Картина женщина в шляпе, анри матисс, 1905

Женщина в шляпе, Анри Матисс, 1904.
Когда Матисс впервые выставил эту картину, на которой изображена его жена, на ежегодном Осеннем салоне в 1905 году, она вызвала насмешливую реакцию у прессы, общественности и группы консервативных художников. Даже Лео Штейн, который потом купил эту картину, сначала сказал, что более противного владения краской он еще не видел.

Крепостной, Матисс, 1900-1903.
Этот шедевр принадлежал Майклу и Саре Стайн. Он находился на видном месте в комнате с картинами в их квартире в Париже. Но потом когда они переехали в виллу, построенную для них модернистским архитектором Ле Корбюзье, для статуи Крепостного был отведен специальная ниша.

Дама с веером, Пабло Пикассо, 1905.
Необычная поза этой девушки напоминает иероглиф. Гертруда Стайн купила эту картину сразу после того, как Пикассо закончил работу над ней. В 1929 году Гертруда продает данную картину, чтобы собрать деньги для публикации своих произведений. Пикассо сказал ей, что она и так владела картиной очень долго.

Радость жизни, нефтяной эскиз для Ле Бонер де Вивр, Матисс, 1905-1906.
Законченный вариант комплекса картин Матисса на тему пастырской сцены из воображаемого золотого века. Картина в стиле модерн была одной из основных в коллекции Стайн.

Мальчик, ведущий лошадь, Пикассо, 1905-1906.
Маленький спокойный мальчик ведет мощную, но послушную лошадь. Эта картина была продана только в 1936 году, два десятилетия спустя. Купили ее Лео и Гертруда Стайн. Позже она была продана Уильяму С. Палей, главе телеканала CBS.

Гертруда Стайн, Пикассо, 1905-1906.
Стайн утверждала, что потребовалось около 80-90 визитов в студию Пикассо на Монмартре, чтобы произвести этот портрет. После того как Пикассо увидел картину Матисса Ле Бонер де Вивр, его стали переполнять странные чувства.

В итоге он полностью уничтожил портрет Гертруды. Позже Пикассо отправляется в каталонский горный город Госоль, где он вспомнил о древних иберийских резных главах, которых он видел в Лувре. По возвращению он нарисовал голову Гертруды.

Стайн как-то возразила Пикассо, что на портрете она не похожа на себя, на что Пабло парировал: «Она будет».

Голубая обнаженная: Воспоминание о Бискре, Матисс, 1907.
Данная картина была написана после визита в Алжир.

В своем непонятном исполнении, жестокой конфигурации и закрученной позе эта картина является одной из ключевых работ в его карьере и в западном искусстве в целом.

В 1920-х годах Гертруда Стайн продала ряд работ, в том числе и эту картину еврейскому коллекционеру, проживающему в США, доктору Кларибелю и его сестре Этте. Они позже передали их в Музей Искусств в Балтиморе.

Голова спящей женщины, Пикассо, 1907.
Спровоцированный работой Матисса Голубая Обнаженная, Пикассо решился на работы, подобный этой, что открыло путь к кубизму с угловой конфигурацией и лицами по образцу африканских масок.

Девочка с зелеными глазами, Матисс, 1908.
Когда американские друзья Гертруды навещали Париж, она иногда призывала их купить произведения своих любимых художников.

Ее друг Гарриет Лейн Леви однажды приобрел эту картину и увез ее в Сан-Франциско, где она привлекла огромное внимание местной прессы.

Заголовок в статье с этой картиной был следующим: «Матисс рисует лица под сумасшествием от абсента.»

Архитектурная таблица, Пикассо, 1912.
В отличие от своего брата Лео Гертруда осталась верна Пикассо даже после того, как он перешел на кубизм, чего Лео просто не выдержал. Это была первая картина, которую Гертруда Стайн купила после того, как ее с братом пути разошлись. Как дань уважения Гертруде, Пикассо прикрепил ее визитную карточку в правжой нижней части холста.

Сара Стайн, Матисс, 1916.
В 1914 году лучшие работы Матисса, которые принадлежали Майклу и Саре Стайн, исчезли в Германии, когда те принимали участие в выставке в Берлине незадолго до начала Первой мировой войны. Два года спустя Матисс осуществил парный портрет Майкла и Сары Стайн, своих самых преданных ранних коллекционеров.

Думаю, всем известно, что дети очень часто ревнуют взрослых. Но ничего страшного в этом нет. На самом деле детская ревность говорит лишь о том, что ребенок начинает понимать, что такое любовь.

Источник: http://photo-day.ru/kollekciya-shedevrov-gertrudy-stajn/

Современное искусство по кусочку. Примитивизм, фовизм

Опубликовано пользователем сайта

В этом, предыдущих и последующих постах я использую материал из книги Уилла Гомперца «Непонятное искусство», цикла лекций в музее Гараж Ирины Кулик, лекций Дмитрия Гутова, книги Сьюзи Ходж «Современное искусство в деталях», документальных фильмов BBC, и др. 

ПРИМИТИВИЗМ, ФОВИЗМ 

В предыдущем посте я рассказывала о кубизме Пикассо и Брака. Одним из источников вдохновения Пикассо стала выставка африканского искусства. Простота и в то же время, первобытная мощь и величественность деревянных масок поразила художника. И не только его. 

Собственно, стремление к этой простоте проходит красной нитью через всю историю современного искусства. С одной стороны, художники пытались копировать стиль работы примитивных племен Африки, Австралии и Южной Америки, а с другой — детские рисунки. 

• Вообще, радостное ожидание перемен, связанное с бурным развитием промышленности во Франции, довольно быстро сменилось усталостью от темпов, которые приобрела жизнь. 
• Уже в конце 19 века широко распространилось движение «возврата к истокам». 
• В живописи, как я уже писала ранее, это был Гоген, с его «таитянской» тематикой, плоскостным изображением и насыщенной символикой.

Поль Гоген, Старые времена, 1892

Движение, ратовавшее за упрощение искусства, принимало различные формы.

Например, работы знаменитого австрийского живописца и основного участника общества Венский сецессион, Гюстава Климта (1862-1918), гораздо более изысканны и декоративны, чем у того же Гогена.

 Климт любил орнамент, бронзовые и золотые цвета, богато украшенные одежды. При той же простоте линии и двухмерности изображения, примитивизм Климта роскошен. 

Густав Климт, Ожидания, 1909

Густав Климт, Яблоня, 1912

Густав Климт, Девушка с веером, 1918

Однако, те, кого считают основоположниками примитивизма 20 века, жили во Франции. Морис де Вламинк (1876-1958), Анри Матисс ( ) и Анри Дерен (1880-1954) тоже восхищались африканским искусством.Помимо этого, они разделяли и страсть к насыщенным цветам, как в произведениях Ван Гога. С голландцем их также связывало убеждение, что эмоции в картине важнее изображаемого объекта. 

Результатом совмещения простоты племенного искусства и насыщенных, чистых цветов, они создали невероятно яркие и жизнерадостные работы. В них цвет — как способ передать эмоцию, а не описать реальный объект. 

Морис де Вламинк, Фруктовый сад, 1905

Морис де Вламинк, Мост в Шату, 1907

Андре Дёрен, Эстак, 1905

Андре Дёрен, Мост Чаринг-Кросс, 1906

1. Анри Матисс, Красный лук, 1906
2. Анри Матисс, Гармония в красном, 1908

» Я переводил на язык цвета то, что видел инстинктивно без всякого метода, чтобы сказать правду не как художник, а как человек. Выжимая до конца, ломая тюбики аквамарина и киновари» — так Морис де Вламинк описывает свои работы того периода.

 Действительно, именно цвет станет вскоре визитной карточкой этой троицы художников. Они решили выставиться на Салоне 1905 года. Как водится, критика лютовала.

Луи Воссель ( влиятельный критик того времени) язвительно заметил, что картины писали «дикие звери» ( les fauves фр.)

Фовизм был в прямом и переносном смысле яркой вспышкой на небосклоне искусства. По сути, эта идея использовать большие пятна неразбавленного цвета в обрамлении простой формы получила свое логическое продолжение в работах многих художников 20 века. 

• Фриденсрайх Хундертвассер, Путь к тебе, 1966
• Рой Лихтенштейн, Натюрморт с хрустальной вазой, 1973
• Вилем де Кунинг, Без названия 5, 1983
• Однако, в 1905 году публика еще не оправилась от неоимпрессинистов, а тут подоспел Матисс со своей знаменитой «Женщиной в шляпе». 
• Анри Матисс, Женщина в шляпе, 1905

Уж не знаю, была ли в тот момент рада мадам Матисс, что вышла замуж за художника,  ибо портрет получился спорным. Желто-зеленое лицо, сведенное до нескольких простых мазков и оранжеватые штрихи волос не каждому придутся по вкусу.

Однако, она пришлась по вкусу Лео Стайну — коллекционеру и покровителю современных художников. Он купил «Женщину в шляпе», а меньше чем через год приобрел «Радость жизни» — еще одно знаменитое полотно фовистского периода Матисса.

 

Анри Матисс, «Радость жизни», 1906

Вдохновленный пасторальными сценами, Матисс написал группы людей, предающихся различным наслаждениям: музыке, танцу, любви. И снова основной герой — цвет. Фигуры же людей написаны небрежно и двухмерно, хотя сама композиция выстроена аккуратно и гармонично. 

1. Сам сюжет не настолько нов, как манера письма. 
2. Агостино Караччи, Взаимная любовь, 1602

Контраст этих двух работ выявляет то, насколько изменилось восприятие художника. Создается впечатление, что Матисс балуется, заигрывает со зрителем. Его радость жизни не столько в сюжете, сколько в самой живописи: линии, цвете. 

Матисс, по его собственному признанию, мечтал, чтобы искусство было вроде «хорошего кресла для отдыха». Даже когда фовизм остался в прошлом, художник продолжал работать по такому же принципу.

Кстати, музой, подругой и спутницей для него стала девушка из Томска — Лидия Деликторская, которая оставалась с ним до конца его жизни, а потом подарила несколько полотен ( оставленных ей Матиссом на безбедную старость) Пушкинскому музею и Эрмитажу. 

Немного уйду в сторону: недавно, прочитанная мною критика искусства начала 20 века, заставила взглянуть немного по-другому и на полотна Матисса. Кроме прорывов в технических областях, это время было одновременно застоем в социальных отношениях. Привычные формы жизни порядком затерлись. Образ сытого буржуа во фраке, являвшимся основным заказчиком,  осточертел художнику. 

Желание ломать стало основной движущей силой. Кубисты, конечно, наглядней всего воплотили этот принцип, в буквальном смысле раскрошивший привычный облик вещей. 

Но и другие художники, как мембрана улавливающие происходящее, отражали свое недовольство в живописи. Они меняли все, что было привычным обывателю, разрушали мещанский мирок у себя на холсте. Вольно или невольно, художник выражал протест против изживающих себя условностей. Может и контрасты фовистов — это не утверждение радости бытия, а такой же вызов реальности? 

Отсюда и зеленые лица женщин, небрежный/ условный рисунок.

 С этой очки зрения полотно Матисса «Радость жизни» — скорее ирония или сатира над гедонизмом европейских буржуа, все удовольствие от жизни которых сводится к плотской любви, песням и пляскам.

Искусство как отрада для глаз и сердца — принцип, который был близок не только Матиссу. И если ему приходилось делать усилие для того, чтобы рисовать по детски легко, то Анри Руссо (1844-1910) делал это, потому что просто не умел по-другому. 

Анри Руссо, Автопортрет, 1890

Анри Руссо — сотрудник таможни, малограмотный человек, решивший заняться живописью в 40 лет без получения какого-либо образования и профподготовки.

 Домосед, не любитель богемных тусовок и далекий от арт сообщества, он стал одним из самых знаменитых художников стиля примитивизм.

 Руссо был простодушен и наивен, возможно, поэтому в его работах есть незамысловатость детских рисунков. Конечно, публика и критика сначала подняла художника на смех. 

Анри Руссо, Карнавальная ночь, 1886

Обаяние простоты и детскости показалось тогдашнему зрителю банальным неумением рисовать, не более. Однако, отсутствие техники у Руссо с лихвой компенсируется четкостью, характерной, опять же для японской гравюры. Начинающего художника здорово выручала абсолютная невосприимчивость к критике, позволившая ему продолжать заниматься любимым делом. 

• Анри Руссо

Понятно, что его произведения нельзя сравнить по исполнению с мастерами прошлого или талантливыми современниками. Руссо брал другим. Его незамысловатые сюжеты завораживали многих из артистического мира того времени.

Среди поклонников был, например, Пикассо, которому принадлежит знаменитая фраза: » Я могу рисовать как Рафаэль, но мне понадобиться вся жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок». Руссо был тем, кто этого добился.

Пикассо даже приобрел его картину «Портрет женщины», которая, по признанию испанца, просто заворожила его. 

Анри Руссо, Портрет женщины, 1895

Манера Руссо восхищала не только Пабло Пикассо. Среди его поклонников был также румынский скульптор Константин Бранкузи ( Брынкуши).

Правда, в отличие от Руссо, художественная тусовка Парижа приняла его на ура. Бранкузи выбрал себе амплуа простолюдина-художника: окладистая борода, сабо и льняная рубаха.

Материалы, с которыми работал скульптор были подстать — дерево и камень. Мрамор не особо впечатлял мастера. 

1. Бранкузи какое-то время был учеником в мастерской Родена, но их подходы к работе оказались совершенно различны. 
2. Огюст Роден, Поцелуй, 1886
3. Константин Бранкузи, Поцелуй, 1912

Изображения красноречивее любых объяснений. Бранкузи считал, что в скульптуре можно обходится без предварительной моделировки, работая сразу с материалом.

Он старался максимально сохранить первоначальную форму породы, оставляя ее текстуру. Никаких романтических изгибов, простые линии, отсутствие декоративных элементов..

Скульптуры Бранкузи нравятся именно своей простотой и оригинальностью исполнения. В начале 20 века это был очередной вызов традиции.

За ним последовали и другие скульпторы примитивисты: Модильяни ( да он пробовал себя и в скульптуре, причем вполне успешно), Джакометти, Хепворт..

• Амадео Модильяни, Голова, 1910
• Джакометти, Шагающий человек 1, 1960
• Барбара Хепворт, Одиночная форма, 1964

В России — это скульптор Вадим Сидур. На мой взгляд, очень здорово.

1. Вадим Сидур
2. Вадим Сидур

В России, кстати, одними из первых примитивистов в живописи были Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, работавшие в технике «лубок». Это вид графики, отличающееся простотой и плоским рисунком. Гончарова вдохновлялась русскими иконами. В своих работах она использовала характерных элемент иконописи — движки — вертикальные белые линии. 

• Михаил Ларионов, Еврейская Венера, 1912
• Наталья Гончарова, Косари, 1911

Как мы видим, простота, упорядоченность и структура стали основополагающими понятиями и целями художников, начиная с постимпрессионистов. Однако, эти, казалось бы, безобидные стремления имели в себе и разрушительный потенциал.

Ведь всякое желание уместить мир в структуру имеет обратную сторону — создание жесткой системы. А как показала практика, попытки подчинить все живое субъективной жесткой логике ведет к гибели и разрушениям.

Дальнейшие события 20 века — яркое тому подтверждение.

Продолжение следует)

И постскриптум. 

Чудесная американка — Бабуля Мозес — художница-любительница, представитель примитивизма второй половины 20 века, просто покорила мое сердце. Она даже чем-то напомнила мне голландцев с их уютными бытовыми сценами сельской жизни. Вот, например:

1. Бабуля Мозес, Ранняя весна на ферме, 1945
2. Питер Брейгель старший, Перепись, 1566

P.S спасибо всем, кто читает и кому интересно. Этот пост выкладываю поздно — уезжала — пришлось сделать перерыв) 

Источник: http://www.spletnik.ru/blogs/vokrug_sveta/133167_sovremennoe-iskusstvo-po-kusochku-primitivizm-fovizm

Анри Матисс

Яркость цветов, простота техники, экспрессия — картины французского художника Анри Матисса поражают неординарностью. Лидер фовизма перепробовал кучу направлений в изобразительном искусстве, прежде чем нашел собственный стиль, отличающийся «диким» характером.

Детство и юность

Родина великого художника – северный городок Ле-Като-Камбрези во Франции. Здесь в 1869 году в семье успешного торговца зерном родился первенец, которого назвали Анри Эмиль Бенуа Матисс.

Судьба ребенка была предрешена – в то время первый наследник в семействе обязан был в будущем взять на себя дело отца.

Но, видимо, мальчик унаследовал гены матери, которая любила коротать свободное время за росписью керамических поделок.

Художник Анри Матисс

Анри готовили к будущему обстоятельно, он отучился в школе, затем в лицее. Далее строптивый сын, вопреки воле главы семейства, отправился в Париж постигать юридические науки. С дипломом, далеким от искусства, вернулся домой, где проработал несколько месяцев клерком.

Судьбу решила болезнь. Творческая биография одаренного художника началась в 1889 году, когда Анри Матисс попал под нож хирурга с аппендицитом.

Автопортрет Анри Матисса

Восстанавливался после операции два месяца. Чтобы сын не скучал, мама принесла в больницу принадлежности для рисования, и Матисс начал самозабвенно копировать цветные открытки. В это время молодой человек окончательно понял, чему хочет посвятить жизнь.

Живопись

Мечта стать учеником столичной Школы изящных искусств не давалась. Дебютное поступление Анри провалил, поэтому пришлось сначала посидеть за партами других учебных заведений, где знакомили с азами живописи. И все же в 1895 году «крепость» сдалась – вместе с будущим известным художником Альбером Марке Матисс поступил в вожделенную Школу искусств, в мастерскую Гюстава Моро.

В круг интересов в начале творчества входило современное искусство, Анри Матиссу было также любопытно японское направление.

Мастер учил «мечтать о цвете», вот откуда у художника Матисса зародилась страсть к поиску подходящих оттенков для передачи эмоций.

Картина Анри Матисса «Бутылка схидама»

В раннем творчестве уже проявилась смесь учений Моро с позаимствованными элементами у признанных мастеров кисти. Например, натюрморт «Бутылка схидама» отличается неоднозначностью: с одной стороны, темные цвета выдают подражание Шардену, а широкие мазки и смесь черного с серебристым – Мане. Позже Анри признавался:

«Я воспринимаю экспрессивную сторону цвета чисто интуитивно. Передавая осенний пейзаж, я не стану припоминать, какие оттенки цвета подходят к этому времени года, меня будут вдохновлять только ощущения осени… Я выбираю цвета не по какой-нибудь научной теории, но по чувству, наблюдению и опыту».

Изучение классики быстро наскучило художнику, и он обратился к импрессионистам, в частности преклонялся перед полотнами Винсента ван Гога. Цвет в ранних работах еще тусклый, но постепенно набирал сочность, тяготение к импрессионизму стало преображаться в собственный неповторимый стиль. Уже в 1896 году в художественных салонах стали появляться первые творения начинающего живописца.

Первая персональная выставка не произвела фурор в кругах ценителей искусства. Анри Матисс решил уехать из столицы Франции подальше на север, где попробовал силы в технике точечных мазков. В это время из-под его пера вышел первый шедевр – «Роскошь, покой и наслаждение». Но и эту манеру письма мужчина не нашел «родной».

Картина Анри Матисса «Женщина в шляпе»

Революция в творчестве художника пришлась на 1905 год. Матисс вместе с группой единомышленников создал новый стиль в живописи, получивший название фовизм. Энергия красок, представленная на выставке осенью, потрясла зрителей. Анри представил две работы – портрет «Женщина в шляпе» и картину «Открытое окно».

На художников обрушилась волна негодования, посетители выставки не понимали, как можно настолько пренебрегать всеми традициями изобразительного искусства. Основателей стиля окрестили фовистами, то есть дикарями.

Картина Анри Матисса «Радость жизни»

Впрочем, такое внимание, пусть и негативное, принесло Матиссу популярность и хорошие дивиденды: у картин появились поклонники, которые с удовольствием их покупали. Например, «Женщину в шляпе» сразу на выставке забрала американская писательница Гертруда Стайн, а полотно «Радость жизни», появившееся в 1906 году, купил знаменитый коллекционер Лео Стайн.

Чуть позже случилось знаменательное событие – художник познакомился с еще не известным Пабло Пикассо, общение вылилось в десятилетия дружбы, на протяжении которых мастера кисти соревновались друг с другом. Пикассо говорил, что смерть любого из них будет для каждого невосполнимой потерей, ведь обсудить некоторые творческие вопросы так бурно больше не с кем.

Картина Анри Матисса «Танец»

Два самых известных полотна – «Танец» и «Музыка» – Матисс написал для мецената Сергея Щукина. Россиянин заказал картины для дома в Москве.

Художник, работая над эскизами, поставил цель создать нечто такое, чтобы зашедший в особняк чувствовал облегчение и покой.

Интересно, что монтаж картин Анри контролировал лично – француз приехал в столицу России, где его приняли с восторгом. Самого же художника впечатлила коллекция старинных икон хозяина дома и простота россиян.

Видимо, гонорар художник получил неплохой, потому как сразу поехал в путешествие. Побывал в восточной сказке Алжира, а вернувшись домой, тут же сел за работу – свет увидела картина «Голубая обнаженная». Эта поездка произвела неизгладимое впечатление на Матисса, в творчестве появляются новые элементы, мужчина создает литографии, гравюры на керамике и дереве.

Картина Анри Матисса «Голубая обнаженная»

Очарование Востока не отпускало, француз продолжал знакомиться с Африкой, съездив в Марокко. А затем отправился в путешествие по Европе и Америке. В это время его творчество постепенно стало лишаться примет фовизма, наполняясь тонкостью и особенной глубиной, появилась связь с природой.

Во время Второй мировой войны у художника нашли онкологию, после операции мужчина не мог передвигаться. В тот период Матисс выдумал новое направление в области декупажа, в основе которого лежит составление картин из кусочков окрашенной бумаги.

Скульптор Анри Матисс

Точку в творчестве Анри Матисс поставил масштабным проектом оформления женского монастыря в Вансе. Говорят, что художника просили только отредактировать витражные наброски, но тот с энтузиазмом засучил рукава и создал полный проект. Кстати, эту работу мужчина считал неким знаком судьбы на закате жизни и лучшей в своей копилке художественных трудов.

Личная жизнь

Личную жизнь Анри Матисса украсили три женщины. В 1984 году художник впервые стал отцом – модель Каролина Жобло подарила талантливому живописцу дочь Маргариту. Однако Анри женился вовсе не на этой девушке.

Анри Матисс с женой и дочерью Маргаритой

Официальной супругой стала Амели Парейр, с которой представитель мира живописи познакомился на свадьбе товарища. Девушка выступала в роли подружки невесты, а Анри случайно посадили рядом за стол. Амели сразила любовь с первого взгляда, молодой человек тоже начал оказывать знаки внимания. Девушка стала первым близким человеком, который поверил в его талант безоговорочно.

Анри Матисс и Амели Парейр

Перед бракосочетанием жених предупредил невесту, что главное место в жизни всегда будет занимать работа. Даже на медовый месяц новоиспеченная семья поехала в Лондон, чтобы познакомиться с творчеством Уильяма Тернера.

В браке родились сыновья Жана-Жерар и Пьер. Супруги к тому же взяли в свою семью на воспитание Маргариту. Долгие годы дочь и жена занимали места главных моделей и муз художника. Одна из знаменитых картин, посвященных жене, – «Зеленая полоса», написанная в 1905 году.

Картина Анри Матисса «Зеленая полоса» и Амели Парейр

Этот портрет любимой женщины поразил тогдашних ценителей искусства «уродливостью». Зрители считали, что представитель фовизма переборщил с яркостью красок и откровенной правдивостью.

На пике популярности, который пришелся на 30-е годы, художнику понадобился помощник. Матисс в то время с семьей переехал в Ниццу.

Однажды в доме появилась молоденькая российская эмигрантка Лидия Делекторская, которая стала секретарем живописца. Супруга сначала не видела в девушке опасности – мужу не нравились светловолосые.

Но ситуация поменялась мгновенно: случайно увидев Лидию в спальне жены, Анри бросился ее рисовать.

Анри Матисс и Лидия Делекторская

Впоследствии Амели развелась со знаменитым супругом, а Дилекторская стала последней музой Матисса. Какие отношения царили в этом союзе, была это любовь, или пара ограничивалась совместной работой, до сих пор не известно. Среди россыпи рисунков и картин, на которых изображена Лидия, особняком стоит полотно «Одалиска. Голубая гармония».

Смерть

1 ноября 1954 года Анри Матисса поразил микроинсульт. Спустя два дня великий художник скончался. Легенда гласит, что Дилекторская перед самой смертью навестила живописца в спальне, где произнесла:

«В другой день вы бы сказали: давайте карандаш и бумагу».

Анри с улыбкой ответил:

«Давайте карандаш и бумагу».

Произведения

• 1896 – «Бутылка схидама»
• 1905 – «Радость жизни»
• 1905 – «Женщина в шляпе»
• 1905 – «Зеленая полоса»
• 1905 – «Открытое окно в Коллиуре»
• 1907 – «Голубая обнаженная»
• 1908 – «Красная комната»
• 1910 – «Музыка»
• 1916 – «Купальщица у реки»
• 1935 – «Розовая обнаженная»
• 1937 – «Женщина в фиолетовом пальто»
• 1940 – «Румынская блуза»
• 1952 – «Грусть короля»

Источник: https://24smi.org/celebrity/6878-anri-matiss.html

Матисс Анри Картины Фовизм

А Б В Г Д Е Ж З И К Л М Н О П Р С Т У Ф Х Ц Ч Ш Э Ю Я

Фовизм, как направление в изобразительном искусстве, сформировался в самом начале двадцатого века. Движение фовизма получило свое название от небольшой группы единомышленников – художников Анри Матисса, Андре Дерена и Мориса де Вламинка, к которым впоследствии присоединились Жорж Брак, Рауль Дюфи, Кеес ван Донген и другие живописцы. Осенью 1905 года эти художники впервые представили широкой публике свои работы на Осеннем салоне в Париже. Резкие, жирные и энергичные краски их картин буквально потрясли зрителей и вызвали негодование у критиков. Художественный критик и публицист Луи Воксель в своей статье «Донателло среди дикарей» дал художникам ироничное прозвище «фовистов», дословно с французского (fauves) «диких» или же «дикарей».

Балерина, 1926

Модель в белой юбке, 1927

Дама в тюрбане, 1917

Девушка и тюльпаны, 1918

Женщина в кресле, 1920

Лидия в синей блузе, 1939

Матисс был признан лидером фовистов. Он представил на выставке две работы «Открытое окно» и «Женщина в шляпе». Американский коллекционер живописи Лео Стайн, купил у художника эту картину за 500 франков.

Скандальный успех повысил рыночную стоимость работ Матисса, что позволило ему продолжить занятия живописью. Весной 1906 года в Салоне Независимых Матисс представил свою новую картину «Радость жизни», созданную на основе одной из сцен поэмы «Послеобеденный отдых фавна» Малларме.

Реакция критиков и академических кругов на это полотно художника была крайне раздражительной.

Известная ценительница современного искусства начала 20 века Гертруда Стайн, вместе с сестрами Кларабель и Эттой Коэнами, были меценатами и коллекционерами Анри Матисса и Пабло Пикассо.

По совету и при поддержке членов семьи Стайн, а также Ганса Пуррмана, Мардж и Оскара Молл и других меценатов, французский художник основал частную школу живописи, которая получила название Академии Матисса. В ней он преподавал с 1908 по 1911 год.

За это время в академии получили образование более сотни студентов из числа соотечественников художника и иностранцев.

Корнелия, 1904

Леди в голубом, 1937

Лоретта с чашкой кофе, 1917

Мадам Матисс, 1905

Мадрас, 1907

Женщина в фиолетовом пальто

Весной 1906 года Матисс впервые приехал в Алжир и побывал в оазисе Бискра. По возвращении во Францию им была написана картина «Голубая обнаженная» (Сувенир из Бискры).

Из африканской поездки, он также привез керамику и ткани, которые затем часто использовал в качестве фона для своих картин. Под впечатлением поездки Матисс увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока в стиле арабесок.

В его графике арабеск сочетался с тонкой передачей чувственного обаяния натуры.

Одним из первых, кто оценил талант Матисса, был русский предприниматель и коллекционер Сергей Иванович Щукин.

В 1908 году он заказал художнику три декоративных панно для своего дома в Москве: «Танец» (1910), «Музыка» (1910) и «Купание» (последнее панно осталось лишь в эскизах).

В них господствовали яркие краски, а композиции, заполненные движущимися в танце или играющими на музыкальных инструментах обнаженными людьми, символизировали природные стихии – воздух, огонь и землю.

Игра в чаши, 1908

Купальщицы с черепахой, 1908

Нимфа и Сатир, 1909

Натюрморт, 1902

Одалиска под магнолиями, 1912

Одалиска с поднятыми руками

В панно «Танец» (ныне хранится в Государственном Эрмитаже в Санкт-Петербурге) представлен экстатический танец, навеянный впечатлениями от русских сезонов балетных постановок Сергея Дягилева, выступлений Айседоры Дункан и греческой вазовой живописи.

В связи с установкой картин, по приглашению Сергея Ивановича Щукина, в 1911 году Анри Матисс лично посетил Санкт-Петербург и Москву, где ему был оказан восторженный и теплый прием.

На деньги, заработанные от продажи своих картин русским предпринимателям и коллекционерам Сергею Ивановичу Щукину и Ивану Абрамовичу Морозову, художник смог, наконец, окончательно преодолеть материальные затруднения.

Роскошь, покой и удовольствие, 1904

Читательница на черном фоне, 1930

Модель в белом на красном фоне, 1946

Картины Анри Матисса Часть 1 ►

Источник: http://smallbay.ru/matisse2.html

«Женщина в шляпе», Анри Матисс, 1905

«Женщина в шляпе», Анри Матисс, 1905

Эта картина, выставленная на Осеннем Салоне в Париже в 1905 году, стала началом нового течения в живописи. Она вызвала к себе повышенный и нездоровый интерес.

С одной стороны — смех, свист и улюлюканье, с другой — «Каждый вечер спускавшиеся с Монмартра толпы бунтарей наводняли зал… как столетие назад стекавшиеся к Национальному конвенту восставшие из предместья Сент-Антуан».

Матиссу и его последователям был отведен целый зал, в котором картины были развешены среди псевдоклассических статуй.

 Один из попавших туда критиков (Луи Воксель) в приступе дурноты воскликнул, указывая на антицизирующих Афродит и Аполлонов: «Donatello chez les fauves !» (в вольном переводе — «Донателло среди диких зверей!»; слово fauve — собирательное определение для крупных хищников семейства кошачьих). Так возникло название одного из стилей современного искусства — фовизм. Матисс на пренебрежительное прозвище не обиделся: ««Дикие» как нельзя лучше соответствовало состоянию наших умов» — сообщил он позднее.

С Вокселем, в принципе, все понятно — он был очень консервативным критиком и терпеть не мог «современного искусства».

Но даже многие друзья Матисса, узнав, что это портрет его жены, возмущались: «Как он мог с ней так поступить!». Жене, впрочем, портрет нравился. Ей нравилось всё, что рисовал Матисс.

Жену Матисса звали Амели Парейр; познакомился он с ней в 1897 году на свадьбе у друга. Анри был родом с севера Франции, Амели была южанкой; Матиссы были торговцами, Парейры — служащими-интеллигентами.

Амели когда-то поклялась себе не выходить замуж ни за рыжего, ни за бородатого — Матисс был рыжий и бородатый. Свадьба состоялась через три месяца после знакомства — 10 января 1898 года.

 Перед свадьбой начинающий живописец заявил нареченой: «Мадемуазель, я вас очень люблю, но живопись я всегда буду любить больше».

Амели Парейр очень серьезно отнеслась ко своим обязанностям жены художника. Она взяла на себя все домашние хлопоты — а к 1905 году хлопоты включали в себя двух сыновей художника и его дочь от бывшей любовницы. Она открыла шляпный магазин — для того, чтобы обеспечивать семью (картины Матисса в первый десяток лет их брака не пользовались особым спросом).

 И самое главное — она помогала справляться гению с творческими кризисами и психическими проблемами.

Творческие кризисы случались у Матисса постоянно… или, точнее будет сказать, что у него иногда случались промежутки между творческими кризисами — он был перфекционистом и буквально «вылизывал» свои произведения (один из знакомых, позднее наблюдавших за его работой, восхищался тем, что замена одной единственной линии полностью меняла впечатление от картины) и очень редко бывал доволен результатом. Психические проблемы включали в себя: депрессию, панические атаки, бессонницу и синдром раздраженного кишечника. Во время приступов депрессии жена утешала Матисса. Во время панических атак она уводила его на многочасовые прогулки. Во время бессонницы она читала ему до утра книги. С СРК, к счастью, Матисс умудрялся справляться сам. Кроме того, она считала своим долгом позировать мужу, присутствовать во время сеансов в мастерской и обхаживать натурщиц (поить кофе, кормить, обогревать и утешать после того, как мэтр на них наорал). В общем, основоположник фовизма был за ней как за каменной стеной.

Анри Матисс и Амели Парейр в год свадьбы (1897)

В отношении оценки собственного портрета, права — как обычно — оказалась жена. Сейчас «Женщина в шляпе» — одно из наиболее ценных сокровищ Музея современного искусства в Сан-Франциско. Это шедевр? Безусловно. Почему? Во-первых, такое на холсте случилось в первый раз.

А в остальном на этот вопрос хорошо ответят друг-художник, друг-коллекционер и сам Матисс.

Друг-художник — бельгиец Анри Эвенполь — писал Матиссу об одной из его ранних работ (ещё даже не такой яркой как «Женщина в шляпе»): «Мой живописный хлам, мои безделушки — все стало серым, серым и безликим рядом с ней! Твой этюд потрясал таинственным звучанием, звонким и сверкающим, подобно мерцанию витража!».

Цвет — сильная сторона Матисса; он считается едва ли не лучшим колористом XX века.

Друг-заказчик — русский купец и коллекционер Сергей Иванович Щукин, который рассказывал, что потратил не одну неделю, рассматривая и изучая купленные им (дорого) матиссовские панно «Танец» и «Музыка» — рыдая от отчаяния и злости — чтобы к ним привыкнуть; но потом, преодолев неприятие, буквально в них влюбился.

Знакомые, кстати, глядя на Щукина, часами глядящего на картины Матисса, были уверены, что он сошел с ума от этой ужасной живописи… правда Щукин в итоге многих из них обратил в поклонников французского художника. Картины Матисса были хорошо продуманы, глубоко «пережиты» и тщательно выполнены — и чтобы понять их требуется приложить не меньше интеллектуальных и эмоциональных усилий чем художник. Спонтанность — это, в данном случае, скорее видимость. Ну и, наконец, сам Матисс четко определил цель своей живописи: отражать «свое внутреннее видение… самыми простыми и самыми скупыми средствами». Отсюда и «детский» рисунок, и небрежные, аляповатые мазки кисти.

«Женщина в шляпе» была продана прямо на выставке. Неизвестный покупатель предложил за картину 300 франков вместо 500 — суммы в которую оценил её сам Матисс. Художник обрадовался и готов был согласиться, но жена настояла на том, что если кто-то действительно заинтересовался этой картиной, то он будет готов заплатить за неё и полную цену. Так и случилось. Картину купили Лео и Гертруда Стайн.

Источник: https://tempora.club/zhenshhina-v-shlyape-anri-matiss-1905/

«ЖЕНЩИНА В ШЛЯПЕ»

Что же представляла собой «Женщина в шляпе», наделавшая столько шума? Обратимся сначала к свидетельствам двух «заинтересованных лиц», представляющих два разных поколения, — Амбруаза Воллара и Франсиса Карко. Именно с этого портрета, столь непонятного, столь бурно обсуждавшегося, и началась эволюция художника. Воллар не ошибся, сказав позднее:

«Вот уж кто поистине разочаровал людей, желающих, чтоб художник всегда работал в одной и той же манере, так это Матисс.

Отказавшись от серых тонов, которые так нравились любителям, он пришел вдруг к ярким краскам, как в „Женском портрете“, выставленном в Осеннем салоне 1905 года и ознаменовавшем новый этап развития его таланта.

И хотя его смелость не выходила за рамки классицизма, чистые тона его картины навлекли на него подозрение в том, что он заключил соглашение с „дикими“.

Этого было более чем достаточно, чтоб пробудить подозрения президента Осеннего салона Франсиса Журдена.

Он охотно сочувствовал поискам новой живописи, но, будучи осторожным руководителем, проявлял определенный оппортунизм, всячески стараясь не идти на открытый разрыв с академическим искусством, которое все еще было очень популярно.

Потому-то, пребывая в постоянном страхе, что кто-либо из его подопечных скомпрометирует его, он и считал, что Матисс в своем „Женском портрете“ чересчур современен».

Выступая в роли защитника интересов художника, он настаивал на том, чтобы жюри отклонило картину. Тем не менее она была принята. «Бедный Матисс! — скорбно воскликнул Журден. — А я-то думал, что у него здесь все друзья!»

«Это полотно — портрет мадам Матисс, и я помню, какое необычное впечатление оно произвело на меня. У меня еще не было сложившегося мнения о современной живописи.

Дискуссии, которые она вызывала у Макса Жакоба,[217] на улице Равиньян, между Гийомом Аполлинером и Пикассо или у Фреде[218] во время шумных бдений в кабачке „Лапен ажиль“, не были для меня убедительными.

Пикассо принципиально никогда не выставлялся и показывал свои картины только узкому кругу посвященных. Поэтому оставалось довольствоваться афоризмами, изрекаемыми им доктринерским тоном, с некоторой долей юмора, рассчитанного на аудиторию.

Все вертелось вокруг этих разглагольствований. Я задавал себе вопрос, не получает ли Пикассо, несмотря на его поразительный дар убеждения, больше удовольствия, мистифицируя нас, чем занимаясь живописью.

В это-то время знаменитая „Женщина в шляпе“ в одно мгновенье заставила меня понять больше, чем все эти парадоксы.

Наконец я мог дать себе отчет в том, что подразумевали мои друзья под словом „портрет“. Там не было ничего, что физически присуще человеку. Создавалось впечатление, что художник гораздо больше заботился о своей индивидуальности, чем об индивидуальности модели.

Я не был знаком с мадам Матисс, но, по словам Гертруды Стейн, это была „высокая женщина с удлиненным лицом и крупным волевым надменным ртом“. Как бы нелестно ни было это описание, я должен согласиться с тем, что оно вполне совпало с моим впечатлением от портрета.

При взгляде на это странное полотно, линии которого были как бы прочерчены углем на стене, а холодные тона, казалось, были наложены по трафарету и уравновешивали друг друга, столь отчетливо чувствовалось заранее обдуманное намерение, что спустя более чем тридцать лет я этого не забыл».

(Не следует ли здесь указать на то, что в этом полотне самые теплые, яркие тона — марена, киноварь, кармин, по крайней мере, уравновешивают холодные — изумрудно-зеленый и фиолетовый кобальт?)

Ведь и сам он, когда я однажды спросил его о впечатлениях от Прадо и Толедо, о всех увиденных им там полотнах Греко, Веласкеса, Гойи, ответил мне: «Я утвердился там в тех представлениях, которые смог вынести из Лувра, где эти художники представлены немногочисленными, но лучшими полотнами».

Как бы то ни было, а может быть, именно из-за всей этой шумихи «Женщина в шляпе» нашла себе покупателя. Им оказалась Гертруда Стейн. Именно потому, что эта покупка совершилась, строки Гертруды Стейн заслуживают места в этой книге, равно как и в истории французского искусства.

«Эта картина (приведшая публику в такую ярость, что ее пытались сорвать) нравилась Гертруде Стейн… Полотно было очень странным по цвету и анатомии. Она сказала, что хочет его купить.

В это время ее брат Лео захотел приобрести понравившуюся ему картину — женщину в белом на зеленом газоне.

Как обычно, они решили купить эти две картины одновременно и отправились к секретарю Салона, чтобы выяснить их стоимость.

…Секретарь взглянул на цены в своем каталоге. Гертруда Стейн забыла номер, цену и даже имя художника, написавшего женщину в белом с собакой на зеленом газоне; Матисс же стоил пятьсот франков.

Секретарь объяснил, что никто, разумеется, не платит сумму, указанную художником, но что можно сделать контрпредложение. Они спросили о том, какую сумму им следует предложить. Он же, в свою очередь, осведомился, сколько они сочли бы возможным заплатить. Они ответили, что не знают.

Он посоветовал им предложить четыреста франков и обещал им сообщить ответ. Они согласились и ушли…

На следующий день секретарь сообщил им запиской, что Матисс отверг их предложение, и спросил их, что следует делать. Они решили вновь пойти в Салон и еще раз взглянуть на картину. Так и сделали. Посетители фыркали, глядя на картину, и даже пытались ее сорвать. Гертруда Стейн не могла понять, почему ей картина кажется совершенно естественной».

По всей видимости, она уступила ее своей золовке Саре,[219] которая восхищалась этой картиной с первого дня.

Аньес Эмбер, очень знающий биограф Давида,[220] в своем замечательном комментарии к тексту Гастона Диля прекрасно объяснила, что послужило причиной сарказма и ярости публики, помешанной на олеографиях, составлявших честь и славу официального Салона: «Зеленая тень от шляпы на лбу мадам Матисс, еще одна зеленая тень от носа на щеке в розовых и красных пятнах; волосы цвета киновари, фиолетовая шляпа с разноцветными перьями, зеленая перчатка, пестрое платье — все было рассчитано на то, чтоб поразить, не говоря уже о фоне, который, казалось, представлял собой произвольно соединенные цвето-плоскости — от золотисто-желтой до неаполитанской желтой, от чисто-зеленой до красной и оранжевой, от розоватой до синей. Те же краски можно видеть и в „Открытом окне в Коллиуре“, написанном тогда же; это буйство красок, радости, этот гимн свободе, не могли не задеть зрителей 1905 года».

Следующая глава

Источник: https://biography.wikireading.ru/172141

Описание картины Анри Матисса «Женщина в шляпе»

Описание картины Анри Матисса «Женщина в шляпе»

В 1905 году Анри Матисс отрекся от привычного смешения цветов и решил использовать в своих работах классические оттенки. Такая политика резко отличалась от привычной техники прошлых эпох. Само собой, подобный подход не сразу приглянулся обществу и критикам. Одной из ярко выраженных работ подобного характера стала картина «Женщина в шляпе».

Когда работа была выставлена на показ широкой публике, знаменитые эстеты посчитали ее оскорблением творчества. Поскольку в ней намеренно отсутствовали сложные линии и приятные глазу цвета, разразилась волна негодования среди зрителей. Многие посчитали ее вызовом обществу, назвав дикой. Отсюда и произошло новое веяние в творчестве.

Матисс будто играл на нервах критиков, демонстрируя данную работу. На ней изображена женщина в большой несуразной шляпе. Да и сама героиня мало чем напоминает настоящую женщину. Умышленно созданные кричащие цвета, несмотря на противоречия вокруг, оказались довольно сочетаемыми между собой.

Художник хотел придать своему персонажу некую самостоятельную жизнь, четко разграничив реальность и фантазию. В его работе дама живет сама по себе, ее черты лица невообразимым образом упрощены, будто специально изуродованы. Сочетание оттенков мажорного ряда (зеленый, желтый, красный, ярко-синий) придает картине приподнятое настроение и игривость.

Подобный подход был крайне рискованным в те времена, несмотря на прогрессирующее искусство европейских стран.

Вызвав столь бурную реакцию на свою работу, Матисс будто радовался подобному. Современники утверждают, что он намеренно исключил наличие стандартов живописи в своих работах, чтобы показать обществу истинное лицо живописи — не связанное с рамками привычного и призванное вызывать реакцию. Картина «Женщина в шляпе» – отличное тому подтверждение.

(2 votes, average: 5.00

Источник: https://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-anri-matissa-zhenshhina-v-shlyape/