Я ждал в гостиной. На стенеЛежала женщина в огнеДождя при солнце. Помню, этаКартина, вся лучистый зов,Какую создал Калмаков,Меня тогда очаровала.«Колокола собора чувств» Игорь Северянин
Калмаков Николай Константинович 23 января 1873 (Нерви, Италия) — 2 февраля 1955 (Шелль близ Парижа) Живописец, книжный график, сценограф. Родился и провел детские годы в Италии, на Ривьере. Был сыном русского генерала и итальянки.
Систематического художественного образования не получил, живопись и анатомию изучал самостоятельно в Италии, куда вернулся после окончания юридического факультета Санкт-Петербургского университета в 1895. 
В 1900 вновь приехал в Россию, сначала поселился в Москве, а в 1903 перебрался в Санкт-Петербург. Творческий дебют художника состоялся в начале 1900-х, когда он начал активно участвовать в выставках различных художественных объединений, формально не принадлежа ни к одному из них. Его фантастическая живопись была навеяна одновременно древними восточными мотивами, немецким романтизмом и мистицизмом начала ХХ века. Увлечение оккультизмом, эротическая символика и декоративность делают Калмакова ярким представителем русского символизма.
В 1908 году дебютирует как театральный художник. Именно театр приносит Калмакову известность. Он сотрудничал с ведущими российскими театральными постановщиками, режиссёр Н. Н. Евреинов назвал Калмакова «уникальным» и «единственным в своём роде».
К сожалению, дебют Калмакова как художника-постановщика в театре Комиссаржевской, который должен был стать его триумфом, оказался омрачён грандиозным скандалом – спектакль по пьесе Оскара Уайльда «Саломея» запретили после генеральной репетиции 27 октября 1908 года.
Комиссаржевская, вложившая в постановку огромные средства, была разорена.
Возникла устойчивая легенда, что в запрете виноват Колмаков, поскольку создал непристойные декорации. Это, конечно, не так, поскольку те, кто видел генеральную репетицию, ничего об не писали.
Но в возникновении легенды нет ничего странного, ведь картины Калмакова поражали своим эротизмом даже раскрепощённых «серебряным веком» современников. Это странная чувственность полотен… необычная пластика тел.
«Финальная точка» весьма красноречива: картины свои Калмаков подписывал монограммой, напоминающей стилизованное изображение фаллоса.
Вот что пишет в своих мемуарах друг Калмакова, известный русский актёр грузинского происхождения Александр Мгебров:«Его картины поражали своей чудовищностью. Они всегда изображали не то какие-то увеличенные в миллионы раз протоплазмы, не то первородные клеточки стихийного вселенского зачатия или, во всяком случае — зачатия во вселенском масштабе.
Трудно вообще сказать, что это были за картины, но они глубоко приковывали внимание стремлением вплотную подойти к чему-то поистине чертовскому, капризному и дьявольски-изощренному… Лейтмотивом его произведения зачастую был эротизм совершенно чудовищных размеров, такой эротизм, какой мог бы быть только у самого дьявола, если представить себе, что и над дьяволом есть нечто еще более страшное и величественное, чем он сам… Может быть, это первобытный хаос, может быть, — хаос над хаосом…
Может быть, после того, что я рассказал о картинах Калмакова, невольно возникнет представление о нем, как о человеке в высшей степени ненормальном… Ничего подобного. Калмаков в жизни был корректнейшим человеком, всегда неизменно выдержанным, спокойным и элегантным».
В 1920 художник покинул Россию и эмигрировал во Францию. В эмиграции Калмаков вел замкнутый образ жизни, избегая общения с кругами бывших соотечественников.
Если в первые годы эмиграции он устраивал выставки своих работ, которые не вызвали большого интереса, то в конце жизни мастер фактически был предан забвению. Единственным его другом был художник С. П. Иванов.
Умер Калмаков в 1955 в старческом доме города Шелль.
В 1964–1970-х коллекционеры Жорж-Мартин дю Нор и Бертран Коллэн дю Бокаж, обнаружившие на «блошином» рынке 40 картин художника, организовали серию его персональных выставок в Париже и Лондоне, заново открыв творчество мастера публике.
Произведения Николая Калмакова представлены в Государственном Русском музее, Санкт-Петербургском государственном Музее театрального и музыкального искусства, Театральном музее им. А. А. Бахрушина в Москве, а также в частных собраниях.е в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, ГМИИ им. А. С. Пушкина и других.
- по мотивам
Источник: https://tanjand.livejournal.com/823035.html
Николай Рудиков: художник целых поколений | АстраКульт
Заслуженный художник России, старейший художник Астрахани, его имя хорошо известно не только в области, но и далеко за ее пределами. Николай Кириллович Рудиков — человеческое достояние нашего региона, так же как его картины — достояние культурное.
После учёбы в Пензе Николай Рудиков более 60 лет прожил здесь, на Волге, среди астраханцев, а потому он как никто другой хорошо знает быт и уклад рыбаков. Что стало основой в его работе. Не одну выставку он посвятил рыбакам, труженикам села, волжанам.
В его творческом багаже — живописные пейзажи, карандашные рисунки, офорты, многие из которых экспонировались на республиканских выставках в Москве, зональных выставках «Большая Волга» в разных городах России. Его работы хранятся во многих музеях, частных коллекциях в России и за рубежом.
И в каждом штрихе — любовь к Ней, ее домам и улицам, красоте природы и бытовых мелочах, которые огромны.
Тысячи кубометров творчества на один квадратный метр. Так выглядит настоящая мастерская художника. Так выглядит мастерская Николая Рудикова — человека, чье имя неразрывно связано с Астраханью. Каждый кусочек площади, каждый угол здесь живет своей особой жизнью и играет свою особенную роль.
У входа собрана небольшая картинная галерея.
Каждая работа здесь погружает в свою собственную атмосферу, будь то натюрморты, портреты или удивительные астраханские пейзажи. Оказавшись в одном месте, это многоголосие охватывает еще сильнее.
А ведь это лишь маленькая капля всей его палитры — тысячная доля его картин. Художественный почерк Рудикова хорошо узнаваем — он пишет с особой любовью и продолжает творить в свои 86 лет, делая это по-прежнему мастерски.
Здесь же живут воспоминания прошлого, в многочисленных фотографиях и книгах.
А на противоположной стороне мастерской нами замечена вот такая картина… Предметы, без которых художнику бывает не обойтись.
Долгими годами эти вещицы собираются в одном пространстве, чтобы наполнить его новой жизнью. И получается необыкновенно красивый творческий беспорядок, как любят все художники. В нем Николай Рудиков ориентируется, как рыба в воде.
О рыбах напоминает и потрясающий вид из окна его мастерской, который не может не вдохновлять ежедневно.
Именно так, поднявшись над бренной землей на высоту в 9 этажей, он делает этот мир красивее.
Астраханцы неоднократно знакомились с творчеством Николая Рудикова. В эти дни его выставка работает в Доме купца Тетюшинова. И по-прежнему астраханскому художнику есть, что рассказать, какими мыслями поделиться.
Время здесь будто остановилось — все вокруг погружено в планомерное течение творческой жизни, где штрих за штрихом образуются новые горизонты.
«Астраханцы в творчестве Николая Рудикова» — особая страница его биографии. Среди изображенных горожан — земляки художника, с которыми он работал, дружил или просто встречался, но запомнил навсегда. Многие его работы посвящены любимой Астрахани, рыбакам, сельским труженикам и, конечно же, людям творчества.
После учёбы в Пензе он более 60 лет прожил на Волге среди астраханцев, хорошо знает быт и уклад рыбаков. Многие его выставки посвящены простым людям — родным волжанам.
И еще одно удивительно открытие мы сделали при встрече с художником. В настоящее время Николай Рудиков пишет собственную… книгу! Она включает воспоминания начиная с самых юных лет; интересные встречи, оказавшие неизгладимое впечатления. Нам посчастливилось услышать несколько отрывков — вернее, заслушаться ими.
А началось все около трех лет назад — Николай Кириллович решил написать статью о своем друге, Германе Мазурине, с которым дружит уже 70 лет! Получилось очень интересно, и он решил продолжать. В его книге собралось уже множество глава, и работа продолжается.
Остается только пожелать здоровья и успехов замечательному человеку — Николаю Кирилловичу Рудикову. И еще раз насладиться восхитительным творчеством, готовя этот материал.
Источник: http://astrakult.ru/nikolaj-rudikov-hudozhnik-tselyh-pokolenij/
Николай Александрович Шестопалов (1875-1954)
Любовь Агафонова «Николай Шестопалов. Предместья минувшего».
Вступительная статья к каталогу выставки художника в Государственном Русском музее».
Казалось бы, но сегодняшний день, все художники прошлого известны, строго классифицированы и занимают свои места, определенные временем, аксиомами музейных собраний, коммерческой стоимостью и человеческими предпочтениями.
Такое место, строго отведенное советским официальным искусствоведением, занимает и Николай Иванович Шестопалов. Художник книги, автор замечательных эскизов к советским довоенным открыткам, воспевающих восторженный героический труд рабочих в строительстве неумолимо приближающегося коммунизма.
По немногочисленным биографическим справкам, изумленному читателю предстоит волевой строитель новой жизни, который родился в крестьянской семье Пензенской губернии в 1875 году, в 1922 году становится членом АХР и «участником всех его выставок».
Судя по таким данным, до 45 лет Николай Иванович ни в какой жизни, в том числе и художественной, не участвовал.
Николай Шестопалов «Ноктюрн» 1909
Его прошлые биографы умалчивают об образовании, полученном в Художественной школе княгини М. К.Тенишевой, где молодой Шестопалов учился у Ильи Ефимовича Репина.
Репин заинтересовался пробами начинающего художника, пришел в восторг, в другой раз обругал, но начал направлять его путь, во многом сформировав вкус Николая Ивановича.
Илья Ефимович, понимая сложность материального положения и важность обучения для молодого таланта, устроил Шестопалова на железную дорогу и позаботился, чтобы ему предоставили график, удобный для занятий живописью, но позволяющий сносно жить.
Одновременно с обучением в студии Тенишевой, юноша занимается офортом в Императорской Акодемии художеств у профессора Василия Васильевича Матэ, пишет этюды на природе. Первоначальное художественное образование он получил в рисовальной школе петербургского Общества поощрения художеств в классе Дмитриева-Кавказского.
Приняв, как и вся передовая молодежь, идеи революции 1905 года, вместе с Добужинским, Лансере, Кардовским и Чехониным становится одним из основателей журнала «Зритель».
Наступает неслучайный момент в жизни художника, который определяет в дальнейшем его приоритеты. Изначально приняв идею социального протеста, Шестопалов публикует иллюстрацию «Свидание арестанта с женой», где жандарм изображен нарочито гротескно. За это его «не обижали» в советское время.
Николай Шестопалов «Маска Пушкина» 1915
Но творческая природа и стремление созидать, а не бороться за всеобщую справедливость берет свое. Устав от политических потрясений, в 1906 году он уезжает в Мюнхен, где благополучно работает в студии профессора Г. Книрра.
Отсюда шестопаловское сочетание лепки с контурным пятном — известен «Натюрморт с маской» и другие постановки со схожей стилистикой. Замечательны его «Музыканты» — полная настроения и очень мастерски сделанная работа. Художник передает скомпонованность фигур в движении.
- Именно здесь, в Мюнхене, формируется изобразительный язык Шестопалова-художника, вобравшего в себя и русскую традиционно-реалистическую манеру, и немецкую экспрессивную художественность.
- Вернувшись в 1907 в Петербург, Шестопалов, таким образом, посчитал свое образование завершенным, по сути не получив системного, и стал работать уже как художник-профессионал.
- 1900- 1910-е годы — лучший период творчества мастера, когда он участник выставок «Весенней» в залах Императорской Академии художеств, Нового общества художников (НОХ), Товарищества передвижных художественных выставок (ТПХВ), «Треугольник», «Мир искусства».
В круг общения молодого художника входили А. Бенуа, Добужинский, Бакст — те, чье мировоззрение ломало тогдашние константы подхода к искусству, противопоставляя свободу творческих изысканий художника — привычному реализму, в особенности «социальности» передвижников.
Николай Шестопалов «Семья в интерьере» 1910-е
Они пропагандировали эстетическое начало в искусстве, предпочитая абсолютную свободу в выборе тем, образов и выразительных средств. Пластический принцип «Мира искусства» — принцип утонченной пластической культуры.
Как типичные представители модерна мирискусники визуализировали эстетику неоромантизма, поэтизируя историю, архитектуру и быт прошлых столетий. Они эстетизировали действительность, стремясь возбудить все общий интерес к искусству прошлого, заботились об охране памятников старины.
Достигали цели, организуя ретроспективу образов королей, кавалеров и дам в париках и фижмах, запечатлевая пышную куртуазность барочных дворцов.
В этой удивительной атмосфере рождаются и шестопаловские образы, но не западные, а ушедшей России. Он с упоением пишет акварели в старом Угличе, изображая классический дом Зыкова, крыши дворца царевича Дмитрия или простой, но такой романтично-старомодный домик купца начала XIX столетия, старую усадьбу, мезонинчик с видом на балкон, откуда вырывается сноп света.
Николай Шестопалов «Углич. Дом царевича Димитрия» 1929
Художник фиксирует образы ушедшей жизни, потерянной навсегда, но такой манящей, сказочной, изображая архитектуру прошлых веков. Но, в отличие оттого же Александра Бенуа, так любившего Версаль и все «заморское», Шестопалов обращается к картинкам русской провинции.
Здесь и старые «дворянские гнезда», украшенные беседками, из которых, казалось бы, миг назад выбежала барышня в кринолине, а вот и она сама идет, огибая вычурную клумбу.
В 1914 году художник едет в Италию, где он набирается опыта и впечатлений. Сколь удивительны и эмоционально велики эти впечатления от созерцания древностей кватроченто для деревенского мальчишки!
Больше всего впечатлений дали ему Рим, Флоренция, Сиена, Генуя. У Николая Ивановича есть целый ряд набросков итальянской жизни, где среди памятников Флоренции разворачиваются всякого рода политические события.
С упоением молодой художник пишет римские церкви с фонтанами. Они единого тона, в них нет пошлой пестроты, напротив, тон их глубок, архитектура передана объемно, создавая иллюзию материальности.
Николай Шестопалов «Ponte St. Trinita во Флоренции».
Генуя, с синими тенями, где сквозь один из домиков пробивается резкий свет, и световые большие массы дают объемную характеристику этой натуры. При этом итальянские зарисовки поэтичны и пронизаны красотой большого прошлого, овеяны духом эпохи, которой художник будет любоваться всегда, находя в прошлом идеал и стремясь передать этот идеал зрителю.
Будь то европейское Возрождение или ушедшая безвозвратно усадебная жизнь средней полосы России. Шестопалов виртуозно меняет свои средства и колористические, и рисовальные в зависимости от стоящих задач, при этом полностью отдаваясь избранной теме.
Улавливание духа эпохи — необычайная способность Шестопалова — зрелого мастера и Шестопалова в начале творческого пути.
С началом революции Николай Иванович возвращается на Родину через Грецию, Турцию и Крым. Сохранились изящные, романтические акварели с изображением фонтанов, татарских саклей и улочек Старого Крыма, словно сошедших со страниц Пушкинского «Бахчисарайского фонтана».
В 1918 году Шестопалов возвращается в Москву, где работает по приглашению Н. И. Фалеева (с которым сотрудничал в журнале «Зритель»), также в качестве художника, в лесном отделе Наркомзема. В это время он живет у В. М. Ходасевича.
Крым, серебристые виды Средней Азии — это сюжеты его картин, написанных в первые годы советской власти. Нельзя сказать, что он ее не принял или, наоборот, целиком поддержал.
Сам о себе он говорит, отвечая на вопрос «Как Вы восприняли революцию?» во время чистки рядов АХРР: «Относился не враждебно, по-обывательски ворчал на некоторые неудобства. Из старых мастеров предпочитаю Веласкеса».
Николай Шестопалов «В цехе №2» 1929
Художник сознательно дистанцировался от активных социальных процессов в околокультурной жизни страны, уходя в оформительскую работу, иллюстрируя открытки или реконструируя быт прогрессивных писателей и революционных публицистов, корреспондируя свои предпочтения к безопасной классике.
Интересно художник передает русский характер и местность — дух эпохи — через дома, отдельные части парка — в серии, посвященной М. Ю. Лермонтову «Тарханы». Здесь все связано — даже природа соответствует исторической эпохе.
Таким образом он продолжает творить в близкой ему эстетике «Мира искусства», не опасаясь при этом репрессий. Эта серия было приобретена Литературным музеем.
Его также привлекает интерьер, изображая который Шестопалов продолжает традицию русских художников, с тщанием фиксируя площади провинциальных городков и кабинеты людей 1830-1840-х годов. У Шестопалова так же, как и у них, они лишены сюжетной драматики.
Его русское сознание романтизирует, представляет городкам из сказки стены древних православных монастырей — Саввино-Сторожевского в Звенигороде, милого его сердцу древнего Пскова, с белыми, чуть подернутыми мхом стенами, округлыми колоннами церковных порталов.
Николай Шестопалов «Пушкин. Беседа» 1920-е
Уже будучи зрелым советским классиком, Шестопалов не перестает, теперь уже в стол, писать ушедшую Россию. В это время его поездки сопряжены с хрестоматизацией жизни Пушкина и Лермонтова. Советский гос. Заказ превратился в серию картин ушедшего рая, в декорациях которого литературные классики иллюстрируют жизнь старобытного барства.
- Умер художник в 1954 году, оставив после себя не раскрытые странницы своего творчества.
- Любовь Агафонова,
- Искусствовед, директор галереи «Веллум»
Галерея Веллум
Адрес: Москва, ул. Пречистенка, 30/2, галерейный центр «Артефакт»
Часы работы: ежедневно с 12.00 до 20.00
Телефон: 8 (495) 776–33–31; 8 (495) 695–13–53 доб. 147
www.vellum.ru
Источник: http://cultobzor.ru/2016/10/nikolay-shestopalov/
Аструп — Nikolai Astrup
Портрет Н. Бернгард Фолкестад (1879 -1933)
Аструп Хенрик Лунд (1879-1935)
Интерьер студии Аструпа по адресу Astruptunet
Аструп (30 августа 1880 — 21 января 1928) был норвежским художником . Аструпа был особый, новаторский художник отметил , главным образом, для его интенсивного использования цвета с изображением пышных пейзажей Vestlandet с изображением традиционного образа жизни в регионе.
биография
Николай Johannes Аструпа родился в Бремангер в Согн — ог — , Норвегия. Он вырос в Ålhus в сельской местности Йёльстера между фьордом и Нордфьордом .
Он был старшим сыном из одиннадцати детей , рожденных христианской Аструпа (1844-1919) , который был приходским священником в Ålhus церкви в Йёльстер. Он был правнуком Nils Аструпа (1778-1835), бывший член парламента Норвегии .
Его отец хотел , чтобы он стал священником и послал его в Тронхейме собор школы от 1895-97. Однако Аструпа был более заинтересован в рисовании и живописи. В 1899 году он уехал в Кристиании (ныне Осло) , где он был студентом Гарриет Бакер школы «s живописи до 1901.
Он жил некоторое время в Париже , где он был учеником Крог на Académie Коларосси от 1901-02. Аструпа позже отправился в Берлин , Дрезден , Мюнхен и Гамбург .
К 1902 году он вернулся в Йёльстер. Он провел три значительные выставки; в Кристиании 1905 и 1911 годах и в Бергене в 1908 году В 1907 году он женился на Энгель Sunde , с которым у него было восемь детей.
Экономика домашнего хозяйства была очень жесткой , и он боролся с плохим здоровьем , как его астма становилось все хуже. В 1913 году Аструпа поселился с женой и детьми в Sandalstrand (ныне Astruptunet) на южной стороне озера Jølstravatn напротив села Ålhus .
Он умер от пневмонии в 1928 году в возрасте 47 лет в соседнем городе Førde .
Аструпа предпочитали четкие, яркие цвета и обычно делают пейзаж искусство , изображающее его окружение в Йёльстер. Проведя большую часть своей жизни в Йёльстер, пейзаж оказался сильным влиянием и через свои картины он искал «национальный„визуальный язык“, вызвавшую традицию и фольклор своей родины».
Его картины описывают интимное взаимодействие между природой и развитой средой, характеризующееся жирными линиями и характерным насыщенным цветом. Аструпа рассматривается как нео-романтического художника, но он также работал с гравюрами .
Аструп рассматривается как один из величайших норвежских художников с начала 1900 — х годов, и некоторые из его картин были проданы на аукционе по цене около $ 500 000 долларов США.
Работы Аструпа были уподоблены у его современного Эдварда Мунка , хотя стиль Аструпа был описан как «настолько ярче — не только в цвете, но и в настроении.
Хотя хорошо известно , в Норвегии, Аструпа малоизвестен в остальном мире. Первая выставка его работ за пределами Норвегии состоялась в Dulwich картинной галерее , Лондон 5 февраля — 15 мая 2016 г. На выставке представлено более 90 картин и гравюр, в том числе произведения из частных коллекций никогда не выставлялись ранее.
Награды
- Finnes легат (1902)
- Schäffers легат (1906)
- Houens легат (1910-11)
- Конрад Mohrs легат (1918-19)
наследие
KODE , крупнейший музей Бергена для картин, посвятил одно крыло полностью артистизм Николая Аструпа.
В 2018 году, Mount Eerie выпустила песню под названием «Две картины Николая Аструпа.»
Картины маслом
- Тун я Йёльстер , (1902)
- Stabbur я Йёльстер (до 1905 года)
- Kvennagong (до 1905 года)
- Prestegården , (до 1907)
- GRA vårkveld , (1907)
- Juninatt ог gammelt vestlandstun , (до 1908)
- Kollen , (1908)
- Vårnatt я Хаген (1909)
- Jonsokbål , (1912-26)
- Vårstemning , (до 1914)
- Priseld , (1915)
- Revebjelle , (около 1920)
- Interior мед vugge , (около 1920)
- Санкт-Hansbål вед Jølstervatnet
- Vårkveld вед Jølstervannet 1900
- Ложа, Øystein (1986). Gartneren под regnbuen (на норвежском). (Осло: Драйер). ISBN 82-90646-05-4 .
- Wexelsen, Эйнар; Данболт Гуннар ; Ложа, Øystein (2005). Аструп — Tilhørighet ог identitet (на норвежском). (Джеймстаун, Нью — Йорк: Labyrinth Press). ISBN 82-7393-147-1 .
- Кристиансен, Runar (1998). Edvard Munch, Аструп, Рольф Неш, Людвиг Эйкаас . (Skei я Йёльстер). ISBN 82-91882-01-0 .
Источник: https://ru.qwertyu.wiki/wiki/Nikolai_Astrup
Nikolai Astrup
For the politician, see Nikolai Astrup (politician).
Portrait of NikolaiBernhard Folkestad (1879 –1933)
Nikolai Astrup Henrik Lund (1879-1935)
Interior of Astrup's studio at Astruptunet
Nikolai Astrup (30 August 1880 – 21 January 1928) was a Norwegian painter. Astrup was a distinctive, innovative artist noted principally for his intense use of color depicting the lush landscapes of Vestlandet featuring the traditional way of life in the region.
[1]
Biography
Nikolai Johannes Astrup was born at Bremanger in Sogn og Fjordane, Norway. He grew up in Ålhus in rural Jølster between the Sognefjord and the Nordfjord.
He was the eldest son of eleven children born to Christian Astrup (1844–1919) who was a parish priest at Ålhus Church in Jølster. He was the great-grandson of Nils Astrup (1778–1835), a former member of the Norwegian Parliament.
His father wanted him to become a priest and sent him to Trondheim Cathedral School from 1895-97. However Astrup was more interested in drawing and painting. In 1899, he left for Kristiania (now Oslo) where he was a student at Harriet Backer's school of painting until 1901.
He lived for a while in Paris where he was a student of Christian Krohg at Académie Colarossi from 1901-02. Astrup later traveled to Berlin, Dresden, Munich and Hamburg. [2][3]
[4]
[5]
By 1902, he returned to Jølster. He held three significant exhibitions; at Kristiania 1905 and 1911 and at Bergen in 1908. In 1907, he was married to Engel Sunde with whom he had eight children.
The household economy was very tight and he struggled with poor health as his asthma was getting worse. In 1913, Astrup settled with his wife and children in Sandalstrand (now Astruptunet) on the south side of Lake Jølstravatn across from the village of Ålhus.
He died of pneumonia in 1928 at the age of 47 in the neighbouring municipality Førde.[6][7]
Astrup preferred clear, strong colors and usually made landscape art depicting his surroundings in Jølster. Having spent the majority of his life in Jølster, the landscape proved a strong influence and through his paintings he sought 'a national «visual language» that evoked the traditions and folklore of his homeland'.[8]
Источник: https://en.wikipedia.org/wiki/Nikolai_Astrup
Николай Аструп биография
| Nikolai Astrup |
| 30 августа 1880(1880-08-30) |
| Бремангер |
| 21 января 1928(1928-01-21) (47 лет) |
| Фёрде |
| Норвегия |
| экспрессионизм |
Николай Аструп ( норв. Nikolai Astrup, 30 августа 1880, Бремангер — 21 января 1928, Фёрде) — норвежский художник. Считается, что работы Аструпа наиболее глубоко выразили идентичность Западной Норвегии.
Николай Аструп родился в 1880 году в Бремангере в Западной Норвегии в семье священника. В 1883 году его отец, Кристиан Аструп, был назначен викарием в Йёльстер, и вся семья переехала туда.
В 1895 году Аструп приехал в Тронхейм, где поступил в классическую гимназию. В 1897 году вернулся в Йёльстер, где выполнял роль домашнего учителя для своих братьев и сестёр.
В это время он начал заниматься живописью, не имея никакого формального образования и будучи самоучкой.
В 1899 году Аструп поступил в художественную школу в Христиании, потом начал брать уроки в частной школе, организованной художницей Харриет Баккер. В 1901 году он окончил школу и получил стипендию, давшую ему право на поездку по Европе.
В рамках этой поездки он посетил Любек, Гамбург, Дрезден, Берлин и Мюнхен. В декабре Аструп приехал в Париж и начал учиться в художественной академии у норвежского художника Кристиана Крога.
В 1902 году он вернулся в Норвегию и поселился в Йёльстере, где жил бльшую часть времени до 1911 года.
При этом он выставлялся: так, в 1905 году в Христиании прошла его первая первоначальная выставка, вызвавшая благожелательные отзывы критики, а одна из его картин в том же году была приобретена Национальной галереей. В 1907 году Николай Аструп женился на Энгель Сунде. У них было восемь детей — пять мальчиков и три девочки.
Кроме первой персональной выставки Аструпа 1905 года, при его жизни прошли ещё две его персональные выставки: в Бергене в 1908 году и в Христиании в 1911 году. Обе были встречены художественной критикой с энтузиазмом.
В 1908 году он посетил Лондон, в 1911 — Берлин, в 1916 — в Копенгаген и Стокгольм (где встретился с принцем Евгением), а в 1922-23 — с семьёй в Алжир через Германию и Италию, с остановкой в Париже на обратном пути.
21 января 1928 года Аструп, страдавший большую часть жизни от астмы, скончался от воспаления лёгких в возрасте 47 лет.
В 1967 году муниципалитет Йёльстера выкупил бывшую ферму Аструпа на берегу озера Йёльставатн, в которой был организован музей художника.
Наследие художника составляют живописные и графические работы. Многие сюжеты многократно повторяются и взяты из окрестностей дома художника в Йёльстере.
Для Аструпа характерно соединение реальных пейзажей с фантастическими элементами — так, горы и деревья часто принимают в его произведениях антропоморфные формы.
Другим частым мотивом его произведений, многократно повторяющимся, является праздник с разведённым костром на дальнем плане, который наблюдает сидящий спиной на переднем плане человек — часто ребёнок, ассоциируемый с самим художником.
Стиль Аструпа своеобразен и не имеет аналогий в современном ему норвежском искусстве.
Источник: https://wikifaces.ru/a/nikolaj-astrup.html
Загрузка...
