо.

Источник: https://art.goldsoch.info/poklonenie-volxvov-mazachcho/

Томмазо МАЗАЧЧО

Янина БЕЛОШАПКИНА

Как живописец, я с природою сравнился. Правдиво придавал любой своей работе Движенье, жизнь и страсть. Великий Бонарроти

• Учил всех остальных, а у меня учился.
• Эпитафия Аннибале Каро

Мазаччо по праву считается одним из самых значительных европейских художников эпохи Возрождения. Его без преувеличения можно назвать гением. Именно он проторил ту тропу, по которой пошли впоследствии все те, кому было суждено составить славу флорентийского искусства.

Впервые в итальянской живописи появились по-настоящему выразительные и реалистичные фигуры людей, вписанные в глубокое трехмерное пространство, построенное по всем законам перспективы.

Джорджо Вазари, автор знаменитых «Жизнеописаний наиболее знаменитых художников, ваятелей и зодчих», в главе, посвященной творчеству Мазаччо, восхищенно пишет: «Поистине, работы, созданные до него, можно назвать написанными, те же, что принадлежат ему, — живыми, правдивыми и естественными по сравнению с теми, что выполнялись другими». За свою трагически короткую жизнь Мазаччо успел полностью перевернуть представления современников о живописи, создав произведения, которые на протяжении нескольких веков не перестают вызывать восхищение.

Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (таково настоящее имя живописца) появился на свет в маленьком провинциальном городке Сан-Джованни Вальдарно — как раз между Ареццо и Флоренцией.

Отец его умер, когда мальчику еще не исполнилось шести лет, и мать вышла замуж во второй раз за местного аптекаря. Об этом обстоятельстве можно было бы не упоминать, если бы оно в какой-то степени не определило жизненный путь юного Томмазо.

Дело в том, что дочь его отчима была замужем за художником Мариотто ди Кристофано, который и дал мальчику первые уроки владения кистью.

В 1417 г. семейство перебралось во Флоренцию. Следующее упоминание о нашем герое мы находим в 1422 г., когда он поступил в цех аптекарей и врачей (к которому почему-то относились и люди искусства), а еще два года спустя — в гильдию Святого Луки, куда принимали уже только живописцев.

Вазари рассказывает, что человеком он был весьма рассеянным и беспечным, думал только о своем творчестве и совершенно не хотел обращать внимание на житейские дела и заботы.

Среди его учителей называют и Бичи ди Лоренцо, хозяина одной из самых известных живописных мастерских во Флоренции, и Герардо Старину, который мог познакомить молодого художника с великими фресками Джотто. Наставником Мазаччо считают также Мазолино да Паникале, вдвоем с которым они выполнили ряд работ во Флоренции и Риме.

Вызывает, правда, удивление тот факт, что Мазолино был принят в гильдию живописцев на год позже своего ученика. Но, пожалуй, в наибольшей степени на формирование стиля Мазаччо оказала влияние его дружба с Филиппо Брунеллески и Донателло, этими гениальными мастерами, полностью изменившими флорентийскую архитектуру и скульптуру.

Ранние произведения, приписываемые Мазаччо — триптих из церкви Сан-Джовенал в Каша ди Реджелло с Мадонной и четырьмя святыми (1), центральная часть триптиха или фреска в Монтемарчиано, — оставляют для исследователей широкое поле деятельности, так как вопрос об авторстве по сей день остается открытым. Первой достоверной работой Мазаччо приходится признать алтарный образ церкви Сант-Амброджо во Флоренции, «Мадонна с младенцем и Святой Анной» (2), выполненный не без влияния (а быть может, и не без участия) Мазолино.

(1)	(2)

Иконографическая схема его вполне традиционна, но уже в этом произведении, пока еще далеком от совершенства, ощущается дуновение «ветра перемен».

Куда делись чуть болезненная грация и изломанность интернациональной готики? Фигуры Мадонны, святой Анны и младенца Иисуса как будто высечены из каменной глыбы, контуры четко обведены, формы лепятся мощными трехмерными массами.

Мария прочно сидит на невидимом сиденье, жесткие складки плаща обрисовывают положение тела, лицо ее серьезно и даже сурово. Однако больше всего впечатляет образ Христа — крепкого, мускулистого, напоминающего маленького Геркулеса (возможно, при создании этого образа Мазаччо вдохновлялся какой-то античной статуей).

Фигура свободно развернута в пространстве и великолепно проработана светотенью. Между героями почти нет взаимодействия, Мадонна не прижимает младенца к груди, даже не смотрит на него, взгляд ее холоден и устремлен вперед, в пустоту. Столь же бесстрастно и величаво лицо святой Анны.

В 1425 г. Мазаччо получил заказ от монастыря кармелитов во Флоренции — написать фреску на стене монастырского двора с изображением торжественного освящения церкви, состоявшегося в 1422 г.

На освящении присутствовали самые именитые флорентийские граждане. К сожалению, в конце XVI в. при перестройке двора эта фреска была уничтожена. Сейчас мы можем только догадываться, как она выглядела, основываясь на рисунках художников XVI в.

(в том числе юного Микеланджело), изображающих отдельные фигуры и даже целые группы.

Написана фреска была «зеленой землей», то есть в монохромной технике, и представляла собой симметричную композицию, в центре которой представлялся сам акт освящения, а по сторонам рядами располагались фигуры стоящих граждан.

В «Жизнеописании Мазаччо» Вазари дал довольно подробное описание этого не сохранившегося произведения: «Он изобразил там бесчисленное множество граждан, которые в плащах и капуччо следуют за процессией, и в их числе Филиппо ди сер Брунеллеско в деревянных сандалиях, Донателло, Мазолино да Паникале, своего учителя… Мазаччо сумел так хорошо разместить на поверхности этой площади людей по пяти и по шести в ряд, что они пропорционально и правильно уменьшаются, в соответствии с точкой зрения, и это поистине чудо. И в особенности обращаешь внимание на то, что они совсем как живые, ибо ему удалось обдуманно изобразить этих людей не всех одного роста, но с должной наблюдательностью различить низких и толстых от высоких и худощавых, и стоят они всей ступней на одной и той же поверхности, причем ряды сокращаются так удачно, что и в натуре по-другому не бывает».

Подобные изображения сцен из истории церкви и монашеских орденов периодически встречались в искусстве эпохи треченто, но Мазаччо придал теме новый смысл, представив освящение церкви не просто как церковный акт, но как важное событие гражданской жизни Флоренции, сделав акцент на изображениях выдающихся современников. Это была дань возросшему политическому значению города, на протяжении долгих лет ведущего борьбу с Миланом и лишь совсем недавно вышедшего из нее победителем.

Мазаччо принялся за выполнение нового заказа в 1426 г. Это был полиптих для пизанской церкви Санта-Мария дель Кармине, дошедший до нас в разрозненном виде (фрагменты теперь хранятся в различных европейских музеях). Тогда еще никто не мог предположить, что этой работе суждено стать настоящим манифестом нового живописного стиля (3).

(3) Реконструкция пизанского полиптиха (1989 г.)

1 – св. Павел; 2 – Распятие; 3 – св. Андрей; 4 – Мадонна на троне с младенцем и четырьмя ангелами; 5–8 – св. Августин, св. Жером, два монаха; 9–11 – Страсти по св. Петру и Иоанну Крестителю, Жития (?) св. Юлиана и св. Николая

Алтарь разделялся накладными стрельчатыми арками на три части. Внизу помещалась пределла (ит. predella, букв. — скамеечка, ступенька; в итальянском искусстве Возрождения нижняя часть, подножие алтарного образа-полиптиха). Здесь были изображены «Поклонение волхвов» и сцены из жизни святых, стоящих по сторонам от Марии (если верить Вазари, это были св.

Петр, Иоанн Креститель, св. Юлиан и св. Николай). В верхней части были надставки с «Распятием» и фигурами святых, из которых сохранились только св. Андрей (4) и св. Павел (5). Таким образом, на центральной оси алтаря располагались «Поклонение волхвов» (6), Мадонна с младенцем (7) и «Распятие» (8), демонстрируя тему искупления.

(4)	(5)	(7)
(6)
(8)

И все же главный образ, безусловно, Богоматерь и Христос. Мария сидит на троне с изящными коринфскими колонками, вызывающем в памяти сооружения Брунеллески.

Композиция строится с соблюдением всех правил перспективы, пространство углубляется с помощью падающих теней.

В произведениях художников треченто свет всегда падал слева, но это был абстрактный свет, тогда как у Мазаччо можно совершенно безошибочно определить его источник, угол падения и найти оправдание каждой полутени.

Не удивительно, что творчество Мазаччо производило на современников такое сильное впечатление — ведь никто ни до ни даже после не обладал его потрясающей способностью создавать такое трехмерное пространство, с настолько живыми персонажами.

Мадонна Мазаччо, быть может, не обладает утонченной красотой, но отличается индивидуальностью, характером.

То же самое можно сказать и о сосущем палец Младенце, и об ангелах, окружающих трон, — это не абстрактные бесплотные сущности, а вполне реальные создания (если, конечно, можно употребить слово «реальный» по отношению к ангелу).

Житие св. Николая	Житие св. Юлиана
Страсти по св. Петру и св. Иоанну
Фрагменты полиптиха в церкви Санта-Мария дель Кармине в Пизе

На пределле алтаря Мазаччо пишет разнообразные многофигурные «истории» — «Поклонение волхвов», «Распятие Петра» и «Историю св. Юлиана».

И снова он размещает фигуры в пространстве естественно и свободно, в различных поворотах и ракурсах; «минималистский» пейзаж не только не отвлекает внимание от основного действия, но, напротив, оттеняет его значимость.

Освещение тщательно разработано, угол падения света приведен в соответствие с узким поперечным форматом пределлы, а тени от фигур, падающие на землю, определяют их положение в пространстве совсем как в жизни.

В пизанском алтаре особенно ярко проявилось влияние на Мазаччо его великих коллег — Донателло и Брунеллески.

Первый помог понять важность объемной пластической формы, второй научил строить сложные перспективные композиции (как, например, в сцене «Распятия», где тело Христа изображено в сильном сокращении снизу, di sotto in su).

Пизанский алтарь являет собой образец окончательно сформировавшегося стиля Мазаччо, в котором закрепились прежние открытия и появились новые. В частности, изменился колорит, отличавшийся прежде пестротой красок и ставший теперь более темным и сдержанным, с преобладанием насыщенных синих, красных и желто-коричневых тонов.

Вершиной творчества Мазаччо считается роспись капеллы Бранкаччи в церкви Санта-Мария дель Кармине. В 1423  г. знатный флорентийский гражданин Феличе Бранкаччи заказал Мазолино оформить фресками свою родовую капеллу. По старой памяти Мазолино позвал на помощь Мазаччо.

Большая часть росписей повествует об истории апостола Петра, первого римского епископа, завещавшего главенство над всей церковью папам римским, — тема актуальная, тем более что совсем недавно прошел Констанцкий собор, на котором горячо оспаривались права папы на власть.

Не исключено, что были и другие аллюзии на современные художнику события.

Фрески располагались в три ряда, единственным источником света служило небольшое окно в задней стене, и освещение каждой росписи строилось в зависимости от этого реального источника. Между прочим, подобный прием использовался впервые в истории европейской живописи.

ОБЩИЙ ВИД КАПЕЛЛЫ БРАНКАЧЧИ Церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция

В нижнем же регистре изображены «Воскрешение сына Теофила», «Петр на кафедре» — на левой стене, «Петр, исцеляющий больных своей тенью» и «Смерть Анании и раздача милостыни» — на правой.

При выборе сюжетов Мазаччо и Мазолино скорее всего обращались к текстам «Золотой легенды» Якопо да Варацце, прославляющей Петра как царя народов, духовного пастыря и наставника всех христиан. Из общего замысла выбиваются только сцены «Грехопадения» и «Изгнания из рая» на столпах.

Фрески капеллы Бранкаччи воплотили в себе гуманистические идеи о достоинстве человека, став для последователей настоящей школой новой живописи.

В 1427 г. Мазаччо создал знаменитую фреску «Троица» во флорентийской церкви Санта-Мария Новелла, которая уже вполне могла бы вписаться в ряд работ Высокого Возрождения. Традиционный тип алтарной картины здесь предстает в виде монументальной росписи, решенной в необычной и оригинальной форме.

Согласно иконографической традиции, Мазаччо изобразил распятого Христа, Бога Отца и Святого Духа и ввел в композицию фигуры Богоматери и Иоанна Крестителя.

Однако изображены они не на условном золотом фоне, а как бы в ренессансной капелле (напоминающей по стилю постройки Брунеллески), настолько мастерски написанной, что она кажется продолжением реального архитектурного пространства.

Перед входом в капеллу стоят на коленях донаторы (заказчики), причем опять-таки впервые в истории итальянской живописи фигуры жертвователей представлены в том же масштабе, что и религиозные образы, поэтому для зрителя сглаживается контраст между земным миром и миром небесным.

В самом низу Мазаччо написал алтарь с саркофагом, на котором лежит скелет Адама, символизирующего все человечество, а в углублении над ним художник поместил надпись: «Я был тем же, что и вы, но и вы станете тем же, чем стал я» — традиционная тема memento mori, напоминающая о бренности земного существования.

После завершении работы над капеллой Бранкаччи в 1428 г. Мазаччо отправился в Рим, возможно, снова по приглашению Мазолино, но вскоре по приезде в вечный город скончался.

«Было ли это по причине зависти или потому, что все хорошее обычно бывает недолговечным.

Так или иначе, умер он во цвете лет и ушел от нас столь внезапно, что многие подозревали скорее отравление, чем иную случайность», — с горечью писал Вазари.

Мазаччо — явление в итальянской живописи уникальное. Невозможно поверить, что человек, проживший всего двадцать семь лет, способен пройти столь длинный путь развития.

Он окончательно порвал с традициями треченто, создав совершенно новое, реалистичное искусство.

Мазаччо научился строить в своих работах глубокие трехмерные пространства на основе всех правил перспективы, он впервые стал активно использовать светотень для моделировки форм.

Образы Мазаччо полнокровны и монументальны, они в полной мере выражают гуманистические представления о достоинстве человека. Гений Мазаччо опередил свое время — по-настоящему его достижения смогли оценить только мастера Высокого Возрождения.

Источник: https://art.1sept.ru/article.php?ID=200900105

Читать

Кристина Ляхова

Мастера иконописи и фрески

Зарождение искусства фрески

Разнообразные техники стенной живописи возникли в глубокой древности. Первые росписи люди исполняли на стенах пещер теми материалами, которые имелись у них под рукой: углем, известняком, ракушечником, другими мягкими минералами.

Затем древние мастера стали изготовлять из минералов краски. Для этого их растирали и мешали с дополнительными компонентами, чтобы росписи держались дольше.

Правда, все эти росписи нельзя назвать фресками, так как для их создания применялась совершенно иная техника. Однако росписи как таковые постепенно становились более популярными. Основной темой таких наскальных изображений, как можно судить по сохранившимся образцам, являлась охота. Реже художники дополняли композиции схематическими изображениями человеческих фигур.

Египтяне украшали росписями стены заупокойных сооружений: мастаб и пирамид. Самые древние из известных на сегодняшний день египетских росписей исполнялись следующим образом. Стены выкладывались кирпичом, а затем покрывались обмазкой.

По ней исполняли роспись. Изображения наносились по желтому охристому фону. Как правило, художники намечали контуры фигур, которые целиком покрывали краской, реже применяли контурную обводку.

Благодаря такой технике фигуры людей или животных выглядели схематично.

Что касается сюжетов росписей, то они были разнообразными и нередко очень сложными. Самыми популярными сюжетами были ритуальные. На стенах гробниц фараонов часто изображали сцены сражений. При этом композиция состояла из нескольких эпизодов, нередко не связанных между собой.

Все изображенные сцены разворачиваются в условном пространстве, на нейтральном фоне. Иногда бывает так, что за изображением плывущего корабля сразу же помещается фигура человека, который, судя по позе и жестам, находится не в море, а на земле, несмотря на то что линия почвы даже не намечена. Вероятно, фигуры располагались хаотично, с их помощью заполнялось свободное пространство поля.

Схематические изображения человеческих фигур. Наскальная живопись, неолит, Ла Пенья Эскритта у Фуэнкалиенте, Сьерра-Морена

Все вышесказанное относится к росписям, исполненным в период Раннего царства, появившегося на территории Африки около 3000 года до н. э. и просуществовавшего примерно до 2800–2400 годов до н. э. Затем в развитии египетской цивилизации начался новый этап, который исследователи называют Древним царством. Он длился примерно до конца III тысячелетия до н. э.

В Древнем царстве роспись отошла на второй план. Стены стали украшать монументальными рельефными композициями, которые затем расписывали. Росписи сами по себе вновь стали популярными только в эпоху Среднего царства (конец III тысячелетия до н. э. – XVI век до н. э.).

Много росписей того периода было обнаружено в номах Среднего Египта, находившихся севернее Фив: Бени-Хасан, Меир, Берше и др. Потолки декорировались картинами, имитирующими небесный свод. Стены помещений украшались более сложными и многоярусными композициями. Они строились по регистрам, во внутренних частях которых художник располагал фигуры людей, птиц и животных.

«Охота на гиппопотама», середина III тысячелетия до н. э., Саккара

Техника исполнения росписей была такова: первоначально мастер готовил эскиз, а затем при помощи сетки квадратов переносил его на поверхность стены. В отличие от периода Древнего царства, росписи уже не связывались с рельефом, а снова стали самостоятельными произведениями.

Мастера Среднего царства придавали большое значение сочетанию фона и колористической гаммы всей композиции. Контурные линии стали тоньше и менее заметны.

Контурная обводка эпохи Раннего царства уже не применялась, ее заменила тонкая, мягкая прорисовка. Благодаря этому росписи стали менее рельефны, но более живописны.

Художники начали очень активно применять белила, благодаря чему палитра заметно обогатилась. Например, в росписях стали появляться бледно-желтые, светло-зеленые и голубые оттенки.

Самые интересные образцы росписей находятся в некрополе Бени-Хасан, в скальной гробнице правителя Антилопьего нома Хнумхотепа II. Они интересны еще наличием текстов, в которых дается культовое описание картин, а также родословная и биографии номархов. Наиболее популярными являются сцены охоты или ловли птиц.

Они развертываются поясами вдоль стен, при этом каждая из них представляет собой отдельную композицию. Животные и птицы исполнены с большим мастерством. Что касается фигур людей, то их продолжали изображать согласно традиционным канонам, в профиль.

При раскраске фигур мастера также по-прежнему придерживались традиционной манеры.

«Семит с ослом», около 1920–1900 годов до н. э., гробница Хнумхотепа II, Бени-Хасан

Период с XVI по XI век до н. э. называют эпохой Нового царства. Тогда развивались различные виды искусства: скульптура, рельефы и т. д. Большое значение придавалось росписям, которыми украшались стены заупокойных сооружений. Наиболее ярко и красочно расписывались стены молелен, посвященных богам и фараонам.

В качестве примера можно привести канонические тексты из знаменитой «Книги мертвых» и иллюстрирующие ее картины, обнаруженные в одной из гробниц.

Монументальные росписи гробниц эпохи Нового царства разнообразны по тематике. Нередко композиция включала три части. Первая была посвящена земному бытию, вторая – обряду оживления тела для перехода к вечной жизни, третья – жертвенному пиру.

В первой части росписей, как правило, изображали различные эпизоды из жизни умершего. Эти картины воссоздавали привычную для него окружающую обстановку. Прочие росписи носили ритуальный характер.

Росписями украшались не только гробницы и заупокойные храмы, но и дворцы. Наиболее распространенными сюжетами были обыденные эпизоды из жизни: сцены охоты, портреты и др.

«Сбор плодов фигового дерева», около 1920–1900 годов до н. э., гробница Хнумхотепа II, Бени-Хасан

Интерьер гробницы Нахта, XV век до н. э., Фивы

Что касается других стран Востока, то там росписи имели меньшее значение, чем в Египте. Фасады и интерьеры архитектурных сооружений украшались рельефами и изразцами. Росписями чаще украшалась керамика. Но иногда расписывались и стены дворцов, как правило, сценами охоты или просто изображениями животных.

Однако все вышеописанные росписи нельзя отнести к технике фрески. Египтяне и другие жители Древнего Востока, вероятно, не были знакомы с ней. Первые фрески появились позднее, в античный период.

Само слово «фреска» – итальянского происхождения и в переводе на русский язык означает «свежий». Фреской называют роспись по сырой штукатурке. Техника ее выполнения чрезвычайно сложна и состоит из нескольких этапов.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=179563&p=10

Фрески Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения

Наверняка вы слышали, что отцом Возрождения считается Джотто (1266-1337 гг). Это так. И даже больше. С Джотто начинается современная европейская живопись. До него были иконы. После него совершенно новое искусство. Которое просуществовало вплоть до импрессионизма конца 19 века.

Возможно, вы раньше видели его фрески. Современному человеку сложно понять, что же в них необычного. Но когда видишь работы его предшественников и современников, поражаешься. Как ему удалось это создать? Просто с чистого листа! С нуля.

Попробуем посмотреть на работы Джотто глазами его современников. Чтобы ощутить всю его революционность.

До Джотто

Джотто жил и работал в Италии. Страна была под сильным влиянием Византии. А византийская живопись – это иконы. Со строгими канонами. Они очень хорошо вторили мировоззрению средневекового человека. Главное – это духовные качества. Аскетический образ жизни. Борьба с земными соблазнами.

Все это проявлялось и в живописи. Посмотрите на фреску 13 века.

Неизвестный итальянский мастер. Пожертвования Константина. 13 век. Фреска в монастыре Санти-Куаттро-Коронати в Риме

Плоские, символические лица. То есть лики. Фигуры статичны, одинаковы. Складки одежды неестественны. Конь со всадником подвешены в воздухе. Архитектура игрушечна. Ведь духовное для средневекового человека важнее телесного. А значит мастеру нет смысла добиваться реалистичности физического мира.

Новаторство Джотто

Легче всего понять новаторство Джотто на примере его главного шедевра. Цикла фресок в Капелле Скровеньи в Падуе.

Это сюжеты из жизни Марии и Иисуса Христа. Размером 2,5 на 2 м. 39 изображений.

Взглянем буквально на несколько из них. Этого достаточно, чтобы понять всю гениальность Джотто.

1. Благовещение святой Анне

Джотто. Благовещение святой Анне. 1303-1305 гг. Капелла Скровеньи в Падуе, Италия

На фреске “Благовещение святой Анне” героиня получает благую весть от ангела. Уже немолодая женщина сможет зачать и родить девочку. Будущую святую Марию.

Впервые люди Средневековья увидели стареющее лицо. Настоящее. До этого святые кому за 50 изображались схематично, без особых признаков старости. Джотто тем самым приближается к правдивости жизни. Отходя от иконнописной символичности.

Справа: неизвестный сербский мастер. Икона “Святая Анна с младенцем Марией”. 14 век. Загорский музей-заповедник, г. Сергиев-Посад, Россия

Джотто первым преодолел плоскостность фигур. Он придаёт своим героям объём и вес. Чего вы не увидите у его предшественников.

Посмотрите на фигуру служанки, которая прядёт под лестницей. Это уже изображение живого человека. Мы видим ее объемность. Одно колено женщина отодвинула в сторону. А складки одежды вторят этому движению.

Это необычайно реалистично. Сравните ее хотя бы со святой Марией на иконе Гвидо да Сиена. Насколько ее складки символичны. Насколько фигура святой плоская. Хотя эти работы отделяет друг от друга всего пара десятилетий.

Справа: Гвидо да Сиена (итальянский мастер). Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия

Ещё один интересный момент. Герои изображены в интерьере. Мы видим бытовые подробности их жизни. Полка, сундук, скамья. До Джотто в интерьере людей не изображали. А ведь это делает изображение ещё более реалистичным.

2. Встреча у золотых ворот

Джотто. Встреча у золотых ворот. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Будущие родители святой Марии, Иоаким и Анна встретились у золотых ворот. Муж без слов понял, что хочет ему поведать жена. В порыве нежных чувств двое уже немолодых людей целуются.

Джотто показал нежные интимные чувства людей очень выразительно. До Джотто такой искренности чувств вы не найдёте. Настолько объятия супругов нежны. Настолько трогателен их поцелуй.

Обратите внимания, что Иоаким и Анна находятся не в центре. Они смещены влево. В центре – женщины в чёрном и белом. Возможно, они символичны. Мол, рядом с счастьем всегда ходит горе. Ведь все мы знаем, какую мучительную утрату придётся перенести их дочери Марии.

Здесь мы можем смело утверждать, что Джотто первым создал композицию. Ему эта сцена виделась именно так. Он вкладывал определённый смысл в то, чтобы второстепенные фигуры поместить в центре.

До Джотто понятия композиции просто не существовало. И средневековый мастер поместил бы супругов ровно по середине.

Миниатюра “Встреча у золотых ворот”. Минологий Василия II. 10 век. Хранится в Ватиканской библиотеке, Ватикан

3. Поклонение волхвов

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Джотто отступает от принятого в то время золотого фона. Он пишет свои фрески с голубым небом. Это уже настоящее трёхмерное пространство. А не абстрактная золотая пустота.

Его герои твёрдо стоят на ногах. Вспомните, как этим пренебрегали мастера до него. Лошади и люди могли “парить” над землёй.

Всем известные библейские сюжеты мастер делает правдивыми, жизненными. Как будто это происходит в реальности. С реальными людьми.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Сравните “Поклонение волхвов” двух мастеров-современников. И вы поймёте все изумление людей, которые впервые видели работы Джотто. Ведь мастер как бы объяснил потусторонние, трансцендентные библейские сюжеты простым, понятным языком.

Слева: Гвидо да Сиена (итальянский мастер). Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия

Кстати, изображённая в небе звезда необычна. Считается, что Джотто изобразил комету Галлею, которая была видна невооружённым взглядом в 1301 году.

4. Поцелуй Иуды

Джотто. Поцелуй Иуды. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

На фреске изображена сцена предательства. Подкупленный Иуда должен подать страже знак. Чтобы те поняли, кто из стоящих – Иисус. Иуда должен его поцеловать.

Джотто. Поцелуй Иуды. 1303-1305 гг. Фрагмент фрески в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

В центре мы видим два лица. Благородное, красивое лицо Христа с правильными чертами. Высокий лоб. Развитая шея здорового мужчины. И обезьяноподобное, уродливое лицо Иуды. Выделяющиеся надбровные дуги. Скошенный подбородок. Маленькие, как будто бегающие глаза.

Вспомните, каким страшным изображает Иуду Леонардо да Винчи на своей знаменитой фреске “Тайная вечеря”.

Работы Леонардо да Винчи 1498 года. Слева: фрагмент фрески “Тайная вечеря”. Церковь Санта-Мария-делле-Грацие. Справа: “Голова Иуды”. Подготовительный рисунок к фреске “Тайная вечеря”. Замок Виндзор, Англия

Более подробно об этой фреске читайте в статье “Поцелуй Иуды” Джотто. Почему это шедевр?”

 5. Бичевание Христа

Джотто. Бичевание Христа. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Объемность фигур особенно заметна на фреске “Бичевание Христа”. Они тяжеловесны. Даже глыбообразны. Это не удивительно. Джотто, конечно, не знал анатомию человека. Но он изо всех сил стремился показать людей объёмными. А значит реальными.

Эта фреска еще кое-чем примечательна. Посмотрите, насколько разные мучители Христа. И по внешности, и по выражению лиц. Такая индивидуальность до Джотто вообще не встречалась у средневековых мастеров.

Джотто. Бичевание Христа. Фрагмент. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

6. Оплакивание Христа

Джотто. Оплакивание Христа. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Драма. Скорбь, горе изображены невероятно правдоподобно. Это уже не условные жесты. А самые настоящие эмоции.

Джотто. Оплакивание Христа. Фрагмент. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия

Достаточно просто сравнить с фреской того же 14 века. Разница колосальная. Не даром Джованни Боккаччо, итальянский писатель, сказал о Джотто: “Он вывел на свет искусство, в течение многих столетий погребенное”.

Слева: Неизвестный мастер. Оплакивание Христа. Фреска в церкви св. Пантелеймона в Нерези (бывшая территория Византии), Македония. Вторая пол. 12 в.

После Джотто

Ученики Джотто подхватили его новаторства. Казалось бы, вот  оно, Возрождение. Но на тот момент революции в искусстве не случилось. Ещё целое столетие после Джотто в искусстве главенствовала готика.

Взгляните на готическую картину Фабриано.

Джентиле да Фабриано. Поклонение волхвов. 1423 г. Галерея Уффицци, Флоренция, Италия

Тонкий рисунок. Благородство лиц. Изысканные костюмы. Много персонажей. Картина очень занимательна. Но это сказка. Это развлекательная живопись. Коллаж из впечатлений. Это очень далеко от Джотто. И очень далеко от реализма Возрождения.

Фрески Мазаччо в Капелле Бранкаччи, Флоренция. 1426-1427 гг. Слева: Изгнание из Рая. Справа: Крещение неофитов.

P.S

Джотто опередил своё время. Он был человеком Возрождения. Но творил почти на 2 столетия раньше.

Можно предположить, что из-за своего новаторства Джотто был непонятым, нищим гением. Это не так. Люди толпами приходили смотреть на его фрески. Современники ценили и уважали его. И щедро платили ему.

Просто они не могли ещё до конца осознать его реформы и подхватить его знамя. Это сделают их потомки. О которых читайте в статье “Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров”.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Мастера Эпохи Возрождения».

  Оксана Копенкина

Источник: https://arts-dnevnik.ru/dgotto/