Мальчик, ведущий лошадь — пабло пикассо, 1906

Сегодня, 25 октября, в испанской Малаге родился Пабло Пикассо, один из самых ярких, влиятельных и «дорогих» художников XX века.

За свою долгую жизнь, прервавшуюся на 92-м году, он создал около 20 тысяч работ, не говоря о десятках тысяч подражателей, чьими полотнами и сегодня наводнен арт – рынок.

По случаю дня рождения великого мастера редакторы Fancy Journal подготовили подборку из 15 его наиболее известных полотен.

«Любительница абсента», 1901

«Девочка на шаре», 1905

В 1897-м году Пабло, сын учителя рисования, приобщившего мальчика к живописи, поступил в Королевскую академию изящных искусств в Мадриде. Вскоре юноше стало скучно, и он отправился в самое сердце художественной жизни Европы – в Париж.

Здесь он оседает в богемном Монмартре, меняет незвучную отцовскую фамилию Руис на запоминающуюся материнскую Пикассо и начинает активно писать. Этот период творчества художника принято называть «кубическим». Суть этого художественного метода сводилась к отрицанию традиции натурализма.

Пикассо уделял особое внимание трансформации привычных форм в разновеликие геометрические блоки.  

«Гертруда Стайн», 1906

«Женщина в сорочке, сидящая в кресле», 1913

«Портрет Вильгельма Уде», 1910

В 1916-м Пикассо привлекают к работе над художественным оформлением балета «Парад» для «Русского балета» Дягилева. Пабло не на шутку увлекся, погрузившись в работу не только над костюмами и декорациями, но над сценарием и сценографией.

Результат, казалось, превзошел все ожидания (хотя многие критики восприняли неоднозначно новаторские идеи создателей), и следующие месяцы художник вместе с труппой Дягилева провел на гастролях в Риме.

Там же он познакомился с балериной Ольгой Хохловой, ставшей спустя год его супругой.  

Ольга Хохлова и Пабло Пикассо, 1919

Период 1920-х – конец 30-х принято называть «сюрреалистическим» этапом творческой жизни художника. В эти годы он создает абстрактные произведения, зачастую доведенные до абсурда.

В 1937-м была закончена «Герника», масштабная картина, ставшая отражением отношения Пикассо к бомбардировками одноименного городка в Стране Басков.

Тревожное предвкушение войны станет лейтмотивом следующих семи лет.

«Герника», 1937

С окончание Второй мировой обрел спокойствие и сам художник. В первые послевоенные годы он перебирается из Парижа на юг Франции, где погружается в расслабленную атмосферу европейского средиземноморья, пишет идиллические плотна и занимается керамикой. Скончался Пикассо в 1973-м на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви на Лазурном берегу. 

«Голубая обнаженная», 1902

«Старый гитарист», 1904

«Арлекин с бокалом», 1905

• «Мальчик с трубкой», 1905
• «Мальчик, ведущий лошадь», 1906
• «Авиньонские девицы», 1907
• «Хлеб и ваза с фруктами на столе», 1909
• «Три музыканта», 1921
• «Женщины, бегущие по берегу», 1922
• «Девушка перед зеркалом», 1932
• «Сон», 1932
• «Обнаженная, зеленые листья и бюст», 1932
• «Портрет Марии — Терезы», 1937
• «Дора Маар с кошкой», 1941
• «Менины. По Веласкесу», 1957

Источник: https://fancy-journal.com/kulturnaya-zhizn/iskusstvo-i-dizajn/20135-strast-i-protivorechie-15-kartin-pablo-pikasso

Искусство Испании, часть 3.1 Пикассо. Я — в начале пути

Наступил 20-й век. И здесь ещё при жизни был признан великим мастером другой испанский художник — ПАБЛО ПИКАССО. Мало найдётся в истории искусства людей, которые удостаивались такой почести. Пабло Пикассо своим неустанным тру-дом на протяжении всей своей жизни заслужил этого в полной мере. Так в чём же секрет великого мастера? Художник он был не самый заурядный. После него, да и в его время таких было и есть сейчас хоть пруд пруди. Портретов и пейзажей рисовать Пикассо реалистично не умел, потому что не научился. В самый ранний период творчества он ещё старался придерживаться классицизма в изображении действительности. Но потом, спустя лет пять полностью забросил это дело. Однако, это не помешало ему стать великим гением от искусства. Некоторые картины Пабло стали самыми дорогими в мире. Давайте посмотрим, как он рисовал в классическом стиле.

• 
• 1895-Picasso-Girl-Пикассо-Девочка
• 
• 1899 Picasso-Пикассо Пикадор-Picador

1896-Picasso-La-premiere-communion-Пикассо-Первое причастие

1. 1896-Picasso-It's my mother-Пикассо-Портрет Матери
2. 
3. 1897-Picasso-Знание и милосердие-Пикассо-It's the knowledge and the charity
4. 
5. 1897-Picasso-Matador Dominge-Пикассо-Матадор
6. 
7. 1896-Picasso-Avtohortret-Пикассо-Автопортрет
8. 
9. 1900-Picasso-It's Ispain married couple-Пикассо-Испанская пара

Пабло Пикассо родился в 1881 году в городе Малага, что на юге Испании. Рисовать его научил в детстве отец — Хоссе Руис.

Затем в 14лет он едет в город Барселона и там поступает в художественную школу изящных искусств в Ла Лонха. Однако, там ему не понравилось, и он бросает её и переезжает в Мадрид.

Здесь он снова поступает в учебное заведение, но уже в Королевскую академию художеств.

Пикассо начинает учиться и ему опять это не нравится, ведь надо быть усидчивым и много работать. Такое учение оказалось не для него. Он снова бросает учёбу. Его явно тянуло что-то другое. Он хотел быстрой славы и денег. Посмотрите внимательно на его автопортрет 1896 года.

Для этого необходимо было время, а Пикассо ждать не хотел. Он торопился жить. По-этому в 1900 году Пикассо бросает Испанию и уезжает во Францию в Париж — туда, где живёт и творит мировая богема, которая так манит и тянет к себе всех молодых людей со всей Европы.

Там он быстро обзаводится новыми друзьями, поскольку ещё учась в Академии искусств в Мадриде успел поучаствовать в выставке своих ранних работ. О нём уже знали как о начинающем художнике-классицисте.

В основном это талантливые художники и поэты. Как художник Пикассо уступал им по мастерству рисования, поскольку оказался среди них просто недоучкой. Он не мог ещё рисовать картины с изображением в тонких, чётких линиях.

Однако, это молодого испанца нисколько не огорчило. Он и не пытался рисовать как Веласкес.

Вместо этого Пикассо создаёт свою собственную манеру изображения — он рисует картины заведомо с нечёткими линиями и нарушенными пропорциями частей тела.

• 1901-Picasso-The women is in the hat-Женщина в голубой шляпе
• 1901 Picasso-It's gurman-Пикассо-Гурман

Без пейзажей, но с определёнными цветовыми гаммами. Всё это потом критиками и специалистами будет выдаваться как его собственное направление в искусстве. На самом деле Пикассо так и не научился реалистично рисовать картины, как зто делали Эль Греко и Франсиско Гойя, а также мастер живого рисунка — Диего Веласкес.

Но это было другое время и в мире царили другие нравы. Многие художники, не обладая истинным талантом рисовать реальную жизнь, изобретали для себя другие пути, что-бы выделиться из всех хоть чем-то. Потом эти пути называли новыми направлениями в искусстве и таким образом бесталанные художники становились очень известными. Так случилось и с Пикассо.

А как? Давайте вместе с Вами дорогой читатель пройдёмся по жизненному пути великого маэстро и всё увидим своими глазами.

Голубой период

Период жизни и работы Пикассо с 1901 по 1904 годы критики впоследствии назовут «голубым периодом» творчества художника.

На картинах того времени художник часто рисовал одиночество, обездоленность, физическое убожество — нищие, бродяги, измождённые матери с детьми т.е. характерные черты испанской действительности.

При всём при этом эти картины всегда выделялись присутствием на полотнах холодного сине-зелёного и серо-голубого цветов при господстве голубого. Это были цвета уныния и печали.

1. 1901-Picasso-He has the abcent-Пикассо-Абсент
2. 1901-Picasso-The women has a cigarette-Женщина с сигаретой
3. 1901-Picasso-La- It's the tragedy -Трагедия
4. 1901-Picasso- Avtoportret-Пикассо
5. 1901-Picasso-Women-Женщина с шеньёном
6. 1901-Picasso-Arlekin-Склонившийся Арлекин
7. 1903-Picasso-The old guitarist-Пикассо-Старый гитарист
8. 1903-Picasso-Brekfast. I am't to see-Пикассо-Завтрак слепого

Лучшие картины «голубого периода»

• «Любительница абсента»(1901), «Свидание»(1902), «Завтрак слепого» (1903), «Жизнь»(1903), «Нищий с мальчиком»(1903), «Двое»(1904), «Мать и дитя»(1903), «Гладильщица»(1904)
• 1901-Picasso-La-buveuse-d-absinthe-Пикассо-Любительница абсента

«Любительница абсента» — одна из лучших картин, написанная художником во время своих поездок из Парижа в Барселону. В это время Пикассо старался показать на своих полотнах безысходное одиночество, неустроенность, опустошённость и потерянность. Обычно он рисовал столик в кафе с одиноким несчастным посетителем, пьющим абсент, после которого он попадает в мир иллюзий и галлюцинаций. Про абсент Пикассо нарисовал не одну картину, а несколько.

1902-Picasso-Two sisters-Пикассо-Две сестры

Эту картину художник нарисовал после посещения приютов, психиатрических больниц и лечебниц, где он искал себе персонажей для произведений. Этих героев он нашёл в Сен-Лазаре больнице для проституток в Париже. «Две сестры» — это встреча монахини и проститутки — символ безмолвия и всепрощения, страдания и от боли и одиночества.

1. 1903-Picasso-La-Vie-Пикассо-Жизнь
2. 1904-Picasso-It's the iron-Гладильщица
3. 1903-Пикассо-Старый еврей с мальчиком-Picasso-It's the old man with a boy

Во время «голубого периода» Пабло Пикассо пока непостоянно проживал в Париже и часто приезжал в Барселону, работая там. В 1906 году он окончательно переехал во Францию в Париж на постоянное место жительства. Пикассо быстро сблизился с молодыми художниками, завоевал их доверие и стал первым среди равных.

На новых полотнах сразу же начинает меняется голубой цвет на на алло-золотисто-розовый тон. Грусть уходит с рисунков. Главными героями картин на фоне пустынных ландшафтов становятся бродячие артисты и циркачи. Их бедный, но вольный труд сплочён, потому что они в работе душевно объединены узами братства.

На работе они чувствуют себя родными как братья и сёстры. Эта остановка на картине без ландшафтов выглядела как другая планета, отделявшая своих героев от всего остального мира.

Это время в творчестве художника с 1904-го по 1906-й годы потом специалисты назовут «розовым периодом»

Картины «розового периода»

• Самыми лучшими картинами этого периода были признаны «Акробат и молодой арлекин» (1905), «Семейство комедиантов» (1906) , «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906)
• 1905-Picasso-La-famille-de-saltimbanques—Пикассо- Семейство комедиантов
• 1905-Picasso-It's in the kabare-Пикассо-В кабаре
• 1905-Picasso-Acrobat and Yong arlekin- Пикассо-Акробат и молодой Арлекин
• 1905-Picasso-It's the lady -Дама
• 1905-Picasso-Mother and son-Пикассо -Акробаты Мать и сын
• 1905-Picasso-2 brothers-Пикассо-Два брата-2
• 1905-Picasso-It's the sitting-Пикассо-Сидящий
• 1906- Avtoportret -Picasso-Пикассо-Автопортрет

В конце «розового периода» у Пикассо появились картины с обнажёнными фигурами мальчиков и девушек. Таким образом художник пытался внести классику античности в свои сюжеты. ( «МАЛЬЧИК С ЛОШАДЬЮ», «ТУАЛЕТ», «ДЕВОЧКА С КОЗЛОМ» ). Из них напрочь исчезли грусть, трагизм, убийственная жалость, унылые тона красок.

1. 1906-Picasso-It's the girl with the he-goat-Пикассо-Девочка с козлом
2. 1906-Picasso-Baring boy-Обнажённый юноша
3. 1905-Picasso-Two yang boies-Пикассо-Два юноши
4. 1906-Picasso-The boy with a horce-Мальчик с лошадью
5. 1906-Picasso-Tualet-Пикассо-Туалет

Хотите знать, что было дальше? По какому пути пошёл мастер и укрепил свой авторитет в искусстве? Такого вы ещё не видели. За какую картину покупатели не жалели миллионов долларов? Смотрите и удивляйтесь в следующей публикации!

Источник: https://ambilive.ru/articles/44-iskusstvo-ispanii-chast-3-1-pikasso-ja-v-nachale-puti.html

Голубой и розовый период в творчестве П. Пикассо

Акробат и молодой Арлекин 1905

«Голубой» и «розовый» периоды в творчестве испанского художника Пабло Пикассо — это время формирования индивидуального стиля художника. В это время происходит отход от импрессионизма, наследования стилистик Тулуз-Лотрека, Дега и других известных художников.

«Голубой» период (1901-1904)

Автопортрет. 1901

Свое название он получил из-за общей тональности картин, выполненных в сине-голубой гамме, объединенных настроением отчаяния и одиночества. Одними из первых работ этого периода стали «Автопортрет» (1901) и «Любительница абсента» (1901).

Большая часть героев картин Пикассо – это представители низших слоев общества, обездоленные, больные или порочные люди. Среди более поздних «голубых» работ стоит отметить картины «Голова женщины» (1902-1903), «Завтрак слепого» (1903), «Старый еврей с мальчиком» (1903), «Гладильщица» (1904).

В эстетическом отношении важным является переход к новым способам изображения, исключение из композиции лишних деталей, и ряд других решений, позволяющих сосредоточить внимание зрителя на эмоциях, вызываемых картиной. В тоже время в полной мере считать эти работы Пикассо самобытными нельзя, т.к.

в них частично использованы мотивы и приемы, характерные для испанской живописи. На формирование такого эмоционального настроя картин сильно повлияли жизненные реалии. Начало «голубого» периода связано с самоубийством близкого друга художника Карлоса Касагемаса в 1901 году.

Близость смерти, одиночество, вынужденное возвращение в Барселону в 1903 году из-за нехватки средств оказали влияние на депрессивность картин.

«Девочка на шаре» — равновесие между жизнью и смертью

Девочка на шаре. 1905

Эта картина, написанная в 1905 году, является характерным произведением переходного периода.

Времени, когда боль, отчаяние и страдание в картинах художника постепенно уходят, их заменяет интерес к живым человеческим радостям, олицетворением которых стали циркачи и артисты.

этого произведения, построенного на контрастах (движение и статика, девочка и атлет, легкость и тяжесть и др.), вполне соответствует символике перехода между горечью смерти и радостями жизни.

«Розовый» период (1904 — 1906)

Постепенный переход к «розовому» периоду в творчестве обозначился еще 1904 году, когда в жизни художника стали происходить позитивные перемены: переезд в кипучий центр авангардной жизни – в общежитие художников на Монмартре, влюбленность в Фернанду Оливье, знакомство со множеством интересных людей, среди которых были Матисс и Гертруда Стайн. Главной темой работ этого периода, выполненных розовых, красных, жемчужных тонах становятся комедианты цирка Медрано. Картины отличаются разнообразием сюжетов, динамикой и движением. При этом художник продолжает развивать индивидуальный стиль, сформированный еще в «голубом» периоде. К этому времени относятся работы «Акробат и молодой Арлекин» (1905), «Семейство комедиантов» (1905), «Шут» (1905) и др. В конце «розового» периоа в картинах Пикассо появляются образы, навеянные античными мифами: «Девочка с козлом» (1906), «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), проявляется интерес к изображению обнаженной натуры «Причесывание» (1906), Обнаженный мальчик (1906).

Источник: https://myshulka.ru/node/298

Биография Пабло Пикассо

В 1892-1895 годах учился в Школе изящных искусств в Ла-Корунье, в 1895-1897 годах — в Школе изящных искусств в Барселоне, где получил золотую медаль за картину «Наука и благотворительность» (1897).

В конце 1890-х годов обучался в Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде.

В 1899 году Пикассо вернулся в Барселону, где стал завсегдатаем известного кафе «Четыре кота», в котором собирались художники и литераторы.Здесь же 1 февраля 1900 года состоялась его первая персональная выставка.

В следующий период, получивший название «розового», появились сцены дружбы, любования красотой тела. Произведением переходного периода — от «голубого» к «розовому» является его «Девочка на шаре» (1905). В конце «розового периода» появились «античные» картины — «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), «Девочка с козлом» (1906) и другие.

До «розового» периода жизнь художника была скорее борьбой за существование, но его положение заметно улучшилось, когда в течение нескольких лет русский коллекционер Сергей Щукин приобрел около пятидесяти его работ. В то время Щукин обладал лучшим собранием картин Пикассо в Европе.

В 1907 году Пикассо создал композицию «Авиньонские девицы», которая считается поворотным моментом в изобразительном искусстве XX века.

С 1908 года по 1909 год Пикассо совместно с Жоржем Браком разработали новый стиль — кубизм. В этом стиле были написаны полотна «Королева Изабо», «Дама с веером» (обе — 1909), «Портрет А.

Воллара» (1910), «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов (1909-1910).

Кубизм на ранней стадии был отражен в картинах «Сидящая женщина» (1909), «Портрет Канвайлера» (1910) и «Моя красавица» (1911).

С 1912 года художник широко использовал технику коллажа — построения композиций из кусочков бумаги и других материалов, наклеенных на холст. Высшее достижение в этом стиле — две картины с одинаковым названием «Три музыканта» (1921).

В 1928-1931 годах художник занимался созданием произведений из металлических сварных конструкций.

В начале 1930-х годов он сделал несколько графических серий, числе которых 30 офортов к «Метаморфозам» Овидия для издательства «Скира» и к «Неведомому шедевру» Оноре де Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара.

В 1936 году с началом гражданской войны в Испании Пикассо стал на сторону республиканского правительства и принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В 1937 году художник создал панно «Герника» в память о бомбардировке баскского городка, в результате которой он был стерт с лица земли.

В годы Второй мировой войны Пикассо принимал участие в Движении Сопротивления в оккупированной Франции.

В 1944 году художник вступил во Французскую коммунистическую партию. Политические убеждения Пикассо проявились в картине «Война в Корее» (1951) и двух больших панно «Война и Мир» (1952).

• В 1946 году мастер обратился к искусству керамики и практически возродил в городке Валлорис на Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло.
• Всего он создал около двух тысяч работ в технике керамики.
• В 1947-1950 годах он разработал особую технику литографии.
• В 1950 году Пикассо был избран во Всемирный совет мира.

В 1950-е годы художник писал множество вариаций на тему известных мастеров прошлого, прибегая к кубистической манере письма: «Алжирские женщины. По Делакруа» (1955), «Завтрак на траве. По Мане» (1960), «Девушки на берегу Сены. По Курбе» (1950), «Менины. По Веласкесу» (1957).

В 1958 году Пикассо создал композицию «Падение Икара» для парижского здания ЮНЕСКО.

В 1960-е годы Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 метров для общественного центра в Чикаго.

8 апреля 1973 года Пабло Пикассо скончался в Мужене во Франции.

Похоронен возле замка Вовенарг во Франции.

Пикассо был лауреатом Международной премии Мира (1950) и Международной Ленинской премии «За укрепление мира между народами» (1962). В 1967 году он отказался от ордена Почетного легиона.

По оценкам искусствоведов творческое наследие Пабло Пикассо составляет 1 885 картин, 12 000 рисунков и набросков, 1 228 объемных работ и скульптур, 2 880 керамических изделий, несколько печатных изданий, разошедшихся многотысячными тиражами, а также множество ковров и гобеленов.

Еще при жизни художника в 1963 году был открыт его музей в Барселоне. В 1970 году Пикассо передал в дар музею более девятисот своих произведений.

В октябре 1985 года был открыт Национальный музей Пикассо в Париже.

Он располагается в особняке Сале (Hôtel Salé), построенном в XVI веке. Музею принадлежит самое обширное в мире собрание произведений и предметов, связанных с жизнью и творчеством художника.

В октябре 2003 года в присутствии короля Испании Хуана Карлоса I и королевы Софии был открыт Музей Пикассо в Малаге.

Пабло Пикассо — один из самых «дорогих» художников мира — эстимейт (предпродажная оценка стоимости) его работ превышает сотни миллионов долларов.

Пабло Пикассо был дважды женат. В 1918 году он венчался с балериной Дягилевской труппы Ольгой Хохловой (1891-1955). В этом браке у художника родился сын Поль (1921-1975). После смерти Ольги в 1961 году художник женился на Жаклин Рок (1927-1986). У Пикассо также были внебрачные дети — дочь Майя от Мари-Терез Вальтер, сын Клод и дочь Палома от художницы Франсуазы Жило.

Материал подготовлен на основе информации РИА Новости и открытых источников

Источник: https://ria.ru/20161025/1479893358.html

Творчество и жизнь Пабло Пикассо

Хотите получать интересные статьи на email каждое утро и расширять кругозор? Присоединяйтесь к Eggheado!

Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобится вся жизнь, дабы рисовать так, как рисует ребёнок.

Творческая биография Пабло Пикассо по-настоящему экстремальна. Марк Шагал как-то сказал, что Пикассо меняет стиль чаще, чем носки. Он настолько разный в каждый следующий период, что кажется, что это писали разные люди.

А он творил более 70 лет! И это не считая десятилетия раннего периода его ученичества на родине, в Испании, когда он ещё только искал себя.

Один из великих фотографов 20 века, Дэвид Дуглас Дункан как-то спросил его, какой из периодов ему наиболее близок, какой он считает самым значимым в своем творчестве. Пикассо растопырил пятерню: «Как вы думаете, какой из пальцев мне наиболее дорог? Они нужны мне все!»

Пабло Пикассо родился в 1881 году в семье искусствоведа. Руис Хосе — отец Пабло, увлекался живописью, но поняв, что сын талантливей его, отдал краски и кисти Пабло и стал его первым наставником. В тринадцатилетнем возрасте Пабло отправили учиться в Барселонскую художественную Академию, затем он продолжил обучение в Мадриде, в академии «Сан-Фернандо».

После окончания учебы Пикассо переезжает в столицу Франции. Именно там испанский художник создает свои лучшие произведения. Это творчество относится к раннему периоду.

“Желтый пикадор” (1889) считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.Вид на порт Малаги, 1889Портрет матери художника, 1896Сумасшедшая с кошками, 1901

Голубой период. Как правило, все картины этого периода художник выполнял в сине-зеленых оттенках. Герои — это бедные дети и матери, старики. Тогда Пикассо перемещался между Испанией и Францией, ещё не поселившись в Париже окончательно.

Это был самый тяжелый период в жизни начинающего художника. Быстро “взять Париж” ему не удалось. Его первая выставка, организованная в галерее Воллара в 1901 году, имела неплохие отзывы, критики приняли его доброжелательно. Но и не более того.

Все отметили его свежесть, признали, что его следование образцам импрессионизма вполне профессионально. Однако пожелали ему выработать свой индивидуальный, более узнаваемый стиль. К тому же, его картины не покупали.

Для Пикассо такая реакция Парижа — доброжелательная, но не восхищенная, была равносильна провалу.

Сидящая женщина в капюшоне, 1902Женщина со скрещенными руками, 1902Аскет, 1903

Розовый период. В картинах этого периода прослеживается больше радости. В них преобладают оранжевые и розовые тона.

Пабло Пикассо осваивается на Монмартре, встречает Фернанду Оливье. Постепенно новая жизнь вытесняет тягостные настроения и краски голубого периода.

Актер, 1904Дама с веером, 1905Автопортрет с политрой, 1906Мальчик, ведущий лошадь, 1906

Африканский период.

1907 год, Пикассо — в эпицентре художественного авангарда начала века, соcредоточенного в Париже — поэты, художники, арт-критики, ведущие французские арт-дилеры. Пикассо авангарднее всех.

Художник отходит от изображений конкретного человека, и больше интересуется африканскими мотивами.

Авиньонские девицы, 1907Дама с веером, 1907Горшки и лимон, 1907Купание, 1908

Кубизм. Художник разбирает мир на элементы и собирает новую реальность — реальность художественного произведения.

Девушка с мандолиной (Фанни Телье), 1910Гитара (Я люблю Еву), 1912Человек у камина, 1916

Неоклассицизм. Картины становятся более четкие и яркие.

Пикассо попадает в театральную среду, он оформляет спектакли для балета труппы Дягилева, влюбляется в русскую балерину Ольгу Хохлову, в следующем году они поженятся.

Ольга хочет, чтобы на портретах она была похожа, она склонна к традиционности, консерватизму и респектабельности.

Портрет Ольги в кресле, 1917Первое причастие, 1919Две женщины, бегущие по пляжу (Бег), 1922

Сюрреализм. На творчество художника оказывают влияние семейные проблемы.. Пикассо с 1927 года — в тайной связи молоденькой девушкой — Марией-Терезой Вальтер, которую он случайно встретил на улицах Парижа. Ей было 17, ему 45.

Спящая, 1927Поцелуй, 1931Мария-Тереза анфас и в профиль, 1931

После войны Пикассо знакомится с Франсуазой Жило, которая рожает ему двух детей. Франсуаза — это «цветок» как в личной, так и творческой судьбе Пабло. В 1949 году создается знаменитый «Голубь мира»:

Пикассо живет отдельно от Мари-Терез Вальтер и их дочери Майи, однако не теряет с ними связи, он полностью обеспечивает их и дважды в неделю проводит с ними время, играет со своей маленькой дочерью и рисует ее.

Существует целая коллекция портретов играющей Майи.

Послевоенное творчество Пабло можно считать счастливым, рождение двух детей дает темы для создания замечательных семейных картин.

Он переезжает на юг Франции и наслаждается морем, пляжем и теплым солнцем.

Рисующие Клод и Палома, 1954

Осенью 1947 года Пабло устраивается на Фабрику «Мадура». Увлеченный ручным трудом он собственноручно выполняет множество блюд, кувшинов, тарелок и статуэток. Иногда они несколько архаичны, но всегда полны остроумия и очарования.

Портрет женщины в зеленом платье, 1956

Жаклин была последней музой гения и ухаживала за ним до смерти. Умер Пикассо на своей вилле в 1973 году.

Источник: https://medium.com/eggheado-art/625d5dcd6700

Великий и ужасный Пабло Пикассо. Часть I

veneyaОдна из самых неоднозначных фигур в современном искусстве, тот, кто постоянно менялся, не подражая никому, увлекая за собой мир искусства, от классических канонов красоты линий и композиции до полной деформации пространства.

• Знание и милосердие, 1897

Салон Прадо, 1897

Еще с ранних лет Пикассо начал подавать надежды, как будущий великий художник, в чем его неустанно поддерживала мать, а отец, как преподаватель живописи, помогал осваивать азы мастерства.

Пабло с сестрой Лолой, 1889

На протяжении всего обучения Пикассо его сестра была постоянной моделью для картин. Он написал множество ее портретов.

Сестра художника Лола, 1900

Желтый пикадор

Эта картина считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.

Коррида, 1901

Коррида, или смерть матадора, 1933

Кстати, настоящее имя художника — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Клито Руис и Пикассо, но поскольку Руис одна из самых распространенных фамилий в Испании, Пабло оставил фамилию по матери Пикассо. Если прислушаться к звукам, то на ум приходят ассоциации с пикадором (от picar — колоть) и корридой, и вы будете правы!

А ведь это участник корриды на лошади, вооруженный специальной пикой, которой наносит удары в загривок боевого быка, чтобы ослабить мускулы его шеи и убедиться в его реакции на боль.

И вот что еще, страсть Пикассо к этому жестокому, но от того не менее увлекательному поединку между двумя существами, объединяет его с одним из самых известных художников Франсиско де Гойя, который тоже тяготел к этому действу, видя нечто первобытное, завораживающее.

1. Франсиско де Гойя «Пикадор»

Франсиско де Гойя «Смерть пикадора», 1793

Пабло вдохновлялся работами многих великих мастеров, как Эль Греко, Веласкес, Рембрандт, Кранах, Пуссен, Энгр, Тициан, Курбе, Делакруа, Сезанн, Гоген, Ренуар, Мане. Он копировал и создавал потом портреты в стиле великих мастеров и мог быть вполне традиционным художником, высококлассным реалистом, но, как он говорил позднее «дублировать видимый мир на своих картинах – бессмысленно».

• Пабло Пикассо: «Искусство — это ложь, ведущая к истине».
• Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1963

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

1. Питер Пауль Рубенс «Похищение сабинянок»

Никола Пуссен «Похищение сабинянок», 1537. Лувр, Париж

«Менины» (по Веласкесу), 1957

• Сравним с оригиналом картины Диего Веласкеса «Менины» (1656).

Еще один вариант.

Пикассо исследовал творчество многих своих предшественников, но, пожалуй, ни одна картина прошлого не удостоилась такого внимания, как «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. В течение двух лет (1961-1962) Пабло Пикассо создает 26 картин (14 из них — в музее Орсэ в Париже), шесть линогравюр и 140 рисунков своих версий картины Мане.

1. Эдуард Мане «Завтрак на траве», 1863
2. Мужской торс, гипс, 1893
3. Копия портрета Филиппа IV (с картины Веласкеса, 1653), 1898

А ведь еще в 12 лет Пабло рисовал так… В 15 лет он поступает в Мадридскую Академию Искусств, самое престижное художественное заведение страны, однако через полгода обучения понимает, что не получает ничего нового, и оставляет учебу, чтобы самостоятельно изучать живопись великих испанских художников в музее Прадо, в основном Веласкеса и Эль Греко.

Диего Веласкес «Портрет короля Испании Филиппа IV», 1656

• Портрет незнакомца, 1899

Стиль Эль Греко узнаваем в вытянутых фигурах и оттенках серой краски. Портрет Лолы Руиз Пикассо, 1901

1. Портрет Хосепа Кардоны, 1899

Портрет Карлоса Касагемаса, 1899

В 17 лет он возвращается в Барселону, где попадает в среду авангардных художников, ведет богемный образ жизни и проникается новыми веяниями. Входит в круг художников и писателей, вращающихся вокруг кафе-бара-кабаре «Четыре кота», открытого по аналогии с богемным парижским заведением «Черный кот». Теперь он пишет под влиянием импрессионистов, в частности, Тулуз-Лотрека, Дега.

• Диван, 1899

В костюмерной, 1900

В это время Пикассо знакомится с начинающим художником Карлосом Касагемасом, с которым они почти не расстаются, вместе развлекаются, делают художественные выставки. В 1900 году они впервые едут в Париж, знакомятся с художественной жизнью столицы. Пикассо обходит все музеи Парижа, изучает искусство импрессионистов вживую, знакомится с арт-дилерами, получает первые деньги за свои картины, и ему заказывают новые. Пабло начинает понимать, что его жизнь в искусстве должна быть связана с Парижем.

Он исследует художественную жизнь столицы мира, но также и жизнь города — ночную жизнь баров, кабаре и борделей, находясь под впечатлением от раскованности и свободы этого города, а также под влиянием импрессионистов. Следуя традиции, начатой Дега, Мане, Тулуз-Лотреком, Пабло запечатлевает образы знаменитого в то время парижского танцзала Moulin de la Galette.

«Мулен де ла Галет», 1900

Однако после самоубийства своего лучшего друга Карлоса Касагемаса, который выстрелил себе в голову на глазах у друзей и посетителей кафе из-за несчастной любви, Пикассо чувствовал свою вину, что не предотвратил трагедию, не поехал с ним в Париж, а остался в Барселоне заниматься своей выставкой. Так начался «голубой период», который длился с 1901 по 1905 гг. Холодная, мрачная колористика его работ, почти монохромная живопись с трагичными, депрессивными персонажами, была созвучна в то время его мировосприятию.

Мрачное отчаяние

Селестина (Женщина с бельмом), 1904

Такой печали, отчаяния, безысходности, молчаливого страдания никогда не видели в мировом искусстве, он создавал произведения в невиданном раннее стиле. Кстати, известный американский джазовый трубач Майлс Дэйвис, оказавший значительное влияние на развитие музыки XX века, вдохновлялся работами «голубого периода», о чем можно судить по оформлению его альбомов и творчеству.

Один из самых известных альбомов «голубой период» (1951) можно послушать здесь http://music.yandex.ru/#!/album/690644

1. В 1904 году Пабло Пикассо окончательно переезжает в Париж и селится на Монмартре, в общежитии художников, известном как Бато-Лавуар.
2. Пабло Пикассо и Фернанда Оливье на Монмартре с собаками, 1904

Помимо близких по духу молодых людей, Пабло встречает здесь Фернанду Оливье, которая иногда приходит в Бато-Лавуар позировать художникам.

Пабло Пикассо, Фернанда Оливье и Хакин Ревентос, Барселона, 1906

Они прожили вместе почти десятилетие. Как считают исследователи, она была моделью для создания Авиньонских девиц, одной из главных картин Пикассо.

Эти позитивные перемены привели к новому витку в творчестве Пикассо – так называемый «розовый период» (1904-1906), когда он пишет картины, полные изящества, тонкости и очарования в жизнерадостных тонах, преимущественно красного, оранжевого, розового и серого оттенков.

Среди его работ множество сюжетов с циркачами, французскими комедиантами (они с друзьями часто посещают цирк, который располагается рядом с их общежитием). К слову, интерес к циркачам был очень распространен в искусстве начала 20 века — бродячие артисты были бедными, но творческими и независимыми людьми, как и художники-авангардисты.

Для людей искусства цирковая тема символизировала свободу и независимость. Считается, что Пикассо часто изображает себя в роли Арлекина, а в роли других персонажей – своих друзей.

• В кабаре Лапин Агиль, или Арлекин с бокалом, 1905

Сидящий Арлекин, 1905

1. Семья комедиантов, 1905

Акробат и юный Арлекин, 1905 Девочка на шаре, 1905

• Одно из самых известных его произведений «розового периода» является картина «Мальчик с трубкой» (1905).

В это время Пикассо находит своих многолетних покровителей – Гертруду Стайн и ее брата Лео – коллекционеров, которые начинают покупать картины почти нищенствующего художника и выставлять их в своей галерее. Впоследствии Гертруда Стайн напишет: «В 1904 году он снова приехал в Париж.

Там он опять начал становиться немного французом, то есть Франция снова его увлекла и соблазнила… И это ослабило его испанскую серьезность, и …он освободился от голубого периода, от возродившегося в нем испанского духа, и когда с этим было покончено, началась живопись, которая сейчас называется розовым или арлекинским периодом.

Здесь он тесно общался с Гийомом Аполлинером, Максом Жакобом и Андре Сальмоном, и все они постоянно виделись. Художники всегда любили цирк, даже теперь, когда ему на смену пришло кино и ночные клубы, им нравится вспоминать цирковых клоунов и акробатов.

Многие находили вдохновение у Пикассо, например, известный американский певец, рок-музыкант Дэвид Боуи.

Его невероятно эксцентричный клип в стиле «розового периода» наполнен эпатажем и волшебством. Послушать и посмотреть можно здесь «Ashes To Ashes» http://www.youtube.com/watch?v=CMThz7eQ6K0

1. Одна из последних работ этого времени «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), которая поражает своей монументальностью и величием, и в тоже время художник здесь следует классическим канонам.
2. Поэтому его величайшее творение «Авиньонские девицы», созданное в 1907 году,
3. знаменует начало нового «африканского периода» (1907-1909) в творчестве художника, под влиянием древнего искусства Африки и Испании.
4. Африка

Испания

Если приглядеться к картине, то два персонажа справа вполне определенно отсылают нас к образам африканских масок, захватившие воображение Пикассо своей первобытной силой и невероятной мощью. Не могу не отметить, что эта картина очень напоминает Поля Сезанна и его «Купальщиц».

1. Лицо его покровительницы Гертруды на одноименной картине «Портрет Гертруды Стайн» (1905-1906), уже явно напоминает нам африканскую маску с широкими и узкими прорезями глаз.

«Авиньонских девиц» Пабло писал в течение года с особой тщательностью. И она, безусловно произвела настоящую сенсацию для того времени, поскольку такой стиль оказался смелым экспериментом, а кроме того стала первым шагом живописи на пути к кубизму, кроме того многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства. Кажется, что картина бессюжетна, но, в тоже время, она наполняется совсем иным, мистическим, «зазеркальным» смыслом. Полная трансформация человеческого тела, где нет красивостей, сглаженности углов, всмотритесь, хотя бы, в эти чудовищные глаза. От этого нарастает напряжение, а внутри картины уже зреет столкновение ангелов и демонов, добра и зла, увиденное художником через осколки стекла. Еще интересная деталь — отодвигающая занавес рука на заднем плане, что имеет двойное значение: раскрывает перед зрителем пространство кубизма, а также свидетельствует о театральности происходящего на полотне. Живопись и театр – два увлечения Пикассо, которые встречаются в этой картине.

На смену приходит новый период «аналитический кубизм» (1909-1912), когда предмет дробится на мелкие части, которые четко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.

Поиски Пикассо были основаны на его убеждении, что живопись способна на большее, чем просто показывать то, что видит глаз. Должен быть способ, как показать мир таким, «каков он есть на самом деле».

Надо писать «не то, что вижу, а то, что знаю», как говорил Пикассо. Показывать не — видимое, но — сущее.

• Веер, солонка, дыня, 1909

Женщина, сидящая в кресле, 1910

1. Человек с кларнетом, 1911

Одна из отличительных особенностей живописи периода аналитического кубизма – монохромность. «Цвет ослабляет!» — заявляет Пикассо, наблюдая эксперименты Матисса в живописи. И сам сосредотачивается на форме и объеме предметов. Второе, от чего он отказался – это раздельность вещей, их различия по фактуре и материалу. Также, в кубизме исчезает какая бы то ни было перспектива, поэтому понятие, где расположен предмет, вдали или вблизи, не имеет ровным счетом никакого значения. В результате — на кубистских картинах мы видим очень странное, фантастическое, монохромное изображение, создающее иллюзию некоего метафизического пространства, выпирающего гранями из плоскости холста. Предмет и окружающий его фон — суть одно и то же, и отдельные предметы в этой единой структуре реальности не имеют четко очерченных границ. Мы видим лишь непонятную, льдистую, осколочную, однородную массу, у которой нет фактуры, внутренних различий, и можем догадываться о том, что изображено, лишь по отдельным деталям-намекам. Пикассо называл их «атрибутами». Где-то видна рука, где-то усы, или ключ, или гриф гитары, но все они созданы из одного и того же условного «вещества». Но это лишь символы и знаки предметов, а не они сами. Кубизм, таким образом, поставил себе не изобразительную, а философскую задачу.

Тореро, 1912

Известный французский художник, график, сценограф, скульптор и декоратор Жорж Брак с 1907 года присоединился к художественным поискам Пикассо, а затем стал равноправным партнером в их творческом союзе. Взглянем на несколько картин Жоржа Брака.

• Девушка с мандолиной (Фанни Телье), 1910
• Мандолинист, 1911
• При этом объемность, использование реального света и тени на скульптурных объемах, пространств, сдвиги плоскостей, форм, объемов, варьирование пустотами и наполненностями в будущем открыли дверь в новое направление в живописи – абстракционизм, например ярким представителем этого направления является Марк Ротко.

А теперь рассмотрим их совместные проекты. Фигура девушки и фон, как единая живописная вселенная, построенная художником из однотипных «блоков». Пространство как скульптура. Художник разбирает мир на элементы и собирает новую реальность — реальность художественного произведения.Но они пошли дальше, когда окончательно стерлись грани реальности, обнажив только суть вещей в своей иллюзорности и потеряв всякую фигуративность.

Заметное влияние кубизм оказал на появление стиля ар-деко (или арт-деко), особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Отличительными чертами этого стиля является строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, дорогие материалы.

1. Небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке
2. Мебель от Жака-Эмиля Рульманна.
3. Или творения Эмиля Брандта.

Создавали даже машины.

Известная французская женщина-модельер Коко Шанель, оказала колоссальное влияние на моду XX века, привнеся в женскую моду приталенный жакет и маленькое черное платье, прежде всего способствовавшая модернизации женской моды, заимствуя многие элементы традиционного мужского гардероба и следуя принципу роскошной простоты. Она тоже привнесла в свою работу элементы кубизма.

• А музей Гуггенхайма, музей современного искусства в Бильбао в Испании — вобрал в себя элементы кубизма, воплощая абстрактную идею футуристического корабля.

Источник: https://veneya.livejournal.com/25338.html