«поклонение волхвов», диего веласкес — описание картины

О волхвах, пришедших поклониться Господу, мы узнаем из Евангелия (Мф. 2:1-12), а также из Предания, которое нашло отражение в таких апокрифических текстах как «Протоевангелие Иакова», «Евангелие Псевдо-Матфея».

Первые изображения волхвов возникают очень рано, в III веке, в живописи катакомб, в рельефах раннехристианских саркофагов, где тема Воплощения Спасителя часто раскрывалась через сюжет «Поклонение волхвов».

Тема волхвов была очень популярна в Западной части империи отчасти потому, что в пришедших ко Господу из неведомых восточных языческих земель мудрецах, не так давно обратившиеся язычники видели некий прообраз самих себя, свою древнюю культуру, обратившуюся теперь к Свету.

Фрагмент саркофага. IV в. Музеи Ватикана, Рим

Композиция «Поклонение волхвов» возникла под влиянием традиционного для античного искусства изображения поклонения побежденных варваров императору.

На рельефах саркофагов Богоматерь с Младенцем на руках представлена в профиль. Позади Ее кресла, похожего на трон, часто изображается праведный Иосиф Обручник. Волхвы изображаются шествующими, шагающими.

Первый из них обычно рукой указывает на звезду, стоящую над главой Младенца Христа.

Евангелие сообщает, что мудрецы пришли с Востока, поэтому наиболее распространенным у христианских толкователей являлось мнение о происхождении волхвов из Персии, хотя существовали мнения что они прибыли из Аравии, из Месопотамии или даже Эфиопии.

Античный художник считал, что за границами империи, где-то за Евфратом, живут народы полуварварские, персы, которые и одеваются не так, как римский гражданин.

И волхвы одеты в соответствии с этими представлениями: они всегда в штанах (а не в классических длинных хитонах), в коротких рубахах и плащах, а головы их покрыты своеобразными загнутыми вперед шапками-колпаками.

Саркофаг «Двух Заветов» или «догматический». 325-350 г. Музеи Ватикана, Рим. Фрагмент

Оклад Евангелия. 2-я половина VI в. Сокровищница Дуомо, Милан. Фрагмент

В Средиземноморье так представляли себе всех обитателей далеких восточных земель: в такой же точно одежде всегда изображаются три отрока в печи огненной, которые жили на положении пленников в Вавилоне.

Отроки в печи огненной. Фрагмент саркофага. IV в. Музеи Ватикана, Рим

Само преподнесение даров изображается в соответствии с текстом: первый волхв дарит золото, но не в монетах, как мы могли бы ожидать, и не в слитках. Дар представляет собой золотой венец, на котором иногда даже видны детали, напоминающие листья.

Такими золотыми венками могли награждаться триумфаторы, полководцы; вес венка высчитывался в талантах.

Если первый дар — это золото, то легко догадаться, что второй — ладан, третий — смирна, которые изображаются на небольших подносах, в ларцах или кувшинах.

Фрагмент саркофага. IV в. Музеи Ватикана, Рим

Иногда скульптор изображает Богомладенца принимающим в Свои руки венец от волхва.

Фрагмент саркофага. IV в. Музеи Ватикана, Рим

Очень выразительны, как правило, изображения верблюдов. Некоторым художникам удается сделать их удивительно обаятельными и трогательными настолько, что вполне можно представить их персонажами доброго мультфильма для самых маленьких.

Фрагмент саркофага. IV в. Музеи Ватикана, Рим

Очевидно, что первые христианские художники весьма свободно и широко использовали в творческом процессе наследие античного искусства.

Иногда заимствовались даже языческие образы и отдельные персонажи, которые переосмысливались, получали новую трактовку. Использовались   выработанные веками композиционные схемы, отдельные детали, декоративные мотивы.

Например, рядом с Евангельским сюжетом могла помещаться декоративная маска или фигурки крылатых гениев, амуров.

Иногда композиция строилась не по схеме шествия, а симметрично относительно центральной оси. Например, такой вариант можно видеть на ампуле из Монцы: фронтальное изображение Богородицы и Младенца фланкируется группами волхвов и пастухов.

Поклонение волхвов и пастухов. Прорись ампулы. Палестина. VI-VII в. Собрание собора г. Монцы, Италия

Симметричное решение избрали и мозаичисты, работавшие в базилике Санта Мария Маджоре. Волхвы в ярких, пышно украшенных одеждах изображены по сторонам от престола, на котором восседает Младенец.

Мозаика арки базилики Санта Мария Маджоре. 432-440 г. Рим. Фрагмент

Загадочный, неведомый мир Востока, богатый золотом, самоцветами,  благовониями и пряностями, всегда будоражил воображение жителей западной части Римской империи.

И при изображении костюмов восточных мудрецов подчас использовано столько цвета, декора, такие колористические сочетания и фантастические орнаментальные мотивы, что можно только позавидовать столь безудержному воображению художников.

Мозаика церкви Сан-Аполлинаре Нуово в Равенне. VI в. Равенна, Италия

Довольно рано, уже в памятниках VI века, волхвы начинают изображаться не безбородыми юношами, а мужами трех возрастов: старец, средовек и юноша. Возрастная градация подчеркивала мысль о том, что в лице восточных мудрецов весь человеческий род, от мала до велика, поклоняется Воплотившемуся Богу.

Миниатюра Эчмиадзинского Евангелия. VI в. Институт древних рукописей Матенадаран, Ереван, Армения

Чаще всего изображают трех волхвов, по числу принесенных даров. Однако, некоторое время точное количество не указывалось в Предании. Постепенно установилось мнение, что их было трое, хотя в некоторых произведениях говорится о 2, 4, 6, 8 волхвах.

А в Сирийской Церкви существовало предание о двенадцати волхвах, пришедших в Иудею в сопровождении слуг. В некоторых произведениях можно заметить отголоски различных версий о числе волхвов.

Так, на византийской фреске из каппадокийского пещерного храма изображены шесть волхвов.

Поклонение волхвов. Фреска ц. Токали килисе в Гёреме. X-XI в. Каппадокия, Турция

В этом же произведении есть еще одна интересная деталь: вверху изображена не Вифлеемская звезда, а ангел, указывающий на Богомладенца. Сильно запрокинув голову, один из волхвов смотрит на ангела так, как в других памятниках волхв смотрит на звезду.

Можно предположить, что такое художественное решение возникло под влиянием мнения святителя Иоанна Златоуста, считавшего, что звезда была не астрономическим явлением, а «невидимой силой, принявшей вид звезды».

Похожее решение мы видим в одном из самых прекрасных произведений византийского искусства — мозаике храма Успения в Дафни.

Мозаика церкви Успения в Дафни. Ок. 1100 г. Греция

В Средние века возникает мнение, что волхвы были царями. Это воззрение основывается на предсказании псалмопевца: «Цари Фарсиса и островов поднесут ему дань; цари Аравии и Савы принесут дары. И поклонятся ему все цари; все народы будут служить ему» (Пс. 71: 10-11), а также на пророчестве Исайи (Ис.:60:6). В западноевропейском искусстве волхвов часто изображали именно царями.

Пьетро Каваллини. Мозаика апсиды базилики Санта Мария ин Трастевере. 1291 г. Рим, Италия

Существовало толкование, согласно которому, волхвы были потомками Сима, Иафета и Хама, как бы представителями всех народов и прообразовали собой Вселенскую Церковь. На Западе одного из волхвов сначала изображали смуглым, а позже — чернокожим.

Альбрехт Дюрер. Поклонение волхвов. 1504 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

В XVIII веке, когда столичные русские художники всецело ориентируются на европейское искусство, изображение темнокожего волхва появляется и в России.

Икона. Вторая половина XVIII в. Россия. Частное собрание

В византийской станковой живописи (иконописи) сцена «Поклонение волхвов» вливается в композицию «Рождество Христово» как один из изображаемых эпизодов.

Хронологически поклонение волхвов состоялось несколько позднее поклонения пастухов, тогда, когда святое семейство уже разместилось в одном из домов Вифлеема. Но в христианском искусстве допускается совмещение разновременных событий в одной композиции.

Для ясного выражения богословского смысла происходящего некоторые формальные детали могут не акцентироваться или даже игнорироваться.

Икона. VII — IX в. Монастырь св.Екатерины, Синай

Икона-эпистилий. 2-ая пол. XII в. Монастырь св.Екатерины, Синай. Фрагмент

Кроме сцены поклонения Богородице и Младенцу, волхвы изображаются в сюжетах: «Путешествие за звездой», «Волхвы перед Иродом», «Возвращение в свои страны».

Икона. Конец XI — нач.XII в. Константинополь. Монастырь св.Екатерины, Синай

Икона из праздничного чина Благовещенского собора Московского Кремля. 1405 г.

Мозаика арка базилики Санта Мария Маджоре. 432-440 г. Рим. Фрагмент

В эпоху Ренессанса создаются сложные многофигурные композиции, действующими лицами которых становятся, зачастую, современники художника. На картине Сандро Боттичелли в свите волхвов изображена семья Медичи, их двор, и сам художник.

Хотя случалось, что художник был так безжалостно точен, что, может быть, передавал и то, что заказчик не планировал делать явным.

Сандро Ботичелли. Поклонение волхвов. Ок.1475 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Живописцы часто интуитивно, а иногда и вполне осознанно помещают библейские сюжеты в «декорации» своей эпохи. Итальянцы изображают вертеп таким, каким они привыкли видеть его на родине — навесом, крытым соломой или черепицей, или же античной руиной. Северные мастера помещают караван волхвов на заснеженную улицу тихого бюргерского городка, как это делает Питер Брейгель Старший.

Джотто ди Бондоне. Фреска капеллы дель Арена. 1304-1306 г. Падуя, Италия

Джентиле да Фабриано. Поклонение волхвов. 1423 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Фра Беато Анджелико. Поклонение волхвов. Фреска монастыря Сан Марко. 1440-1441 г. Флоренция, Италия

Доменико Гирландайо. Поклонение волхвов. 1487 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия

Дирк Боутс. Центральная часть алтаря «Жемчужина Брабанта». 1467г. Старая Пинакотека, Мюнхен, Германия

Диего Веласкес. Поклонение волхвов. 1619 г. Национальный музей Прадо, Мадрид, Испания

Икона из Луковецкой церкви Череповецкого р-на Вологодской обл. Кон. XVIII в. Череповецкое музейное объединение

Источник: https://www.pravmir.ru/volxvy-kakimi-my-ix-predstavlyaem/

Диего Веласкес — "Эпоха титанов"

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (исп. Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, 6 июня 1599, Севилья — 6 августа 1660, Мадрид) — испанский художник, величайший представитель золотого века испанской живописи.Веласкес родился 6 июня 1599 года в Севилье, Испания. Учился живописи в родном городе у Франсиско Эрреры Старшего и у Франсиско Пачеко, на дочери которого, Хуане Миранде, он женился в 1618 году.Молодой художник приобрёл в Севилье уже достаточно хорошую репутацию. Его учитель Пачеко, а также друзья и земляки старались помочь его карьере. В 1622 году он был в первый раз отправлен в Мадрид. Но, несмотря на то, что земляки, державшиеся в столице вместе, пытались ему помочь, предстать перед королевскими очами ему не удалось.Впав в уныние, Веласкес вернулся в Севилью. Но не успел он пробыть дома и двух месяцев (1623), как его догнало письмо от севильянца, служившего королевским капелланом. Он писал ему, что придворный живописец Родриго де Вильяндрандо умер, и место стало вакантно. Веласкес стремительно отправился ко двору, остановился в доме своего друга капеллана и написал его портрет. Другой севильянец, камердинер кардинала-инфанта Фердинанда (королевского брата), отнёс его во дворец и показал хозяину. Кардинал-инфант пришёл в восторг и сразу заказал Веласкесу свой портрет. К тому времени изображение каноника уже увидел и сам король Филипп IV. Ему понравилось настолько, что он приказал брату — кардиналу-инфанту, уступить очередь позирования. Так Веласкес наконец получил возможность показать себя.Картина произвела фурор («Портрет Филиппа IV с прошением», 1623, не сохранилась). Веласкесу выплатили гонорар, затем назначили ренту, а также приняли на должность придворного художника. Филипп IV повторил ему обещание Александра Македонского, адресованное Апеллесу: «Никто, кроме тебя, писать меня больше не будет».Ранние полотна севильского периода в основном были созданы в жанре бодегонов (исп. bodegon — трактир). В основном это были натюрморты, кухонные сцены, трактирные зарисовки. («Завтрак», около 1617—1618; «Старая кухарка», около 1620; «Завтрак двух юношей», «Водонос», около 1621). В похожем стиле написаны и несколько религиозных картин этого же периода — «Поклонение пастырей», «Поклонение волхвов» (1619); «Христос в доме Марфы и Марии» (около 1620).Прежде всего в них ощущается внимательное изучение молодым Веласкесом караваджистского искусства, многие образцы из которого были доступны в Севилье. А также долгое пребывание в мастерской Пачеко: работа с натуры, тщательность рисунка, точность сходства с моделью.В мадридский период мастерство художника совершенствуется. Он обращается к редким для испанской живописи античным сюжетам («Триумф Вакха, или Пьяницы», 1628—1629, «Кузница Вулкана», 1630), а также историческим — «Сдача Бреды» (1634).Портреты, созданные Веласкесом в 1630—1640 годах, принесли ему заслуженную славу мастера этого жанра. Хотя в портретах Веласкеса обычно отсутствуют жесты и движение, они необычайно реалистичны и естественны. Фон подобран так, чтобы максимально оттенять фигуру, цветовая гамма строгая, но оживляется тщательно подобранными сочетаниями цветов. Веласкесу удавалось в портрете передать характер человека, показать противоречивость черт его характера.Наиболее известны портреты дона Хуана Матеоса (1632), генерала Оливареса (1633), конный портрет короля Филиппа III (1635), папы Иннокентия X (1650), а также серия портретов карликов и шутов (Los truhanes).B 1650-e годы Веласкес достигает вершин своего мастерства. К этому периоду относятся женские и детские портреты членов королевского двора: королевы Марианны Австрийской, инфанты Марии Терезы, инфанты Маргариты, инфанта Филиппа Просперо, портрет стареющего Филиппа IV. И, конечно, самые знаменитые полотна Диего Веласкеса «Менины» и «Пряхи». Картина «Пряхи» словно продолжает тему ранних мифологических полотен Веласкеса, где происходит поразительный синтез мифологической мистики и современных художнику реалий. Мастер дает собственную трактовку старинного мифа, поэтизируя красоту и величие человеческого труда и таланта. Его картина «Менины» оказала влияние на последующее создание картин бытового жанра. Сюжет «Менин» — это не просто групповой портрет особ королевского двора. Картина отличается сложнейшей композицией, в которой Веласкес благодаря величайшему техническому мастерству создает полное ощущение реальной жизни героев и всех фрагментов полотна, утверждая своим талантом подлинный апофеоз живописного искусства.

В этой картине и во многих своих творениях Веласкес далеко опередил собственное время и превзошел достижения многих своих предшественников и современников. Он превзошел их и по величайшему техническому мастерству, и по смелости отображения героев, и по художественному замыслу. Ведь именно его кисти принадлежит портрет обнаженной женщины в картине «Венера с зеркалом», — неслыханная во времена суровой инквизиции дерзость, редчайшее в истории испанской живописи изображение обнажённой натуры. Поражает широчайший охват в произведениях мастера различных слоёв социальной жизни Испании XVII века, показ контрастов знатности и нищеты, народного быта и жизни аристократов. Мастерство художника достигает такого уровня, что сложнейшие технические приёмы сливаются в одно целое, становясь незаметными для зрителя и оставляя лишь непередаваемое чувство очарованности картиной. Вероятно, невозможно до конца передать словами магическое очарование полотен Веласкеса, но несомненно одно – загадки непостижимого мастерства творчества великого испанского живописца всегда будут волновать истинных ценителей подлинного искусства.

Старуха, жарящая яйца (Старая кухарка). 

1618. Национальная галерея. Эдинбург. Шотландия.

Крестьянский обед. 

1618. Венгерский музей изящных искусств. Будапешт. Венгрия.

Поклонение волхвов. 

1619. Музей Прадо, Мадрид. Испания.

Иакову приносят окровавленные одежды Иосифа. 

1630. Эскориал. Мадрид. Испания.

Король Филипп IV на охоте. 

1635. Прадо. Мадрид. Испания.

Филипп IV в коричневом и серебре. 

1631. Национальная галерея, Лондон. Англия

Королева Изабелла Бурбонская. 

• 1632. Частная коллекция

Принц Балтазар Карлос на коне. 

1635. Прадо. Мадрид. Испания.

Портрет папы Иннокентия Х.

1650. Галерея Дориа-Памфили. Рим. Италия.Источник — http://ru.wikipedia.org/wiki/%C2%E5%EB%E0%F1%EA%E5%F1,_%C4%E8%E5%E3%EE

Источник: https://www.sites.google.com/site/epohatitanov/diego-velaskes

Диего Веласкес

(Диего Родригес де Сильва Веласкес)

Диего Веласкес. Автопортрет. 1630

Родился в Севильи 6 июня 1599 года. Умер в Мадриде 6 августа 1660 года. В 2014 году отмечают 415 лет со дня рождения.

Испанский художник.

Десятилетним португальским мальчиком поступил в мастерскую Франсиско Эрреры Старшего в Севилье, через год он работал уже в мастерской другого художника Франсиско Пачеко, у которого оставался до 1617 года, когда получил звание мастера. В следующем году Веласкес женился на дочери Пачеко и в 1620 году открыл собственную мастерскую. В 1622-1623 годах художник несколько раз ездил в Мадрид, где в 1624 году обосновался при дворе.

В 1629 году Веласкес отправился в Италию и оставался там до 1631 года. Там он встретил Гверчино и Хусепе Риберу, изучал картины Тициана и Тинторетто. В 1649-1651 годах он снова жил в Италии, возобновил контакты с Риберой и встретился с Бернини, Пуссеном и Сальватором Розой.

По вызову короля Веласкес вернулся в Испанию, где занимал почетное положение при дворе, а в 1658 году стал рыцарем ордена Сант-Яго. В 1660 Веласкесу была поручена организация празднеств по случаю бракосочетания Людовика XIV и инфанты Марии-Терезии в Ируне.

Вскоре после возвращения из Ируна в Мадрид Веласкес скончался.

Наследие Веласкеса складывается в первую очередь из придворных портретов, нескольких мифологических и религиозных картин, а также совсем немногих жанровых сцен.

Его наблюдения над феноменами освещения и колорита, абсолютно новаторские для его времени, были «востребованы» только в XIX веке импрессионистами и в первую очередь Мане. Ранние работы Веласкеса, созданные до первого путешествия в Италию, – это несколько жанровых картин, изображающих жизнь народа.

Испытав поначалу воздействие тематики голландских художников, живопись его затем ориентировалась скорее на караваджизм, все шире распространявшийся в Испании.

В картинах, вдохновленных искусством Тициана, которое стало для Веласкеса главным образцом, можно видеть черты реализма, а также натюрмортности.

В колорите превалируют черные и коричневые тона, немного мазков и пятен желтого и белого.

Здесь следовало бы в первую очередь упомянуть «Старую кухарку, готовящую яичницу» (1618) и «Водоноса в Севилье» (около 1620).

Диего Веласкес. Старая кухарка, готовящая яичницу.1618	Диего Веласкес.Водонос в Севилье. около 1620

Мало помалу стиль Веласкеса все больше удалялся от караваджизма, колористическая гамма становилась утонченнее и изысканнее.

Он писал жанровые и библейские сцены, вдохновленные голландской живописью («Служанка или Христос в Эммаусе») (около 1618) – редкий для Испании сюжет, хотя евангельская сцена занимает лишь второстепенное место в композиции, располагаясь сбоку и в глубине.

Среди ранних картин Веласкеса есть несколько религиозных композиций; особенно примечательно и не очень характерно для его эпохи то, как художник находит элементы святости в обыденной повседневности и вводит людей из народа в изображение священной истории («Поклонение волхвов»).

Диего Веласкес.Поклонение волхвов.1619

Диего Веласкес. Портрет Франческо Пачеко. Около 1619

Из первых портретов Веласкеса сохранился только так называемый «Портрет Франческо Пачеко» (около 1619).

В свой первый мадридский период, до 1629-1630 годов, художник исполнил многочисленные портреты короля, в полный рост и погрудные: «Портрет Филиппа IV» (с золотой цепью, около 1623), «Портрет Филиппа IV» (с прошением в руке, 1625).

Среди портретов других лиц этого периода упомянем «Графа Оливареса» (1625) и «Шута Калабасильяса» (1626-1627). В этих портретах, становящихся все более «нематериальными», кисть живописца обретает легкость, изображая темы в определенном отношении менее возвышенные, но в то же время более элегантные и социально значительные.

В «Триумфе Вакха» художник соединил античный миф с изображением обыкновенных веселящихся пьяниц. «Кузница Вулкана», написанная в 1630 году во время первой итальянской поездки, не только иллюстрирует миф, но и изображает художника в среде, промежуточной между искусством и ремеслом.

В более мягком живописном стиле и более интенсивном колорите уже можно заметить влияние первых итальянских впечатлений. Они видны и в характере передачи атмосферы и пейзажа в полотне «Святой Антоний Аббат посещает Павла-Отшельника» (до 1640).

В другой религиозной картине, написанной во время второго пребывания в Риме и, возможно, последней в этом жанре – в «Короновании Марии» (около 1641) заметно усиление лиловых тонов. В1634-1635 Веласкес написал свое первое большое полотно «Сдача Бреды».

Наиболее выдающимися произведениями этого периода являются портреты, образующие поистине изумительную серию.

В них, несомненно, превалирует репрезентативный момент, но веласкесовский колорит делает их сугубо индивидуальными.

Это «Конный портрет графа Оливареса (около 1633), «Дама с веером», «Конный портрет Филиппа IV», «Шут Диего де Аседо, прозванный Эль Примо».

Во время второй поездки в Италию Веласкес написал портрет своего слуги «Хуана Парехи» (1649), послуживший основанием для принятия его в Академию Святого Луки.

Тогда же был создан поразительный «Портрет Папы Иннокентия X», в котором палитра красных тонов – довольно узкая, но экспрессивная – и острая индивидуализированная трактовка лица создают впечатляющий образ.

Два вида «Сада виллы Медичи» (1651) изумляют своим новаторским реализмом. Из изображений Венеры сохранилась знаменитая «Венера с зеркалом» (около 1649-1650).

В «Пряхах», крупнейшем произведении позднего периода, художник связал мифологический эпизод и изображением повседневного ремесленного труда. Удивительны тонкие световые эффекты, которые строят живописную композицию.

(«Портрет инфанты Марии Терезии», Портрет инфанты Маргариты», «Портрет шута Калабасильяса», «Портрет мальчика из Вальекаса»).

Последней картиной Веласкеса стало одно из полотен, изображающих инфанту Маргариту. До этого он создал другой шедевр «Менины».

Веласкес запечатлел инфанту Маргариту со своими фрейлинами («менинами») и карлицей в одной из дворцовых комнат, где располагалась мастерская художника.

Сам он изображен слева за полотном: таким образом, живописец хотел сохранить память о том, как рождалась картина.

Диего Веласкес. Менины. (Семья Филиппа IV).1657

Со времени импрессионистов изучение творчества Веласкеса было сосредоточенно исключительно на его живописных и стилистических качествах в ущерб содержанию; особенно большое внимание уделялось различным свойствам живописного света в его отношении к меняющимся валерам реального освещения. Позднее историки искусства осознали, что нельзя не принимать в расчет тематику композиции Веласкеса; в ней, в частности, воплотилось его удивительное мастерство передачи равновесия, гармонии между человеком и пространством.

Эта особенность веласкесовского искусства решительно отличает его от склонной к экзальтации манеры его соотечественников, Эль Греко и Гойи.

Темы Веласкеса, если так можно выразиться, насыщены Испанией, страной, колеблющейся между спиритуализмом и любовью к жизни.

Кроме того художник удивительно понимал детей – портреты инфантов и инфант принадлежат к числу лучших его произведений и написаны с особенной живостью цвета.   

Материал взят из книг:

1. «Энциклопедия живописи», Москва, Изд-во «АСТ», 1997 г.  

⟰ наверх страницы

Источник: http://PionerArt.ru/resursnyy-centr/biblioteka/pamyatnye_daty/velaskes/

Диего Веласкес

Диего Веласкес (Родриго Диего де Сильва-и-Веласкес; Diego Velasques), 1599–1660 гг. · величайший испанский художник-реалист, заложивший основы психологического портрета в искусстве Европы. Внимание художника привлекали мифологические, исторические картины, пейзаж, бытовые сцены.

В XVII в. в Испании искусство переживало бурный расцвет, освобождаясь от иностранных влияний и приобретая яркий национальный характер.

Главным заказчиком произведений искусства являлась католическая церковь, она же определяла идеи и темы. Из светской тематики в XVII в.

получает широкое распространение сословный портрет, в основном посвященный изображению королевской семьи и высшей аристократии.

Веласкес родился в 1599 г. в небогатой дворянской семье в Севилье, в 1611 г. был отдан в обучение известному художнику Франсиско Пачеко (1564–1645), гуманисту, поэту, автору трактата по живописи.

В его мастерской Веласкес учился рисунку, умению работать с натуры, изучал живописные приемы. В 1617 г. он был принят в корпорацию художников Севильи, что давало ему право иметь собственную мастерскую и получать заказы. В 1618 г.

Веласкес женился на дочери своего учителя Ф.Пачеко.

Большинство ранних работ Веласкеса, созданных им в период обучения и сразу после него, посвящено изображению бытовых сцен, главными героями которых становятся простые люди Севильи. Они созданы в жанре “бодегонес”, распространенном в первой половине XVII в. в Испании, на них изображались трактиры и харчевни (по исп. “бодегон”).

В ранних работах Веласкеса сцены решаются статично, немногочисленные действующие лица помещены на переднем плане, приближены к зрителю, фон темный, детали тщательно прописаны. В 1617–1622 им создаются произведения: “Завтрак” (ок. 1617, С.-Петербург, Эрмитаж), “Старая кухарка” (1618, Эдинбург, Национальная галерея), “Водонос” (ок. 1620, Лондон, собрание Веллингтона).

И в картинах на религиозную тематику Веласкеса прослеживаются традиции бодегонес: “Поклонение волхвов” (1619, Мадрид, Прадо), “Христос у Марфы и Марии” (1618, Лондон, Национальная галерея).

В эти годы художник пишет первые портреты, в которых определяются особенности Веласкеса-портретиста – остро схваченное сходство, яркость выявления индивидуальности: “Портрет монахини Херонимы де ла Фуенте” (1620, Лондон, Национальная галерея).

Веласкес пользуется покровительством Филиппа IV: 6 октября 1623 он назначен придворным живописцем, вскоре становится камергером короля, получает во дворце мастерскую рядом с королевскими покоями, назначен хранителем королевских коллекций, что давало возможность изучать произведения прославленных мастеров.

В первые годы пребывания в Мадриде Веласкес выполнил ряд официальных заказов: парадные портреты короля, членов его семьи, представителей знати. Парадный портрет XVII в.

предполагал соблюдение определенных приемов в изображении модели: фигура изображалась в величественной позе, в парадном платье, занимала весь холст.

Согласно испанскому этикету, аристократы не должны были проявлять чувств, поэтому выражение лиц на портретах того времени – застывшее и высокомерное.

Но Веласкес не ограничивался достижением портретного сходства, он отражал внутренний мир человека. “Портрет Дона Карлоса” (ок. 1626, Мадрид, Прадо), “Портрет Филиппа IV” (1628, Мадрид, Прадо).

Заказанная королем картина “Вакх” (“Пьяницы”) (1629, Мадрид, Прадо) на мифологическую тематику трактуется Веласкесом как сцена из народной жизни, пирушка веселых крестьян. Вместо темного фона в полотне появился пейзаж.

Эта первая работа Веласкеса на мифологический сюжет, хотя и интерпретированная в бытовом аспекте, была одобрена королем.

Вновь обращаясь к мифологической теме в “Кузнице Вулкана” (1630, Мадрид, Прадо), Веласкес придает изображению жанровый характер. В этой картине проявилась основная черта испанского искусства – стремление самые далекие от реальности сюжеты представить в привычных образах, взятых из современной жизни.

В 1631 Веласкес возвращается в Мадрид и получает заказ от короля написать портрет наследника трона: “Портрет Бальтасара Карлоса в сопровождении карлика” (1631, Бостон, Музей изящных искусств). В это же время Веласкес создает “Распятие” (1631, Мадрид, Прадо) для монастыря бенедиктинок Сан Пласидо в Мадриде, написанное легкими, прозрачными мазками.

Он все больше внимания уделяет пейзажу, который в живописи Испании еще не получил самостоятельности. Но мастер использует пейзаж в качестве фона в сериях парадных конных портретов, которые он создает по заказу короля в 1630-е.

Первая серия из шести картин отличается подчеркнутой официальностью. На фоне тонко прописанных пейзажей показаны всадники: мужчины в костюмах полководцев, женщины – в роскошных туалетах.

Вторая серия из трех портретов, на которых члены королевской семьи показаны в охотничьих костюмах, отличается большей интимностью. Пейзаж в этих портретах становится не только фоном, но и вносит нотки настроения.

В охотничьих портретах Веласкес достигает светового единства первого и второго планов, хотя до конца они еще не объединены: “Портрет Филиппа IV в охотничьем костюме” (1634, Мадрид, Прадо).

Самое крупное произведение Веласкеса 1630-х – историческая картина “Сдача Бреды” (1634–1635, Мадрид, Прадо). Она предназначалась для королевского загородного дворца Буэн-Ретиро и должна была украшать “Зал королей”. Показан момент войны между Голландией и Испанией и взятие голландской крепости Бреда.

), часто вся картина представляла собой аллегорию. Веласкес отказался от этих условностей, закладывая основы реалистической исторической картины. В центре полотна показаны испанский и голландский полководцы в момент передачи ключей от крепости.

Драматизм раскрывается через психологические характеристики главных действующих лиц, показанных с портретной достоверностью.

В 40-е, в период зрелости, Веласкес пишет много портретов. Известен парадный “Портрет короля в военном костюме”, т.н. “Ля Фрага” (1644, Нью-Йорк, Музей Фрик), получивший свое название, т.к. был написан в г.

Фрага. Король предстает в важной позе, с надменным взглядом и с горделивым поворотом головы.

Художник не льстит ему, подчеркивая неприятные черты, но цветовое и живописное решение сделало картину всемирно известной.

В эти же годы Веласкес пишет ряд камерных портретов, сосредотачивая внимание на лице заказчика и его внутреннем мире: “Портрет Оливареса” (ок. 1640, С.-Петербург, Эрмитаж).

Среди портретов 30–40-х особое место занимают серия портретов королевских шутов, душевнобольных и карликов.

Изображения карликов поражают энергией, умом, взглядами, полными внутренней силы, скорби, что составляет контраст с их физической немощью: “Портрет карлика Себастьяно Мора” (ок. 1648, Мадрид, Прадо).

В Италии Веласкес продолжает писать портреты, получая много заказов. “Портрет Иннокентия X” (1650, Рим, Галерея Дориа) – одна из вершин европейского портретного реализма XVII в.

Папа в парадном облачении предстает перед зрителями как человек яркого темперамента, властный, энергичный. Заостряя индивидуальные черты, Веласкес изобразил человека умного, жестокого, хитрого.

Портрет, ошеломивший современников, входит в сокровищницу мирового искусства.

В 1651 Веласкес возвращается в Мадрид, где он создает знаменитую “Венеру с зеркалом” (1651, Лондон, Национальная галерея). Тема античной богини любви и красоты была навеяна итальянскими впечатлениями, в Испании изображение обнаженного женского тела запрещалось инквизицией. Веласкес показывает красоту живой женщины, гибкой, исполненной грации, сближая божественный образ с земным.

В 1656 Веласкес создает знаменитые “Менины” (“Фрейлины”) (1656, Мадрид, Прадо) – полотно высотой более трех метров с фигурами в натуральную величину. Художник показывает свою мастерскую, расположенную во дворце.

В большом зале стоя перед холстом, он пишет портрет королевской четы, которая находится за пределами картины, отражения монархов видно в зеркале, висящем на противоположной стене. Присутствие короля и королевы определяет парадный характер картины, но она одновременно явилась рассказом о жизни королевской семьи.

Главной героиней является пятилетняя инфанта Маргарита, застывшая в чопорной позе знатной дамы. Художник передает ее мягкие, детские черты лица. Именно на нее смотрит королевская чета, позирующая художнику. Рядом с инфантой многочисленные фрейлины.

В “Менинах” Веласкес показывает придворных в будничной обстановке, возвеличивая повседневность, представив ее приподнято-монументально. То обстоятельство, что королевская чета находится вне холста, имеет еще одно значение: картина раздвигала свои границы.

Композиция построена на двух уровнях: на заднем плане показаны три дамы, рассматривающие шпалеры, на одной из которых изображен миф об Арахне. На переднем плане – несколько работниц.

Это произведение – первое в истории европейского искусства произведение, прославляющее деятельность простого человека. Монументальный характер трактовки этой темы был необычным для той среды, где жил Веласкес.

В 1659 Веласкесу было пожаловано звание кавалера ордена Сант-Яго – одного из высших орденов Испании. В последние годы жизни Веласкес создает множество женских портретов: портреты инфанты Маргариты, два из которых находятся в Вене, в Музее истории искусств. Он умер 7 августа 1660.

Веласкес, обращаясь к реальной действительности, пронес через свое творчество идеи гуманизма.

Расширив тематику живописи, он развил ее жанры, в своих произведениях давал героям отточенные характеристики, раскрывая их внутренний мир.

В портретах он никогда не льстил моделям, показывая каждого в индивидуальной неповторимости. Достоинства колорита полотен Веласкеса сочетаются с ясностью и простотой композиции.

По материалам энциклопедии “Кругосвет”

Источник: https://greekroman.ru/gallery/art_velasquez.htm

Описание картины Диего Веласкеса «Поклонение волхвов»

Описание картины Диего Веласкеса «Поклонение волхвов»

Уж сколько живописцев писали на эту тему свои полотна! Уж сколько полотен выставлено в разных мировых музеях под этим названием. Но вот это полотно Веласкеса просто поражает своим спокойствием и целомудрием. Самое интересное ещё понимаешь, что изображали эту тему, совершенно не зная истинных событий, деталей. Веду к тому, что прочтение важного библейского эпизода интересное, но ошибочное насквозь. Взять хотя бы их одежду.

Веласкес не зная как одеты палестинцы или евреи одел всех персонажей в современную ему одежду. И Младенец находится вовсе не в яслях, а на коленях у матери. И трое волхвов и вовсе смотрятся как трое почтенных городских господ и единственное что выдаёт их миссию – три покрытые чаши-даровницы. А так, не будь этих предметов можно было подумать, что это светский визит на именины.

Чему остался верен живописец, так это облику Девы Марии и Младенца. Покорность, миловидность, некое предначертание судьбы… А фон полотна? Веласкес не стал особо прорисовывать его, но зато левом углу полотна мы видим пейзаж и он изображён во время заката. Уж не Голгофа ли это? То самое место казни Христа.

И этим страдали все живописцы Средневековья, не только Веласкес.

Но всё же полотно прекрасно, хоть и покажется тёмным. Зато как яркое светлое пятнышко притягивает к себе облик Младенца. Его детские глаза уже задумчивы. Удивительно то, что Веласкес Младенца запеленал, не дал ему простора. Когда как другие авторы старались его не пеленать, изображать как бы распростёртым для мира.

(1 votes, average: 5.00

Источник: https://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-diego-velaskesa-poklonenie-volxvov/

Самые известные картины Диего Веласкеса и их описание

Диего Веласкес — величайший художник не только XVII века, но и всех времён. Его мастерство до сих пор вдохновляет современных художников и восхищает зрителей. Веласкес — основатель психологического портрета, выведший испанскую живописную школу на новый, высший уровень.

В 1623 году он стал придворным живописцем испанского короля Филиппа IV, написал множество придворных портретов, но, несмотря на узкие требования этого жанра Диего Веласкес создавал настоящие шедевры.

Самые знаменитые картины Диего Веласкеса хранятся в различных музеях планеты, но сегодня мы соберем их в нашей виртуальной коллекции для вас!

Великие картины Диего Веласкеса:

1

 Менины (1656)

«Менины» (Размер полотна 318×276 см) — самая знаменитая и таинственная картина художника, непревзойдённый шедевр портретного жанра. В переводе с испанского название картины означает «Фрейлины». Картина выставлена в музее Прадо.

Её намеренно разместили на уровне глаз посетителей музея. Каждый, кто подходит к картине таинственным образом ощущает своё присутствие в этом странном и таинственном мире портрета.

Полотно, как машина времени, погружает зрителя в мир иллюзий испанского двора середины XVII века.

Это сложная масштабная работа, на которой изображено царственное семейство вместе с пятилетней инфантой, в окружении фрейлин и самого художника. Композиция картины построена необычно.

Маленькая девочка в пышном розовом платье со своей необычной свитой пришла в мастерскую Веласкеса понаблюдать, как художник пишет портрет её родителей — короля и королевы Испании.

Со стороны, кажется, что все персонажи смотрят именно на вас, но на самом деле, они смотрят на короля и королеву, которые позируют художнику. Их отражение зрители видят в зеркале за спиной художника.

Художник сотворил такое пространство, которое ранее никто не изображал. Он вовлёк зрителя в мир своей мастерской и заставил смотреть глазами тех, кого он рисует.

Мало того, он изобразил в виде главных персонажей картины карликов и фрейлин, а короля и королеву изобразил лишь схематично. Другие художники за эту вольность могли лишиться головы, но только не Веласкес.

За это волшебство его и ценил Филипп IV.

2

 Портрет папы Иннокентия X (1650)

Будучи в Риме, Веласкес был призван к папе Иннокентию X.

Портрет папы, над которым работал художник, получился настолько реалистичным, что сам понтифик воскликнул — «Слишком правдиво!» Папа Иннокентий X был очень жестоким и беспринципным человеком, но высоко оценил работу художника, ибо Веласкес увидел истинное человеческое лицо человека, власть которого простиралась над половиной света. Он изобразил папу обычным, со всеми своими страстями, человеком.

Это очень изящный и красивый портрет, в основе которого лежит красно-белая гамма. Первое, что бросается в глаза — изысканный шёлк алой папской мантии и белоснежное кружево одеяния на тёмном бордовом фоне бархатной драпировки. Пристальный и настороженный взгляд папы направлен в сторону зрителя, и словно оценивает того, кто перед ним стоит.

3

 Пряхи (1657)

Это работа зрелого художника. Она была написана в последние годы жизни Веласкеса, и отображает его высочайшее мастерство и умение изображать различные фактуры и перспективу. Это настоящая картина в картине, так как на заднем фоне всего происходящего изображён огромный гобелен, который рассматривают незначительные персонажи.

Изначально предполагалось, что это мастерская по производству гобеленов. Но на самом деле это трактовка мифа о споре между Афиной и Арахной, кто больше напрядёт пряжи. На переднем плане — Афина. Она изображена лицом к зрителю, на голове уже немолодой женщины белый платок. Арахна сидит спиной к зрителю. Молодая пряха полностью поглощена процессом прядения.

В конце концов победу в споре одержала Арахна, за что и была превращена мстительной богиней в паука.

4

 Портрет инфанты Маргариты, дочери Филиппа (1655)

Маленький портрет, всего 60 на 70 см, изображает малышку-инфанту, которой едва исполнилось четыре года. Это один из первых портретов будущей императрицы Священной Римской империи, из целой галереи портретов, которые написал Веласкес.

Он был очарован девочкой, и все детские и подростковые портреты инфанты светятся теплотой, с которой художник изображал свою обожаемую модель. Несмотря на жёсткие требования парадного портрета королевской особы, Веласкес изобразил прелестного ребёнка с чистым открытым взглядом.

Девочке разрешили держаться за стол, так как позирование занимало много времени, и маленькому ребёнку было трудно устоять в тяжёлом платье. Детство малышки закончилось в 14 лет, когда её выдали замуж за своего дядю, императора Священной Римской империи.

Через семь лет, в возрасте 21 года, после рождения шестого ребёнка она умерла.

Дети. Милые и очаровательные создания

5

 Портрет инфанты Маргариты в голубом (синем) платье (1659)

Портрет девятилетней инфанты сильно отличается от её портретов в раннем возрасте. Тяжёлое, сковывающее платье, выполненное из голубого бархата, заставляет девочку выглядеть очень взрослой.

Её взгляд уже не сияет чистотой и любопытством, как на предыдущих портретах. В этих больших и красивых глазах — пустота и усталость. Но всё равно, девочка прелестна. Её детское милое личико ещё не приобрело знаменитых «габсбургских» чёрт.

Это один из самых красивых портретов инфанты.

6

 Инфанта Маргарита в розовом (1660)

Маргарите десять лет. Необъятный кринолин сравнялся с ростом принцессы, причёска похожа на сложное сооружение. Взгляд девочки обречённый. Она знает, что её ждёт — безоговорочный брак и отъезд в чужую страну.

Но всё равно, она — прекрасный драгоценный камень в императорской короне. Белокурые волосы, нежное лицо, царственное платье, покрытое прозрачной вуалью с розовыми полосками, создают очень нежный и трогательный образ.

Это последний портрет инфанты, выполненный Веласкесом. В августе этого же года он ушёл из жизни, оставив после себя прекрасные детские портреты маленькой прелестной инфанты. Больше так её никто не писал. Глядя на последующие портреты Маргариты, можно сказать, что Веласкес обожал свою модель, а любовь, как известно, превращает даже самую невзрачную женщину в красавицу.

7

 Портрет Себастьяна де Морра (1664)

Себастьян де Морра — придворный карлик и шут из множества шутов, «гномов» и уродцев при дворе испанского короля Филиппа IV. Это живые игрушки королевской четы. Глядя на портрет можно увидеть, сколько боли и отчаяния в умных глазах изувеченного природой человека.

Ведь эти люди, с врождёнными аномалиями, не были лишены ума и различных талантов. Но их место определялось модой того времени. Возможно, их жизнь при дворе не была худшей из всех жизней простых испанцев. Но, привыкнув к унижениям, они соответствовали своему образу дурацких шутов.

К ним относились как комнатным болонкам или обезьянкам, им не делали больно, но и не интересовались их личными чаяниями.

Но Себастьян де Морра непростой карлик. Это знатный дворянин, родившийся с редким заболеванием — остеохондродисплазией, которая, искажая тело, не нарушает ум и психику человека. Карлик был очень умным, грамотным, обладал искромётным юмором и иронией, недюжинной силой и мужской харизмой. О его амурных победах судачил весь двор.

8

 Портрет придворного шута «Эль Примо» (1644)

Диего Веласкес — мастер острохарактерных портретов. Среди картин монархов и придворных особ известно множество портретов придворных карликов. В период с 1630–1640 годов художник написал целую серию изображений маленьких людей. В них он отобразил их характер и трагическую сущность. Одна из таких работ — изображение шута Эль Примо (в переводе с испанского «кузен»).

При жизни человека звали Дон Диего де Аседо. Он занимал особое положение у короля Филиппа IV — был хранителем королевской печати и личным посыльным короля. На картине изображён тщедушный человечек, держащий в руках большой фолиант. Привилегию оставаться в шляпе при короле имели карлики и близкие родственники (кузены).

Возможно, именно из-за этой привилегии так называли при дворе Дона Диего де Аседо.

10 людей с шокирующей внешностью, бывших участниками «Цирка уродов»

9

 Портрет графа — герцога Оливареса (1638)

Завершит наш обзор на most-beauty портрет премьер-министра Дон Гаспаро де Гусмана, графа Оливареса герцога Сан-Лукар де Барракудо.

Это рядовой погрудный портрет придворного, но именно он раскрывает личные качества этого человека. Несмотря на довольно посредственную внешность, герцог обладал стальным характером.

Умный, хитрый, проницательный, этот человек двадцать три года подряд обладал практически неограниченной властью.

Послесловие

Веласкес был в очень тёплых отношениях с королём. Ни один живописец не пользовался такой монаршей поддержкой и дружбой. Смерть Веласкеса произвела на короля сильное впечатление. «Я разбит», — написал король на листе с представлением нового придворного художника.

Но на этом наша статья про самые известные картины Диего Веласкеса подошла к концу, но у этого художника было настолько большое количество работ, что редакция most-beauty решила добавить ещё несколько из них в конец этого материала.

Христос в доме Марфы и Марии (1620)

Поклонение волхвов (1619)

Коронование Богоматери (1644)

Ужин в Эммаусе (1618)

Конный портрет графа-герцога Оливареса (1634)

Кузница Вулкана (1630)

Конный портрет принца Бальтазара Карлоса (1635)

Портрет Филиппа IV (1624)

Распятие Христово (1632)

Триумф Вакха (1628)

Сдача Бреды (1635)

Портрет Хуана де Парехи (1650)

На этом всё! С нетерпением ждём от вас комментариев.

Источник: https://most-beauty.ru/drugoe/kartiny-diego-velaskesa.html