Картина больной вакх, микеланджело караваджо

Караваджо Микеланджело Меризи постигал в своем искусстве, что есть смерть и каким образом христианин предстает перед ее лицом, где та путеводная нить, которая приведет его к спасению.

Искусство барокко

Караваджо является представителем искусства барокко, которое сделало смерть фактом жизни. Ее невозможно отделить от насилия и страдания. Смерть и ее изображение овладели чувствами живописца и подчинили их себе. Картины Караваджо – это зачастую экстаз святых, их молитвенное единение с богом в любви и смерти, их высшее паломничество перед ее лицом.

Это уже не тихое и мирное событие, как в период Возрождения. В барокко она становится не личным, а публичным фактом, частью жизни, внушает страх и ужас. Человек не просто тихо умирает, а бывает вырван из нее насилием или злым роком.

Примеры тому — картины Караваджо: «Давид с головой Голиафа», «Принесение в жертву Исаака», «Усекновение главы Иоанна Крестителя».

Жизнь Караваджо

Караваджо родился в семье архитектора. Он рано овладел основами мастерства и учился в Милане у художника Петерцано. Ломбардская школа дала художнику ощущение жизни и стремление ее передать. Судьба художника была настолько непростой, что сама его личность побуждала к размышлению.

В поисках своего пути в жизни и живописи Караваджо покидает Ломбардию и, посетив все города северной Италии, приезжает в Рим, где у него нет покровителей. С немалыми трудами он завоевывает внимание со стороны влиятельных церковных сановников. Трудно судить о Караваджо как о человеке веры. Тому нет документальных подтверждений.

Как человека, его волновало предстояние перед вечностью.

Такие картины Караваджо, как «Мученичество св. Матфея», «Положение во гроб», «Саломея с головой Иоанна Крестителя», – этому подтверждение. Тема бренности (vanitas) проходит через все творчество живописца с юных лет до его кончины.

Рубежная работа из коллекции Боргезе, 1591 год

«Больной Вакх» – это произведение, которое появилось не случайно. Художник тяжело заболел, был помещен в госпиталь, а затем переведен в подвал, где ухода за ним уже не было, и он действительно находился на грани смерти. Случайно его заметил там священник, знавший Караваджо. Художника подняли в палаты, обеспечили уход, и он выжил.

После выздоровления в полубольном состоянии он пишет картину «Больной Вакх», на которой, как считают, он изобразил себя еще в состоянии болезни. Об этом говорит холодный колорит картины, а тему смерти обыгрывают увядающие листья на первом плане, которые напоминают зрителю, что вся жизнь только временна. После этого он все чаще включает в свои натюрморты, которые несут привкус бренности, напоминание не только о жизни, но о том, что ей прямо противоположно.

Молитва как паломнический экстаз

Приобщение человека к вере происходит в том числе и через молитву. Примером такого духовного подвига для верующих XVI века был св. Франциск Ассизский. «Экстаз св. Франциска» (1598) для простых людей был примером постижения веры. Он изображает молитвенный экстаз, равный смерти.

Это не физическая смерть, а духовное перерождение, рождение человека веры и любви. Ангел, поддерживающий его голову, держит, чтобы потом вручить, стигматы св. Франциску. Но позднее (1600 год) мы видим уже другого св. Франциска, как бедного странника, как паломника. У него грубая ряса, дыра на плече.

Его волнует то, с чем он предстанет перед Богом, поэтому он держит в руках череп.

Образ «Св. Иеронима» (1606) – пример аскетизма, который привит высотам духа через уход от мирских соблазнов к пещерной жизни. Наградой ему служит божественное откровение. Об этом старается напомнить художник своему зрителю. Натюрморт – книга, перо — показывает, что святой стал проводником божественного слова.

Лицо смерти

В ранние годы творчества пишет традиционное произведение Караваджо – «Медуза» (1593-1594) в виде круглого щита. Ее очень часто изображали на деревянных щитах, обтянутых кожей, и дарили мужчинам в знаменательные события их жизни.

Не отступая от традиций, изображает чудище в предсмертных муках Караваджо. Медуза у художника еще не мертва, наступили ее последние секунды. Написано переходное состояние, когда жизнь еще присутствует, но уходит по капле, и Медуза это чувствует. Лицо еще живое и кричащее, но уже бледность покрывает его, и жизнь вот-вот исчезнет навсегда. Изображение Медузы очень натуралистичное, потому что следует испугать кошмаром исчезновения. А в это время колышутся живые змеи вокруг ее головы. Эта и другие достаточно жестокие сцены вереницей проходят через искусство Караваджо.

Подвиги веры

«Юдифь и Олоферн» (1595-1596). История такова. Олоферн с войском осадил родную Веттулию, где жила Юдифь. Девушка пробралась в палатку полководца. Красавица Юдифь и Олоферн пируют.

Бесстрашная девушка опаивает его вином и отрубает голову. Забрав ее собой, она возвращается за стены города, и голова Олоферна выставляется на копье для всеобщего обозрения. Войско отступает, и народ спасен.

У Караваджо изображено откровенное насилие.

На полотне Юдифь с отвращением и брезгливостью отрубает голову, держась от него на расстоянии. Караваджо – один из первых, кто изобразил сам момент этого отрубания, что чисто физиологически весьма неприятно: глаза вылезли из орбит, рот Олоферна открыт, он кричит. Предполагают, что голова Олоферна – автопортрет.

Очень похож на нее «Давид и Голиаф» (1596). На первом плане снова жестоко отрубленная голова. Еще больше это видно на более позднем одноименном произведении, когда художник отобразил свою голову, отрубленную Голиафом (1605). Театральным жестом Давид выталкивает на первый план страшную голову, как лицо смерти.

То же самое было изображено в произведении из галереи Боргезе, где совершенно точно художник написал самого себя (1606). Здесь есть тончайшая и сложная интонация трагедийного принятия смерти. Таковы картины Караваджо, изображающие устрашающие моменты смертей.

Последние годы, скитания

Мотивы смерти повторены в его поздних работах, после того как он был вынужден бежать из Рима, так как он случайно во время игры и в споре убил своего противника. Папским постановлением художник был осужден. Он с 1606-го по 1610-й скитается по Мальте, а затем умирает в Тоскане.

Именно в эти годы он создает свои наиболее трагические и глубокие произведения. Он пишет несколько вариантов «Саломеи с головой Иоанна Крестителя», «Усекновение главы Иоанна Крестителя» (1608, собор Сан Джованни, Валетта).

Это несомненные шедевры Караваджо, которым никто адекватно не мог подражать.

«Усекновение» – это огромная работа, на которой изображен обычный сюжет. Необычность его в том, что мы как бы реально стоим в огромном пустынном дворе с его колоссальной аркой, сложенной из камня. Откровенность изображенного подчеркивается тем, что палач отрубил, но еще не поднял голову. То есть опять повторяется момент перехода от живого к неживому, когда еще нити жизни связывают тело и голову. Но больше всего потрясает и дает трагедийность изображению то, что в крови, которая растекается из тела, Караваджо подписывает свое имя. Этой кровью он объединяет себя с жертвенной смертью Иоанна Крестителя.

Освещение на картинах Караваджо

Для Караваджо свет является не просто инструментом, которым он моделирует форму, придает объем и пластику. Свет у художника – это драматургия. Он выявляет основные компоненты содержания и создает его.

Художник светом выхватывает какие-то главные моменты, делая на них акцент. По документальным источникам из старых авторов явствует, что он писал в затененной мастерской и пользовался искусственным освещением.

Неожиданная находка

Считалась давно потерянной картина Караваджо «Поцелуй Иуды». В Дублине в 1990 году монастырь Св. Игнатия обратился в Национальную галерею Ирландии. Монахам требовалась реставрация картины, которая у них находилась с 30-х годов XX века.

Реставратор сразу понял, кто автор этого шедевра, который был известен только по копиям. Художник его создал по заказу своего постоянного клиента Маттеи. Затем его потомки сочли картину копией и продали в 1802 году в Шотландию, где она оставалась до 1921 года и была перепродана в Ирландию детскому врачу. Потом она была отдана в дар монастырю, где и висела в трапезной. После реставрации картина осталась в бессрочной аренде в Национальной галерее. Сюжет основывается на евангельском тексте. Иуда целует Спасителя, когда тот выходит из Гефсиманского сада, чтобы указать стражникам, кого следует арестовать.

Источник: https://www.syl.ru/article/283939/new_kartinyi-karavadjo-potseluy-iudyi-bolnoy-vakh-yudif-i-olofern-mikelandjelo-merizi-da-karavadjo

Бог вина и вдохновения страдает желтухой. «Больной Вакх» — автопортрет Караваджо

В 1593 году Караваджо заболел «римской лихорадкой», малярией. Лицо его стало желтым: печень не справлялась, билирубин накапливался в организме, — и это изменение цвета кожи, повергающее обычного человека в шок, вдохновило художника на смелый эксперимент – изобразить себя в виде больного божества.

Жизнь Микеланджело Меризи похожа на увлекательный приключенческий роман: он был участником скандалов и драк, кидал в официантов артишоками, писал оскорбительные сонеты, сидел в тюрьме, имел могущественных покровителей, убивал и был объявлен «вне закона», скрывался, опасаясь за свою жизнь, стал кавалером мальтийского ордена и умер при невыясненных обстоятельствах в возрасте 38 лет за две недели до получения официального помилования.

Мы его знаем как Караваджо: по воспоминаниям это был «человек неотесанный, с грубыми манерами, вечно облаченный в рубище и обитающий где придется», но именно ему суждено было стать одним из крупнейших мастеров барокко.

То, что было Высоким Возрождением, постепенно выродилось в такой художественный стиль как маньеризм с его изломанностью линий и крикливостью цвета, а Караваджо был близок натурализм и незамысловатые сюжеты.

Есть мнение, что это был прообраз камеры-люциды, изобретенной в начале XIX века: в отличие от камеры-обскуры, которая дает перевернутое изображение, она снабжена призмой и идеально подходит для переноса изображений на бумагу.

Но конечно, не это породило огромное число караваджистов — последователей и подражателей, повлияв даже на таких живописцев, как Сурбаран, Рибера, Вермеер, Йорданс, Рубенс, Рембрандт и многих, многих других. Караваджо активно использовал такой прием как «кьяроскуро», контраст между освещенными участками картины и затемненными, и хотя он, конечно же, не был первым, но до него свет и тень никогда еще так не работали — они не формировали объем, а выстраивали саму драматургию полотна.

Караваджо. Больной Вакх

Источник изображения: http://www.elcuadrodeldia.com

В 1576 году мать будущего художника, похоронив мужа и спасаясь от чумы, переехала в небольшой город Караваджо в итальянской провинции Бергамо. Титаны Возрождения заслужили право быть узнаваемыми по одному только имени: Леонардо, Рафаэль, Микеланджело, Тициан.

Многие их современники известны нам по своим прозвищам (Тинторетто, Паоло Веронезе, Эль Греко), и конечно, для Микеланджело Меризи, родившегося через 7 лет после смерти великого тезки, имя которого продолжало греметь в Риме, звучное прозвище пришлось как нельзя кстати.

Именно в Риме Караваджо встречает художника Марио Миннити, который становится его другом и моделью. Но «Больного Вакха» художник пишет с себя, поэтому многие искусствоведы атрибутируют эту работу как первый из дошедших до нас автопортретов.

Эта работа была написана в 1593 году, когда Караваджо заболел «римской лихорадкой», малярией. Друзья нашли художника на полу мастерской в горячке и доставили в больницу для бедных при церкви Санта-Мария делла Консолационе.

Болезнь дала осложнение на печень и почки, и несколько месяцев художник находился на грани жизни и смерти, но за ним был особый уход, поскольку приор госпиталя оказался ценителем живописи и другом покровителей Караваджо.

Медленно выздоравливая, он с интересом наблюдал за своим отражением в зеркале.

И без того некрасивое лицо его стало желтым: печень не справлялась, билирубин накапливался в организме, — и это изменение цвета кожи, повергающее обычного человека в шок, вдохновило художника на смелый эксперимент, скандальную выходку сродни его колким насмешкам – изобразить себя в виде больного божества.

В то время как его друзья-художники старательно копировали классиков, он решил показать, что он думает про академизм с его навязшим в зубах копированием. Так, вместо веселого, молодого, пышущего здоровьем и играющего мускулами Вакха, бога вина и вдохновения, мир увидел желтушное, изможденное лицо в обрамлении листьев плюща.

Вакх привык хохотать, но его болезненная улыбка грустна. Белая накидка, оголенное плечо, темно-коричневый пояс, завязанный на бант, — словно классический набор праздного небожителя, но огрубевшие руки с грязными ногтями контрастируют с обманчивой  негой.

Да и кисть белого винограда в руках Вакха с детально выписанными виноградинами уже переспела, а серую каменную столешницу, возле которой восседает бог, искусствоведы часто сравнивают с могильной плитой. Лежащие на ней черный виноград и незрелые персики, конечно, несколько оживляют сюжет, но и это ванитас, жанр аллегорического натюрморта, призванного напоминать о бренности бытия и неизбежности смерти: как правило, виноград символизировал грехопадение, изображение персиков имело эротический подтекст.

Караваджо. Вакх

Источник изображения: http://www.culturaeculture.it

Спустя несколько лет Караваджо напишет уже совсем другого Вакха – изнеженный и томный, призывно играет он своим кушаком, протягивая бокал с красным вином, но грязные ногти выдают в античном небожителе не то парня с соседней улицы, не то того, больного Вакха, который все же одержал победу над малярией. 

Источник: https://ihospital.ru/ru/media/67/

Микеланджело да Караваджо «Вакх»

• Микеланджело да Караваджо (Michelangelo da Caravaggio)
  Название: «Вакх»
  Год написания: 1596 год
  Место: Галерея Уффици, Флоренция, Италия
• Направление: Возрождение, Барокко

Микеланджело да Караваджо — итальянский художник, бывший одним из тех, кто первым начал работать в живописном стиле барокко, написал «Вакха» в достаточно спокойный и безмятежный период своей жизни. Это можно предположить на основании того, что этого персонажа Караваджо рисовал ранее, но не полным сил молодцом, а больным и несколько потасканным мужичком с испитым лицом.

Картина представляет собой портрет молодого человека в образе греческого божества Вакха. Одет он, а вернее, полураздет в белые одежды, подпоясанные черным пояском, конец которого Вакх держит в правой руке. Левой рукой он протягивает широкий бокал, полный вина, как бы предлагая зрителю принять участие в пирушке. На столике перед божеством стоит чаша с фруктами и пузатая бутыль с вином.

Вакх здоров и мускулист, щеки его лучатся румянцем здорового, ничем не обремененного человека.

Черные смоляные волосы юноши выглядят как искусственные, что может быть и правдой – существуют упоминания об использовании художником париков.

Вакх сидит на белом покрывале, но оно не загораживает давно не стиранную полосатую подушку – символ некоей нечистоты. Рука юноши, держащая бокал, видимо, давно не мыта, а под ногтями скопилась грязь – она больше похожа на руку какого-нибудь оборванца, нежели на длань античного божества.

Фрукты на столе по большей части годятся только на выброс – они измяты, надкусаны, а кое-какие из них подгнили и подпорчены гусеницами. Лежащий среди них потерявший товарный вид гранат являет собой символ утраты чистоты и невинности.

Источник: opisanie-kartin

Источник: https://mirovoeiskusstvo.ru/?p=446

Караваджо

Микеланджело Меризи да Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio), 1573–1610 гг. · итальянский живописец. Имя Караваджо происходит от названия городка в Северной Италии, в котором художник родился 28 сентября 1573 г. С одиннадцати лет он работал подмастерьем одного из миланских живописцев, а в 1590 г. переехал в Рим, который к концу XVI в. стал художественным центром не только Италии, но и всей Европы. Именно здесь Караваджо достиг самых значительных успехов и славы. В отличие от большинства своих современников, которые могли воспринять лишь более или менее привычный набор эстетических ценностей, Караваджо сумел отказаться от традиций прошлого и создать собственный, глубоко индивидуальный стиль. Отчасти это стало реакцией на штампы позднего маньеризма. Биографы Караваджо пишут, что он относился с презрением к великим мастерам прошлого и даже к античному искусству. Рассказывают историю о том, как художник привел с улицы цыганку, написал с нее гадалку, предсказывающую судьбу молодому человеку, и заявил, что натура – единственная наставница, в которой он нуждается. Независимость мастера от предшествующей художественной традиции явно преувеличивалась его завистниками, но новизна и оригинальность его искусства действительно сделали Караваджо революционной фигурой в культурной жизни Рима того времени. Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Эти черты лучше всего заметны в картинах на религиозные сюжеты, относящихся к римскому периоду его творчества: “Обращение Савла” (1601) для церкви Санта Мария дель Пополо и “Успение Богоматери” (1605–1606, Лувр). В первой из них будущий апостол Павел, а пока еще гонитель христиан Савл, изображен в тот момент, когда он услышал глас Божий и, пораженный, упал с лошади. Кажется, что воздетые руки распростертого на земле Савла и его голова выходят за раму картины в пространство зрителя, который, таким образом, оказывается непосредственным участником происходящего. Сверхъестественность события подчеркивается интенсивным искусственным светом. В “Успении Богоматери” религиозный сюжет трактован очень человечно и просто. Ослабевшее и истощенное тело Богоматери покоится на ложе; вокруг – скорбящие апостолы и Мария Магдалина. В полутемной комнате царит атмосфера тихого и всепоглощающего горя. И здесь яркие потоки света вторгаются в темноту, высвечивая детали и усиливая драматизм. Именно за такие картины Караваджо критиковали его современники. В эпоху Контрреформации были установлены строгие каноны для религиозного искусства, которым должен был следовать каждый мастер. Караваджо обвиняли в том, что он профанирует память святых и священных событий, говоря о них обычным “человеческим” языком. Однако во многом его искусство можно рассматривать и как воплощение основных духовных ценностей Контрреформации, поскольку оно делало религиозные идеи более понятными и значимыми для верующего. Религиозное чувство, которым проникнуты произведения Караваджо, близко по духу житиям святых Филиппо Нери и Игнатия Лойолы. Личность и события биографии Караваджо поражают воображение почти так же сильно, как и его живопись. Очевидно, он приехал в Рим без средств к существованию и в ранний период творчества писал натюрморты и жанровые композиции, такие, как упоминавшаяся выше картина “Гадалка” (ок. 1595 г., Рим, Капитолийские музеи) и “Шулеры” (ок. 1596 г., ранее в коллекции Скьярра). Две картины, написанные для римской церкви Сан Луиджи деи Франчези в 1597–1599 гг., “Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”, отмечают переломный момент в творчестве Караваджо. Обе работы близки по стилю ранним жанровым сценам, но уже наполнены тем внутренним драматизмом, который достиг своего полного выражения в алтарных образах начала 1600-х годов. Начиная с 1600 г., времени его наивысшего творческого подъема, имя Караваджо стало появляться в протоколах римской полиции. В большинстве документов речь идет о незначительных проступках: вместе со своими друзьями он привлекался к суду за непристойные стишки, написанные в адрес одного из живописцев, за угрозы официанту в таверне или за оскорбления в адрес полиции. Однако были и случаи физического насилия, за которыми следовали аресты. В мае 1606 г. Караваджо убил своего молодого знакомого в драке, возникшей из-за спора при игре в мяч. После убийства художник бежал сначала в окрестности Рима, а затем в Неаполь. Там он продолжал работать над крупными заказами; его искусство оказало решающее влияние на развитие неаполитанской школы живописи. В 1608 г. он переехал на Мальту, где написал портрет магистра мальтийского ордена и сам вступил в орден. Но и здесь трудный характер Караваджо довел его до беды: он оскорбил старшего по званию, был заключен в тюрьму и бежал на Сицилию. Прожив там несколько месяцев, художник возвратился в Неаполь, где подвергся нападению в какой-то таверне и был изуродован. В конце июня 1610 г. он сел на корабль, очевидно, намереваясь вернуться в Рим. Однако на берегу его по ошибке арестовали испанские гвардейцы и задержали на три дня. В это время Караваджо, вероятно, уже был болен малярией, от приступа которой он умер в городке Порто-Эрколе 18 июля 1610 г. По материалам энциклопедии “Кругосвет”

Вам также может понравиться

Источник: https://greekroman.ru/gallery/art_caravaggio.htm

«Вакх» Караваджо: разочарование в прелестях нетрезвой молодости

«Вакх» кисти Микеланджело Мерши да Караваджо — одно из открытий прошлого века. Картину обнаружили только в 1917 году, разбирая запасники Уффици. Это объясняет и то, что история ее создания остается туманной. Доподлинно известно, что произведение относится к раннему периоду творчества художника — 1595–1596 гг.

«Вакх» — Караваджо; ок. 1596 г. (Галерея Уффици, Флоренция)

Сюжет «Вакха» вряд ли можно считать уникальным — изображение древнегреческих богов и гедонистические мотивы в тот период были невероятно популярны. Но даже в их ярком калейдоскопе работа Караваджо выделяется.

Праздник жизни с червоточиной

В антураж праздника, всегда окружающий Диониса в работах других мастеров, буквально прорывается скрытый драматизм жизни.

копна густых волос молодого бога виноделия выглядит слишком неестественно, словно он надел парик, пытаясь что-то скрыть от взгляда искушаемого зрителя;всегда зеленые листья винограда, вплетенные в венок на голове, заметно увяли;богатый натюрморт явно покрыт червоточинами;Для создания «Вакха» он привлек, судя по скопившейся под ногтями грязи, мальчишку с улицы

Соблазнительный взгляд юноши, не привыкшего к отказам, выглядит у Караваджо несколько устало и даже болезненно. Хотя многие в этом видят в большей степени сексуальный подтекст.

Сударь, да вы пьяны!

Кстати, к теме болезни Диониса художник уже обращался — в 1593 году он представил покровителю картину «Больной Вакх», где, согласно сохранившимся данным, мастер изобразил себя после тяжелой болезни (зеркальный автопортрет).

«Больной Вакх» — Караваджо; ок. 1593 г. (Галерея Боргезе)

Если сопоставить двух «Вакхов» кисти Караваджо, возникает устойчивое ощущение, что живописец разочаровался в прелестях нетрезвой молодости, наполненной удовольствиями, но отнимающей силы, здоровье и деньги. И эту «депрессию» он пронес через многие свои труды, которые в позднем периоде приобрели еще более выраженные черты.

Наш канал в Telegram: @antike и страница во ВКонтакте

Кстати, связь между собой и Дионисом Караваджо провел не только в картине «Больной Вакх». После реконструкции картины специалисты обнаружили отражение художника за мольбертом на круглом боку кувшина с вином, изображенного по правую руку юного бога.

• Интересно? Ставьте лайк и подписывайтесь на канал ΦΙΛΟΣΟΦΊΑ!
• Исп. и рек. литература/ресурсы: wikipedia.org // «Великие художники: Караваджо», Р. Кононенко // muzei-mira.com

Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/599eaad01410c3c2c165fca3/5c010e77c69e8104a0b91ad9

Великий провокатор Микеланджело да Караваджо

Тогда впервые проявилась его чувственная манера письма и острый, честный взгляд на действительность.  Давайте внимательно вглядимся в картины Караваджо. «Больной Вакх» — это сам художник, проведший несколько месяцев на больничной койке.

Разве таких вакхов привыкли мы видеть у предшественников новатора Меризи? Античные божества принято было писать в виде эдаких розовощеких, умытых, полных могучей первобытной силы здоровяков. А Вакх Караваджо печален, его лицо землистого цвета, а под ногтями — о ужас! — видна грязь.

А кисть винограда, призванная услаждать взгляд почтеннейшей публики? Боже, да она явно с гнильцой! Ну что ж, не обессудьте: и божества подвержены недугам.

А эта таинственная надпись на нотах, лежащих перед музыкантом на столе: «Вы знаете, что я Вас люблю»… Века спустя, в 1986 году, английский художник и режиссер-авангардист Дерек Джармен снял фильм о Караваджо, невероятно красивую ленту о богемной жизни, которую вел Караваджо в Риме, и о том, как рождается гениальная живопись.

Прекрасное и отвратительное, разгульные оргии и мучительный процесс создания портрета, уличные драки и размышления об искусстве смешалось у Джармена, поэтому его кино получилось очень похожим на творчество Меризи.

…Но мы отвлеклись. Пылкость натуры, честность и неуступчивость — все эти качества Караваджо не утратил с годами. Уже работая по заказам церковников, он прослыл великим провокатором, настолько далека была его трактовка религиозных сюжетов от общепринятых норм. Чего стоят черные крылья ангела, спустившегося с небес к Марии и Иосифу.

Композицию «Обращение Савла» Караваджо пришлось написать в двух вариантах, т.к. первый был отклонен церковью. Пилигримы на картине «Мадонна ди Лорето» в свое время наделали много шума: публика посчитала оскорбительными грязные ноги странника и несвежий чепец его спутницы.

Но и этого мало — для самой Мадонны позировала подружка Меризи, уличная проститутка!
Но несмотря на все это за произведениями Караваджо гонялись короли, герцоги и кардиналы, ведь он был великим мастером, перевернувшим представления о живописи.

Особый ритм его линий, его человечность, его неповторимый «погребной» свет, с помощью которого он выхватывал эпизоды человеческой жизни, — все это гениальный Караваджо!

Он много скитался и провел последние годы вдали от Рима, надеясь получить прощение Папы и вернуться домой. Этому не суждено было сбыться — Караваджо умер от малярии, так и не достигнув родного берега. Его могила не найдена до сих пор.

Источник: https://klops.ru/news/obschestvo/8920-velikiy-provokator-mikelandzhelo-da-karavadzho

Картины Микеланджело Караваджо

Вакх Около 1595-1597. Холст, масло. 95х85,галерея Уффици ФЛОРЕНЦИЯ

Стоявший у истоков барокко, Караваджо (1571-1610) написал данную картину в еще относительно безмятежный период своей жизни.

Отсюда и выбор темы — Вакх, греческий бог вина и веселья, в образе которого мастер показал юношу с томным взглядом, ласковым жестом протягивающего зрителю бокал с вином.

Его сильное, мускулистое тело пышет здоровьем, на щеках играет нежный румянец, пухлые губы сочны, а колорит полотна оставляет ощущение праздника. Но фрукты в стоящей перед Вакхом вазе не так свежи: яблоко подгнило, на нем червоточина. И виноградные листья в венке героя уже увядают.

Больной Вакх — Микеланджело Караваджо. Около 1593-1594. Холст, масло. 67×53

Первые признаки драматизма, которым была отмечена зрелая живопись Караваджо, проявились в этой картине, написанной после его пребывания в больнице.

Пробыв долгое время между жизнью и смертью, он потом нередко обращался к этому состоянию в своих полотнах. Лютнист Около 1595. Холст, масло. 94×119, Метрополитен Музей

Мастер писал полотна на разные сюжеты, создавал портреты, религиозные картины и бытовые сценки. «Лютнист» — одно из ранних произведений Караваджо, образ музыканта еще не раз встретится в его картинах.

Лицо модели лишено классической красоты: круглый овал лица, чувственные пухлые губы и темные большие глаза создают образ здорового, цветущего юноши. Особое внимание уделено натюрморту. Художник с большим удовольствием выписывает яркие цветы и фрукты, деревянные музыкальные инструменты.

Вероятно, «Лютнист» — портрет друга Караваджо, миланского музыканта Галлюса, с которым он познакомился во время своих скитаний.

/ Шулеры Призвание апостола Матфея

Маньеризм

Якопо Понтормо. Снятие с креста. 1526—1528. Флоренция, Санта Феличита

Маньери́зм (от итальянского maniera, манера) — западноевропейский литературно-художественный стиль XVI — первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком.

Некоторые исследователи (особенно литературоведы) не склонны считать маньеризм самостоятельным стилем и усматривают в нём раннюю фазу барокко.

Существует и расширенное толкование понятия «маньеризм», как выражения формотворческого, «претенциозного» начала в искусстве на разных стадиях культурного развития — от античности до современности.

Маньеризм появился в Италии, где важнейшими очагами развития стиля стали Флоренция, Мантуя и Рим, а затем получил распространение во Франции и других европейских странах.

Франческо Сальвиати. Неверие Св. Фомы. Ок. 1543—1547. Париж, Лувр

Стилевые особенности.Характерными особенностями художественного решения работ, можно считать

• — повышенный спиритуализм (нередко сочетающийся с не менее сублимированным эротизмом или, напротив, подчёркнуто противопоставленный ему),
• — взвинченность и изломанность линий, использование так называемой «змеевидной» линии,
• — удлинённость или даже деформированность фигур,
• — напряжённость поз (контрапост),
• — необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой,
• — использование едкой хроматической гаммы,

— перегруженность композиции и т. д.

Живопись

К живописцам маньеризма относят Франческо Пармиджанино, Джузеппе Арчимбольдо, и другие. Отчасти этот стиль прослеживается также у Рафаэля и Микеланджело, у художников венецианской школы — Тинторетто и Тициана.

За пределами Италии маньеризм представлен школой Фонтенбло во Франции, рядом нидерландских художников XVI века (многие из них восприняли идеи маньеризма, побывав в Италии) и Эль Греко в Испании. Маньеризм интенсивно развивался в Праге, при дворе императора Рудольфа II (Б. Шпрангер, Ханс фон Аахен и др.).

Ханс фон Аахен. Вакх, Церера и Купидон. Вена, Художественно-исторический музей

Пармиджанино

Пармиджанино (Parmigianino) (настоящее имя Франческо Джироламо Маццола, Mazzola) (11.01 1503, Парма — 24.09. 1540, Казальмаджоре, Ломбардия), один из крупнейших живописцев маньеризма. Родился в семье живописца Ф. Маццолы, который и был его главным наставником в искусстве.

Позднее получил обычное для той эпохи прозвище («уроженец Пармы»). Испытал влияние Рафаэля и Микеланджело, но в первую очередь Корреджо.

Это влияние довольно четко проступает уже в ранних работах художника («Мистическое обручение святой Екатерины», 1521, фрески в двух боковых капеллах пармской церкви Сан-Джованни-Эванджелиста, около 1522-1523; и др.

), соседствуя с стилистическими остроиндивидуальными чертами, как особая, действительно «манерная» (как и следует из самого понятия «маньеризма») элегантность поз и удлиненных, грациозных пропорций.

Уже в ранний период своего творчества Пармиджанино проявил себя и как выдающийся портретист, умеющий очень впечатляюще акцентировать аристократическое благородство своих моделей и окутывать их аурой многозначительной тайны («Портрет мужчины», 1523, Национальная галерея, Лондон; «Галеаццо Санвитале», 1524, Галерея Каподимонте, Неаполь).

Картинная галерея, Дрезден

1. Мадонна с длинной шеей, 1534-1540 Мадонна с розой, 1528-1530, Амур, строгающий лук
2. Уффици
3. «Мадонна с длинной шеей» — все в этой композиции — и «спиралевидная» поза Марии, и божественный Младенец, не то крепко заснувший, не то мертвый, и непонятная колонна позади (предметно акцентирующая неестественно-удлиненную шею Богоматери) — призвано заинтриговать зрителя, оставив его в тревожном беспокойстве.
4. Джузе́ппе Арчимбо́льдо

(итал. Giuseppe Arcimboldo), (1527, Милан — 11 июля 1593, Милан) — итальянский живописец, декоратор, представитель маньеризма. В его творчестве усматривают предвосхищение сюрреализма.

Арчимбольдо — художник при дворе. Он воспринимался друзьями как человек с универсальной эрудицией и очень развитым творческим гением. Большинство его современников, также известных людей, смотрели на него с восхищением из-за его талантов и его изобретательности не только в живописи, но также и в организации игр, свадеб, коронаций, процессий.

Фактически он стал «артистическим директором» императора Максимилиана II. Он отвечал при дворе за архитектуру и театрально-художественное оформление всех мероприятий.

В то же самое время он — инженер, создатель фонтанов, принимал участие в основании музея искусств. Арчимбольдо был главным организатором турниров, ярмарок и роскошных празднеств для аристократии, учёных и художников.

При поддержке Максимилиана он исполнил первый вариант серии «Времена года», который был представлен императору в день Нового года (1569).

Весна. 1573. Париж, Лувр Лето Осень Зима

• В 1570 году Арчимбольдо был послан в Прагу к Рудольфу, сыну Максимилиана, проектировать сложное театрализованное представление для Максимилиана (сюжет — смешанная классическая и чешская мифология) и остался служить Рудольфу II, когда тот поднялся на трон Габсбургов (1575) после смерти Максимилиана II.

При нём, кроме всего, он изобретал гидравлические машины. Император чрезвычайно любил и ценил Арчимбольдо. Арчимбольдо в эти годы написал второй вариант «Времён года» (1573), посвятил императору красный кожаный фолиант, содержавший 150 рисунков ручкой и чернилами (1585)[1].

В 1587 году после многочисленных просьб Арчимбольдо Рудольф II разрешил ему возвратиться в родной Милан. В том же самом году Арчимбольдо получил просьбу императора продолжить писать для него, хотя он больше не служил при дворе. В 1591 году написаны наиболее известные из его картин — «Флора» (1591) и «Вертумн» (1590—1591), которые он послал в Прагу.

11 июля 1593 года живописец умер.

Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна. 1590. Замок Скоклостер, Стокгольм

«Вертумн» был особенно оценён обществом и в особенности самим Рудольфом. Это — поясной портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времён года, растительности и преобразования. Рудольф состоит полностью из великолепных плодов, цветов и овощей. Восхищенный этими картинами Рудольф II щедро наградил Арчимбольдо.

Сохранилось мало его работ: обычно это портреты по грудь, в профиль, реже — анфас. Изображения составлены из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и т. д. Лица стилизованы; эффект формы и светотени в пространстве создаётся весьма искусной компоновкой элементов.

Аллегории времён года: «Лето» и «Зима», 1563 год (Музей истории искусств, Вена), «Весна» (Академия Сан-Фернандо, Мадрид); стихий — «Огонь» и «Вода», 1566 год, в Венском Музее истории искусств. Рисунок в Лувре — «Повар» — составлен из кухонных элементов. Арчимбольдо был очень популярен при жизни, чем объясняется множество подражаний его стилю.

Воздух. Огонь. Земля. Вода.

1. Скульптура

В ваянии представителями маньеризма были Бартоломео Амманнати и Джамболонья, в искусстве которого, оказавшем огромное влияние на его современников, сочетаются причудливость поз с изысканной плавностью и элегантностью форм. К ведущим скульпторам-маньеристам относят Бенвенуто Челлини.

Джамболонья. Похищение сабинянок. 1574—1582. Флоренция, Лоджия деи Ланци

Источник: https://megaobuchalka.ru/7/40525.html