Женщина, сидящая в кресле, пикассо, около 1910

Сегодня, 25 октября, в испанской Малаге родился Пабло Пикассо, один из самых ярких, влиятельных и «дорогих» художников XX века.

За свою долгую жизнь, прервавшуюся на 92-м году, он создал около 20 тысяч работ, не говоря о десятках тысяч подражателей, чьими полотнами и сегодня наводнен арт – рынок.

По случаю дня рождения великого мастера редакторы Fancy Journal подготовили подборку из 15 его наиболее известных полотен.

«Любительница абсента», 1901

«Девочка на шаре», 1905

В 1897-м году Пабло, сын учителя рисования, приобщившего мальчика к живописи, поступил в Королевскую академию изящных искусств в Мадриде. Вскоре юноше стало скучно, и он отправился в самое сердце художественной жизни Европы – в Париж.

Здесь он оседает в богемном Монмартре, меняет незвучную отцовскую фамилию Руис на запоминающуюся материнскую Пикассо и начинает активно писать. Этот период творчества художника принято называть «кубическим». Суть этого художественного метода сводилась к отрицанию традиции натурализма.

Пикассо уделял особое внимание трансформации привычных форм в разновеликие геометрические блоки.  

«Гертруда Стайн», 1906

«Женщина в сорочке, сидящая в кресле», 1913

«Портрет Вильгельма Уде», 1910

В 1916-м Пикассо привлекают к работе над художественным оформлением балета «Парад» для «Русского балета» Дягилева. Пабло не на шутку увлекся, погрузившись в работу не только над костюмами и декорациями, но над сценарием и сценографией.

Результат, казалось, превзошел все ожидания (хотя многие критики восприняли неоднозначно новаторские идеи создателей), и следующие месяцы художник вместе с труппой Дягилева провел на гастролях в Риме.

Там же он познакомился с балериной Ольгой Хохловой, ставшей спустя год его супругой.  

Ольга Хохлова и Пабло Пикассо, 1919

Период 1920-х – конец 30-х принято называть «сюрреалистическим» этапом творческой жизни художника. В эти годы он создает абстрактные произведения, зачастую доведенные до абсурда.

В 1937-м была закончена «Герника», масштабная картина, ставшая отражением отношения Пикассо к бомбардировками одноименного городка в Стране Басков.

Тревожное предвкушение войны станет лейтмотивом следующих семи лет.

«Герника», 1937

С окончание Второй мировой обрел спокойствие и сам художник. В первые послевоенные годы он перебирается из Парижа на юг Франции, где погружается в расслабленную атмосферу европейского средиземноморья, пишет идиллические плотна и занимается керамикой. Скончался Пикассо в 1973-м на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви на Лазурном берегу. 

«Голубая обнаженная», 1902

«Старый гитарист», 1904

«Арлекин с бокалом», 1905

• «Мальчик с трубкой», 1905
• «Мальчик, ведущий лошадь», 1906
• «Авиньонские девицы», 1907
• «Хлеб и ваза с фруктами на столе», 1909
• «Три музыканта», 1921
• «Женщины, бегущие по берегу», 1922
• «Девушка перед зеркалом», 1932
• «Сон», 1932
• «Обнаженная, зеленые листья и бюст», 1932
• «Портрет Марии — Терезы», 1937
• «Дора Маар с кошкой», 1941
• «Менины. По Веласкесу», 1957

Источник: https://fancy-journal.com/kulturnaya-zhizn/iskusstvo-i-dizajn/20135-strast-i-protivorechie-15-kartin-pablo-pikasso

Музы Пикассо в жизни и на картинах: найди 10 отличий

115 лет назад открылась первая выставка 19-летнего испанца Пабло Пикассо. Художник, чьи работы похищаются чаще всего, очень любил женщин и пользовался у них большим успехом. Лайф сравнил, насколько сильно отличаются изображения муз Пикассо на портретах художника и в реальности.

Фернанда Оливье — «Женщина с грушами», 1909 год

В 1904 году Пикассо переехал из Барселоны в Париж, где вскоре познакомился со своей первой большой любовью — Фернандой Оливье. Она была выше его на голову и обладала внешностью аристократки. Правда, её работа совсем не соответствовала внешним данным — она была служанкой. Их роман продолжался 9 лет и закончился, потому что Пикассо, как художник, не мог остановиться на одной музе.

Изображал свою возлюбленную Пикассо совсем не изящно. На картине 1909 года Фернанда больше похожа на вырезанное из дерева массивное изваяние, чем на стройную и утончённую женщину.

Марсель Умбер (Ева Гуэль) — «Женщина в сорочке, сидящая в кресле», 1913 год На смену высокой и шумной Фернанде пришла хрупкая и тихая Марсель, которую Пикассо предпочитал называть именем первой женщины на земле — Евой. Чаще всего художник писал возлюбленную в виде музыкальных инструментов — её фигура служила силуэтом для изображения скрипки или гитары.

Ей повезло меньше, чем остальным женщинам: как такового портрета Евы Пикассо не написал. Видимо, её фигура привлекала его больше, чем лицо. На картине «Женщина в сорочке, сидящая в кресле» только угадывается внешность музы: грудь, плоский живот и длинные волосы. Пикассо хотел, чтобы рассматривая его обнаженную любовницу, смотрящий больше фантазировал.

Ольга Хохлова — «Бюст женщины», 1929 год

Русская балерина и светская красавица сразу привлекла внимание художника, когда в 1917 году он впервые увидел её в составе труппы Дягилева. Она стала первой женой Пикассо. Ольга просила мужа изображать себя узнаваемой, и первое время художник подчинялся.

Пикассо гордился женой, её манерами и умением держать себя в высшем обществе. Их идиллия продолжалась 15 лет, пока художник не начал тяготиться семейной жизнью. И перед самым расставанием он написал портрет Ольги, где вместо очаровательной улыбки у неё оскал и змеиный язык.

Изображая таким образом красавицу, Пикассо хотел показать, что охладел к ней.

Мария Тереза Вальтер — «Лежащая обнаженная», 1932 год

На смену русской жене пришла семнадцатилетняя блондинка. Мария Тереза не была спутницей жизни художника, она стала для него объектом вожделения на некоторое время. Весёлая и активная девушка заставила Пикассо отказаться от ломанных линий и перейти к округлым. Поэтому на многих картинах, Мария Тереза изображена как обладательница пышных форм.

Дора Маар — «Дора Маар с кошкой», 1941 год

Чтобы стать любовницей знаменитого художника, Дора даже подралась с Марией Терезой Вальтер в студии Пикассо. Позже художник признавался, что эта драка стала одним из самых ярких событий его жизни. Вообще Дора была эмоциональной и неуравновешенной женщиной, а Пикассо терпеть не мог истерик, что и стало причиной их разрыва.

Чаще всего художник изображал Дору в виде плачущей женщины, Пикассо говорил, что не мог писать её улыбающейся. На картине «Дора Маар с кошкой» художник не изменяет себе: на полотне мы видим грустную женщину с искажёнными пропорциями. Пикассо пощадил только кошку — с её пропорциями всё в порядке.

Франсуаза Жило — «Женщина-цветок», 1946 год

Во время немецкой оккупации в 1943 году 62-летний Пикассо встретил 21-летнюю Франсуазу. По началу девушка была просто поклонницей и ученицей знаменитого художника, только спустя полгода они стали любовниками. Пикассо много фотографировал возлюбленную, впрочем, картин с ней оставил тоже не мало. Обычно он изображал её с тонкой талией, высокой грудью и пышной копной волос.

В портрете «Женщина-цветок», чтобы передать стройность девушки, художник превратил её тело в стебель, покрытый листьями и плодами.

Жаклин Рок — «Жаклин с цветами», 1954 год

Жаклин стала последней возлюбленной художника. В 1961 году 79-летний Пабло и 34-летняя Жаклин поженились. Из 20 лет прожитых вместе, 17 он рисовал только её.

Чаще всего художник изображал жену турчанкой, передавая её покладистый характер: она даже называла его «мой господин». Пикассо всегда подчеркивал миндалевидный разрез её глаз и длинную шею.

А на картине «Жаклин с цветами», изобразив женщину с чересчур прямым носом, художник сделал её очень похожей на сфинкса.

Источник: https://life.ru/423966

iPicasso.ru

Картины Пабло Пикассо 1910-1918

1 … 2

Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки , увеличивает и ломает объёмы, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины.

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам.

Девушка с мандолиной. Фанни Телье1910	Гитарист1910	Обнаженная фигура1910	Портрет Амбруаза Воллара1910	Портрет Даниэля Анри Канвейлера1910
Сидящая обнаженная женщина1910	La Bonne de Derain1910	Портрет Вильгельма Уде1910	Шахматы1911	Мандолинист1911
Фортепиано Аккордеонист1911	Женщина с гитарой и фортепиано1911	Гитара, бокал и бутылка Vieux Marc1912	Обнаженная женщина1912	Блюдо с фруктами1912
Бокал и бутылка Сюз1912	Гитара. Я люблю Еву1912	Пейзаже в Сере1911	Бутылка, бокал и вилка1911-1912	Гитара и скрипка1912
Гитара, ноты и бокал вина1912	Человек в шляпе1912	Пейзаж с постерами1912	Мужчина с гитарой1912	Музыкальные инструменты1912

Моя прекрасная. Женщина с гитарой1912	Наше будущее в воздухе1912	Сувенир из Гавра1912	Испанский натюрморт1912	Натюрморт с плетеным стулом1912
Натюрморт со скрипкой и фруктами1912	Бутылка Перно. Столик в кафе1912	L'aficionado. The torero1912	Голубиный горох1912	Раковины Сен-Жак. Наше будущее в воздухе1912
Скрипка1912	Скрипка1912	Скрипка, стакан, трубка и чернильница1912	Женщина, сидящая в кресле1912	Au bon marche 1913
Игральные карты, бокалы, бутылка рома. Да зравствует Франция1913	Бутылка Vieux Marc, стакан и газета1913	Бутылка Vieux Marc,стакан, гитара и газета1913	Кларнет и скрипка1913	Бутылка Басса, кларнет, газета, трефовый туз1913
Геометрическая композиция. Гитара1913	Гитара и бутыль1913	Арлекин1913	Портрет1913	Портрет мужчины1913

Портрет мужчины1913	Мужчина с гитарой1913	Студент с газетой1913	Гитара1913	Скрипка1913
Женщина в сорочке, сидящая в кресле1913	Женщина с гитарой1913	Бокал абсента1914	Бутылка, гитара и трубка1912-1913	Бутылка Басс, стакан и упаковка табака1914
Ваза с фруктами и гроздь винограда1914	Бутылки и Бокалы1911-1912	Бокал и бутылка Басс1914	Бокал и бутылка рома1914	Бокал и газета1914
Поэт1911	Мужчина с трубкой1914	Мандолина1914	Пьедестал1914	Женщина, сидящая в кресле1910
Игральные картыи бокал1914	Портрет молодой девушки1914	Натюрморт1914	Натюрморт бокалом и яблоком1914	Натюрморт с Кубком1914

Тарелка с фруктами, бутылка и скрипка1914	Студент с трубкой1914	Таверна1914	Пара танцоров1915	Арлекин1915
Поэт1912	Мужчина с кларнетом1911-1912	Арлекин с гитарой1916	Гитара1916	Арлекин1917
Портрет женщины, Фернанда1917	Дизайн костюма для балета Треуголка1917	Арлекин со скрипкой1918	Дизайн костюма для балета Треуголка1917	Дизайн костюма для балета Треуголка1917
Портрет женщины1910	Кубист1917	Занавес для балета Парад1917	Пасео-де-Колон1917	Тарелка с фруктами1917
Раненая лошадь1917	Арлекин и женщина с ожерельем1917	Ольга в Мантилье1917	Перегородка, бутылка, гитара и игральные карты1917	Портрет Сергея Дягилева и Альфреда Cелигсберга1917

1 … 2

Источник: http://ipicasso.ru/1910.html

«Сидящая женщина» Пикассо продана за $63,4 млн

«Сидящая женщина» Пикассо продана за $63,4 млн

Фрагмент картины Пабло Пикассо «Сидящая женщина»

© sothebys.com

Автор Анастасия Новикова

22 июня 2016

21 июня на торгах Sotheby's с молотка ушла одна из самых ценных работ Пабло Пикассо: финальная стоимость «Сидящей женщины», написанной в 1909 году, превысила эстимейт более чем на $20 млн.

Картина «Сидящая женщина» Пабло Пикассо изначально оценивалась в $41 млн. Но итоговая цена полотна составила $63,4 млн, сообщает официальный сайт аукционного дома Sotheby’s.

По данным Bloomberg, на торги «Сидящую женщину» выставил нью-йоркский девелопер Шелдон Солоу. Работу испанского художника он также приобрел на Sotheby’s, в 1973 году заплатив за нее $486 тыс.

Имя нового обладателя полотна не называется.

 

Картина «Сидящая женщина», как утверждают в доме Sotheby's, установила рекорд для работ в стиле кубизм. Об этом сообщает CNN.

Однако в мае 2015 года с молотка ушло другое кубистическое полотно Пабло Пикассо, причем почти втрое дороже, — Christie's удалось тогда продать картину «Алжирские женщины (версия О)», которая относится к позднему периоду творчества художника, за $179 млн.

 

Картина Пабло Пикассо «Сидящая женщина»

© sothebys.com

«Сидящую женщину» Пабло Пикассо написал в 1909 году на своей родине — в испанском поселке Орта-дель-Эбро. На картине художник изобразил свою любовницу Фернанду Оливье. Представители аукционного дома Sotheby’s назвали полотно «величайшей работой кубизма, которая появлялась на рынке в последние десятилетия».

«Подавляющее число работ Пикассо этого периода уже давно находятся в музеях мира. В то время как именно он считается одним из самых важных в его творчестве. Даже не для него самого, а с точки зрения всего современного искусства», — отметила глава отдела Sotheby's по искусству импрессионистов Хелена Ньюман.

 

Картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины (Версия О)»

© wikipedia.org

Самым дорогим произведением Пабло Пикассо на сегодняшний день является картина «Алжирские женщины (Версия «О»)».

В мае 2015 года картина была продана на Christie’s за рекордные $179 млн и стала самым дорогим произведением искусства, реализованным в ходе аукционных торгов.

Цикл «Алжирские женщины» Пикассо создавал зимой 1954–1955 годов. Всего он написал 15 вариаций, обозначив каждую буквами от «А» до «О». 

Источник: https://style.rbc.ru/view/art/576a3e059a79470a17bacce6

Пабло Пикассо «Женщина в сорочке, сидящая в кресле (Ева)». Описание картины

Картина, входящая в рейтинг самых дорогих творений великого Пикассо (24,7 млн. долларов), посвящена одной из самых сильных сердечных привязанностей художника – Марсель Умбер (Амбер), или более известная как Ева Гуэль.

История их любви красива и трагична. Мастер боготворил свою музу, делая признания не только через свои картины, но и прямо на них. Так, на картинах «Гитара» и «Скрипка», написанных в 1912 году можно отчётливо рассмотреть надписи, как бы ненароком вписанные в сюжеты – «Я люблю Еву».

Любовная история длилась недолго, вскоре Ева заболела и стала угасать на глазах. Когда Пикассо, наконец, смог пристроить её в больницу (это было большой проблемой, так как в самом разгаре была война и подобные учреждения были переполнены), весила она всего 24 кг.

Через некоторое время её не стало, и безутешный художник на некоторое время стал жить затворником, оплакивая утрату.

Множества книг будут рассказывать, что ни одного портрета или фотографии этой роковой  красавицы не сохранилось. Однако это далеко не так. Что касается портретов, действительно в картинах, написанных в стиле кубизма, как, например «Женщина в сорочке» о портретном сходстве говорить не приходится, но всё же пару фотографий Евы сохранились в архиве подруги Пикассо – Гертруды Стайн.

Представленная работа проста по сюжету, но сложна по содержанию. Реальными очертаниями здесь обладает только кресло и фрагмент сорочки.

Что касается самой героини, то мы можем лишь угадать объёмные части её тела – грудь, ниспадающие волосы, длинные ресницы и даже голый живот с пупком.

Работа содержит ярко выраженную скульптурную стилистику – настолько осязаем объём и форма, в сочетании с техникой коллажа. Гротескные сочетания, нарушенные пропорции, немыслимая форма передачи – понять эту работу можно только полностью отказавшись от стройной логики, опираясь только на фантазию.

Колорит решён в тёплых тонах – коричневый, бежевый, розовый. Цвета звучат в унисон, не мешая восприятию стройной кубической конструкции.

Картина мелькнула в 1997 коду на аукционе Кристис, и была продана Музею искусств Метрополитен в Нью-Йорке, где и находится сегодня.

Картина испанского художника Пабло Пикассо «Женщина в сорочке, сидящая в кресле (Ева)» 1913 г. Холст, масло. 148 x 99 см. Метрополитен-музей, Нью-Йорк, США

Источник: http://picasso-picasso.ru/pablo-pikasso-zhenshhina-v-sorochke-sidyashhaya-v-kresle-eva/

Сочинение по картине Женщина в сорочке, сидящая в кресле — Пабло Пикассо

Картина, входящая в рейтинг самых дорогих творений великого Пикассо, посвящена одной из самых сильных сердечных привязанностей художника — Марсель Умбер, или более известная как Ева Гуэль.

История их любви красива и трагична. Мастер боготворил свою музу, делая признания не только через свои картины, но и прямо на них. Так, на картинах «Гитара» и «Скрипка», написанных в 1912 году можно отчетливо рассмотреть надписи, как бы ненароком вписанные в сюжеты — «Я люблю Еву».

Любовная история длилась недолго, вскоре Ева заболела и стала угасать на глазах. Когда Пикассо, наконец, смог пристроить ее в больницу, весила она всего 24 кг. Через некоторое время ее не стало, и безутешный художник на некоторое время стал жить затворником, оплакивая утрату.

Множества книг будут рассказывать, что ни одного портрета или фотографии этой роковой красавицы не сохранилось. Однако это далеко не так. Что касается портретов, действительно в картинах, написанных в стиле кубизма, как, например «Женщина в сорочке» о портретном сходстве говорить не приходится, но все же пару фотографий Евы сохранились в архиве подруги Пикассо — Гертруды Стайн.

Представленная работа проста по сюжету, но сложна по содержанию. Реальными очертаниями здесь обладает только кресло и фрагмент сорочки. Что касается самой героини, то мы можем лишь угадать объемные части ее тела — грудь, ниспадающие волосы, длинные ресницы и даже голый живот с пупком.

Искусствоведы замечают, что именно этой работой художник предвосхитил целое многогранное направление — сюрреализм.

Работа содержит ярко выраженную скульптурную стилистику — настолько осязаем объем и форма, в сочетании с техникой коллажа. Гротескные сочетания, нарушенные пропорции, немыслимая форма передачи — понять эту работу можно только полностью отказавшись от стройной логики, опираясь только на фантазию.

Колорит решен в теплых тонах — коричневый, бежевый, розовый. Цвета звучат в унисон, не мешая восприятию стройной кубической конструкции.

Картина мелькнула в 1997 коду на аукционе Кристис, и была продана Музею искусств Метрополитен в Нью-Йорке, где и находится сегодня.

Сочинение по картине Женщина в сорочке, сидящая в кресле — Пабло Пикассо« Вид Неаполя с Везувием — Клод ВернеПобег из Ора — Джон Хоу »

Источник: https://kartiny.rus-lit.com/pikasso-pablo/zhenshhina-v-sorochke-sidyashhaya-v-kresle-pablo-pikasso/

Великий и ужасный Пабло Пикассо. Часть I

veneyaОдна из самых неоднозначных фигур в современном искусстве, тот, кто постоянно менялся, не подражая никому, увлекая за собой мир искусства, от классических канонов красоты линий и композиции до полной деформации пространства.

• Знание и милосердие, 1897

Салон Прадо, 1897

Еще с ранних лет Пикассо начал подавать надежды, как будущий великий художник, в чем его неустанно поддерживала мать, а отец, как преподаватель живописи, помогал осваивать азы мастерства.

Пабло с сестрой Лолой, 1889

На протяжении всего обучения Пикассо его сестра была постоянной моделью для картин. Он написал множество ее портретов.

Сестра художника Лола, 1900

Желтый пикадор

Эта картина считается одной из первых картин Пикассо, которую мальчик написал под впечатлением от боя быков. Коррида всю жизнь оставалась его страстью.

Коррида, 1901

Коррида, или смерть матадора, 1933

Кстати, настоящее имя художника — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Клито Руис и Пикассо, но поскольку Руис одна из самых распространенных фамилий в Испании, Пабло оставил фамилию по матери Пикассо. Если прислушаться к звукам, то на ум приходят ассоциации с пикадором (от picar — колоть) и корридой, и вы будете правы!

И вот что еще, страсть Пикассо к этому жестокому, но от того не менее увлекательному поединку между двумя существами, объединяет его с одним из самых известных художников Франсиско де Гойя, который тоже тяготел к этому действу, видя нечто первобытное, завораживающее.

1. Франсиско де Гойя «Пикадор»

Франсиско де Гойя «Смерть пикадора», 1793

Пабло вдохновлялся работами многих великих мастеров, как Эль Греко, Веласкес, Рембрандт, Кранах, Пуссен, Энгр, Тициан, Курбе, Делакруа, Сезанн, Гоген, Ренуар, Мане. Он копировал и создавал потом портреты в стиле великих мастеров и мог быть вполне традиционным художником, высококлассным реалистом, но, как он говорил позднее «дублировать видимый мир на своих картинах – бессмысленно».

• Пабло Пикассо: «Искусство — это ложь, ведущая к истине».
• Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1963

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

Пабло Пикассо «Похищение сабинянок», 1962

1. Питер Пауль Рубенс «Похищение сабинянок»

Никола Пуссен «Похищение сабинянок», 1537. Лувр, Париж

«Менины» (по Веласкесу), 1957

• Сравним с оригиналом картины Диего Веласкеса «Менины» (1656).

Еще один вариант.

Пикассо исследовал творчество многих своих предшественников, но, пожалуй, ни одна картина прошлого не удостоилась такого внимания, как «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. В течение двух лет (1961-1962) Пабло Пикассо создает 26 картин (14 из них — в музее Орсэ в Париже), шесть линогравюр и 140 рисунков своих версий картины Мане.

1. Эдуард Мане «Завтрак на траве», 1863
2. Мужской торс, гипс, 1893
3. Копия портрета Филиппа IV (с картины Веласкеса, 1653), 1898

А ведь еще в 12 лет Пабло рисовал так… В 15 лет он поступает в Мадридскую Академию Искусств, самое престижное художественное заведение страны, однако через полгода обучения понимает, что не получает ничего нового, и оставляет учебу, чтобы самостоятельно изучать живопись великих испанских художников в музее Прадо, в основном Веласкеса и Эль Греко.

Диего Веласкес «Портрет короля Испании Филиппа IV», 1656

• Портрет незнакомца, 1899

Стиль Эль Греко узнаваем в вытянутых фигурах и оттенках серой краски. Портрет Лолы Руиз Пикассо, 1901

1. Портрет Хосепа Кардоны, 1899

Портрет Карлоса Касагемаса, 1899

В 17 лет он возвращается в Барселону, где попадает в среду авангардных художников, ведет богемный образ жизни и проникается новыми веяниями. Входит в круг художников и писателей, вращающихся вокруг кафе-бара-кабаре «Четыре кота», открытого по аналогии с богемным парижским заведением «Черный кот». Теперь он пишет под влиянием импрессионистов, в частности, Тулуз-Лотрека, Дега.

• Диван, 1899

В костюмерной, 1900

В это время Пикассо знакомится с начинающим художником Карлосом Касагемасом, с которым они почти не расстаются, вместе развлекаются, делают художественные выставки. В 1900 году они впервые едут в Париж, знакомятся с художественной жизнью столицы. Пикассо обходит все музеи Парижа, изучает искусство импрессионистов вживую, знакомится с арт-дилерами, получает первые деньги за свои картины, и ему заказывают новые. Пабло начинает понимать, что его жизнь в искусстве должна быть связана с Парижем.

Он исследует художественную жизнь столицы мира, но также и жизнь города — ночную жизнь баров, кабаре и борделей, находясь под впечатлением от раскованности и свободы этого города, а также под влиянием импрессионистов. Следуя традиции, начатой Дега, Мане, Тулуз-Лотреком, Пабло запечатлевает образы знаменитого в то время парижского танцзала Moulin de la Galette.

«Мулен де ла Галет», 1900

Однако после самоубийства своего лучшего друга Карлоса Касагемаса, который выстрелил себе в голову на глазах у друзей и посетителей кафе из-за несчастной любви, Пикассо чувствовал свою вину, что не предотвратил трагедию, не поехал с ним в Париж, а остался в Барселоне заниматься своей выставкой. Так начался «голубой период», который длился с 1901 по 1905 гг. Холодная, мрачная колористика его работ, почти монохромная живопись с трагичными, депрессивными персонажами, была созвучна в то время его мировосприятию.

Мрачное отчаяние

Селестина (Женщина с бельмом), 1904

Такой печали, отчаяния, безысходности, молчаливого страдания никогда не видели в мировом искусстве, он создавал произведения в невиданном раннее стиле. Кстати, известный американский джазовый трубач Майлс Дэйвис, оказавший значительное влияние на развитие музыки XX века, вдохновлялся работами «голубого периода», о чем можно судить по оформлению его альбомов и творчеству.

Один из самых известных альбомов «голубой период» (1951) можно послушать здесь http://music.yandex.ru/#!/album/690644

Еще один интересный альбом (слушаем второй диск) http://music.yandex.ru/#!/album/1848573

1. В 1904 году Пабло Пикассо окончательно переезжает в Париж и селится на Монмартре, в общежитии художников, известном как Бато-Лавуар.
2. Пабло Пикассо и Фернанда Оливье на Монмартре с собаками, 1904

Помимо близких по духу молодых людей, Пабло встречает здесь Фернанду Оливье, которая иногда приходит в Бато-Лавуар позировать художникам.

Пабло Пикассо, Фернанда Оливье и Хакин Ревентос, Барселона, 1906

Они прожили вместе почти десятилетие. Как считают исследователи, она была моделью для создания Авиньонских девиц, одной из главных картин Пикассо.

Эти позитивные перемены привели к новому витку в творчестве Пикассо – так называемый «розовый период» (1904-1906), когда он пишет картины, полные изящества, тонкости и очарования в жизнерадостных тонах, преимущественно красного, оранжевого, розового и серого оттенков.

Для людей искусства цирковая тема символизировала свободу и независимость. Считается, что Пикассо часто изображает себя в роли Арлекина, а в роли других персонажей – своих друзей.

• В кабаре Лапин Агиль, или Арлекин с бокалом, 1905

Сидящий Арлекин, 1905

1. Семья комедиантов, 1905

Акробат и юный Арлекин, 1905 Девочка на шаре, 1905

• Одно из самых известных его произведений «розового периода» является картина «Мальчик с трубкой» (1905).

В это время Пикассо находит своих многолетних покровителей – Гертруду Стайн и ее брата Лео – коллекционеров, которые начинают покупать картины почти нищенствующего художника и выставлять их в своей галерее. Впоследствии Гертруда Стайн напишет: «В 1904 году он снова приехал в Париж.

Там он опять начал становиться немного французом, то есть Франция снова его увлекла и соблазнила… И это ослабило его испанскую серьезность, и …он освободился от голубого периода, от возродившегося в нем испанского духа, и когда с этим было покончено, началась живопись, которая сейчас называется розовым или арлекинским периодом.

Здесь он тесно общался с Гийомом Аполлинером, Максом Жакобом и Андре Сальмоном, и все они постоянно виделись. Художники всегда любили цирк, даже теперь, когда ему на смену пришло кино и ночные клубы, им нравится вспоминать цирковых клоунов и акробатов.

В то время они бывали в цирке Медрано не реже чем раз в неделю и им очень льстило близкое общение с клоунами, жонглерами, лошадьми и наездниками… Потом он освободится и от этого, от цирка и изящной французской поэзии, он освободится от них, так же, как освободился раньше от голубого периода».

Многие находили вдохновение у Пикассо, например, известный американский певец, рок-музыкант Дэвид Боуи.

Его невероятно эксцентричный клип в стиле «розового периода» наполнен эпатажем и волшебством. Послушать и посмотреть можно здесь «Ashes To Ashes» http://www.youtube.com/watch?v=CMThz7eQ6K0

1. Одна из последних работ этого времени «Мальчик, ведущий лошадь» (1906), которая поражает своей монументальностью и величием, и в тоже время художник здесь следует классическим канонам.
2. Поэтому его величайшее творение «Авиньонские девицы», созданное в 1907 году,
3. знаменует начало нового «африканского периода» (1907-1909) в творчестве художника, под влиянием древнего искусства Африки и Испании.
4. Африка

Испания

Если приглядеться к картине, то два персонажа справа вполне определенно отсылают нас к образам африканских масок, захватившие воображение Пикассо своей первобытной силой и невероятной мощью. Не могу не отметить, что эта картина очень напоминает Поля Сезанна и его «Купальщиц».

1. Лицо его покровительницы Гертруды на одноименной картине «Портрет Гертруды Стайн» (1905-1906), уже явно напоминает нам африканскую маску с широкими и узкими прорезями глаз.

«Авиньонских девиц» Пабло писал в течение года с особой тщательностью. И она, безусловно произвела настоящую сенсацию для того времени, поскольку такой стиль оказался смелым экспериментом, а кроме того стала первым шагом живописи на пути к кубизму, кроме того многие искусствоведы считают ее отправной точкой современного искусства. Кажется, что картина бессюжетна, но, в тоже время, она наполняется совсем иным, мистическим, «зазеркальным» смыслом. Полная трансформация человеческого тела, где нет красивостей, сглаженности углов, всмотритесь, хотя бы, в эти чудовищные глаза. От этого нарастает напряжение, а внутри картины уже зреет столкновение ангелов и демонов, добра и зла, увиденное художником через осколки стекла. Еще интересная деталь — отодвигающая занавес рука на заднем плане, что имеет двойное значение: раскрывает перед зрителем пространство кубизма, а также свидетельствует о театральности происходящего на полотне. Живопись и театр – два увлечения Пикассо, которые встречаются в этой картине.

На смену приходит новый период «аналитический кубизм» (1909-1912), когда предмет дробится на мелкие части, которые четко отделяются друг от друга, предметная форма как бы расплывается на холсте.

Поиски Пикассо были основаны на его убеждении, что живопись способна на большее, чем просто показывать то, что видит глаз. Должен быть способ, как показать мир таким, «каков он есть на самом деле».

Надо писать «не то, что вижу, а то, что знаю», как говорил Пикассо. Показывать не — видимое, но — сущее.

• Веер, солонка, дыня, 1909

Женщина, сидящая в кресле, 1910

1. Человек с кларнетом, 1911

Одна из отличительных особенностей живописи периода аналитического кубизма – монохромность. «Цвет ослабляет!» — заявляет Пикассо, наблюдая эксперименты Матисса в живописи. И сам сосредотачивается на форме и объеме предметов. Второе, от чего он отказался – это раздельность вещей, их различия по фактуре и материалу. Также, в кубизме исчезает какая бы то ни было перспектива, поэтому понятие, где расположен предмет, вдали или вблизи, не имеет ровным счетом никакого значения. В результате — на кубистских картинах мы видим очень странное, фантастическое, монохромное изображение, создающее иллюзию некоего метафизического пространства, выпирающего гранями из плоскости холста. Предмет и окружающий его фон — суть одно и то же, и отдельные предметы в этой единой структуре реальности не имеют четко очерченных границ. Мы видим лишь непонятную, льдистую, осколочную, однородную массу, у которой нет фактуры, внутренних различий, и можем догадываться о том, что изображено, лишь по отдельным деталям-намекам. Пикассо называл их «атрибутами». Где-то видна рука, где-то усы, или ключ, или гриф гитары, но все они созданы из одного и того же условного «вещества». Но это лишь символы и знаки предметов, а не они сами. Кубизм, таким образом, поставил себе не изобразительную, а философскую задачу.

Тореро, 1912

Известный французский художник, график, сценограф, скульптор и декоратор Жорж Брак с 1907 года присоединился к художественным поискам Пикассо, а затем стал равноправным партнером в их творческом союзе. Взглянем на несколько картин Жоржа Брака.

• Девушка с мандолиной (Фанни Телье), 1910
• Мандолинист, 1911
• При этом объемность, использование реального света и тени на скульптурных объемах, пространств, сдвиги плоскостей, форм, объемов, варьирование пустотами и наполненностями в будущем открыли дверь в новое направление в живописи – абстракционизм, например ярким представителем этого направления является Марк Ротко.

А теперь рассмотрим их совместные проекты. Фигура девушки и фон, как единая живописная вселенная, построенная художником из однотипных «блоков». Пространство как скульптура. Художник разбирает мир на элементы и собирает новую реальность — реальность художественного произведения.Но они пошли дальше, когда окончательно стерлись грани реальности, обнажив только суть вещей в своей иллюзорности и потеряв всякую фигуративность.

Заметное влияние кубизм оказал на появление стиля ар-деко (или арт-деко), особенно его способ расчленения предметов и анализа их геометрических составляющих. Отличительными чертами этого стиля является строгая закономерность, смелые геометрические формы, этнические геометрические узоры, богатство цветов, щедрые орнаменты, роскошь, дорогие материалы.

1. Небоскреб компании «Крайслер» в Нью-Йорке
2. Мебель от Жака-Эмиля Рульманна.
3. Или творения Эмиля Брандта.

Создавали даже машины.

Известная французская женщина-модельер Коко Шанель, оказала колоссальное влияние на моду XX века, привнеся в женскую моду приталенный жакет и маленькое черное платье, прежде всего способствовавшая модернизации женской моды, заимствуя многие элементы традиционного мужского гардероба и следуя принципу роскошной простоты. Она тоже привнесла в свою работу элементы кубизма.

• А музей Гуггенхайма, музей современного искусства в Бильбао в Испании — вобрал в себя элементы кубизма, воплощая абстрактную идею футуристического корабля.

Источник: https://veneya.livejournal.com/25338.html

Пауль Клее — Пабло Пикассо: пересекающиеся вселенные

Рубрика: 

МЕЖДУНАРОДНАЯ ПАНОРАМА

Номер журнала: 

#2 2010 (27)

Центр Пауля Клее в Берне отмечает свое пятилетие выставкой «Клее и Пикассо» в знак уважения к двум гигантам истории искусства.

Этот проект представляет выдающихся мастеров в рамках единой темы — исследование творчества Пабло Пикассо Паулем Клее — и открывает неизвестные ранее точки соприкосновения между ними.

На выставке демонстрируется свыше 180 произведений из фондов Центра Пауля Клее, Музея современного искусства (МОМА) в Нью-Йорке, Музея Пикассо в Барселоне, Музея Берггрюена, Новой национальной галереи в Берлине и парижского Центра Помпиду. Проект получил поддержку наследников обоих художников.

Клее и Пикассо считаются выдающимися антиподами и как художественные персоналии они действительно совершенно разные. Один — романтик-интеллектуал, другой — южанин-жизнелюб; поэтическое самовыражение Клее, его склонность к сатире и иронии контрастируют с драматизмом, чувственностью и страстностью Пикассо.

Пикассо — это явление природы. Все современники художника поддавались действию его чар, которое провоцировало их либо на безоговорочное одобрение, либо на неприятие.

На Клее Пикассо также произвел глубочайшее впечатление. Однако, будучи крайним индивидуалистом, он не просто попал под влияние, но поставил себе цель понять «испанца».

В его художественном языке смешивались восхищение и тонкая насмешка, приятие и несогласие.

Вполне вероятно, что Клее и Пикассо встречались дважды: в 1933 году в мастерской Пикассо в Париже и в 1937-м в доме Клее в Берне. Они всегда проявляли живой интерес к творчеству друг друга, и теперь, 70 лет спустя, два великих мастера вновь соединились на беспрецедентной выставке, которая позволяет подробно проследить их весьма сложные взаимоотношения.

Диалог между Клее и Пикассо составляет центр экспозиции, где Пикассо представлен как вундеркинд, а Клее — как критически настроенный аутсайдер.

Работам Пикассо голубого и розового периодов противопоставлены сатирические картины Клее на стекле. Рядом с крупнейшими произведениями Пикассо периода кубизма — «ответ» Клее на кубизм, эту великую революцию в искусстве ХХ века.

Картина Клее «Дань Пикассо» (1914) является единственным в его творчестве посвящением другому художнику.

Последствия для собственно творчества Клее очевидны, их можно проследить на протяжении длительного периода. Однако у Клее сформировался критический подход к Пикассо, и он четко различал для себя положительные и отрицательные стороны собрата по цеху.

В композициях, определяемых как аналитический кубизм, Пикассо ломает контуры фигур и предметов и располагает их в нескольких перспективах одновременно. Для Клее именно аналитический кубизм оказался особо важным побудительным стимулом. Он выработал на его основе базовый подход к композиции, куда можно было интегрировать самые разные мотивы.

Прежде всего Клее использовал кубистическую форму при написании пейзажей, в изображении человеческого тела он обращался к приемам кубизма разве что в шутку.

Новаторские достижения подобного подхода к живописи, размывание классической фигуративности и создание нового живописного языка Клее воспринимал как путь к деструкции живых организмов и художественному произволу. Однако в отношении пейзажей он, напротив, видел некое соответствие кубистических структур живой природе.

Дальнейшее развитие кубизма также, несомненно, отразилось на его пейзажной живописи. Это прослеживается, например, в тунисских акварелях или работе «Каменоломня» (1915), вдохновленной изрытыми стенами котлована каменоломни в Остермундигене близ Берна.

Следует отметить, что первоначальное знакомство Клее с языком кубизма произошло не только через живопись, но и через гравюры и рисунки Пикассо. Он, безусловно, видел иллюстрации Пикассо к роману Макса Жакоба «Сен-Маторель». Первые попытки применить приемы кубизма к собственным повествовательным миниатюрам показались Клее трудными.

Тем не менее вскоре он воспринял прозрачные линейные структуры и продолжал использовать их в качестве абстракций, где смог воплотить и свои оригинальные колористические решения. «Долговременное» воздействие кубизма на творчество Клее проявилось главным образом в том, что он формировал общую структуру своих композиций через кубистические построения.

Одним из свойственных кубизму приемов стала овальная форма картины. В отличие от прямоугольных холстов овальная форма придавала полотнам характер автономных объектов, что особенно нравилось Пикассо и Браку.

Клее также любил овалы, и многие его работы сделаны в типичном для кубизма формате, но в отличие от Пикассо он использовал овальную форму картин не как особый изобразительный прием, а в качестве цитаты.

Пикассо нагромождал кубы и плоскости в центре композиции, разгружая ее к краям, а Клее распределял изображение по всей поверхности и внутренние прямоугольные формы пересекались у него с дугообразным краем.

В 1912 году живописная система кубизма претерпела изменения. Пикассо и Брак стали вводить в свои работы элементы окружающей действительности — вырезки из газет, полоски обоев, деревянные модели или нанесенные по трафарету фрагменты слов.

Новая техника, получившая название papier colli (наклеенная бумага — фр.), — предшественница дадаистских коллажей — расширила диапазон выразительных возможностей.

С помощью дополнявших друг друга живописных, рисованных и наклеенных элементов можно было создавать сложные комбинации изображенных и реальных фрагментов.

Знакомство Клее с синтетическим кубизмом, вероятно, было не очень основательным, поскольку в период Первой мировой войны поток информации между Германией и Францией прервался.

В противоположность Пикассо, он не впускает окружающую действительность в свое творчество, а остается в рамках собственной вселенной.

В композиции, созданные около 1920 года, Клее нередко включал буквы, но и здесь он не использовал привычных для кубизма комбинаций, а вводил в картины лишь таинственные аббревиатуры или одиночные литеры, смысл которых был понятен лишь ему самому.

В работе «Буквенная картина» (1924) Клее применил свою технику коллажа по максимуму, используя различные виды материалов и фрагменты бумаги и покрывая их полностью маслом, так что видимой осталась лишь абстрактная структура коллажа, а его коммуникативный контент оказался скрыт от зрителя.

Важнейшей частью выставки являются работы Пикассо сюрреалистического периода, 1920-х и 1930-х годов. Деформированные тела и искаженные лица соприкасаются с фантазийными гротесками Клее, что выразилось в художественном диалоге, который глубоко повлиял на его поздние работы 1930-х.

Большеформатные произведения Пикассо, в частности его «Большие женщины», подтолкнули Клее к отходу от малых форматов и созданию крупных полотен. Откровенное отображение эмоций у Пикассо также было подхвачено Клее, на этой основе он развивал собственные выразительные техники.

Однако несмотря на стимулы, полученные от Пикассо, Клее все же неизменно сохранял независимость, которая делает его работы безошибочно узнаваемыми. Будучи крайним индивидуалистом, он переформулировал для себя идеи Пикассо и на основе его чувственности и драматизма создавал композиции, полные эмоциональности и поэзии.

Пафос Пикассо подталкивал его к живописным м пародийного характера.

В начале 1920-х годов Клее и Пикассо были довольно далеки друг от друга.

Примерно в 1917-м Пикассо довершил свой стилистический переход к «классическим» формам, что многие из современников расценили как retour d I'ordre (возвращение к порядку — фр.) — консервативный возврат к предметности и объективизму.

Клее, вероятно, познакомился с новым направлением в творчестве Пикассо поздней осенью 1920 года, когда был в Берне.

Там на выставке французской живописи в художественной галерее демонстрировался важный образец нового направления в творчестве Пикассо — картина «Арлекин в маске» (1918, ныне — в Художественном музее Базеля).

Нет никаких сведений о реакции на нее со стороны Клее, но если судить по его дальнейшему творчеству, можно предположить, что этот «новый Пикассо» стал для него менее интересен.

Возрастающее стилистическое разнообразие произведений Клее, полет его фантазии, требующей индивидуальной формы для каждого сюжета, и ограниченный словарь Пикассо, опирающийся на античность и классику, представляются диаметрально противоположными. На фоне растущей славы Клее снижение популярности Пикассо и его, казалось бы, убывающая творческая энергия словно несколько успокоили первого.

Еще один фактор, который мог укрепить самооценку Клее — успех в Париже. В 1925 году он провел там несколько выставок. Сюрреалисты признали в художнике предшественника своих собственных идей, эту честь он разделил с Пикассо.

Другие фракции парижского художественного сообщества приветствовали Клее как немецкого романтика и поэта-визионера духовных глубин.

Столь неожиданная трактовка не только привела к тому, что он оказался единственным немецким художником в Германии, кому удалось вызвать к себе интерес в Париже, но и, вероятно, придала ему уверенность в том, что язык его живописи вполне конкурентоспособен.

Клее воспринял подобную честь спокойно.

Из всех мифологических персонажей наибольший интерес у Пикассо вызывал Минотавр.

С 1933 года человекобык из критских мифов выступает в качестве представителя и своего рода двойника художника — это телесное воплощение жизненной силы и страсти, но одновременно и жертва, и носитель моральной вины.

Как писал фотограф Брассай, «для автора «Герники» древнее мифологическое животное, получеловек-полубык, очень похоже на торо — быка испанской корриды, наделенного таинственной вулканической энергией. Пикассо ощутил эти темные силы внутри себя и приручил их.

Его Минотавр стал воплощением злобного чудовища с пышущими жаром ноздрями, раздувающимися от возбуждения, чудовища опасного, разумеется, но и сообразительного. Он кружит вокруг спящих дев, а затем набрасывается на их призывно беззащитные тела».

Клее, вероятно, воспринял такое самоопределение Пикассо как вызов и счел необходимым сделать ответный шаг. Его «Скептицизм в отношении быка» был лишь первой реакцией, а затем появились и иные «ответные образы». Откликом Клее на быка и минотавра Пикассо стал «Уркс» (Urchs).

Само это слово, изобретенное Клее, говорило о его намерении: здесь присутствует и Ochse (нем. — бык), и его вымерший прародитель Auerochse (нем. — тур). Кроме того, слово «urchig» в бернском диалекте фонетически сходно с верхненемецким » urig», что означает «природный, самобытный».

В отличие от быков урксы, по замыслу художника, животные редкие, допотопные, на грани комичного.

Нескольких серий урксов Клее хватило бы на целый каталог: «Уркс нерешительный», «Раздраженный уркс», «Старый уркс», «Уркс у воды», «Уркс, спускающийся с горы», «Уркс, спасающийся бегством»…

Агрессивность и неистовая страсть последних прямо противоположны почти идиотической безмятежности созданий Клее (отличается от них лишь «Уркс героических времен»). Клее еще более усилил контраст с работами Пикассо, исполнив некоторые рисунки с урксами в нарочито детской манере.

Таков «Уркс слушающий», где не только контур нарисован неуверенно, но и почти отброшено всякое знание анатомии. Драматизму Пикассо противопоставлена демонстративная наивность.

Между 1937 и 1940 годами Клее пишет головы и лица в непривычно большом для него количестве. Можно предположить, что часть из них — портреты его знакомых и современников, другие модели так и остались неизвестны. Портретная галерея такого рода не имеет аналогов в наследии Клее.

Всю жизнь художник интересовался внешним видом своих знакомых и разрабатывал некую визуальную форму, приемлемую для изображения определенных типов. Ранее, однако, он никогда не посвящал человеческому лицу целых серий рисунков. Разгадка причин этого вновь приводит к Пикассо.

Во многих работах Клее можно отметить типичные стилистические особенности, свойственные Пикассо — деформацию и смещение.

У Пикассо особое внимание к человеческой физиономике также отмечено во второй половине 1930-х годов. Тогда им были созданы большие серии женских бюстов и полуфигур, которые во многих случаях являлись портретами его двух, очень отличающихся друг от друга любовниц — Мари-Терез Вальтер и Доры Маар.

Продолжая искать новые подходы, Пикассо менял свой живописный язык, добиваясь индивидуальных характеристик не через мимику, а через выбор цвета и игру с формами. Одну и ту же голову он писал то в ярком цвете и с почти геометрическими сегментами, то в пастельных тонах и со смягченными формами.

Во многих случаях Пикассо заходил в своих экспериментах с формой так далеко, что искаженные лица становились неузнаваемыми или словно распадались на отдельные, будто случайно собранные вместе фрагменты.

Клее воспринял многие из этих импульсов, хотя никоим образом не следовал за Пикассо в его формалистическом радикализме, а некоторые из формальных изобретений коллеги стали для Клее поводом к неярко выраженной, но все же сатире.

Многие из его новых портретов написаны пастами или маслом на бумаге, подобная техника привнесла непривычную для него резкость и наполненность цвета, что существенно отличалось от тонких оттенков акварелей более ранних лет.

Клее по-прежнему цитирует асимметрию Пикассо и его видение, однако искаженная мимика принимается им лишь как выражение особого психического состояния или внутренних проблем.

Ибо форма для Клее неизменно была напрямую связана с содержанием и выражением психологии персонажей, и хотя он подошел в своих портретах очень близко к Пикассо, фундаментальное различие сохранялось.

• Выставка в Берне раскрывает противоположность двух художественных вселенных и явлений культуры мирового значения и показывает, как оба художника, следуя совершенно разными путями, вписали новую главу в историю искусства ХХ столетия.
• Вернуться назад

Источник: https://www.tg-m.ru/articles/2-2010-27/paul-klee-pablo-pikasso-peresekayushchiesya-vselennye