Расчесывание волос, 1896, эдгар дега

«Расчесывание волос» – картина, написанная в поздний период творчества, и при ее создании, художник использовал несколько этюдов, а также одну из работ, выполненных пастелью ранее.

В период зрелого творчества, Дега все так же продолжал творческие эксперименты, и это полотно – тому свидетельство. Смелость состоит в монохромности письма, и оригинальной трактовке сюжета.

Сам Дега говорил, что женщина интересует его как цельный объект, поэтому он постоянно подмечал поступки, настроение прекрасного пола, то как они ведут в себя в различных ситуациях.

Художник не стремился к изображению лишь «парадной» стороны жизни женщин, представляющих мир искусства, поэтому больше старался попасть за кулисы, чем пребывая в зале со зрителями, наблюдать за будущими персонажами своих работ. Появление Дега в гримерной балерин, никого не смущало, и не вызывало удивления, здесь он был «своим».

Поведением танцовщиц, особенно моментами перед их выходом на сцену, Дега вплотную заинтересовался после возвращения из Америки.

Полотно некоторое время принадлежало Матиссу.

1895 г. Масло, хост. 124 x 150 см. Лондонская Национальная галерея, Великобритания.

Источник: http://www.hudojnik-impressionist.ru/pic_dega12.htm

Эдгар Дега. Коллекция картин в ГМИИ им. Пушкина

Экспозиция 2-го этажа Галереи ГМИИ посвящена французскому искусству конца ХIХ века. Её открывают полотна Эдгара Дега.  На самом деле  фамилия художника была просто Га. Де – это обозначение титула барона. Но позже об этом забыли, фамилия и титул слились воедино.

Эдгар Дега и импрессионизм

   Эдгар Дега занимает особое место в искусстве этого периода. Он был участником почти всех выставок импрессионистов, в которых уже не участвовали ни Клод Моне, ни Огюст Ренуар.

Но художник возражал против  названия течения.

Сам он был настоящим импрессионистом, соглашался со всеми  принципами стиля, использовал в живописи приёмы нового течения, но термин «импрессионист» не принимал категорически. 

 Все друзья поражались феноменальной памяти Дега. Он не писал с натуры, работал исключительно в мастерской и воспроизводил композиции только по памяти.

А труд гладильщиц был каторжным – сидеть целыми днями в подвале, как в парной и разглаживать километры хлопчато-бумажных рюшей, и не дай Бог не сжечь, не испортить тонкие складки. 

В отличие от других импрессионистов, Дега получил законченное образование в Академии. Он боготворил Энгра.  Мастер встречался с ним, когда ещё был мальчишкой. Энгр, похожий на Зевса с копной седых волос и такой же бородой, произвёл на Дега огромное впечатление.

И, также как Энгр, Дега считал, что главное – это рисунок. Но, на первый план у Дега всё равно выходит цвет.  Получив академическое образование, художник отрицал (denied) возможность передачи различных впечатлений в картине. “Всё, что я делаю – это результат размышлений..

” (deliberation) – писал мастер.

Эдгар Дега. Метод “случайного взгляда”

Создавать серии картин никогда не входило в задачу Дега, он просто работал в своё удовольствие над одной темой, поэтому искусствоведы подразделяем его работы на серии.

Блестящий мастер композиции Дега, продвигал новый метод построения картины без традиционного центра, метод, который был основан на “случайном взгляде”. (random glance) Для художника значение его работы лежит в изображении жизни, “запечатлённой без позирования, неосознанно” (caught unawares, without any posing).

Именно поэтому он крайне редко писал с натуры. Дега просил своих натурщиц заниматься обыденным делом – стирать, мыться, расчёсывать волосы, а сам наблюдал за ними с разных ракурсов.

У него была очень любопытная мастерская – по периметру стен стояли лестницы, стремянки разной высоты, на которые художник забирался и наблюдал за натурщицами с разных ракурсов.

И когда они уходили – он по памяти всё зарисовывал.

Кроме того в студии мастера были зеркала под потолком для того, чтобы улавливать, рассматривать модель в разных ракурсах.

Эдгар Дега. Мастер передачи движения

Когда смотришь на его работы, то остаётся впечатление, что подглядываешь за моделями в замочную скважину. (key hole)
Критики упрекали Дега, что он не продумывал композицию. Наоборот. Он её очень хорошо продумывал, разглядывая её с разных точек зрения, просто на своих полотнах он использовал переменный ракурс.

В первую очередь Дега интересовало само движение,  которому никто из персонажей не придавал значения. Вот отсюда и его наблюдения без зарисовок: ведь художник стремился показать обыденность движения.

Всех его героев – танцовщиц кордебалета, прачек, гладильщиц, жокеев и лошадей объединяло одно – профессиональное движение, о котором никто из них не задумывается.

(Потом, в старости, он будет себя упрекать в том, что и к лошадям, и к женщинам он относился одинаково – и в тех, и в других его интересовало движение).

Это движение мастер передавал рисунком, которым Моне не владел, а Ренуар потом всё-таки к нему вернулся. Когда в Италии Дега брал уроки у Энгра и других мастеров, то они его  учили линии, рисунку. И Энгр сказал молодому художнику – никогда не забывайте о рисунке, линии, это – главное. И Дега всегда следовал его совету.

Также для Дега очень важен формат картины. Он хорошо понимает, что формат также воздействует на зрителя.

Пастель Эдгара Дега

Дега работал в технике пастели. Эта техника его спасала, так как он очень рано начал терять зрение и не мог совместить цвет и линию, а пастель ему это позволяла. Ещё он использовал необычный приём: он брал лист ватмана, наклеенный на картон.

Прописывал рисунок в один слой, затем брал кипящий чайник и подносил к верхней части ватмана и обрызгивал лист. Вода и краска стекали вниз. (В “Голубых танцовщицах” даже видны бороздки). Потом он прописывал всё вторым слоем. Это даёт потрясающий эффект какого-то особого глубокого мерцания.

У Дега было несколько любимых тем, к которым он обращался на протяжении всей жизни – скачки, театр, обнажённая натура и все три темы представлены в коллекции ГМИИ.

Эдгар Дега и театр

Он говорил, что когда пишешь с натуры, то часто отвлекаешься на частности, на детали, и тогда глаз перестаёт улавливать основное. А когда пишешь по памяти, то через линию всё выкристаллизовывается в общую идею.

И ещё. Наблюдая в театре за танцовщицами на репетициях (часто садился в оркестровую яму, или в угол) он не делал даже эскизов, понимая, что артисты будут отвлекаться, позировать ему, когда поймут, что их рисуют. А Дега хотел взять обыденность, случайность каждого движения, не подчёркивая его надуманную сделанность, чтобы не было эффекта позирования.

В театре у него было своя ложа.  («Балерину в чёрном» написал ученик Дега в память о своём учителе).

Это для нас балет – сказка. Мы его ждём, готовимся, наряжаемся в своё лучшее платье и наблюдаем два часа представление, попадая в волшебный мир танца.

А что стоит за этими двумя часами волшебства? Это и волнует Дега. Он показывает балерину, как рабочую лошадку. И он сравнивает балерину с лошадью.

Его интересует движение, он проводит параллель между балетом и скачками.  Много времени Дега проводил и на скачках.

В обнажённой натуре художника (в нашей экспозиции, это женщина, вытирающаяся после купания) на самом деле нет такого ракурса, такой точки, с которой одновременно будет видно и спину, и её колено. То есть здесь эффект её отражения в зеркале – Дега рисовал её по памяти, что видел, скорее всего даже не саму модель, а её отражение.

Его балерина перед зеркалом даже и не подозревает, что её напишут вот в таком ракурсе.

Во всех его картинах наблюдается эффект подглядывания в замочную скважину.

Эдгар Дега. “Голубые танцовщицы”

То же мы видим и в его голубых танцовщицах – пол прописан в одной перспективе, сами танцовщицы – в другой, а стена – в третьей. Это делается для того, чтобы освободить перспективу, пространство танца.

Во всех его танцовщицах звучит тема творчества, как очень тяжёлого труда – он никогда не писал танцовщиц во время представления – либо до него, либо после.

Девизом творчества художника было – “Рисовать, не наблюдая, и наблюдать не рисуя”. 

“Голубые танцовщицы”. Создание серий разноцветных танцовщиц – это то, что он видит в театре. Это не цвет костюмов балерин, это цвет рамп, которым освещалась сцена, балетные группы. Дега в театре интересно всё. Он рисует танцовщиц с разных ракурсов – то близко, то далеко.

В «Голубых танцовщицах» он вовсе отрезал полголовы у одной из девушек.  Такой срез был просто возмутителен, так не делалось!!! Если не хватает полотна, то его нужно надставить! А Дега именно так всё и оставляет. И форма картины у него квадратная, всё получается, как кадр! И это уже шло от фотографии.

Дега, как и Надар, вошёл в историю фотографии, он был хорошо с ней знаком, поэтому и берёт такой срез, потому что хорошо понимает, что в фотографии это может легко случится. И интересно посмотреть, сколько девушек изображено в этих «Голубых танцовщицах»? Да, если посчитать, то – четыре. Но, на самом деле – всего одна. Это одна и та же девушка в разных ракурсах.

Внутренний мир, настроение модели его совершенно не волнует, он изображает движение.

“Голубые танцовщицы” – одна из многих работ мастера, но именно она оказалась шедевром. У Дега были зелёные, оранжевые, жёлтые танцовщицы, но эти – лучшие. Как говорилось выше, формат его картины продуман – это точный квадрат 68 X 68.

Почему?  Для того, чтобы дать эффект танца, который развивается по кругу – все 4 танцовщицы вписаны в круг, причём их лица художнику неинтересны. Это, как уже было указано,  может быть даже одна и та же балерина.

Здесь она подтягивает свой балетный башмак, там поправляет платье, оглядывает наряд перед выходом на сцену.

(It may be a sketch of one and the same dancer. Here she is tying up her dress examining her costume and standing in the wings).

Эдгар Дега. Балет

Объединённые (united) на одном листе бумаги эти обычные движения превращаются в великолепный танец: магия театра и магия картины возникают перед нашими глазами.

Сам Дега так выражал состояние картины: “Из этих разрозненных, (separate) отдельных (different) движение вы никогда не создадите танца. Но танца не будет и без них”.

Эдгар Дега “Танцовщица, позирующая для фотографа”

“Танцовщица, позирующая для фотографа”. Мир балета был одной из самых любимых тем мастера. Но, в отличие от многих современников, Дега привлекали не яркие представления самого балета, но проза жизни за кулисами.

Источник: https://kraeved1147.ru/gmii-dega/

NeWestMuseum Музей нового западного искусства

Эдгар Дега
Причесывающаяся женщинаУвеличить

Картина «Причесывающаяся женщина» Эдгара Дега относится ко времени последней выставки импрессионистов в 1886 году, но ее не было в составе показанной тогда художником группы пастелей с обнаженными натурщицами – моющимися, вытирающимися или причесывающимися.

К мотиву причесывающейся женщины Дега обращался не раз. Художника, по-видимому, интересовал сам физический аспект ухода женщин за волосами. Известно, что в 1878 году семейство его друга Людовика Алеви было поражено, когда Дега спросил, будет ли ему позволено видеть, как причесывается Женевьева Алеви (кузина Людовика и вдова композитора Жоржа Бизе).

Женевьев Строс, в девичестве Алеви.Ок. 1890

© Rue des Archives / Vostock Photo

Один из ранних примеров разработки мотива – небольшая картина «Причесывающиеся женщины» (1875, Галерея Филипс, Вашингтон), где совмещены три различные позы причесывания. Интересно, что показанную почти со спины центральную фигуру Дега воспроизвел потом в нескольких вариантах.

Позже, в 1886–1888 годах, Дега выполнил еще две версии мотива (собрание Таубман, США и Музей Метрополитен, Нью-Йорк), в которых поза женщины была сохранена, только стала менее изящной. Кроме того, была выбрана другая модель, не отличавшаяся худобой.

1 / 3

Эдгар ДегаПричесывающиеся женщиныОк. 1876-1878Бумага, масло. 32,3×46

Коллекция Филлипс

• Эдгар ДегаОбнаженная женщина, причесывающая свои волосы1886–1888Бумага, пастель. 78,7×66
• Собрание Таубманов

1. Эдгар ДегаОбнаженная женщина, причесывающая свои волосы1888–1890Бумага, пастель. 61,3×46
2. Музей Метрополитан, Нью-Йорк

Главное отличие между двумя типами композиции – американских произведений и эрмитажного – заключается в том, что в первых фигура сдвинута вправо, в эрмитажном же, наоборот, – к самому левому краю, благодаря чему поза становится более динамичной: ноги словно устремлены вперед, как и корпус модели; энергично движение правой руки; волосы не ниспадают, а вскинуты вверх. В американских пастелях грузноватая фигура натурщицы словно сопоставлена со стоящим перед ней «оплывающим» креслом.

Источник: http://www.newestmuseum.ru/data/authors/d/degas_edgar/combed_woman/index.php

Расчёсывание волос

Интернет-магазин BigArtShop представляет большой каталог картин художника Эдгара Дега.  Вы можете выбрать и купить  понравившиеся репродукции картин  Эдгара Дега на натуральном  холсте.

Дега Эдгар Илер Жермен родился в семье банкира.

В школу Изящных искусств в Париже поступил в возрасте 21 год. Занимался в классе французского художника Ламота. Через год неожиданно для всех бросает учебу и отправляется в Италию. В течение двух лет самостоятельно изучает произведения великих мастеров XVI века и Раннего Возрождения.

• Вернувшись в Париж, Дега пишет картины на историческую тему, но не идеализируя античность, а приближая ее к реальности тех лет.
• В 1860-е годы копирует старых мастеров в Лувре.
• Дега свойственно неприятие академического салонного искусства, он также не любил работать на открытом воздухе, предпочитая мир театра и оперы.

Появление фотографии дало художнику опору в поисках новых композиционных решений своих картин. Примером тому служит картина «Портрет в хлопковой конторе», которая явилась результатом его поездки в Северную Америку и представляет собой композицию, производящую впечатление случайного снимка репортера.

Будучи человеком замкнутым, Дега предпочитает проводить большую часть своего времени за работой.

Он с удовольствием посещает танцевальные классы в Опере, наблюдая за тяжелым трудом балерин. Образы танцовщиц часто появляются на его картинах.

В середине 1880-х годов Дега начинает использовать пастель. Причиной тому был обострившийся конъюнктивит, которым художник заболел во время военной службы в качестве добровольца при осаде Парижа.

С помощью пастели он создает свои знаменитые изображения обнаженной натуры. Эти восхитительные работы были показаны на восьмой, последней выставке импрессионистов в 1886 году.

В своих поздних работах художник растворял пастель горячей водой, превращая ее в некое подобие масляной краски, и кистью наносил ее на холст. Таким образом ему удавалось передать ритм и движение сцены.

Одна из излюбленных тем Дега — изображение лошадей перед стартом. Для того, чтобы лучше передать нервное напряжение людей и животных в этот ответственный момент, он часто посещал скачки в Лоншане и впитывал в себя азартную атмосферу соревнований.

Потеряв зрение в 1908 г., он вынужден был отказаться от занятий живописью и последние годы провел в глубоком одиночестве.

Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям  Эдгара Дега не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена  в выбранный Вами багет.

Источник: https://bigartshop.ru/painters/dega-edgar/raschyosyvanie-volos-1

​Цвет как символ в живописи. Красный

Жак Луи Давид. Наполеон на перевале Сен-Бернар. 1800. Холст, масло. 261 × 220 см. Мальмезон, Париж

Красный цвет не заметить невозможно. Он один из самых предпочитаемых и выразительных. Он — первый в истории искусства, уже не говоря о хроматической шкале. Он привлекал к себе внимание издревле: и потому, что таковы свойства его природы и природы человеческой; и потому, что он ассоциируется с такими жизненно важными понятиями, как кровь и огонь. Вобрав в себя естественные смыслы, красный с ними не расстается на протяжении всей истории человечества.Еще с древности красный выражал в основном позитивные значения, но, сбрасывать со счетов закодированные в нем сигналы опасности и боли тоже не приходится.Ф.А. Малявин. Крестьянка в красном сарафане. Музей Изобразительных искусств Республики Карелия ПетрозаводскОттенки красного играли немаловажную роль в обозначении императорской вертикали в Византии и преемниках ее культуры. Этикет строго соблюдался. Придворным дозволялось носить в одежде яркие детали, но право носить ярко — красную мантию и высокие, расшитые жемчугом красные сапоги, имел только император.Жак Луи Давид. Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года. 1805—1808. Холст, масло. 621 × 979 см. Лувр, Париж

Сын красного и синего — пурпур, превзошел родителей в величии и иначе, как «роскошный» этот цвет не величают. Пурпурные тоги одевали триумфаторы Древнего Рима, и отголоски (точнее отсветы) его славы пережили века. Даже в Германии XVI века на красную или фиолетовую верхнюю одежду из бархата или атласа, подбитую мехом, имели право только князья.

Церковные каноны переняли лаконичность палитры предыдущих культур и вобрали основные трактовки цветов, наделив красный значениями могущества и мученичества. Красный мафорий (покрывало, ниспадающее на плечи) на голове Пречистой символизирует страдания и указывает на ее назначение — Царица небесная. Нижние одежды, как правило, пишутся голубым (знак небесной чистоты).

5. Красными на иконах также изображались серафимы, само название которых буквально переводится с иврита как «огненные», «пламенеющие».
7. Этот тревожный яркий цвет сопровождает силы зла, адской бездны, образы греха и позора как антипод белого цвета — символа праведности и чистоты.
10. Возможности цвета и его различных оттенков в раскрытии внутреннего мира своих героев продемонстрировал Эдгар Дега в картине «Расчесывание волос» (1896) Национальная галерея (Лондон).

Микеланджело Буонарроти. Мадонна Дони Тондо. 1507. Уффици, ФлоренциЯн ван Эйк. Мадонна канцлера Ролена. 1435. Музей Лувр, Париж. Одеяния Христа меняются в разных сценах: синий гиматий (накидка) — символ Его Божественности, а темно-красный хитон — символ Его человеческой природы, цвет священной крови, пролитой во имя спасения людей. О мученической гибели и страданиях свидетельствует и красный плащ святого Георгия, и ярко — алые одежды святых мучеников.Иван Крамской. Христос в пустыне. 1872. Холст, масло. 180 × 210 см. Государственная Третьяковская галерея, МоскваРубенс. Христос в терновом венце. Государственный Эрмитаж (сюжет восходит к Евангелию от Иоанна, 19, 1-5. У Рубенса, кроме данного произведения, этот сюжет не встречается)Серафимы, поддерживающие престол Бога (Миниатюра XIV в. Малый часослов герцога Беррийского)Архангел Михаил взвешивает души, фреска, 1150 г. Епископальный музей. БарселонаФреска (от итал. fresco – свежий) – вид монументальной живописи, предполагающий нанесение рисунка на влажную либо сухую штукатурку (левкас). В зависимости от этого фрески делят на буон-фрески и а-секко. Это определение также применимо непосредственно к работе, выполненной таким образом. Сегодня этим термином называют любую живопись на стене маслом, акрилом или темперой. В Древнем Риме невеста одевалась строго, в соответствии с образом Юноны: на голове — алое покрывало, символизирующее страсть, любовь и невинность невесты. На Руси девушки выходили замуж в традиционном одеянии: длинная белая рубаха с широкими рукавами, поверх нее — алый сарафан, символизировавший радость, солнце и красоту. К тому же, красный цвет одежды новобрачной должен был защищать ее от сглаза и служить залогом благополучия. В Западной Европе «готические» невесты непременно надевали на свадьбу наряд, ранее никем не виданный. Нередко даже для для невесты: в средневековье красивое платье было единственной радостью от замужества. Браки в те времена заключались как сделки, с непременным свадебным контрактом, и подвенечный убор тоже являлся частью контракта. Прописывалось, из какой ткани его следовало шить (бархат или парча), чем украшать, каким мехом подбивать (беличьим или горностаевым). Цвет убранства зависел от пожеланий семьи жениха, но особо популярными считались красный, алый или пурпурный («Портрет Сибиллы Клевской». Лукас Кранах старший). Кстати, первой в Европе рискнула пойти под венец в белом Маргарита Валуа — королева Марго (по инициативе короля(ее мужа) их брак был расторгнут).Лукас Кранах Старший. Портрет принцессы Сибиллы Клевской в наряде невесты. 1526. Государственное художественное собрание, ВеймарАндрей Петрович Рябушкин. Свадебный поезд в Москве. 1901. Государственная Третьяковская галерея, МоскваВольфганг Гете в своей книге «К теории цвета» (1810) уже описывал красный как цвет наивысшей энергии, вызывающий ощущение «невыносимого насилия». Он полагал, что красный должен «понравиться энергичным, здоровым и грубым людям. Ему радуются дикие народы и дети».Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784. Лувр, ПарижАвтору удалось создать впечатление пульсирующего холста, вырабатывающего гнетущее тепло. Цвет даже передает боль, и это подчеркивается тем, как хозяйка держится за корни своих волос. Так обычная каждодневная процедура превратилась в загадочное и провоцирующее действо.

Анри Матиссу, произведения которого пронизаны оптимизмом и излучают жизненную энергию, через интенсивность цвета удавалось передавать и свои мироощущения, и эмоциональность сюжета. Полотно «Гармония в красном», которое сам мастер называл «декоративным панно», изначально было задумано как «Гармония в голубом», и писалось для столовой коллекционера Сергея Щукина. Художник успел основательно поработать над холстом, но внезапно кардинально полностью поменял цветовую гамму, пояснив тем, что в красном всё выглядит гораздо красивее.А. Матисс, Полотно «Гармония в красном» («Красная комната», Эрмитаж)

Анри Матисс. Музыка. 1910. Холст, масло. 260 × 389 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Огненно-красный цвет применялся для выражения наиболее глубоких и ярких эмоций в древнерусских иконах. Именно следуя этой традиции, Кузьма Петров-Водкин и создал картину «Купание красного коня».

Есть основания утверждать, что изначально конь был гнедым (рыжим), и что цвет его мастер изменил, познакомившись с новгородскими иконами, которые произвели на него неизгладимое впечатление.

К тому же, в 1912 году, когда Петров-Водкин приступил к работе над полотном, собирательство и расчистка икон переживали свой расцвет. Картина с самого начала вызывала многочисленные споры, в которых неизменно упоминалось, что таких коней не бывает.

Однако, художник утверждал, что этот цвет он перенял у древнерусских иконописцев (на иконе «Чудо архангела Михаила» конь изображен совершенно красным).

И если в иконописи красный символизирует высшие философско-религиозные ценности, то у Петрова-Водкина красный конь трактуется в значении Судьбы России, которую не в силах удержать юный всадник.Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня. 1912. Холст, Масло. 160 × 186 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

И еще несколько работ в краных тонах:А.Г. Явленский, Дама с пионами, 1909Тамары де Лемпицка (Tamara Lempicka)George Lambert. Sybil Walker In Red And Gold Dressможно написать краткий текст

• Арткласс © 2015-2019 | Бесплатные сайты

Источник: http://artklassl3.bibliowiki.ru/articles/hudozhniki/hudozhniki-20-veka/337-cvet-kak-simvol-v-zhivopisi-krasnyi.html