Картина «отдых», 1911, джон сингер сарджент

?

kolybanov (kolybanov) wrote, 2018-07-09 17:10:00 kolybanov kolybanov 2018-07-09 17:10:00 Category: Автор — Feigele. Это цитата этого сообщенияХудожник Андерс Леонард Цорн (1860-1920)

  • Художник Андерс Леонард Цорн
  • (1860-1920)
  • Картина Андерс Цорн. Портрет миссис Люси Тернер Джой, 1897
  • Картина Андерс Цорн. Портрет дамы

Андерс Леонард Цорн (швед. Anders Leonard Zorn) — знаменитый шведский живописец, график и скульптор. Оказал большое влияние на развитие русского изобразительного искусства.  В свое время «русским Цорном» называли Валентина Серова, Константина Коровина и многих других.

Особенности творчества художника Андерса Цорна: Цорну присуща размашистая манера, крупный мазок и глубокое проникновение в характер модели, что делало его одним из самых востребованных портретистов своего времени и позволяло Цорну считаться «своим» и среди импрессионистов, и среди приверженцев реализма старой школы.

Картина Андерс Цорн. Автопортрет, 1882

Среди добродетелей шведского художника Андерса Цорна никогда не было умеренности. Он дышал полной грудью, брал от жизни все, что она могла ему предложить, а иногда и немного сверх того. Он не экономил ни денег, ни красок, ни сил. Если Цорн плясал, то до упаду. Если пил, то до утренних петухов.

Его кисть была легка. Ему, вообще, многое давалось легко. К примеру, Цорн удивительно быстро находил общий язык с самыми разными людьми — миллионерами, королями, президентами, крестьянами, служанками (в особенности с хорошенькими). Он любил и умел жить. Должно быть, в этом и заключался его секрет: полотна Цорна не просто полны жизни, они брызжут ею, заражая желанием жить все вокруг.

Картина Андерс Цорн. Автопортрет

На несколько долларов больше

Андерс Цорн родился 18 февраля 1860 года в пригороде Мура в шведской провинции Даларна. Его отец, местный пивовар, не был женат на матери, и Андерс его практически не знал.

Он рос на фамильной ферме, принадлежавшей родителям матери, совмещая учебу с нелегким крестьянским трудом. Интереса к каким-либо наукам Андерс не проявлял и учился довольно скверно.

Впрочем, уже в начальной школе стал заметен его художественный дар: юноша ловко вырезал фигурки из дерева, и мать рассчитывала, что он станет как минимум краснодеревщиком.

Картина Андерс Цорн. Портрет Марии Ольс, 1918

Картина Андерс Цорн. Miss Law Картина Андерс Цорн. Портрет миссис ХовеАндерс Цорн. Портрет миссис Уолтер Рэтбоун Бейкон, 1897

В 15 лет Андерс Цорн поступил в школу при Королевской академии изящных искусств в Стокгольме, а четыре года спустя — в саму Академию. Против ожиданий, скульптура не слишком его увлекла. После выставки Эгрона Лундгрена, которую Цорн посетил в 1876-м, он заболел акварелью.

Чтобы свести концы с концами в голодные студенческие дни, Андерс Цорн писал на заказ. Так он познакомился с Эммой Ламм — девушкой из богатой еврейской семьи, чей портрет был заказан ему в 81-м.

Эмма была хорошо образована, она говорила на нескольких языках, обладала изысканными манерами, живо интересовалась искусством. В том же году Андерс и Эмма обручились.

Помолвка была тайной: Эмма Ламм не была уверена, что ее родственники — текстильные короли и потомственные снобы — придут в восторг от отношений с нищим художником, да к тому же бастардом.

Андерс Цорн. Портрет Эммы Ламм, жены художника. 1881

Андерс Цорн. Портрет Эммы Цорн, жены художника. 1887

Со временем выяснилось, что Эмма сделала верную ставку. Цорн сделался большой знаменитостью — сначала в Стокгольме, затем в Лондоне, Париже, в России и в США. С годами его слава и его гонорары неуклонно росли.

Он регулярно получал медали на самых престижных выставках, однако куда важнее было то, что Цорн был модным художником. Нечастый случай: спрос на него при жизни был выше, чем после смерти. Миллионеры, президенты, члены монарших семей и светские львицы — все хотели, чтобы их написал Андерс Цорн.

В одном из американских журналов в 1901-м подсчитали, что только портретами Цорн зарабатывал 15 тысяч долларов в неделю.

Андерс Цорн. Портрет Эммы в парижской студии. 1894

Андерс Цорн. Портрет антиквара Альфреда Берделе, 1906

And the Oscar goes to…

Своей популярностью Цорн искренне наслаждался. Собираясь в Стокгольм, он не упускал случая с провинциальной непосредственностью обронить жене (и особенно — ее надменным родственникам) что-нибудь вроде: «Оскар просил, чтобы я написал его портрет», имея в виду короля Швеции Оскара II.

Притом благоговейного трепета перед знатными заказчиками Цорн никогда не испытывал. Того же Оскара IIон убедил отказаться от орденов и парадного мундира, объяснив это тем, что ему интересен характер, а не золоченые побрякушки.

Высокомерному Рокфеллеру, посулившему Цорну на доллар больше, чем ему заплатил президент Тафт, отказал вовсе. Когда Савва Мамонтов спросил, почему на его портрете Цорн не сделал ни одной пуговицы, тот ответил: «Я — художник, а не портной». В этом не было ни капли заносчивости.

Цорна в самом деле интересовали характеры, а не пуговицы или ордена — именно этот интерес делал его героев живыми, а самого Цорна — невероятно востребованным портретистом.

  1. Андерс Цорн. Портрет Изабеллы Стюарт Гарднер в Венеции, 1894
  2. Андерс Цорн. Омнибус, 1892

Андерс Цорн. МаргаритаАндерс Цорн. Ночной эффект

Свой среди своих

Нужно сказать, что фамилию Цорн произносили с придыханием не только галеристы и состоятельные заказчики — коллеги ценили его не меньше.

О нем с восхищением высказывались Джеймс Уистлер и главный конкурент в жанре портрета — Джон Сингер Сарджент. Главными географическими очагами «цорнопоклонничества» были, пожалуй, США и Россия.

Достаточно сказать, что российские арт-критики упрекали в «цорнизме» и Коровина, и Серова, и Архипова, и Малявина, и многих других.

В 1897-м Цорн приезжал в Россию. В Москве сходил на Шаляпина и в галерею к Третьякову.

В Петербурге показал 27 работ на организованной Дягилевым выставке скандинавских художников и, удовлетворенно посмеиваясь в свои роскошные усы, посмотрел, как Репин провозглашает тосты за «Паганини живописи» и «первого художника-виртуоза Европы» на банкете, который в честь Цорна закатили Дягилев с Мамонтовым*.

Также в Петербурге Цорн дал сеанс написания обнаженной натуры в Академии художеств — поразив зрителей скоростью, энергичностью письма, небольшим количеством используемых красок и огромной широкой кистью. К этому времени уже вполне сформировалась та стремительная и размашистая манера, за которую Цорна причислят к импрессионистам.

Андерс Цорн. Портрет Саввы Мамонтова

Андерс Цорн. Ванная комната, 1888Андерс Цорн. Купающаяся девушка, 1894Андерс Цорн. Свидание, 1887

Константин Коровин, друживший с Цорном, вспоминал, как однажды их пригласили к князю Голицину — тогдашнему губернатору Москвы:

«За большим круглым столом расположились гости за чаем.

— Теперь такая живопись пошла, — говорила одна дама. — Ужас! Все мазками и мазками, понять ничего нельзя. Ужасно. Я видела недавно в Петербурге выставку. Говорили, это импрессионисты.

Нарисован стог сена, и, представьте, синий… Невозможно, ужасно. У нас сено, и, я думаю, везде — зеленое, не правда ли? А у него синее! И мазками, мазками… Знаменитый, говорят, художник-импрессионист, француз**.

Это ужас что такое! Вы вот хорошо, что не импрессионист, надеюсь, у нас их нет, и слава богу.

Я смотрю — Цорн как-то мигает.

— Да. Но и Веласкес — импрессионист, сударыня, — сказал он.

— Неужели? — удивились дамы.

— Да, и он (Цорн показал на меня) — импрессионист.

Дорогой до дому Цорн спрашивал меня:

— Это высший свет? Это высший свет?

— Да, — говорю я.

— Как странно.

Цорн молчал. А на другой день утром он собрал свои чемоданы и уехал к себе, в Швецию».

Андерс Цорн. Летние развлечения

Андерс ЦорнАндерс Цорн. Матильда, 1887

Аморально устойчив

Если и было что-то, затмевавшее славу знаменитых цорновских портретов, то это его несметные ню (1, 2, 3). Глядя на эти солнечные жизнерадостные, пропитанные эротизмом и сладострастием полотна, трудно не задаваться определенным вопросом.

Ответ на него вполне очевиден: нет, Андерс Цорн определенно не был святым. Он любил рисовать обнаженных женщин. И самих этих женщин он тоже любил — едва ли Цорн достиг бы таких выдающихся результатов, будь его нравственные устои поустойчивей.

Со стороны брак Андерса и Эммы Цорн казался монолитом: они вместе путешествовали, вместе появлялись на публике и неизменно вместе возвращались домой. Они были партнерами долгие годы. Однако у идиллии было другое дно.

Некоторые биографы считают, что во второй половине девятнадцатого века окрестности города Мура просто кишели незаконнорожденными младенцами. Их матери неизменно говорили местному священнику, что не знают, кто отец.

И при крещении — в зависимости от пола — хотели назвать ребенка Андерсом или Андреа.

Андерс Цорн. Портрет Эдит Пэлгрейв Эдвард в ее лондонской резаденции, 1887

Андерс Цорн. Женщина с сигаретойАндерс Цорн. В трауре

Эмма Цорн была терпеливой женщиной и предпочитала не раскачивать лодку. Она мирилась с неуемным темпераментом Андерса, пока речь шла о служанках и крестьянках.

Впрочем, как минимум однажды она ощутила реальную угрозу, когда Цорн всерьез увлекся Эмили Бартлетт — породистой светской дамой, с которой он познакомился в Париже. Отношения, длившиеся несколько лет, не были секретом для Эммы.

Сохранилась фотография, на которой она играет со своей соперницей в бильярд. Брак устоял и на этот раз — эту партию Эмма выиграла.

Читайте также:  Святое семейство на лестнице, пуссен, 1648

Андерс Цорн. Портрет Элизабет Шерман Камерон

Андерс Цорн. Девочка с собакой, 1884Андерс Цорн. Портрет миссис Ричардс Эбен, 1899

Под стать сексуальным аппетитам Цорна была и его жажда. Вместе с Альбертом Энгстремом — известным карикатуристом, верным другом и преданным собутыльником — Цорн устраивал вполне эпические попойки. Согласно популярной легенде, одна из них даже окончилась немедленной покупкой таверны, из которой Цорна и Энгстрема пытались выставить по причине наступившего рассвета.

Когда в 1922-м в Швеции проходил референдум по поводу сухого закона, Альберт Энгстрем нарисовал плакат, где изобразил рюмку водки, бутылку пива и вареных раков — традиционный шведский стол во время «раковой недели» в августе.

Энгстрем на афише гневно указывал на аппетитных красных раков и провозглашал: «Раки требуют этих напитков. Ты должен от них отказаться, если проголосуешь «за». Противники сухого закона победили тогда с перевесом в 2%. Увы, Энгстрем не смог разделить радость победы со старым соратником.

К тому времени Цорна уже два года как не было в живых.

Андерс Цорн. Сестры Саломон, 1888

Андерс Цорн. Портрет миссис Пилц, 1913Андерс Цорн. Портрет Марты Дана (позднее жена Вильяма Мерсера, 1899

Долгая дорога домой

С момента поступления в Академию Андерс Цорн жил двойной жизнью. Нет, речь не о его многочисленных романах и не про то, как реалист уживался в нем с импрессионистом.

Еще студентом он жил осенью и зимой в Стокгольме, а с наступлением весны возвращался домой в глухую провинцию. И превращался из джентльмена артистической профессии в деревенщину, простака, увальня, чьи интересы космически далеки от салонных споров об искусстве.

Цорн обожал эту простую сельскую жизнь. И став интернациональной знаменитостью, не изменил этой традиции: как бы ни рукоплескали ему столицы мира, он всегда возвращался домой. Верно, когда Цорн отказал в портрете Рокфеллеру, одной из причин была личная неприязнь.

Но главное — Цорн хотел успеть домой на Мидсоммар — Праздник середины лета, который старался не пропускать.

Андерс Цорн. Отдых, 1882

Андерс Цорн. В спальнеАндерс Цорн. Дагмар, 1911

Он был очень привязан к родине (особенно к малой), к матери, к корням.

Американский импрессионист Эдвард Симмонс описывал в своей автобиографии, как Цорн постоянно покупал в европейских столицах дорогие пальто и шубы и отсылал их матери — в конце концов, та накопила полный сундук и с трудом могла закрыть крышку. Цорн не думал о том, куда живущая в глуши старушка пойдет в модных мехах. Он был художник, а не портной.

Андерс Цорн. Музыкант, 1914

Еще в 1888 Цорн приобрел участок земли в Муре и перевез на него старый дом деда, в котором он рос. Постепенно разрастаясь, старый дом превратился в усадьбу Цорнгорден. Здесь Андерс Цорн оборудовал одну из своих мастерских. Здесь, в Муре он умер в возрасте 60 лет 22 августа 1920 года.

Андерс Цорн. Портрет презилента США Гровера Кливленда, 1899

После смерти художника усилиями Эммы Цорн усадьба была преобразована в музей. Сегодня здесь экспонируются предметы искусства, которые Цорн собирал всю свою жизнь, и, конечно, картины самого Цорна. Картины, которые брызжут светом, энергией и жизнью. Картины, увидев которые, кто-нибудь, наверняка, захочет назвать ребенка Андерсом или Андреа.

Примечания:

* Существует заблуждение насчет портрета Саввы Мамонтова кисти Цорна из коллекции Пушкинского музея — будто он был написан во время визита художника в Россию в 1897-м, на одном из публичных сеансов живописи, которые он тут устраивал.

На самом деле портрет Мамонтова был создан годом ранее, в Париже. А в России Цорн писал коллекционера и мецената княгиню Марию Тенишеву. Дягилев сообщал в письме Бенуа: «На днях жду к себе Zorn’a, Thaulow и Edelfelt.

Представь себе, первые два остановятся у меня! Княгиня [Тенишева] заказала Zorn’у портрет». Портрет этот Цорн так и не закончил.

** Речь, конечно, о Клоде Моне и выставке французских импрессионистов, которая прошла в Москве в 1895-м году. Выставка эта, между прочим, оказала серьезнейшее влияние на дальнейшее развитие искусства.

Один юрист, посетив ее, решил завязать с юриспруденцией и уехал в Германию учиться живописи. Это был Василий Кандинский.

Его на московской выставке импрессионистов тоже впечатлили «Стога сена» Моне: а именно картина (речь, вероятно, об одной из двух — этой или этой), которая возмутила и восхитила его тем, что он не смог понять, что на ней изображено, пока не заглянул в каталог.

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Источник: https://kolybanov.livejournal.com/19773280.html

Читать онлайн Национальная галерея искусства Вашингтон страница 8. Большая и бесплатная библиотека

Уинслоу Хомер (1836–1910) Порыв ветра 1873–1876. Холст, масло. 61,5×97

Основные достижения американского искусства второй половины XIX века во многом связаны с именем художника Уинслоу Хомера, который наряду с Томасом Икинсоном был ведущим представителем реалистической живописи. В молодости Хомер учился литографии, работал иллюстратором.

Первые значительные работы — рисованные репортажи с фронтов Гражданской войны — он публиковал в нью-йоркском журнале «Harper's Weekly». Формат издания требовал ясных, лаконичных, но вместе с тем эффектных рисунков.

Элемент иллюстративности и графичности можно обнаружить и в живописи автора.

Несмотря на ограниченность выразительных средств, Хомер в своих произведениях прекрасно передавал настроение. Написанная в тот же год, что и роман Марка Твена «Гекльберри Финн», картина отображает свойственное детству атмосферу счастья, свежего летнего дня.

В накренившейся под порывом ветра парусной лодке рыбак и трое мальчиков, пересев на один борт стараются восстановить равновесие. Сюжет навевает мечты о плавании, приключениях и дальних неизведанных странах, но в то же время это рыбачье суденышко и люди, смотрящие куда-то вдаль, передают чувство одиночества человека в бескрайнем море.

Художник изображал реальные сцены с такой живостью и мощью, что зритель, рассматривающий полотна, проникался их настроением.

Картина

Джон Сингер Сарджент (1856-1925) Отдых 1911. Холст, масло. 63,8×76,2

Джон Сингер Сарджент — американский художник-космополит, много работавший в Европе. Он приобрел славу наиболее выдающегося портретиста «belle epocque» — «прекрасной эпохи».

Одним из лучших произведений Сарджента является «Отдых». Работая над этой картиной, он словно радовался возможности продемонстрировать виртуозность кисти.

В своих близких по технике исполнения к импрессионистам портретах живописец стремился передать впечатление видимых предметов, разнообразие теней и изменчивость цвета.

Художник с особой любовью выписывает сложно задрапированную накидку с орнаментом модели и распределение света на объемном платье, добавляя цветовые рефлексы сине-серого тона.

В этой работе, созданной для себя, Сарджент абсолютно свободен от той ответственности, которую чувствовал, когда писал заказные портреты. Название произведения и вольная поза героини, прилегшей отдохнуть на диване, в каком-то смысле показывает это. Выполняя портреты богатых и известных персон, мастер постоянно шел на компромисс, стараясь изображать людей не такими, какими они были, а какими хотели себя видеть.

Картина

Рой Лихтенштейн (1923–1997) Мазок 1965. Цветная шелкография. 58,4×73,6

Американский художник Рой Лихтенштейн — один из ярких представителей направления поп-арт в искусстве. Его работы, стилизованные под комиксы, безошибочно узнаваемы. Мастерам поп-арта свойственно изображать известный, растиражированный образ массовой культуры в ином контексте, чтобы он приобретал другой смысл.

Лихтенштейн пересмотрел отношение к мазку кисти.

Если с помощью мазка создавалось произведение искусства, то почему он сам не может стать предметом живописи? Почему мазок нельзя не просто нанести, а именно изобразить, показать его как первооснову творчества художника? Так на свет появилась целая серия работ, представляющая живописные мазки.

Стоит оговориться, перед зрителем — не сам мазок, автор делает его изображение, презентацию. Чистый желтый цвет мазка без каких-либо оттенков формируется с помощью растровых точек, а тело мазка резко ограничивает черный контур. Так Лихтенштейн закрепил за живописным мазком высокое звание достойного мотива для картины.

Искусство Франции

Картина

Мэри Кассат. Девушка, укладывающая волосы. 1886

Картина

Никола Пуссен (1594–1665) Святое семейство на лестнице 1648. Холст, масло. 68,7×97,8

Основоположник классицизма во французской живописи XVII столетия, Никола Пуссен вдохновлялся античностью, искусством Рафаэля и Тициана.

Своими произведениями он старался привнести в господствовавший парадный барочный стиль классическую, строгую сдержанность, чистый, сияющий свет.

Лестница, на которой расположилось Святое семейство, нереальна, она существует в другом, внеземном пространстве, а образы излучают гармонию и спокойную, созерцательную красоту. В самом центре композиции — акцент на яблоко, протянутое Младенцу Иисусу маленьким Иоанном.

Мария держит Сына, одновременно демонстрируя и оберегая Его, она — священная опора и преграда. Христос тянется к двоюродному брату, Иоанну Крестителю, мать которого, святая Елизавета, созерцает Его.

Фигуру Мадонны уравновешивает сидящий в тени святой Иосиф, яркий свет падает лишь на ступню его выпрямленной ноги.

В картине много иносказательных элементов, на первый взгляд кажущихся случайными: поднесенная Святому семейству корзина с фруктами символизирует земное плодородие, апельсиновые деревца — искупление грехов и начало новой жизни.

Рядом со святым Иосифом — классическая ваза, напоминающая об античной Греции, ларец — намек на драгоценные дары восточных волхвов.

Композиция устремляется ввысь благодаря настойчивым вертикалям и подчеркнутым горизонталям каменных ступеней — от первых к колоннам и балюстраде портика, открытого в бесконечное небо.

Читайте также:  Картина "самсон и далила", рубенс, 1609

Картина

Жан Антуан Ватто (1684–1721) Итальянские комедианты. Около 1720. Холст, масло. 63,8×76,2

Художественное наследие Ватто, создателя жанра «галантных праздников», невозможно представить без театральных сценок с персонажами комедии дель арте. Вероятно, эта картина — одна из самых поздних композиций с актерами, исполненных живописцем.

Она немного перегружена фигурами, в ней не ощущается строгая сдержанность «Жиля» и «Мецетена». Но эта работа в какой-то степени — групповой портрет комедиантов. Посередине маленькой сцены стоит Жиль, у ног которого лежит гирлянда роз.

Чувствуется, что этот большеротый и носатый герой реален, он только что сбросил простодушное выражение своего персонажа и явил публике естественное, усталое лицо. Он привлекает внимание товарищей по группе, на него также указывает рука актера, исполняющего роль Арлекина.

Вокруг Жиля строится все действие, теснятся другие артисты. В картине пятнадцать фигур, представляющих все маски — тут и Мецетен, и Коломбина, и Панталоне.

Это торжественный и прощальный выход на бис комедиантов, которых Ватто вызвал из глубины своих воспоминаний, чтобы показать благодарным ценителям искусства и навсегда проститься с ними. В тесной группе старающихся казаться веселыми лицедеев есть что-то бесконечно печальное. Будто они разделяют грусть, которую испытывает зритель, знающий, что перед ним — последняя театральная композиция мастера.

Картина

Франсуа Буше (1703–1770) Портрет мадам Бержере 1766. Холст, масло. 143,5×105,4

Придворный художник французского короля Людовика XV и любимый живописец его фаворитки маркизы де Помпадур, Буше с изящной грацией изображал мифологические и аллегорические сцены с богинями и амурами, столь ценимыми в эпоху рококо.

«Портрет мадам Бержере» — один из интереснейших в творчестве мастера. Точно не установлено, кто изображен на холсте.

Возможно, это одна из трех жен Бержере де Гранкура — коллекционера, обладавшего самым большим собранием картин и рисунков Буше, или же сама маркиза де Помпадур, так как позу «мадам Бержере» автор повторит в ее более позднем портрете, а черты моделей художник всегда идеализировал.

Знатная заказчица позирует живописцу в богатом, переливающемся светлом шелковом платье, лиф украшают букет цветов и объемный голубой бант, цвет которого перекликается с лентами на широкополой соломенной шляпе в ее руке. Произведение построено на сочетании мягких серебристо-оливковых тонов, характерных для живописи XVIII века.

Картина

Источник: https://dom-knig.com/read_188592-8

Художник Стюарт Сатклифф: биография и картины :

В начале 90-х на аукционе в Нью-Йорке, где распродавались вещи, принадлежащие легендарным битлам и архивы фотографа Астрид Кирхгерр, огромная сумма была выложена анонимным покупателем за письмо Стюару Сатклиффу от Джона Леннона и картины маслом, автором которых был Стюарт Сатклифф. Независимо от того, насколько велика потеря этого художника для изобразительного искусства, когда упоминается имя Сатклифф, главным эпизодом его жизни считают время, когда он был «пятым» битлом.

Картина

Семья

Стюарт рос в дружной семье морского офицера Чарльза и школьной учительницы Милли, в окружении сестер Полины и Джойси. Родился он в шотландском Эдинбурге 26 июня 1940 года.

Задатки художника проявились у мальчика в раннем возрасте. Он не мыслил себя без живописи, и после окончания школы в Престоне поступил в художественный колледж Ливерпуля. Именно в колледже произошло его судьбоносное знакомство с Джоном Ленноном. И в этом же колледже остались ценители его таланта художника.

Случайный музыкант

Стюарт Сатклифф и не думал о карьере музыканта. Стью был уже тогда признанным талантом, в отличие от Джона Леннона, который маялся и мечтал о славе музыканта.

Интеллигентный, с обширным кругозором Стюарт и хулиган Джон стали близкими друзьями и даже одно время делили комнату. Стюарт Сатклифф, по воспоминаниям однокурсников, был одержим живописью.

Везде, где только можно, он делает зарисовки, вся комната была усеяна его набросками. Бесшабашный Джон не понимал этого и стремился увлечь товарища своими музыкальными проектами.

Решающим фактором стало приобретение бас-гитары на первый гонорар от продажи картины Стюарта. В басе всего четыре струны, говорил Джон, нечего там уметь играть. Так и случилось – Стюарт Сатклифф стал просто приложением, причем красивым, к шикарной бас-гитаре «Хофнер-Президент». Так он и стал басистом первого состава легендарной ливерпульской группы и был им с 1959 до 1961 год.

Картина

Одаренный художник

Еще в колледже в рамках выставки работ известного художника Джона Муреса в престижной ливерпульской галерее Уолкера картина Сатклиффа «Летняя живопись» была куплена за сумасшедшие деньги – 65 фунтов. Купил ее, кстати, сам Мурес, и это была сумма, равная почти двухмесячной зарплате рабочего.

Ранние работы художника выполнены в стиле послевоенной Британии «Сердитые Молодые Люди» («Angry Young Men»). Фон выбирался мрачный, готическое направление четко просматривается, и грубые мазки, как у Ван Гога, придают полотнам не утонченность, а внутреннюю силу.

После встречи в июне 1961 года с Астрид Кирхгерр и решения Стью оставить музыку и полностью посвятить себя живописи он поступает в Гамбургский арт-колледж искусств, где становится лучшим студентом.

В это время его работы приобретают налет импрессионизма. Абстрактные формы уступают лирическим мотивам, в них выражает свою любовь к Астрид Стюарт Сатклифф.

Картины «Автопортрет» и «Распятие» пополняют галерею Уолкера.

Картина

На протяжении своей жизни он исследует абстракцию, экспрессионистов. Многочисленные рисунки и картины подтверждают рождение таланта, имя которого Стюарт Сатклифф.

Рост его мастерства отмечали его преподаватели, такие как Паолизи и кумир Стью и Леннона Бретби (тот самый, что впоследствии напишет портрет Пола Маккартни в окружении знаменитостей).

Картины Стюарта приобретают динамичность и сохраняют таинственность.

Его картины не имеют названий, он пишет много портретов. Все портреты у Стюарта похожи на наброски, но они открывают душу, четко передают черты лица.

В то самое время, когда Стюарт Сатклифф собирается жениться на возлюбленной Астрид, а его талант получает признание, он внезапно умирает. Так обрывается карьера талантливого двадцатидвухлетнего юноши, который мог стать высокооплачиваемым и знаменитым художником.

Картина

Стюарт Сатклифф: причина смерти

Он умер от кровоизлияния в мозг 10 апреля 1962 году у невесты в Гамбурге. Его долгое время мучили головные боли. Многие связывали их появление с дракой в 1960 году в Литерленде.

Джон Леннон, не стесняясь в выражениях, пояснил пьяным слушателям, что он думает по поводу из замечаний о репертуаре группы. Вслед за этим на сцену полетели бутылки, завязалась драка.

Результат: у Джона Леннона подбиты оба глаза, Питу Бесту и Джорджу Харрисону разбили нос, а Стюарту о голову разбили пару пивных бутылок. Но это была не единственная потасовка, когда Стюарт Сатклифф еще был ее членом.

Позже, много лет спустя, мать Стюарта попыталась начать расследование, но это ни к чему не привело.

Картина

Послесловие

После смерти Стюарта Астрид и Джон стали очень близкими друзьями. Это не удивительно – горечь утраты столь любимого ими человека сблизила ранее не очень любящих друг друга людей. Их сблизил Сатклифф Стюарт.

Художник до последнего дня писал трогательные письма Джону, сопровождал их шаржами и рисунками и подписывал от имени Иисуса Христа. Джон отвечал, подписывая письма от имени Иоанна Крестителя. Астрид Кирхгерр — выдающийся фотохудожник, ей сейчас 74 года.

Она два раза была замужем, но Сатклиффа считает единственным своим возлюбленным.

Наследие короткой жизни

Коллекция картин и рисунков художника сохранена его сестрами.

В ней представлены оригинальные картины, наброски и рисунки, а также фотографии Астрид Кирхгерр, его первая гитара (подаренная в свое время Полу Маккартни) и письма, написанные Джону Леннону.

Выставки коллекции проходили в разных странах. В 2008 году Астрид привозила часть коллекции в Москву и ее могли видеть российские почитатели таланта ливерпульской четверки.

The Beatles почтили память Стью размещением его фотографии на обложке альбома «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» (1967) и «Anthology 1» (1995).

О любовном треугольнике Астрид – Джон – Стюарт снят фильм «Backbeat» (1993).

Режиссер Иан Софтли, славящийся своим прогрессивным стилем, сделал фильм художественно-биографичным, взяв период жизни группы в Гамбурге.

«Пятеро парней, четыре легенды, трое любовников, двое друзей и одна девушка» — этот слоган сопровождал фильм и в российском прокате (в России в прокате шел под названием «Пятый в квартете»).

Картина

Официальный биограф группы The Beatles Хантер Девис напишет о смерти Стюарта Сатклиффа: «Умер самый талантливый из The Beatles». Мы не можем судить, насколько талантливым басистом был Стью, записи есть только на неофициальных архивных пластинках. Но то, что мир потерял талантливого художника, бесспорно.

Источник: https://www.syl.ru/article/309781/hudojnik-styuart-satkliff-biografiya-i-kartinyi

Танцы в живописи

Танец рисовать трудно, точно так же, как трудно зрительно ухватить и передать на холсте любое движение. Однако выразить с помощью кисти душевный порыв танцора, его чувства и эмоции – задача двойной сложности. Возможно, тем самым танец так притягателен для художников, ведь смысл их творчества — запечатлеть прекрасное и вдохнуть в полотно душу.

Картина

Греческая мифология на полотнах многих художников также представлена танцем: от Сандро Боттичелли до Пойнтера.

Великие мастера пропитывали могущественной силой одухотворенного движения свои бессмертные работы, обретая власть над разумом и воображением последующих поколений.

Богини, нимфы, навеки запечатлённые в хороводе, их развевающиеся волосы, их побеспокоенные ветром одежды, замершие в шаге босые ноги хранят в себе музыку, танец, историю, вымысел, саму жизнь.

Читайте также:  Портрет жанны эбютерн, амадео модильяни, 1919

Те, сквозь чьё видение мира мы воспринимаем прошлое, когда-то сами были заворожены живым, наполненным движением танцем, который воплотили в своих произведениях игрой света и тени, пронзительными и приглушёнными оттенками.

В 1911-м году самого Матисса называли безумцем, а его полотна «Танец», «Музыка» и «Купание» вызвали настоящий скандал. Вдохновившись народными плясками, спустя год импрессионист представил «Танец с настурциями».

Сдержанный в выборе цвета, художник писал свое знаменитое полотно всего лишь тремя красками.

Символист Франц фон Штук – художник-самоучка и его «Хоровод роз», австралиец Кунде Ванг с «Танцем монгольской девушки», Ренуар и его полотна «Танец в Буживале», «Танцы в городе» и «Танцы в деревне» — такие непохожие, но объединённые единой целью – воплотить в статике то, что никогда не останавливается, вдохнуть в краски ощущение полёта.

Картина

Танец много значил и для творчества Тулуз-Лотрека. Художник, увлечённый исполнительницей канкана Ла Гулю, создал несколько гениальных полотен, среди которых и знаменитый «Танец в Мулен Руж».

В доступной лишь ему манере, смело экспериментируя, гротескно преувеличивая, мастер изображал мир театров и ночных кафе, их завсегдатаев, и танец, сто лет назад считавшийся вульгарным, сегодня сияет новыми красками, приобретя неожиданное благородство.

Пламенный фламенко особенно часто привлекал внимание художников.

Огонь и страсть, броские цвета, ощущение экзистенциальной черты между жизнью и гибелью – фламенко изображали по-разному, но всегда это была борьба. И как контраст – балет.

Его воздушная утончённость, прозрачно-белые тона, невесомая нежность. Как и в позапрошлом веке, балет сегодня служит вдохновением для многих современных мастеров.

И не только балет, танец вообще — это любимый предмет творчества, который вдохновляет и просит воплощения.

Балы, балет в сельском клубе, танец под звездами, венский вальс – невероятно много сюжетов, неисчерпаемо богата цветовая палитра, неожиданные и спорные картины воплощают танец в работах наших современников.

Владимир Первунинский, например, детально и вдохновенно воссоздает атмосферу дворянских балов.

Пикассо, Лейтон, Мунк, Моро, Альбани – список художников, переносящих танец на холст, можно продолжать и продолжать. Великие и почти забытые, принадлежащие к разным школам живописи, разному времени, они словно умоляли мгновенье остановиться, и оно послушно замирало, готовое отдавать свою красоту вечно…

Источник: http://www.elementdance.ru/headings/tantsy_v_zhivopisi

Читать

Л. Пуликова

Национальная галерея искусства Вашингтон

Официальный сайт музея: www.nga.gov

  • Адрес музея: 4th and Constitution Avenue NW, Вашингтон.
  • Проезд: на метро: Красная линия, остановка «Judiciary Square», Желтая/Зеленая линии, остановка «Archives», Голубая/Оранжевая линии, остановка «Smithsonian».
  • Остановки автобуса: «4th Street», «7th Street», «Constitution Avenue».
  • Телефон: (202) 737 42 15.
  • Часы работы: Понедельник — суббота:10:00–17:00, воскресенье: 11:00–18:00.
  • Галерея закрыта 25 декабря и 1 января.
  • Вход в музей бесплатный.
  • Фото- и видеосъемка: Не разрешается пользоваться треногами, осуществлять съемку тематических выставок.
  • Информация для посетителей: В Галерее не разрешено пользоваться мобильными телефонами, курить, передвигаться на роликовых коньках, трогать руками произведения искусства.

Запрещается выносить еду и напитки за пределы зон кафе. Закрытые бутылки с водой разрешается носить только в сумках.

В Сад скульптуры запрещен доступ с велосипедами, домашними животными и спиртными напитками.

В подземном переходе, соединяющем Восточное и Западное здания, находятся кафе «Cascade», кафе-мороженое, книжный магазин, предлагающий большой выбор изданий по искусству, каталогов выставок и публикаций Галереи, и магазин товаров для детей, представляющий широкий ассортимент книг и развивающих игрушек. Декоративный бассейн с фонтаном, расположенный в центре Сада скульптуры, зимой превращается в каток, а летом — в площадку для ужина под звуки джаза. К услугам посетителей — кафе «Pavilion» со столиками в помещении и на открытом воздухе.

В Галерее регулярно проводятся экскурсии на русском, немецком, французском, испанском, итальянском, японском, китайском, польском, корейском языках. Более подробную информацию можно получить на сайте или в справочном бюро.

Западное здание музея

Восточное здание музея

Министры финансов запоминаются обычно тем, что напрямую связано с их профессиональной деятельностью: один, положим, экономику страны из руин поднял, а при другом, наоборот, какой-нибудь «черный вторник» случился.

Эндрю Меллон, министр финансов США в 1921-1932, вошел в историю как человек, которому обязана своим появлением Национальная галерея в Вашингтоне.

Страстный коллекционер искусства, Меллон предложил построить здание музея, средства на поддержание которого выделял бы Конгресс США, а сам он передал бы туда свое богатейшее собрание.

Ему было важно, чтобы Галерея ни в чем не уступала крупнейшим музеям и не носила чье-либо имя, так как создавалась благодаря многим людям.

На мемориальной доске при входе в Галерею в хронологическом порядке перечислены имена коллекционеров-дарителей, основателей музея. Благодаря их превосходным собраниям, которые они пополняли многие годы, а затем передали в дар, и их щедрым пожертвованиям Национальная галерея в Вашингтоне входит в число лучших музеев мира.

Многие предметы искусства американскими коллекционерами были куплены в Европе в 1920-1930-е, когда из-за войн и революций это можно было сделать на весьма выгодных условиях. Некоторые шедевры попали в собрание Эндрю Меллона из советской России, прямо из экспозиции Эрмитажа (позже он подарил их «народу Соединенных Штатов»).

За «Мадонну Альба» кисти Рафаэля Меллон заплатил более миллиона долларов. Эта сумма почти полвека оставалась рекордной ценой для произведения искусства.

Благодаря деятельности собирателя экспозицию вашингтонской галереи украшают шедевры Веронезе, Ван Дейка, Боттичелли, Перуджино, Тициана — все из бывшего собрания санкт-петербургского музея.

В своем завещании Меллон выразил надежду, что и другие коллекционеры пожертвуют произведения искусства во вновь созданную Национальную галерею, «чтобы они могли доставлять наслаждение всем людям и стали ценнейшим вкладом в культурную жизнь страны».

Его примеру последовали братья Сэмюель и Раш Кресс, подарившие большую коллекцию картин и скульптур итальянской школы, включавшую произведения XIII–XVI веков. Приняв на себя обязанности кураторов Галереи, они также сумели расширить собрание итальянского искусства, сделав его одним из крупнейших в мире.

С их помощью музеем были приобретены коллекции французской живописи и скульптуры XVIII века, несколько небольших собраний раннего немецкого искусства, венецианской и нидерландской живописи.

Из коллекции Питера и Джозефа Уйденеров поступило значительное собрание скульптуры, произведения прикладного искусства, среди живописных полотен, принадлежавших им, выделяются две работы Эль Греко — «Богоматерь со святой Мартиной и святой Инессой» и «Святая Мартина и нищий».

По завещанию в собственность Национальной галереи перешла обширная коллекция работ французских художников-импрессионистов и постимпрессионистов Честера Дейла, который еще при жизни дарил музею превосходные произведения.

Больше тридцати тысяч гравюр, среди которых — Дюрер, Рембрандт, Лука ван Лейден, обогатили фонды благодаря Лессингу Розенвальду.

Интерьер музея

Пол Меллон и Эйлса Меллон-Брюс — сын и дочь основателя Галереи — унаследовали его интерес к собирательству произведений искусства. Пол Меллон предоставил музею свою коллекцию английской живописи, а Эйлса Меллон-Брюс приобрела для него шедевр Леонардо да Винчи «Портрет Джиневры Бинчи», работу Гойи «Портрет графини Чонсон» и множество картин французских художников.

Национальная галерея размещается в двух зданиях рядом с Капитолием. Первое, открытое для публики в 1941, спроектировал выдающийся архитектор Джон Рассел Поп.

Оно построено в стиле классицизма и облицовано мрамором, на фасадах — порталы и монументальные ионические портики, стены украшены нишами и пилястрами.

В центре Галереи Поп поместил ротонду, ее металлический купол располагается на колоннах из темно-зеленого мрамора. Этот корпус Национальной галереи — самое большое в мире здание, облицованное этим дорогим камнем.

В Галерее в отличие от большинства музеев мира принята раздельная экспозиция: картины выставлены в залах живописи, статуи и скульптурные портреты — в других. Стены каждого зала оформлены в стиле той эпохи, произведения которой здесь представлены.

В залах раннеитальянского, фламандского и немецкого искусства они облицованы штукатуркой, в залах позднеитальянской живописи затянуты тканью, в голландских залах с произведениями Рубенса, Ван Дейка и Рембрандта — на стенах дубовые панели… Еще одна интересная особенность — картины развешены на расстоянии вдвое большем, чем принято в других музеях. Это позволяет посетителям сконцентрироваться на каждом полотне или скульптурном произведении.

Новый, Восточный, корпус Галереи, созданный по проекту архитектора Йон Мин Пея, был открыт в 1978. Постоянно растущая коллекция уже к началу 1960-х едва могла вместить новые поступления. Было решено возвести дополнительное здание, предназначенное для современного искусства.

Еще при строительстве первого зарезервировали участок на случай расширения музея. Так как он имел в плане трапециевидную форму, архитектор, разделив фигуру, получил в результате два треугольных здания.

В первом расположились выставочные залы, где проводятся временные экспозиции, во втором — научный центр с библиотекой, фотоархивом и служебными помещениями.

Каждый день в Галерее проводятся несколько типов экскурсий — обзорная (по всему музею), тематическая (по определенному периоду истории искусства) и лекции о какой-либо картине или скульптуре.

Ведется и научная деятельность, уже в 1950-е начались исследования в области художественных материалов. Современные ученые заняты решением проблемы выцветания красок из-за яркого освещения в залах, анализом живописных пигментов и многого другого.

Центр по изучению искусства проводит мероприятия с участием видных европейских и американских ученых и специалистов, конференции и семинары.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=545423&p=8

Ссылка на основную публикацию