Симфония в белом № 1, 1862, джеймс майкл уистлер

Джорджоне (1476/1478(?)-1510) Поклонение пастухов 1505–1510. Дерево, масло. 90,8×110,5

В отличие от многих своих современников, венецианских мастеров, Джорджоне не писал больших многофигурных композиций. В своих произведениях он был немногословен, суть выражал внутренним ассоциативным осмыслением сюжета, часто давая зрителю возможность самому додумать и понять картину.

В «Поклонении пастухов» помимо обязательных фигур Святого семейства и коленопреклоненных пастухов значительное место занимает пейзаж — не просто фон, а активный участник действия. Его уходящая в глубину перспектива на горизонте замыкается голубыми горами, что создает естественное ощущение пространства и воздуха.

Темно-коричневый тон пещеры красиво и контрастно подчеркивает цвета одежд Иосифа, Марии и двух пастухов, чьи согнутые спины плавно и ритмично повторены в овальных линиях, очерчивающих вход в пещеру, возле которого расположены герои.

О деятельности художника сохранилось очень мало документов. Не обнаружено ни одной подписной картины Джорджоне, некоторые из его неоконченных произведений известны сегодня только по гравюрам и копиям.

Атрибуция работ мастера представляет достаточно сложную проблему, вызывавшую споры среди историков искусства начиная с XVI столетия.

Сегодня большинство исследователей склонны считать, что автор «Поклонения волхвов» — именно Джорджоне, хотя в XX веке по этому поводу было много дискуссий.

Якопо (Робусти) Тинторетто (1518/1519-1594) Христос на море Галилейском. Около 1575–1580. Холст, масло. 117,1×169,2

Венецианский живописец Тинторетто занимался преимущественно исторической и религиозной живописью, но писал также и портреты.

Полотно «Христос на море Галилейском» поражает эмоциональной напряженностью. Здесь изображена сцена, описанная в Евангелии от Иоанна. Господь является своим ученикам, занятым ловлей рыбы. Увидев Христа, Петр бросился в море, чтобы первым встретить своего Учителя.

На этой картине впервые в истории живописи героем евангельской драмы стала сама природа. Несущиеся тучи, штормовое море и сверхъестественный свет — все это усиливает напряженность момента, когда человек непреодолимо стремится к Богу.

Любопытно, что эту композицию некоторое время считали работой Эль Греко, предполагая, что удлиненная фигура Христа, колорит и драматизм сцены — характерные признаки авторства испанского художника.

Однако стоит внимательно приглядеться к фигурам апостолов и небу, и станет ясно, что полотно исполнено в типичной для Тинторетто манере с его смелым рисунком, теплотой и силой красок, широким приемом письма, более мягким, чем у Эль Греко, распределением света и теней.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770) Аполлон, преследующий Дафну. Около 1755–1760. Холст, масло. 68,8×87

Тьеполо — представитель стиля рококо и, вероятно, последний крупный художник венецианской школы живописи.

Произведение «Аполлон, преследующий Дафну» считается довольно скромным по размеру для мастера, покрывавшего фресками обширные потолки итальянских палаццо.

Тьеполо создал интересную по композиции картину на сюжет из «Метаморфоз» Овидия: из-за холма поднимается влюбленный в юную Дафну златокудрый бог солнца Аполлон, но он опоздал, нимфа попросила защиты от его преследований у своего отца, речного бога Пенея. Он, вняв мольбам дочери, отнял у нее ставший ненавистным облик и навсегда превратил нимфу в вечнозеленый лавр.

Кисти Дафны постепенно становятся ветвями, скоро исчезнут прекрасные руки, но пока она еще сохраняет свой естественный образ. Рядом с ней, приобнимая большой сосуд с льющейся водой, расположился отец. Живопись Тьеполо — легкая, воздушная; произведение отличается сияющим нежным колоритом, построенным на сочетании серебристых, красноватых, золотисто-желтых, жемчужно-серых и синих тонов.

В полотнах стиля рококо не найти отображений трагических коллизий, это изящное искусство должно было радовать глаз. Поэтому история Аполлона и Дафны трактуется художником как некая забавная сценка в духе Буше или Фрагонара, где беспечные герои заняты играми и развлечениями.

Искусство Соединенных Штатов Америки

Грант Вуд. Новая дорога. 1939

Джон Синглтон Копли (1738–1815) Брук Уотсон и акула 1778. Холст, масло. 182,1х229,7

Выдающийся американский портретист и исторический живописец Джон Копли начал свою карьеру в Бостоне. Лишь в 1775, в преддверии войны за независимость, он отправился за границу и вскоре вместе с семьей осел в Лондоне.

На картине показано подлинное происшествие, имевшее место в 1749. На молодого британского моряка в гавани Гаваны напала акула. Она откусила ему икру на одной ноге, а затем ступню другой ноги.

Художник изобразил напряженный момент противостояния — успеет ли один из находящихся в лодке пронзить чудовище багром или же несчастный погибнет? Вся пирамидальная композиция, вершиной которой является рукоятка поднятого багра, пронизана движением.

Юношу спасли, деревянная нога не помешала ему счастливо прожить жизнь — он стал генералом-интендантом британской армии в Америке, членом парламента и даже лордом-мэром Лондона.

Полотно было заказано Копли, чтобы увековечить чудесное спасение, а затем передано в школу для мальчиков «служить наглядным уроком для молодых» — как гласит надпись на раме.

Копли никогда не был в Гаване и использовал гравюры, с помощью которых довольно точно передал замок Моро (справа), купол собора и монастырские башни. Работа имела колоссальный успех и во многом способствовала популярности художника в Англии. Для себя он сделал точную копию и вариант произведения, которые всю жизнь хранились в его мастерской.

Бенджамин Вест (1738–1820) Портрет полковника Гая Джонсона 1776. Холст, масло. 202×138

Американская живопись XVIII века находилась под сильным влиянием британского искусства, многие художники не были знакомы с европейской живописью, пока не предприняли путешествия в Европу.

Беджамин Вест был первым американским мастером, отправившимся в Старый Свет. Он обосновался в Лондоне, где стал одним из самых прославленных английских живописцев.

По заказу короля Георга III Вест написал множество больших исторических картин и портретов.

Один из самых интересных — «Портрет полковника Гая Джонсона», английского уполномоченного по делам индейцев в американских колониях. Рядом с ним Вест изобразил фигуру аборигена с «трубкой мира» в руке в отличие от англичанина, держащего ружье.

Таким образом живописец противопоставляет освещенную разумом цивилизацию и находящуюся во мраке невежества культуру.

Джеймс Майкл Уистлер (1834–1903) Симфония в белом № 1 1862. Холст, масло. 213×107,9

Джеймс Уистлер, американец по рождению, провел ранние годы в России (его отец был приглашен проектировать Николаевскую железную дорогу), где посещал Императорскую Академию художеств. Затем он обучался в Париже, в зрелые годы жил в Лондоне.

Обладая тонким чувством цвета, Уистлер в отличие от импрессионистов широко пользовался тональными гармониями — легчайшими градациями близких между собой оттенков в пределах определенной цветовой гаммы. Мастер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями».

Представленное полотно — одно из самых известных произведений художника.

В его основе — белый цвет, являющийся главным средством характеристики модели — молодой женщины с задумчивым лицом в девственно белом наряде, стоящей на светлой волчьей шкуре с лилией в руке.

Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта.

Источник: https://dom-knig.com/read_188592-7

«Симфонии в белом»

laila50«Симфония в белом № 1» 1862.Джеймс Эббот Макнил Уистлер ( 1834—1903) — англо-американский художник,

мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии.

Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.

• Название многих работ Уистлера отсылают к музыкальным ассоциациям.
• В музыке симфония,самый сложный и богатый по музыкальному и эмоциональному содержанию, инструментальный жанр.
• Для неё характерны большой масштаб,разнообразие музыкальных образов,богатство звуковых красок и оттенков.

Джоанна Хиффернан — дочь ирландца Патрика Хиффернана и его жены Катерины Хиффернан, родилась в 1843году.

Уистлер впервые повстречал Джоанну в одном ателье в Лондоне у Ратбоун-Плейс. Впервые она стояла у Уистлера в качестве модели для его портрета

«Симфония в белом №1, девушка в белом» в его парижском ателье на бульваре Батиньоль. В течение следующих шести лет она была его возлюбленной и моделью.

Девушка в белом платье, стоит на фоне белой, тонкой  муслиновой шторы.На шкуре белого волка,в руке у нее белая лилия,

в ногах,тоже цветы.

«Симфония в белом №2» 1864.- вторая картина из тех трех, на которых изображены девушки в белых платьях, и одна из лучших работ Уистлера его «восточного» периода.

Медноволосая, одетая в белое платье, Джоанна стоит, положив руку на каминную полку.

Лицо ее задумчиво и печально. Она одновременно и смотрит, и не смотрит на свое отражение в зеркале.

Нежная рука девушки небрежно держит веер — так, будто вот-вот уронит его.

Картину отличает поэтическая атмосфера легкой грусти, меланхолии. Кроме того, в ней ясно прослеживается влияние японской графики.

Расписной ажурный веер и бело-синяя ваза с головой выдают интерес художника ко всему восточному.

«Ориентальной болезнью» Уистлер заболел в конце 1850-х годов в Париже.

«Симфония в белом № 3»1865-1867.

Это последняя картина из трилогии в белом.

Уистлер боготворил Джоанну Хиффернан, в первую очередь ее внешний облик и рыжие волосы, которые закрепили за ней прозвище огненная Джо.

На его отношение к ней не могли повлиять ни его семья, ни друзья со знакомыми.

1. Джеймс Уистлер, во время их совместной жизни, много раз писал Джоанну и делал с нее зарисовки;
2. помимо этого она появлялась на его полотнах в виде различных женских персонажей.
3. Самые знаменитые полотна, на которых изображена Джоанна, — три картины, известные как «Симфонии в белом».
4. «Симфония в белом №1» – первая картина из трилогии симфоний с девушками – white.

  Художник в своей студии,.1865.

В 1860-х Уистлер, чтобы подчеркнуть чисто эстетические устремления, стал давать своим картинам музыкальные названия.

• В 1863 художник выставил в «Салоне отверженных» в Париже свою первую крупную работу -«Симфония в белом № 1».
• Она вызвала резкую критику и одновременно принесла Уистлеру широкую известность.
• Шарль Бодлер о «Симфонии в белом №1» сказал: «Она изысканна и абсолютно деликатна».
• Живописец создал портрет, в котором главными оказались эмоции, внутренние ощущения модели, переданные через ритмику и мелодию картины.

Источник: https://laila50.livejournal.com/540952.html

Symphony in White, No. 1: The White Girl

«The White Girl» redirects here. For other uses, see White Girl.

Symphony in White, No. 1: The White GirlArtistJames McNeill WhistlerYear1861–62MediumOil on canvasDimensions215 cm × 108 cm (84.5 in × 42.5 in)LocationNational Gallery of Art, Washington, D.C.

Symphony in White, No. 1, also known as The White Girl, is a painting by James Abbott McNeill Whistler. The work shows a woman in full figure standing on a wolf skin in front of a white curtain with a white lily in her hand. The colour scheme of the painting is almost entirely white. The model is Joanna Hiffernan, the artist's mistress. Though the painting was originally called The White Girl, Whistler later started calling it Symphony in White, No. 1. By referring to his work in such abstract terms, he intended to emphasize his «art for art's sake» philosophy.

Whistler created the painting in the winter of 1861–62, though he later returned to it and made alterations. It was rejected both at the Royal Academy and at the Salon in Paris, but eventually accepted at the Salon des Refusés in 1863.

This exhibition also featured Édouard Manet's famous Déjeuner sur l'herbe, and together the two works gained a lot of attention. The White Girl shows clearly the influence of the Pre-Raphaelite Brotherhood, with whom Whistler had recently come in contact.

The painting has been interpreted by later art critics both as an allegory of innocence and its loss, and as a religious allusion to the Virgin Mary.

Artist and model

James Abbott McNeill Whistler was born in the United States in 1834, the son of George Washington Whistler, a railway engineer.[1] In 1843, his father relocated the family to Saint Petersburg, Russia, where James received training in painting.

[2] After a stay in England, he returned to America to attend the US Military Academy at West Point in 1851.[3] In 1855, he made his way back to Europe, determined to dedicate himself to painting. He settled in Paris at first, but in 1859 moved to London, where he would spend most of the remainder of his life.

[4] There he met Dante Gabriel Rossetti and other members of the Pre-Raphaelite Brotherhood, who would have a profound influence on Whistler.[5]

It was also in London that Whistler met Joanna Heffernan, the model who would become his lover. Their relationship has been referred to as a «marriage without benefit of clergy.»[6] By 1861, Whistler had already used her as a model for another painting.

Wapping, named after Wapping in London where Whistler lived, was begun in 1860, though not finished until 1864.[4] It shows a woman and two men on a balcony overlooking the river. According to Whistler himself, the woman – portrayed by Heffernan – was a prostitute.

[7] Heffernan supposedly had a strong influence over Whistler; his brother-in-law Francis Seymour Haden refused a dinner invitation in the winter of 1863–64 due to her dominant presence in the household.[8]

Creation and reception

Whistler started working on The White Girl shortly after December 3, 1861, with the intention of submitting it to the prestigious annual exhibition of the Royal Academy. In spite of bouts of illness, he had finished the painting by April.[9] In a letter to George du Maurier in early 1862, he described it as:

Источник: https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_in_White,_No._1:_The_White_Girl

James McNeill Whistler, Symphony in White, No. 1: The White Girl, 1862

James McNeill Whistler worked furiously on The White Girl during the winter of 1861–1862, rising at 8:00 each morning to paint. His model was his mistress and frequent companion, Joanna Hiffernan, a well-known beauty who also modeled for other artists of the day.

Whistler lived in Paris at the time, but painted the canvas specifically for submission to the 1862 Royal Academy of Arts exhibition in London, an annual event juried by a group of artist-academicians whose choices could make or doom an artist’s career.

For the 27-year-old Whistler, who was still establishing his reputation, The White Girl was meant to demonstrate his talents to the world.

He was cruelly disappointed when he visited the Academy galleries a week before the salon opened to the public, searching room after room of paintings for his work, until at last he found it leaning against a wall amid the rejects. He consoled himself with the thought that “she was still beautiful.”

The picture was shown about a month later at Morgan’s, a commercial gallery in London, with the “rejected” designation. There it attained some notoriety, savaged in the press as “bizarre” and “incomplete.

” The painting continued on this path: rejected by the 1863 Paris Salon, it ended up in the Salon des Refusés, a protest exhibition organized by Gustave Courbet of paintings spurned by the French Salon jurists.

Shown alongside the similarly scandalous with Déjeuner sur L’Herbe by Édouard Manet, The White Girl became known as one of the exhibition’s most infamous pictures.

Flouting the conventions and standards of portraiture, The White Girl made 19th-century viewers distinctly uncomfortable. The woman pictured wears an informal cambric (lightweight cotton or linen summer fabric) housedress of a type worn in private. Her red hair is loose, contrasting vividly with the tonal white interior setting and dress.

To viewers of the period, these attributes made Hiffernan’s worldliness and lack of innocence explicit and shocking.

Whistler later appended the title with “Symphony in White: No. 1” (there were eventually three paintings in the series) to focus attention on what he viewed as the painting’s true subject: his handling of the thick white paint, its textures, and subtle tonal contrasts. The painting’s radical break with traditions of portraiture make it a bellwether of modern art.

Источник: https://www.nga.gov/collection/highlights/whistler-symphony-in-white-no-1-the-white-girl.html

Джеймс Уистлер

«…Искусство Уистлера трудно отнести к какой-нибудь определенной художественной школе. Он воспринял и синтезировал в своем творчестве самые разные течения, не поддавшись ни одному из них.Свои пейзажи и портреты художник часто называл «ноктюрнами», или «цветовыми гармониями». Действительно, картины Уистлера отличает виртуозная тонкость и изысканность колорита, построенного, как правило, на сочетании одного-двух основных цветов» (Н. Кирдина).

Nocturne in Gray and Gold snow in Chelsea

«Серое и золотое: Вестминстерский мост»

Джеймс Эббот Макнил Уистлер родился 10 июля 1834 года в одном из промышленных городов США — Лоуэлле.

Осенью 1843 года Джеймс приехал в Санкт-Петербург вместе с отцом, инженером-путейцем, которого пригласило русское правительство для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.

Годы детства и юности, проведенные Джеймсом в России, оказались самыми безоблачными и светлыми в его полной потрясениями жизни. Снежная русская зима с катанием на коньках по льду Невы, прогулки по Царскому Селу и Петергофу — ярчайшие детские впечатления художника.

Мальчик рано пристрастился к рисованию. Уроки первоначально давал А. Корицкий, вольноприходящий ученик Академии художеств.

В 1845 году Джеймс благодаря полученной подготовке был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов.

Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля: «Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В четырнадцать лет он твердо избирает путь художника.

Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку… Приходит конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Вест-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.

Джеймс уволился из Геодезического управления в феврале 1855 года. Уистлер рассказывает: «Я писал портреты: кузины Анни Дени, Тома Уиннанса и других знакомых в Стонингтоне.

Мне положили выплачивать в год триста пятьдесят долларов, которые я и получал очень регулярно».

Он навсегда покидает Америку. Лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.

В Париже Уистлер учился в мастерской Ш. Глейра, однако большее значение имело для него общение с Фантен-Латуром и с Курбе, а также дружеские связи с Мане, Дега и Моне.

В 1858 году Уистлер опубликовал «Французскую Сюиту» из двенадцати гравюр, нарисованных в Париже, на Рейне и в Лондоне: «Ливерден», «Лудильщица», «На солнце», «Непрочная постройка», «Матушка Жерар», «Улица в Саверне», «Маленький Артур», «Тряпичница», «Анни», «Торговка горчицей», «Фюметта» и «Кухня». Офорты, в которых ясно ощущается влияние Рембрандта, принесли художнику известность.

Уистлер занимался своими офортами в самых различных условиях, рисуя прямо на меди, без всякой подготовки или предварительных набросков. Для него медная доска и острие были тем, что бумага, перо или карандаш для других. Поэтому так редки его карандашные рисунки на бумаге, тогда как количество гравюр весьма значительно. Он уверенно владел иглой, каждый штрих попадал точно на свое место.

В 1859 году художник пишет картину «У рояля». На картине, написанной в сдержанной цветовой гамме, изображены близкие ему люди — сестра Дебора и ее дочь Анни.

У рояля.

Картина была послана в Салон 1859 года вместе с двумя офортами. Она была отвергнута, а два офорта — приняты. Своеобразие молодого художника, видимо, испугало жюри. Несправедливость этого решения вызвала скандал.

С этого времени он стал широко известен…

Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей.

Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсем обосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…

С 1859 года он стал изучать Темзу. Он еще датировал свои офорты, и к этому году относятся одиннадцать досок серии Темзы.

Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу.

Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда… Среди этих офортов есть лучшие из того, что он вообще создал: «Набережная Черного Льва»:

«Тизак».  В 1862 году Уистлером была создана лирическая композиция «Симфония в белом № 1. Девушка в белом»

Белая симфония Три девушки

Девушка в белом. 1862.

«Симфония в белом 3». 1867 г. Холст, масло

Уистлер выбирает композиции с элементами, которым достоверность не обязательна: музыка, к которой отсылает нас название картины, дарит художнику принципы композиции, базирующиеся на эмоциях, внутреннем темпе, чисто формальных аккордах.

Но картина «Салон отверженных» вызвала смех у зрителей, приученных к совсем другой живописи.

«Первым среди европейских художников Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски. Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен шести марок»» (В. Барашкова).

Девушка в белом. 1864.

На полотне — Джо Хайфермен, рыжеволосая ирландка, постоянная натурщица Уистлера в те годы. Вокруг нее мир экзотических вещей — японский веер, китайская ваза сине-белого фарфора. Мы ощущаем душевную ясность модели. Жемчужно-белые оттенки платья Джо в сочетании с насыщенными цветовыми пятнами — красными, розовыми, золотистыми, черными — создают мажорное, чуть приглушенное звучание этой «симфонии».

В 1871 году Уистлер создает замечательный «Портрет матери». Это — одна из драгоценнейших жемчужин американского искусства.

«Выдержанный в благородном созвучии серебристых, серых и черных оттенков, осязательно конкретный в передаче объемов и фактуры предметов, ясно уравновешенный в своей простой и непосредственно-естественной композиции, этот портрет был самым наглядным воплощением лучших качеств национальной американской реалистической традиции», — пишет А.Д. Чегодаев.

Такие же четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева) художник применяет и при создании портрета английского историка и философа Томаса Карлейля (1872).

Над полотном «Гармония в сером и зеленом. Мисс Сесили Александер» (1872–1874) Уистлер работал в продолжение 70 сеансов. Это самый очаровательный и самый изящный портрет художника.

«Характеру юной грациозной девушки с капризно-печальным выражением лица, легкой, как порхающие над ее головой бабочки, и хрупкой, как стебельки изображенных рядом с ней полевых цветов, точно соответствует изысканное сочетание серых и зеленоватых тонов, в которых решен портрет, хотя художник ввел сюда и золотистые тона, — пишет Н.

Кирдина. — Золотой полоской заканчивается черная панель; бантики на туфлях закреплены крошечными золотыми пряжками; волосы заколоты золотой булавкой; золото мы находим и в драпировке, брошенной на стул, и в узоре циновки на полу: картина написана широкими, свободными мазками.

Тончайшие сочетания палевых, серых, серовато-зеленых, серовато-розовых оттенков великолепно передают и легкость одежд, и теплоту просвечивающего сквозь материю тела, и мягкость волос. Завершающий штрих этого портрета — подпись самого художника, напоминающая бабочку, окруженную овалом.

И хотя портрет писался долго, кропотливая работа художника скрыта за блестящим артистизмом исполнения».

К этому времени технические приемы художника уже сложились. Сиккерт пишет:

«Техника Уистлера очень проста. Некоторые из ранних вещей… были на обыкновенном грунтованном светлом холсте. Позднее он предпочитал специально подготовленный холст, более грубый и тонированный обычно серым…

Начиная портрет он сначала тщательно готовил подбор тонов. Палитрой ему служила поверхность овального стола, на котором ему было удобно смешивать краски. Затем он писал прямо без подмалевка.

После сеанса он собирал остатки красок со стола мастихином и опускал в блюдце или блюдо с водой, чтобы пользоваться ими на следующий день… Чтобы «не загружать холста», по его выражению, ему нужно было принимать ряд предосторожностей.

Здесь не трактат по технике живописи, и достаточно сказать, что метод Уистлера не подходил для писания больших картин, требовавших многих сеансов. Это был метод «алла прима», при котором фактически картина прописывалась заново на каждом сеансе…»

Созданная в 1875 году художником картина «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» стала неожиданно причиной громкого суда. Известный критик Д. Рескин обвинил Уистлера в том, «что он швырнул в лицо публике горшок с краской». Уистлер привлек критика к суду за диффамацию и оскорбление.

Сказавшийся больным, Рескин прислал вместо себя на суд двух лордов, которых Уистлер, одаренный блестящим остроумием, смог совершенно уничтожить. Но судебный процесс, хотя и выигранный художником, привел к его полному разорению.

В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции.

В том же году Уистлер уехал из Лондона в Венецию, заключив договор с Обществом изящных искусств о создании серии из двенадцати офортов этого знаменитого города.

Ему приходилось в Италии очень туго, и иногда он попадал в тягостное положение из-за отсутствия денег, но художник хранил все созданное, собираясь сделать хорошую выставку по возвращении в Лондон.

И действительно, выставка венецианских работ прошла с большим успехом, что, впрочем, лишь увеличило враждебность со стороны критики.

«…В самом художнике произошел душевный надлом, — считает В. Барашкова. — По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит. Но ушла сила, чаще встречаются композиционные повторы, погрешности в рисунке фигур порой назойливо напоминают о себе.

Не меньше своих картин Уистлер ценил свои работы декоратора. К сожалению, сохранился лишь интерьер знаменитой «Павлиньей комнаты» — столовой в доме Лейландов. Работая почти без эскизов, Уистлер создал нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века.

«…Уистлер не переносил одиночества — до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят, один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл «первым эстетом», зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду — его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной жизни Уистлера…

Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь.

Позднее он посвятил «Изящное искусство создавать себе врагов» «тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих»… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи вынужден к этому.

А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).

Умер Уистлер в Лондоне 17 июля 1903 года.

• Гармония в сером и зеленом, Music Room
• Гармония в голубом и серебристом
• Аранжировка в сером и черном
• Симфония в голубом и розовом
• Черный и красный или черный и золотой

Вариации телесного и зеленого цвета. Балкон. 1865.

1. Nocturne in Black and Gold, The Falling Rocket
2. Розово-серый ноктюрн. Портрет леди Мё

«Каприз в пурпурном и золотом». Масло. 1864

• Красное и черное
• Композиция в белом и черном

Шторм. Закат.

1. Фиолетовый и розовый
2. Ноктюрн в голубом и серебристом; лагуны, Венеция

Симфония в сером и зелёном. Океан.

• Композиция в сером и чёрном
• Композиция в черном и желтом. Портрет леди
• Красный и черный
• Battersea Reach from Lindsey Houses
• Гармония в желтом и золотом с девушкой Конни Гилкрист
• Гармония в синем и серебряном. 1865
• Аннабель Ли
• Синий и серебряный Трувиль
• Ноктюрн в синем и золотом Старый мост в Баттерси
• Ноктюрн в синем и серебряном
• The Little Rose of Lyme Regis
• Arrangement in Light Pink and Black: Portrait of Théodore Duret
• The Greek Slave
• Portrait of George W. Vanderbilt
• Художник в студии

«Symphony in Flesh Color and Pink. Portrait of Mrs. Frances Leyland»

1. Леди Мокс. Аранжировка в черном
2. Peacock Fight

Побережье Бретани. 1861 г.

«The Last of Old Westminster». 1862.

• Pink Note The Novelette
• Nocturne Blue and Gold Southampton Water
• The Japanese Dress 1888-90 г.г
• Head of a Young Woman
• Nocturne Blue And Gold

http://murzim.ru/jenciklopedii/100-velikih-hudozhnikov/16605-dzheyms-uistler.html

http://www.jameswhistler.info/

http://www.liveinternet.ru/users/astrahanka/post131243160/

http://www.all-art.org/neoclasscism/whistler1.html

Источник: https://art.mirtesen.ru/blog/43746347170/prev

Хиффернан, Джоанна — это… Что такое Хиффернан, Джоанна?

Джоанна Хиффернан (коротко — Джо) (англ. Joanna Hiffernan) (ок. 1843 — после 1903) — ирландка, которая с 1861 по 1868 служила моделью Джеймсу Уистлеру и Гюставу Курбе.

Она была излюбленной моделью Уистлера и его возлюбленной.

Самые известные полотна на которых изображена Джо — «Симфония в белом №1, девушка в белом», «Симфония в белом №2», «Симфония в белом №3» Уистлера, а также «Прекрасная ирландка» и «Спящие» Курбе.

Жизнеописание

Отношения с Уистлером

Джоанна Хиффернан была дочерью ирландца Патрика Хиффернана и его жены Катерины Хиффернан, которая умерла в 1862 году. Уистлер впервые повстречал Джоанну в одном ателье в Лондоне у Ратбоун-Плейс.

Впервые она стояла у Уистлера в качестве модели для его портрета «Симфония в белом №1, девушка в белом» в его парижском ателье на бульваре Батиньоль.

В течение следующих шести лет она была его возлюбленной и моделью.

В одном из писем к Анри Фантин-Латуру в 1861 году Уистлер так описал Джоанну и невозможность её писать в то время как он работал над своим полотном «Воппинг»:

Я пытался придать ей выражение! на самом деле, мой друг! действительно выражение — если бы я только мог описать ее голову — у нее прекраснейшие волосы из тех, что ты когда-либо видел! рыжие, не золотистые или медные — как венецианка в моих мечтах! — кожа золотисто-белая или желтая, если ты этого желаешь…

Мать Уистлера и его родня были несчастливы от его связи с Джоанной, поскольку в их глазах незамужняя женщина, служащая моделью художнику — по распространенному мнению того времени означающему обнаженной — считалась проституткой. Мать предлагала художнику с помощью наследства одной из теток придать существованию Джоанны более независимую основу. При посещении матерью Уистлера в Лондоне Джоанна Хиффернан даже на время выезжала из их совместного жилья.

Джо и Гюстав Курбе

Гюстав Курбе: Спящие, 1866, Малый дворец, Париж

Уистлер боготворил Джоанну Хиффернан, в первую очередь её внешний облик и рыжие волосы, которые закрепили за ней прозвище огненная Джо. На его отношение к ней не могли повлиять ни его семья, ни друзья со знакомыми. Возможно, что его драка в 1863 году с художником Альфонсом Легро была так или иначе связана с Джо. В 1865 году он познакомил её в Трувилле с Гюставом Курбе, который в том же году написал полотно «Прекрасная ирландка» и эскиз «Портрета Джо».

В 1866 году, когда Уистлер был в Вальпараисо, он поручил Джоанне Хиффернан продать свои картины. Она называла себя в ту пору миссис Абботт, по имени Уистлера. В том же году Джоанна прибыла в Париж, чтобы быть моделью для одной из обнаженных женщин на эротическом полотне Курбе «Спящие». Вероятно у неё в то время был роман с Курбе. После возвращения из Вальпараисо Уистлер оставил её.

Свидетельства о Джоанне после ее разрыва с Уистлером

Джоанна жила несколько лет в Лондоне, говорили, что она присматривала за внебрачным сыном Уистлера Джоном — о котором ничего более неизвестно, возможно он никогда не существовал. Кроме этого биограф Вальтер Гривз упоминает также Сына Уистлера по имени Гарри, существование которого также документально не подтверждено.

Сын Уистлера — Чарльз Хансон Уистлер родился 1870 году от Луизы Фанни Хансон и жил короткое время с Джоанной Хиффернан у её сестры Бриджет Агнес Хиффернан. Во время путешествия Уистлера в Венецию вместе с его тогдашней возлюбленной Мод Франклин летом 1880 Джоанна Хиффернан присматривала за его сыном.

В этом же году Уистлер послал сыну письмо в котором передавал привет тете Джо.

О жизни Джоанны Хиффернан после 1880 года известно немного.

Жена Курбе Жюльетт упоминает в письме от 18 декабря 1882 года, что она встретила в Ницце прекрасную ирландскую девушку, которая продавала предметы антиквариата и некоторые картины Курбе.

Последнее упоминание о Джоанне Хиффернан относятся к Чарльзу Фреру, который после смерти смерти Уистлера видел как одна женщина пришла и провела около часа у гроба с телом покойного. По глазам и волосам он узнал в ней Джо.

Полотна

Уистлер: Симфония в белом

Джеймс Уистлер во время их совместной жизни много раз писал Джоанну и делал с неё зарисовки; помимо этого она появлялась на его полотнах в виде различных женских персонажей. Самые знаменитые полотна, на которых изображена Джоанна, — три картины, известные как Симфонии в белом.

Курбе: Прекрасная ирландка

Гюстав Курбе: Портрет Джо, 1865, музей Метрополитен, Нью-Йорк

Гюстав Курбе написал Джоанну Хиффернан в первый раз осенью 1865 года, когда она вместе с Уистлером прибыла в Трувилль на побережье Нормандии. Курбе жил в одном из апартаментов в казино и давал частные уроки живописи. В этом году он создал полотно «Прекрасная ирландка» — портрет, на котором Джо изображена с зеркалом в левой руке и теребящей волосы правой. Рыжие живые волосы модели очень хорошо переданы художником и приковывают внимание зрителя. Курбе изготовил четыре копии полотна, находящиеся сегодня в различных музеях. В этом же году он написал второй портрет Джо под названием Портрет Джо, в этот раз с убранными назад волосами.

В 1866 Курбе создал свое знаменитое эротическое полотно «Спящие», одной из моделью для которого была Джоанна Хиффернан. Обе женщины на картине обнажены и лежат обнявшись на застеленной белой простыней постели, в результате чего сцена, предстающая перед зрителем, кажется сценой лесбийской любви. Разорванное жемчужное ожерелье и пришедшая в беспорядок простыня только усиливают это ощущение.

Гюстав Курбе: Происхождение мира, 1865, музей Орсе, Париж

Не существует единого мнения по поводу того, являлась ли Джоанна Хиффернан моделью для скандальной картины Курбе «Происхождение мира». Созданное по заказу турецкого дипломата Халил-Бея полотно изображает покрытую волосами вульву полуобнаженной женщины, которая, раздвинув бёдра, лежит на кровати.

Угол зрения выбран так, что лица женщины не видно, видны только её живот и грудь с торчащим соском. Полотно было создано художником в том же году, что и «Спящие», когда Джо была любимой моделью художника, так что версия о том, что Курбе использовал Джоанну в качестве модели, кажется вполне правдоподобной.

Однако не существует фактов, подтверждающих эту гипотезу, и черные волосы на лоне женщины заставляют многих критиков сомневаться в их принадлежности рыжеволосой Джо.

_  Живопись   Ирландия   Персоналии

Источник: https://dic.academic.ru/dic.nsf/ruwiki/345683

NeWestMuseum Музей нового западного искусства

Будущий художник родился в семье инженера-конструктора Джорджа Вашингтона Уистлера и Анны Матильды Макнейл. В 1842 году Уистлер-старший как военный инженер был приглашен Николаем I в Россию на строительство железной дороги Петербург — Москва. Спустя год к нему присоединилась семья.

В Санкт-Петербурге Джеймс посещал уроки рисования в Императорской Академии художеств. Президент Шотландской академии художеств Уильям Аллан, прибывший тогда в Петербург для работы над картиной, посвященной жизни Петра I, заметил у мальчика особенный талант.

В 1847 году мать Джеймса, опасаясь начавшейся эпидемии холеры, была вынуждена уехать с детьми к родственникам в Лондон. Оставшийся в Петербурге Уистлер-старший скончался от болезни в 1849 году, и семье пришлось вернуться в США.

Перебиваясь случайными подработками, он некоторое время служил картографом в Береговой охране США, но затем нашел это занятие весьма скучным, о чем свидетельствовали его рисунки русалок и морских чудовищ на полях карт.

В 1855 году, окончательно решив посвятить себя искусству, Уистлер отправился в Париж. Он брал уроки живописи у Шарля Глейра, копировал полотна старых мастеров в Лувре.

Уистлера особенно привлекали произведения Рембрандта и Веласкеса: его первый автопортрет («Портрет Уистлера в шляпе», 1858) своим темным колоритом во многом обязан работам голландского мастера.

В Лувре Уистлер познакомился с Анри Фантен-Латуром, Эдуардом Мане и Гюставом Курбе, произведениям которого он некоторое время подражал.

Джеймс Эббот Макнейл УистлерСимфония в белом, № 1: Девушка в белом1862Холст, масло. 213х107,9 смНациональная Художественная Галерея, Вашингтон

Одна из первых представленных публике работ художника («У рояля», 1859) была воспринята неоднозначно: Салон отверг картину, зато представленная в Королевской академии в Лондоне, она снискала похвалу критиков. Уистлер, хотя и запечатлел на ней своих родственниц, но основное внимание сосредоточил на отношениях тонов, на переходах от черного к белому.

Проведя год в Лондоне, Уистлер вновь ненадолго вернулся в Париж. Его знаменитая картина «Симфония в белом № 1. Девушка в белом» (1862) была отвергнута жюри Салона и перешла в экспозицию Салона отверженных 1863 года, где наряду с «Завтраком на траве» Мане обрела скандальную известность.

Он стал искать перекличек своей живописи с музыкой, называл свои работы аранжировками, ноктюрнами и симфониями, настаивал на своей позиции: «Прежде всего мы должны помнить, что аранжировка красок и тонов в искусстве аналогична композиции в музыке и совершенно независима от изображения фактов».

Неприученная к подобному восприятию критика продолжала усматривать в произведениях Уистлера скрытую символику. Так, например, «Девушку в белом» она посчитала аллегорией непорочности, тогда как действительным содержанием картины были тонкие тональные отношения.

В подобной же оптике следовало рассматривать и такие картины художника, как «Гармония в зеленом и розовом. Музыкальная комната» (1861), «Аранжировка в сером и черном № 1. Портрет матери» (1871), а также пейзажи, исполненные после поездки в Чили («Ноктюрн в синем и зеленом»,1871; «Ноктюрн в голубом и золотом: Старый мост Баттерси»,1872).

Как и многие продвинутые художники того времени, Уистлер интересовался культурой Востока. Его увлеченность китайским и японским искусством проявилась в полной мере в оформлении интерьера «Павлиньей комнаты» (получившей название по украшавшим ее панно с павлинами), располагавшейся в доме Фредерика Лэйленда.

В 1877 году британский магнат пригласил Уистлера доработать и «добавить штрихи» к незавершенной столовой, где располагалась коллекция китайского фарфора.

Посчитав, что антикварные кожаные обои, привезенные в Англию еще Екатериной Арагонской и обошедшиеся Лэйленду в немалую сумму, плохо сочетаются с его собственной картиной «Принцесса из Фарфоровой страны», созданной специально для этой комнаты, Уистлер их попросту перекрасил. Эта «Гармония в голубом и золоте» (другое название интерьера) привела заказчика в ярость, однако она стала наиболее рафинированным выражением «японизма» в британской культуре и настоящим шедевром интерьерного и декоративного искусства, предвосхитив искания стиля модерн.

Новаторство Уистлера вызывало раздражение не только у состоятельных невежд, но и у весьма почтенных художественных критиков. Так в ответ на оскорбительное заявление тогдашнего арбитра вкуса Джона Рескина (по поводу картины «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» тот высказался: «…художник брызнул краской из горшка в лицо публике…») Уистлер подал на него в суд.

Исполнив заказ на создание в Венеции серии гравюр и сотни акварелей, Уистлер не только поправил свое финансовое положение, но и был избран президентом Общества английских художников.

Источник: http://www.newestmuseum.ru/data/authors/u/whistler_jam/index.php