«праздник венков из роз», альбрехт дюрер — описание картины

Bo4kaMeda
Rembrandt van Rijn
Saskia as Flora 1634
Oil on canvas, 125 x 101 cm (transferred to new canvas)
The Hermitage, St. Petersburg

Изысканные натюрморты и дивные растения на полотнах живописцев — цветы могут не только украсить вид, но и открыть тайный смысл, передать послание внимательному исследователю. Листаем пленительный гербарий, изучая таинственный сад цветочных символов.

Гимн красоте божественного творения

Алтарь Барди, Мадонна на троне, Иоанн Креститель и Иоанн Евангелист. Деталь: Мария и младенец Христос
Сандро Боттичелли
180 × 185 см

Лилия — любимица древних властителей и императоров. С расцветом христианства ее белоснежным лепесткам было доверено символизировать непорочность Девы Марии. Цветок стал практически неизменной деталью сцен Благовещенья в европейском изобразительном искусстве.

Ян ван Эйк
Благовещение

Роза — покорительница сердец, — никогда не была лишена внимания. Ее насыщенный красный цвет и шипы красноречиво повествовали о страданиях Христа. Сплетённые же вместе белые (символ чистоты Марии) и алые розы знаменовали собой объединение в вере всех христиан (Альбрехт Дюрер «Праздник венков из роз» или «Праздник чёток»).

Праздник четок (Праздник розовых венков)
Альбрехт Дюрер 1506
162 × 194.5 см
Ирис — белый символизирует чистоту, синий — материнскую скорбь.
Дева с младенцем и четырьмя ангелами
Герард Давид

Изображение цветов в религиозных сюжетах позволяло навеки запечатлеть красоту мудрости и щедрости самого Творца, напоминая и о бренности земной жизни.

Эта христианская идея отражена в картине Яна Давидса де Хема (1606−1683) «Натюрморт с распятием и черепом» (Мюнхен, Старая Пинакотека).

О скоротечности жизни в цветочном memento mori, как правило, напоминает изображение часов или черепа. В натюрморте же с другим набором предметов в этой роли выступает сам цветок.

Цветы в стеклянной вазе, распятие и череп
Ян Давидс де Хем
85 × 103 см

Включенный в букет хлебный колос символизирует не только хлеб Причастия, но и Воскресение, поскольку человек, подобно зерну, возрождается к новой жизни после погребения в землю.

В композиции другой картины Яна Давидса де Хема — «Букет цветов в стеклянной вазе», — очевидно доминирование алого мака и белой гвоздики.

Внимательному зрителю мак напоминал о скоротечности живой красоты, а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Белая гвоздика символизировала чистую и ясную христианскую жизнь.

Цветы в вазе
Ян Давидс де Хем

На протяжении XVI столетия светская символика в искусстве постепенно отвоевывала все больше прав.

Так, красная гвоздика — в христианском искусстве символ любви и страдания, ассоциирующийся с кровью, пролитой Христом, уже все чаще в портрете XV—XVI вв., особенно в парном, сопровождает влюбленных и служит указанием на обручение.

Цветок стал общепринятым, и по сей день сохранившим свое значение атрибутом доблести и отваги, революции, причем, не только Октябрьской, но, прежде всего, Французской.

Портрет купца Георга Гиссе
Ганс Гольбейн Младший 1532
85 × 96 см

Мужской портрет
Ян ван Эйк

Отто Дикс

Мадонна с гвоздикой
Леонардо да Винчи 1478
67 × 42 см
Мужчина с розовой гвоздикой
Андреа Соларио
Портрет Помпеюса Окко
Дирк Якобс
54 × 66 см
Автопортрет

Интересно, что в случае многозначности символа принимается во внимание то из его значений, которое соответствует общему духу картины.

Например, чертополох в Германии указывал на помолвку — этот намек и усматривали раньше исследователи известного автопортрета Альбрехта Дюрера с чертополохом. Однако надпись в верхней части картины — «мои дела определяются сверху» (стар. нем.

), — указывает на еще одну символику растения — Страсти Христовы. Так художник выразил преданность Богу, подчеркнув свою мысль чертополохом в руке.

Автопортрет с остролистом (Автопортрет с чертополохом)
Альбрехт Дюрер 1493
56 × 44 см

В миниатюрах календарей франко-фламандских часовников XV в., цветы — признанные атрибуты апреля и весны вообще в позднейших циклах картин на тему «Месяцы» или «Времена года».

Один из самых изысканных образов возрождающейся природы запечатлен в миниатюре «Апрель» («Роскошный часослов герцога Беррийского») братьев Лимбургов: дамы в изящных придворных платьях собирают цветы на яркой зелени луга.

«Апрель» («Роскошный часослов герцога Беррийского») братьев Лимбургов

Но что нам «скромные цветы»? Довольно неожиданно выглядит «Автопортрет с подсолнухом» Антониса ван Дейка! Дело в том, что подсолнух был только-только завезен испанцами в Европу из Перу (произошло это в 1569 г.), и еще столетие его выращивали в садах как диковинку.

Заметив, что подсолнух поворачивается вслед за небесным светилом, его стали считать символом солнца (Творца, монарха) и судьбы, а также верности.

Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца — свидетельство непоколебимой преданности мастера своему покровителю, английскому королю Карлу I.

Автопортрет с подсолнухом
Антонис ван Дейк 1632
73 × 60 см
«Я вышла в сад …» Белла Ахмадулина

Вообще, появление и распространение «несерьезной» цветочной живописи в Европе было результатом интенсивного развития садоводства — как научного, так и любительского.

Растительный мир, окружавший художников, с середины XVI века начал изменяться.

Путешественники и торговля сделали свое дело! Одними из первых преобразили сады восточные луковичные растения, а затем к ним стали постепенно прибавляться диковинки из Нового Света.

Цветочный натюрморт в китайской вазе
Мария Сибилла Мериан
«Чудесный гость далекого Ирана»

Особую актуальность такие каталоги приобрели в период пресловутой тюльпаномании. Спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине 30-х годов XVII в. достигла поистине степени безумства, когда за луковицу тюльпана редкой новой окраски закладывали дом.

Неудивительно, что тюльпаны можно увидеть практически в каждом букете, написанном в первые сорок лет XVII столетия, и больше всего сохранилось альбомов именно с этими цветами. Одна из таких книг — «Тюльпановая книга» Якоба Маррела (1642) — содержит лист с ценами на тюльпаны в 1635—1637 гг.

, в самый разгар тюльпаномании.

«Колесница Флоры». Аллегорическая картина Гендрика Пота (1580−1657) — популярный лубочный сюжет, высмеивающий простаков-спекулянтов. Повозка с богиней цветов (только тюльпаны) и её праздными спутниками катится под уклон в пучины моря. За ней бредут ремесленники, забросившие орудия своего труда в погоне за лёгкими деньгами

Первые станковые натюрморты появились в 1600-е гг. в творчестве Якоба де Гейна, Руланта Саверея, Яна Брейгеля, Амброзиуса Босхарта и представляли собой искусные композиции из разнообразных цветов в изысканной вазе.

Такие букеты кажутся написанными с натуры, однако присмотритесь: они составлены из растений, цветущих в разные сезоны.

Живописцы выполняли тщательные рисунки акварелью и гуашью, рисуя цветы с натуры, и затем использовали эти наброски в различных работах.

Ваза с цветами
Ян Давидс де Хем

Цветы
Ян Давидс де Хем

Ян Брейгель Младший. Пять чувств: Зрение

Цветочная композиция
Ян Давидс де Хем
Натюрморт
Ян Давидс де Хем
Корзина с цветами
Ян Брейгель Младший XVII век
68.3 × 47 см
Большой букет из лилий, ирисов, тюльпанов, орхидей и пионов в вазе, декорированной изображениями Амфитриты и Цереры XVI век
123.2 х 94 д.,м.
Частное собрание
Флора в цветах
Ян Брейгель Младший
64 × 44 см
*кликабельно
Ян Брейгель Младший. Пять чувств: Слух
*кликабельно

И, конечно, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность, подозрительность, и обман. Ирис уже перестал напоминать о скорби Божьей матери и начал воспевать Весну и возрождение.

Лаванда символизирует деревенскую жизнь, крестьянство, и, в то же время, желание, порок, разврат, потерю невинности. А вот тюльпаны, памятую о своем бурном коммерческом прошлом, преобразились в символ богатства, процветания, торговли, и это объяснимо самой историей бытования цветка.

Святое семейство под пальмой (Мадонна под пальмой)
Рафаэль Санти 1506

101.5 × 101.5 см

Одуванчик, из символа младенца Христа (на тондо Рафаэля изображен слева у края плаща Иосифа) трансформировался в трогательное напоминание о детстве, тоске по прошлому.
* * *

Символика активно использовалась в искусстве до второй половины XIX века. «Говорящий гербарий» можно увидеть на полотнах Ореста Кипренского. «Бедная Лиза» нежными пальчиками держит хрупкий красный цветок — это ее любовь и судьба.

Бедная Лиза
Орест Адамович Кипренский
39 × 45 см

Балерина Екатерина Телешова в образе Зелии — героини балета «Приключение на охоте», — демонстрирует идеализированный букетик полевых цветов, намек на простодушие театрального образа. Цыганка прижимает ветку мирта — атрибут Афродиты.

Однако у мирта есть еще одно значение — символ язычника обращенного в христианство. И, пожалуй, это наиболее вероятное объяснение присутствия детали на портрете цыганки (как известно, ромы принимают религию страны, где они проживают).

Орест Адамович Кипренский
Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной 1823

Орест Адамович Кипренский

Цыганка с веткой мирта

А на портрете Е. Авдулиной отчетливо видна одиноко стоящая в стакане с водой веточка гиацинта. Его белый цвет — символ нравственной чистоты, но, в то же время и смерти: осыпающиеся лепестки — уже ставший хрестоматийным намек на быстротечность молодости и красоты. Художник грустил: ему довелось покинуть солнечную Италию и вернуться в Петербург.

Портрет танцовщицы Телешовой
Орест Адамович Кипренский
55 × 64 см
«Где весело, туда лети, из лучших роз богине Флоре венок сплети…»
Цветы, учитывая, заложенную в них природой идею роста и плодородия, издревле связывали с женской сексуальностью.
Ира
Тамара Лемпицка

Рубен Дарио
Женщины
Тамара Лемпицка

Тамара Лемпицка

Арлетт Букар с аронниками 1911
Тамара Лемпицка
91.5 х 55.5 х.,м.
Частное собрание
Каллы

Тамара де Лемпицка считала каллы самыми женственными и эротичными цветами и постоянно включала их в свои натюрморты. В картинах Джорджии О’Киф критики практически единодушно усмотрели эротические намёки. А известный фотограф Альфред Стиглиц считал работы О’Киф манифестацией «вечной женственности».

Розовый душистый горошек
Джорджия О'Киф 1940-е
101.6 × 76.3 см

Канна красная с оранжевым
Джорджия О'Киф 1922
50.8 × 40.6 см

Орхидеи
Джорджия О'Киф 1941
70.2 × 55.2 см
Красная канна
Джорджия О'Киф 1919
32.5 × 24.1 см
Дурман (Белый цветок №1)
Джорджия О'Киф 1932

121.9 × 101.6 см

У древних италийцев с приходом весны над миром властвовала юная богиня распускающихся цветов — Флора. Ренессанс воскресил наследие античности, и цветы окружили жизнерадостных Венеру и Флору. Богини участвуют в картинах с аллегориями месяцев и времен года, чувств и стихий, олицетворяя весну, обоняние или зрение, землю или огонь (Ян Брейгель Старший. «Обоняние»).

Весна (Примавера)
Сандро Боттичелли 1485
314 × 203 см
«Ладонь твоя росой окроплена, Раскрылся пальцев розовый бутон»

Данте Габриэль Россетти .

К XIX веку символика изображенных предметов в живописи утратила свое глубокое значение, и цветочные штрихи нам могут показаться всего лишь красочными акцентами живописного полотна. Тем не менее, в викторианскую эпоху развился свой специфический язык цветов.

Символизм, отражённый на картине Данте Габриэля Россетти «Вероника Веронезе» (1872), включает освобождённую из клетки птицу, а ромашки в птичьей клетке — запертую энергию, примулы — символ юности, нарциссы — отражение мыслей.

Девушка со скрипкой
Данте Габриэль Россетти

Фиалки — символ скромности и верности. Так, на портрете своей жены Эммы Хилл, Форд Мэдокс Браун вкладывает в руки своей возлюбленной, разрушенной алкоголизмом, букет из увядших цветов. Он писал: «Теперь, когда она лежит в постели разбитая лихорадкой, она выглядит прекрасной и молодой, как когда-то».

Портрет жены художника
Форд Мэдокс Браун 1872

Переполнено символикой и полотно Данте Габриэля Россетти «Леди Лилит» (1867). Идею картины раскрывает сонет «Телесная прелесть»: «Спокон веков она мужей влекла, Улавливая души и тела В силки страстей, как в наши времена.

Ей любы мак и томных роз цветы; Кого, Лилит, не зачаруешь ты, Твой поцелуй и сонных грез настой».

Роскошный цветок мака в черной вазе символизирует не только воображение и вечный сон, но также наслаждение и неизбежность смерти.

Леди Лилит
Данте Габриэль Россетти 1873

96.5 × 85.1 см

Значение первоцвета изменяется в зависимости от окраски, но в картине Эдвина Лонгсден Лонга «Дочери нашей империи. Англия: первоцвета» (1887) желтый задуман как символ молодости и любви.

Серия Дочери Нашей империи
Эдвин Лонгсден Лонг 1887

Картина Джона Эверетта Милле «Офелия» известна благодаря детализированному изображению растительности реки и на речных берегах.

Когда художник рисовал обреченную Офелию Шекспира, в пышной сцене смерти он изобразил все цветы в соответствии с оригиналом текста и ботанической точностью.

В каждом из растений закодирован определенный смысл: лютики означают неблагодарность, плакучая ива, склонившаяся над девушкой, — знак отвергнутой любви, крапива обозначает боль, цветы маргариток около правой руки символизируют невинность.

Розы традиционно говорят о любви и красоте, кроме того, один из героев трагедии называет Офелию «роза мая»; ожерелье из фиалок знаменует скромность и верность, так же как и растущие на берегу незабудки; алый и похожий на мак адонис, плавающий около правой руки, символизирует горе.

Офелия
Джон Эверетт Милле 1852

111.8 × 76.2 см

И, хотя, сегодня в большинстве живописных сюжетов натюрмортам, цветам и растениям определена второстепенная роль, попробуйте прислушаться к тихому разговору детей Флоры: они вам расскажут много интересного.
Елена Настюк

Источник: https://newsland.com/community/5920/content/na-lepestkakh-tsvetov-napisano-poslane-tsvety-kak-simvol-v-iskusstve/5868385

"На лепестках Цветов написано посланье": цветы как символ в искусстве

«На лепестках Цветов написано посланье»: цветы как символ в искусствеekozhukNovember 13th, 2016Оригинал взят у rama909 в «На лепестках Цветов написано посланье»: цветы как символ в искусствеОригинал взят у vakin в «На лепестках Цветов написано посланье»: цветы как символ в искусствеИзысканные натюрморты и дивные растения на полотнах живописцев — цветы могут не только украсить вид, но и открыть тайный смысл, передать послание внимательному исследователю. Листаем пленительный гербарий, изучая таинственный сад цветочных символов. «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Рембрандт ван Рейн. Флора

Гимн красоте божественного творения

Силу воздействия живописных образов на религиозные чувства верующих прекрасно понимали отцы церкви. И, несмотря на аскетизм ранних сюжетов, роза и лилия одними из первых стали пользоваться особым вниманием. «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Сандро Боттичелли. Алтарь Барди, Мадонна на троне, Иоанн Креститель и Иоанн Евангелист.Деталь: Мария и младенец Христос. 180×185 см «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Ян ван Эйк. БлаговещениеЛилия — любимица древних властителей и императоров. С расцветом христианства ее белоснежным лепесткам было доверено символизировать непорочность Девы Марии. Цветок стал практически неизменной деталью сцен Благовещенья в европейском изобразительном искусстве.Роза — покорительница сердец, — никогда не была лишена внимания. Ее насыщенный красный цвет и шипы красноречиво повествовали о страданиях Христа. Сплетённые же вместе белые (символ чистоты Марии) и алые розы знаменовали собой объединение в вере всех христиан (Альбрехт Дюрер «Праздник венков из роз» или «Праздник чёток»). «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Альбрехт Дюрер. Праздник четок (Праздник венков и роз)1506, 162×194.5 смГерард Давид. Дева с младенцем и четырьмя ангеламиИрис — белый символизирует чистоту, синий — материнскую скорбь.Изображение цветов в религиозных сюжетах позволяло навеки запечатлеть красоту мудрости и щедрости самого Творца, напоминая и о бренности земной жизни. Эта христианская идея отражена в картине Яна Давидса де Хема (1606−1683) «Натюрморт с распятием и черепом» (Мюнхен, Старая Пинакотека). О скоротечности жизни в цветочном memento mori, как правило, напоминает изображение часов или черепа. В натюрморте же с другим набором предметов в этой роли выступает сам цветок. «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Ян Давидс де Хем. Цветы в стеклянной вазе, распятие и череп85×103 смВключенный в букет хлебный колос символизирует не только хлеб Причастия, но и Воскресение, поскольку человек, подобно зерну, возрождается к новой жизни после погребения в землю. В композиции другой картины Яна Давидса де Хема -«Букет цветов в стеклянной вазе», — очевидно доминирование алого мака и белой гвоздики. Внимательному зрителю мак напоминал о скоротечности живой красоты, а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Белая гвоздика символизировала чистую и ясную христианскую жизнь. «Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины Ян Давидс де Хем. Цветы в вазеНа протяжении XVI столетия светская символика в искусстве постепенно отвоевывала все больше прав. Так, красная гвоздика — в христианском искусстве символ любви и страдания, ассоциирующийся с кровью, пролитой Христом, уже все чаще в портрете XV—XVI вв., особенно в парном, сопровождает влюбленных и служит указанием на обручение. Цветок стал общепринятым, и по сей день сохранившим свое значение атрибутом доблести и отваги, революции, причем, не только Октябрьской, но, прежде всего, Французской.Ганс Гольбейн Младший. Портрет купца Георга Гиссе1532, 85×96 см. МаслоЯн ван Эйк. Мужской портретЛеонардо да Винчи. Мадонна с младенцем Интересно, что в случае многозначности символа принимается во внимание то из его значений, которое соответствует общему духу картины. Например, чертополох в Германии указывал на помолвку — этот намек и усматривали раньше исследователи известного автопортрета Альбрехта Дюрера с чертополохом. Однако надпись в верхней части картины — «мои дела определяются сверху» (стар. нем.), — указывает на еще одну символику растения — Страсти Христовы. Так художник выразил преданность Богу, подчеркнув свою мысль чертополохом в руке.Альбрехт Дюрер. АвтопортретВ миниатюрах календарей франко-фламандских часовников XV в., цветы — признанные атрибуты апреля и весны вообще в позднейших циклах картин на тему «Месяцы» или «Времена года». Один из самых изысканных образов возрождающейся природы запечатлен в миниатюре «Апрель» («Роскошный часослов герцога Беррийского») братьев Лимбургов: дамы в изящных придворных платьях собирают цветы на яркой зелени луга.Братья Лимбург. Времена года. АпрельНо что нам «скромные цветы»? Довольно неожиданно выглядит «Автопортрет с подсолнухом» Антониса ван Дейка! Дело в том, что подсолнух был только-только завезен испанцами в Европу из Перу (произошло это в 1569 г.), и еще столетие его выращивали в садах как диковинку. Заметив, что подсолнух поворачивается вслед за небесным светилом, его стали считать символом солнца (Творца, монарха) и судьбы, а также верности. Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца — свидетельство непоколебимой преданности мастера своему покровителю, английскому королю Карлу I.Антонис ван Дейк. Автопортрет

«Я вышла в сад …» Белла Ахмадулина

Вообще, появление и распространение «несерьезной» цветочной живописи в Европе было результатом интенсивного развития садоводства — как научного, так и любительского. Растительный мир, окружавший художников, с середины XVI века начал изменяться.

Цветочный натюрморт в китайской вазеБотаника обрела самостоятельность, отделившись от медицины, составной частью которой была до этого.

Вот и художники обратили особое внимание на цветочную живопись, к тому же ученые, большинство из которых работали в Голландии, заказывали рисунки растений для исследовательских целей.

«Чудесный гость далекого Ирана»

«Портреты» цветов заказывались и владельцами садов, чтобы увековечить диковинные и экзотические и просто прекрасные цветы, собранные или выведенные хозяином. Садоводы, занимавшиеся разведением и выведением редких видов, заказывали рисованные каталоги для презентации покупателям посадочного материала. Особую актуальность такие каталоги приобрели в период пресловутой тюльпаномании. Спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине 30-х годов XVII в. достигла поистине степени безумства, когда за луковицу тюльпана редкой новой окраски закладывали дом. Неудивительно, что тюльпаны можно увидеть практически в каждом букете, написанном в первые сорок лет XVII столетия, и больше всего сохранилось альбомов именно с этими цветами. Одна из таких книг — «Тюльпановая книга» Якоба Маррела (1642) — содержит лист с ценами на тюльпаны в 1635—1637 гг., в самый разгар тюльпаномании.Колесница Флоры. Аллегорическая картина Гендрика Пота«Колесница Флоры». Аллегорическая картина Гендрика Пота (1580−1657) — популярный лубочный сюжет, высмеивающий простаков-спекулянтов. Повозка с богиней цветов (только тюльпаны) и её праздными спутниками катится под уклон в пучины моря. За ней бредут ремесленники, забросившие орудия своего труда в погоне за лёгкими деньгамиЯн Давидс де Хем. Ваза с цветамиЯн Давидс де Хем. ЦветыЯн Давидс де Хем. Цветочная композицияПервые станковые натюрморты появились в 1600-е гг. в творчестве Якоба де Гейна, Руланта Саверея, Яна Брейгеля, Амброзиуса Босхарта и представляли собой искусные композиции из разнообразных цветов в изысканной вазе. Такие букеты кажутся написанными с натуры, однако присмотритесь: они составлены из растений, цветущих в разные сезоны. Живописцы выполняли тщательные рисунки акварелью и гуашью, рисуя цветы с натуры, и затем использовали эти наброски в различных работах.Ян Брейгель Младший. Корзина с цветамиЯн Брейгель Младший. Большой букет из лилий, ирисов, тюльпанов, орхидей и пионов в вазе, декорированной изображениями Амфитриты и ЦерерыЯн Брейгель Младший. Флора в цветах64×44 смЯн Брейгель Младший. СлухЯн Брейгель Младший. Пять чувств: ЗрениеИ, конечно, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность, подозрительность, и обман. Ирис уже перестал напоминать о скорби Божьей матери и начал воспевать Весну и возрождение.Лаванда символизирует деревенскую жизнь, крестьянство, и, в то же время, желание, порок, разврат, потерю невинности. А вот тюльпаны, памятую о своем бурном коммерческом прошлом, преобразились в символ богатства, процветания, торговли, и это объяснимо самой историей бытования цветка.Рафаэль Санти. Святое семейство под пальмой, тондоОдуванчик, из символа младенца Христа (на тондо Рафаэля изображен слева у края плаща Иосифа) трансформировался в трогательное напоминание о детстве, тоске по прошлому.Символика активно использовалась в искусстве до второй половины XIX века. «Говорящий гербарий» можно увидеть на полотнах Ореста Кипренского. «Бедная Лиза» нежными пальчиками держит хрупкий красный цветок — это ее любовь и судьба.Орест Адамович Кипренский. Бедная Лиза. 39×45 смБалерина Екатерина Телешова в образе Зелии — героини балета «Приключение на охоте», — демонстрирует идеализированный букетик полевых цветов, намек на простодушие театрального образа. Цыганка прижимает ветку мирта — атрибут Афродиты. Однако у мирта есть еще одно значение — символ язычника обращенного в христианство. И, пожалуй, это наиболее вероятное объяснение присутствия детали на портрете цыганки (как известно, ромы принимают религию страны, где они проживают).Орест Адамович Кипренский. Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной. 1823Орест Адамович Кипренский. Цыганка с веткой миртаА на портрете Е. Авдулиной отчетливо видна одиноко стоящая в стакане с водой веточка гиацинта. Его белый цвет — символ нравственной чистоты, но, в то же время и смерти: осыпающиеся лепестки — уже ставший хрестоматийным намек на быстротечность молодости и красоты. Художник грустил: ему довелось покинуть солнечную Италию и вернуться в Петербург.Орест Адамович Кипренский. Портрет танцовщицы Телешовой. 55×64 см

«Где весело, туда лети, из лучших роз богине Флоре венок сплети…» Рубен Дарио

Цветы, учитывая, заложенную в них природой идею роста и плодородия, издревле связывали с женской сексуальностью.Тамара Лемпицка. ИраТамара Лемпицка. ЖенщиныТамара Лемпицка.

Портрет АрлеттТамара де Лемпицка считала каллы самыми женственными и эротичными цветами и постоянно включала их в свои натюрморты. В картинах Джорджии О’Киф критики практически единодушно усмотрели эротические намёки.

А известный фотограф Альфред Стиглиц считал работы О’Киф манифестацией «вечной женственности».Джорджия О'Киф. Цветы 36Джорджия О'Киф. Канна красная с оранжевымДжорджия О'Киф. ОрхидеиДжорджия О'Киф. Дурман (Белый цветок №1). 1932, 101.

6 смУ древних италийцев с приходом весны над миром властвовала юная богиня распускающихся цветов — Флора. Ренессанс воскресил наследие античности, и цветы окружили жизнерадостных Венеру и Флору.

Богини участвуют в картинах с аллегориями месяцев и времен года, чувств и стихий, олицетворяя весну, обоняние или зрение, землю или огонь (Ян Брейгель Старший. «Обоняние»).Сандро Боттичелли. Весна (Примавера)1485, 314×203 см

«Ладонь твоя росой окроплена, Раскрылся пальцев розовый бутон» Данте Габриэль Россетти

Символизм, отражённый на картине Данте Габриэля Россетти «Вероника Веронезе» (1872), включает освобождённую из клетки птицу, а ромашки в птичьей клетке— запертую энергию, примулы — символ юности, нарциссы — отражение мыслей.Данте Габриэль Россетти. Девушка со скрипкойФорд Мэдокс Браун. Портрет жены художникаФиалки — символ скромности и верности.

Так, на портрете своей жены Эммы Хилл, Форд Мэдокс Браун вкладывает в руки своей возлюбленной, разрушенной алкоголизмом, букет из увядших цветов. Он писал: «Теперь, когда она лежит в постели разбитая лихорадкой, она выглядит прекрасной и молодой, как когда-то».Переполнено символикой и полотно Данте Габриэля Россетти «Леди Лилит» (1867).

Идею картины раскрывает сонет «Телесная прелесть»: «Спокон веков она мужей влекла, Улавливая души и тела В силки страстей, как в наши времена. Ей любы мак и томных роз цветы; Кого, Лилит, не зачаруешь ты, Твой поцелуй и сонных грез настой». Роскошный цветок мака в черной вазе символизирует не только воображение и вечный сон, но также наслаждение и неизбежность смерти.

Данте Габриэль Россетти. Леди ЛилитЭдвин Лонгсден Лонг. Серия Дочери Нашей империиЗначение первоцвета изменяется в зависимости от окраски, но в картине Эдвина Лонгсден Лонга «Дочери нашей империи. Англия: первоцвета» (1887) желтый задуман как символ молодости и любви.

Картина Джона Эверетта Милле «Офелия» известна благодаря детализированному изображению растительности реки и на речных берегах. Когда художник рисовал обреченную Офелию Шекспира, в пышной сцене смерти он изобразил все цветы в соответствии с оригиналом текста и ботанической точностью.

Розы традиционно говорят о любви и красоте, кроме того, один из героев трагедии называет Офелию «роза мая»; ожерелье из фиалок знаменует скромность и верность, так же как и растущие на берегу незабудки; алый и похожий на мак адонис, плавающий около правой руки, символизирует горе.Джон Эверетт Милле. Офелия.1852, 111.8×76.2 смИ, хотя, сегодня в большинстве живописных сюжетов натюрмортам, цветам и растениям определена второстепенная роль, попробуйте прислушаться к тихому разговору детей Флоры: они вам расскажут много интересного.

Автор Елена НастюкИсточник — artchive.ru

Источник: https://ekozhuk.livejournal.com/201780.html

Дюрер Альбрехт

Нидерландский художник Питер Мондриан

Немецкий живописец, рисовальщик и гравер, один из величайших мастеров западноевропейского искусства.

Дюрер был проницательным исследователем природы и горячим приверженцем итальянской (ренессансной) теории искусства, однако в его творчестве проявились многие черты средневекового мистицизма.

Дюрер с увлечением рассказывал о своей жизни, возможно, побуждаемый тщеславием; он описывал различные ее аспекты в семейной хронике, в дневнике, посвященном поездке в Нидерланды, и в нескольких письмах личного характера.

Автопортреты Дюрера, еще более, чем его собственные слова, обнаруживают постоянное стремление к самопознанию и формированию собственной личности.

Первый автопортрет художник создал в возрасте тринадцати лет. На этом рисунке серебряным карандашом он предстает тонким чувствительным юношей. В таком же ключе Дюрер изобразил себя на очень камерном по характеру Автопортрете с гвоздикой (1493, Лувр). Здесь ему двадцать два года.

Изящным и извилистым контурам его щегольской одежды вторят волнистые линии длинных светлых волос. На мадридском Автопортрете (1498, Прадо) Дюрер предстает преуспевающим человеком. Его руки покоятся на парапете, за спиной открывается вид из окна.

Здесь он уже показан с бородой, одетым в платье богатого бюргера.

В этом портрете нашел отражение ренессансный подход к трактовке личности художника, который отныне должен рассматриваться не как скромный ремесленник, а как личность, обладающая высоким интеллектуальным и профессиональным статусом. В 1500 эти тенденции достигают кульминации в Автопортрете в образе Христа (Мюнхен, Старая Пинакотека).

Здесь самолюбование мастера, заметное в его более ранних автопортретах, сменяется трезвой прямотой. Фигура строго фронтальна, глаза приковывают внимание, тона карнации дополнены разнообразными оттенками коричневого, фон темный. В этом произведении Дюрер, очевидно, стремился передать мысль, что художник, подобно Богу, является творцом.

«Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины

Автопортрет, 1500, Старая Пинакотека, Мюнхен

Дюрер родился 21 мая 1471 в Нюрнберге, главном центре немецкого гуманизма.

Его художественное дарование, деловые качества и мировоззрение формировались под влиянием трех людей, сыгравших наиболее важную роль в его жизни: отца, венгерского ювелира; крестного Кобергера, оставившего ювелирное искусство и занявшегося издательским делом; и ближайшего друга Дюрера, Вилибальда Пиркхаймера – выдающегося гуманиста, познакомившего молодого художника с новыми ренессансными идеями и произведениями итальянских мастеров.

Дюрер освоил основы живописи и ксилографии в мастерской художника Михаэля Вольгемута. После нескольких лет учебы он в 1490 поехал в Кольмар, чтобы познакомиться с великим гравером Мартином Шонгауэром, но не застал его в живых.

1492–1494 он провел в Базеле, крупнейшем центре производства иллюстрированных книг.

Здесь молодой художник увлекся ксилографией и гравюрой на меди; однако из многочисленных гравюр, приписываемых этому периоду творчества Дюрера, его произведением может считаться только фронтиспис к изданию посланий св. Иеронима 1492.

«Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины

Альбрехт Дюрер. Дворик замка в Инсбруке. Акварель. 1494. Вена, Альбертина

В 1494, после посещения Страсбурга, Дюрер вернулся на родину, но вскоре отправился в Венецию. По дороге мастер выполнил несколько замечательных акварельных пейзажей, которые являются одними из первых произведений этого жанра в западноевропейском искусстве.

Вернувшись в Нюрнберг в 1495, художник открыл собственную мастерскую и стал делать рисунки, по которым его ученики изготавливали ксилографии. Печатая значительное количество оттисков, Дюрер с 1497 начал прибегать к услугам агентов, продававших его гравюры по всей Европе.

Таким образом, он стал не только художником, но и издателем; его славу упрочило издание в 1498 серии гравюр на дереве Апокалипсис. В гравюре Четыре всадника Апокалипсиса кони летят над телами упавших людей.

Эмоциональная напряженность достигается при помощи противопоставления темной густой параллельной штриховки, больших пятен чистой белой бумаги и мест, где формы едва обозначены тонкими линиями; так создается удивительный скульптурный эффект.

В это время слава Дюрера, которому с 1496 покровительствовал курфюрст Саксонский Фридрих, распространилась по всей Европе.

«Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины

Барбара Дюрер, урождённая Хольпер, Нюрнберг, Германский национальный музей

В 1503–1504 Дюрер создает замечательные акварельные этюды животных и растений, из которых наиболее знаменит Большой кусок дерна (1503, Вена, Художественно-исторический музей). Написанные различными оттенками зеленого, растения изображены с непревзойденной тщательностью и точностью.

Исполненная в 1504 гравюра Адам и Ева отличается монументальностью и классицизирующими тенденциями. Обе фигуры – плод исследований пропорций человеческого тела, занимавших Дюрера в течение всей жизни. Теперь художник обратился к гравюре на металле, дававшей возможность оперировать более тонкими и гибкими линиями, чем те, которые могут быть получены в технике ксилографии.

В 1506, возможно, спасаясь от чумы, Дюрер снова приехал в Венецию. Отношение Дюрера к Венеции было двойственным. Для него этот город был одновременно и притоном мошенников и воров, и местом «где я – господин, в то время как дома – всего лишь паразит».

В алтарном образе для немецкой церкви в Риальто Праздник четок (1506, Прага, Национальная галерея) Дюрер использовал традиционную итальянскую иконографию sacra conversazione (Мадонна на троне с предстоящими ей святыми по сторонам).

На этой картине Мадонне с Младенцем поклоняются император и папа римский, а позади них – толпа народа, в которой Дюрер изобразил многих своих современников.

История жизни Альбрехта Дюрера

Вернувшись в Нюрнберг, Дюрер продолжал заниматься гравюрой, однако среди его произведений 1507–1511 более важное место занимают картины. Дюрера, по-видимому, не привлекал получивший широкое распространение в эти годы прием сфумато (туманная мягкость очертаний в живописи), и он продолжал писать в жестком линеарном стиле.

Для этого периода характерны такие картины, как Адам и Ева (1507, Прадо). Гибкие тела удлиненных пропорций со слабовыраженными признаками пола, помещенные на темном фоне, более грациозны, чем Адам и Ева на гравюре 1504.

В 1508 для доминиканской церкви во Франкфурте Дюрер написал большой образ Успение Богоматери (не сохранился и известен лишь по копиям).

Праздник венков из роз. Масло, тополевая доска (1506

В его композиции отразилось влияние итальянских двухъярусных изображений Вознесения Богоматери. Благодаря использованию этой схемы мастеру удалось достичь поразительной монументальности образа. В 1511 по заказу купца Маттеуса Ландауера Дюрер написал Поклонение Троице (Вена, Художественно-исторический музей).

Это – наиболее амбициозное из всех произведений художника.

Троица изображена на центральной оси (Святой Дух в виде голубя, Бог Отец, увенчанный короной, и распятый Христос); вокруг – поклоняющиеся Божественному Престолу святые, образующие четыре группы: вверху слева – мученики во главе с Богоматерью; справа – пророки, пророчицы и сивиллы под предводительством Иоанна Крестителя; внизу слева – деятели церкви, ведомые двумя папами, а справа – миряне во главе с императором и королем. В самом низу изображен пейзаж с озером, на берегу которого показана одинокая фигура самого Дюрера у доски с надписью. Живопись жесткая и сухая, сверкающие краски кажутся почти металлическими, твердые и плотные формы контрастируют с мягкостью пейзажа и облаков.

Если в 1507–1511 Дюрер в основном занимался живописью, то 1511–1514 годы были посвящены преимущественно гравюре.

Он выпустил второе издание Апокалипсиса, цикл из двадцати гравюр на дереве Жизнь Марии, двенадцать гравюр серии Большие Страсти и тридцать семь гравюр на тот же сюжет – Малые Страсти.

В этот период его стиль становится более уверенным, контрасты света и тени сильнее, как, например, в гравюрах Взятие Христа под стражу (серия Большие страсти) и Четыре всадника Апокалипсиса. В 1512 Дюрер выпустил третью серию гравюр Страсти изысканных и утонченных по исполнению.

Алтарь Ландауэра. 1511. Музей истории искусства. Вена

В 1513–1514 он создал три самых знаменитых своих листа: Рыцарь, смерть и дьявол; Св. Иероним в келье и Меланхолия I. На первом из них рыцарь-христианин едет по гористой местности, сопровождаемый Смертью с песочными часами и дьяволом.

Образ рыцаря возник, возможно, под влиянием трактата Эразма Роттердамского Руководство христианского воина (1504). Рыцарь – аллегория активной жизни; он совершает свои подвиги в борьбе со смертью. Лист Св.

Иероним в келье, напротив, является аллегорическим изображением созерцательного образа жизни. Старик сидит у пюпитра в глубине кельи; на переднем плане растянулся лев.

Сквозь окна в это мирное уютное жилище льется свет, однако и сюда вторгаются символы, напоминающие о смерти: череп и песочные часы. На гравюре Меланхолия I изображена крылатая женская фигура, сидящая среди разбросанных в беспорядке приборов и инструментов.

В 1514 Дюрер стал придворным художником императора Максимилиана I. Вместе со своими помощниками он создал гравюру (3ґ3,5 м), которая изображает триумфальную арку и торжественную процессию. Композиция была призвана прославить историю императорской династии и подвиги императора и его предков.

Дюрер продолжал писать и картины, создав замечательный Портрет императора Максимилиана (Вена, Художественно-исторический музей) и образ Богоматерь с Младенцем и св. Анной (1519–1520, Метрополитен). Последний представляет собой композицию, состоящую из трех плотно сгруппированных фигур. Св.

Анна в задумчивости опустила руку на плечо юной Богоматери, поклоняющейся Младенцу Христу.

А. Дюрер. Портрет Максимилиана I

В 1519 Максимилиан умер, и трон перешел к Карлу V. В 1520 Дюрер отправился ко двору нового императора. Поездка превратилась в продолжительное путешествие по Нидерландам, подробно описанное Дюрером в путевом дневнике.

Художника везде встречали с почестями, по пути он видел самые разные произведения искусства, от Гентского алтаря ван Эйка до образцов искусства американских индейцев, привезенных из Мексики спутниками Кортеса.

Вернувшись в Германию, он приступил к теоретическому осмыслению своих наблюдений и написал трактаты о пропорциях человеческого тела и о перспективе – проблемах, занимавших его еще со времен первой поездки в Италию.

Вопрос о религиозных представлениях Дюрера остается без ответа. В сюжетах его картин можно найти и католические, и протестантские оттенки. Он симпатизировал Лютеру, с которым, однако, не был знаком.

В 1526 Дюрер создал Портрет Эразма Роттердамского (гравюра на меди), чьи умеренные религиозные воззрения, по-видимому, совпадали с его собственными. Диптих Четыре апостола (1526, Мюнхен, Старая Пинакотека) был подарен Дюрером городскому совету Нюрнберга.

Возможно, четыре фигуры апостолов в рост были написаны под влиянием образов алтаря Джованни Беллини из венецианской церкви Фрари (1488).

Могила Дюрера на кладбище Иоанна в Нюрнберге

На левой створке столь любимый Лютером Иоанн Богослов помещен перед Петром – камнем утверждения католицизма; на правой створке Павел, апостол Реформации, стоит впереди Марка. Возможно, это произведение было создано специально для недавно ставшего протестантским города; однако надпись внизу можно расценивать и как предостережение против любого проявления религиозного фанатизма.

Умер Дюрер в Нюрнберге 6 апреля 1528.

Источник: https://tunnel.ru/post-dyurer-albrekht

«Праздник венков из роз (Праздник чёток)» картина — Альбрехт Дюрер

Альбрехт Дюрер – Праздник венков из роз (Праздник чёток) 1506. 162×194 Редактирование атрибуции Скачать полный размер: 5894×4929 px (9,9 Mb) Художник: Альбрехт Дюрер
Где находится: Национальная галерея, Прага (Národní Galerie, Praha).
На картине: святой, бог, книга, святой, ренессанс, девственница, духовность, религиозная, люди, мэри, чудо, молитва, аура, поклонение, пересекать, апостол.

Картина – значимая веха в творчестве художника. Её создание стало доказательством мастерства Дюрера-живописца, которого ранее коллеги по цеху считали только успешным гравёром. В произведении ощущается сильное влияние венецианской школы, но собственная манера молодого немца просматривается очень чётко. Написана во время итальянского путешествия под впечатлением от работ местных мастеров. Библейский сюжет, к которому общается художник, красив и наполнен глубоким символизмом.

Библейский сюжет, к которому общается художник, красив и наполнен глубоким символизмом. Распространённое на территории Европы братство чёток, по легенде основанное св. Домиником, традиционно устраивало праздник, корни которого уходили к явлению Девы Марии пред святым.

Чётки для членов братства были не просто молитвенным инструментом, они считали, что каждая белая бусина – это роза, символ невинности Богоматери, а красная – цветок-символ крови Христовой.

На картине изображено действо, где раздаются венки: Мария возлагает на голову папы римского Юлия II, младенец-Иисус – на чело Максимилиану I.

Есть на картине и миряне. Рядом с Мадонной и младенцем, а также со св. Домиником, раздающими венки, находятся Иероним, знаменитый архитектор из Аугсбурга, Гримани, кардинал Венеции, немецкие купцы, выступавшие заказчиками произведения.

В «Празднике чёток», как ещё называют эту картину, есть два интересных персонажа. Нехарактерный для Дюрера, но традиционный для итальянской школы живописи, херувим с лютней – дань тому, что художник почерпнул за время работы в стране. И фигура позади справа – молодой человек в изящных одеждах, сам Дюрер.

Пройдя путь в более чем полтысячи лет, перенеся множество повреждений и восстановлений, сегодня произведение хранится в Праге, в Национальной галерее.

Несколько случайных «Праздник венков из роз (Праздник чёток)» картина — Альбрехт Дюрер

Источник: https://gallerix.ru/storeroom/825575191/N/1663997468/

Ренессанс

=> Художники Ренессанса => Альбрехт Дюрер

«Праздник венков из роз», Альбрехт Дюрер — описание картины

«Праздник венков из роз» или «Праздник чёток» (нем. Rosenkranzfest) картина Альбрехта Дюрера, написанная им в 1506 году в Венеции. В настоящее время находится в Пражской Национальной галерее, Чехия.

7 октября отмечается праздник Девы Марии Розария (Праздник четок или венков из роз). Традиция связывает его появление с явлением Девы Марии св. Доминику в 1214 г.

Во время богослужения произносятся молитвы Розария и перебираются четки. Первые упоминания об использовании схожих с Розарием молитв по чёткам в католических монастырях относятся к IX веку.

Современный вид чётки приобрели в XIII веке.

Классические чётки для Розария состоят из заключённых в кольцо 5 наборов из десяти малых бусин и одной большой, а также трех малых, одной большой бусины и креста.

По словам самого Дюрера, эта работа заставила признать тех художников, кто считал его лишь успешным гравёром, что он также настоящий живописец.

История создания

Картина была заказана Дюреру немецкими купцами, обосновавшимися в Венеции, в то время, когда художник находился в этом городе. Алтарный образ предназначался для церкви Сан-Бартоломео, располагавшейся у немецкого торгового дома Фондако деи Тедески.

По словам самого Дюрера (его письмо Виллибальду Пиркгеймеру от 8 сентября 1506 года), эта работа заставила признать тех художников, кто считал его лишь гравёром, что он также настоящий живописец.

Император Рудольф II позднее (1585) приобрёл картину «Праздник венков из роз» и переправил в Прагу.

Композиция

В центре картины изображена Дева Мария с младенцем Христом на руках. Иисус возлагает венок на голову коленопреклонённого папы римского (Юлий II, портретное сходство не соблюдено), мадонна — на голову Максимилиана I. Сплетённые вместе белые (символ чистоты Марии) и алые (страданий Христа) розы знаменовали собой объединение всех христиан в вере.

Два ангела держат над Марией зелёный балдахин, двое других — корону Габсбургов. Расположившийся у ног Девы Марии музицирующий ангел — отсылка к картинам венецианских художников, которые часто включали этот мотив в свои произведения.

Чётки для членов братства были не просто молитвенным инструментом, они считали, что каждая белая бусина – это роза, символ невинности Богоматери, а красная – цветок-символ крови Христовой.

После того, как картина была завершена, Дюрер пишет из Венеции своему другу в Нюрнберг гордые слова, в которых ощущается удовлетворение законченным «Праздником четок»: «Заявляю вам, что лучше моей Марианской картины, вы не найдете на целом свете…»

Ровно через сто лет после написания этой картины, в 1606 году, она покидает Венецию и отправляется прямо в Прагу, в коллекцию императора Рудольфа 2 Габсбурского, любителя искусства, который любой ценой мечтал приобрести «Праздник четок» Дюрера. Тяжелая судьба ожидала картину после смерти Рудольфа 2.

Она была нещадно повреждена временем, выброшена из коллекции Пражского града и продана. В конце концов, дюреровский «Праздник четок» оказался в Страговском Монастыре в Праге, где был спрятана от людских глаз.

Только в 1934 году после сложных многолетних переговоров, чехословацкое государство выкупает у монастыря произведение, которое по сей день находится в собрании Национальной в Праге, в Национальной галерее.

Источник: https://renesans.ru/renaissance/01_albrecht-durer/pictures_prazdnik_venkov_iz_roz.shtml

Дюрер Альбрехт , немецкий живописец…"Меланхолия" и Магический квадрат

kolybanov (kolybanov) wrote, 2013-07-01 14:16:00 kolybanov kolybanov 2013-07-01 14:16:00 Category: Автор — Cadmii. Это цитата этого сообщенияДюрер Альбрехт , немецкий живописец…»Меланхолия» и Магический квадрат.

Дюрер (Durer) Альбрехт (1471–1528), немецкий живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства.

учился у своего отца. Отец ,ювелирных дел мастер, хотел привлечь сына к работе в ювелирной мастерской, но Альбрехт не высказывал никакого желания. Он любил и тянулся к живописи.

У нюрнбергского художника Вольгемута Дюрер освоил не только живопись, но и гравирование по дереву. Влохновленный работами художника Мартина Шонгауэра, с которым он так и не встретился, Альбрехт много ездил и везде учился, учился, учился…

Но настало время, когда Альбрехту нужно было жениться. И тогда он выбрал себе из старинной и уважаемой нюрнбергской семьи Агнесу Фрей, дочь отцовского друга. Брак с Агнесссой был бездетным, да и супруги были разными по характеру, что делало семью не очень-то и счастливой.

Но тем не менее он открыл свое дело и в своей мастерской создал значительную часть своих гравюр. В Венеции курсировали слухи о его любви к обеим полам…Возможно, Дюрер практиковал однополую любовь с сердечным другом, знатоком античной литературы Пиркгеймером.

Длинные, завитые горячим способом, волосы, уроки танцев, страх заболеть сифилисом в Венеции и покупка лекарства против этой болезни в Нидерландах, элегантная одежда, мелкое тщеславие во всем, что касается его красоты и внешнего вида, меланхолия, нарциссизм и эксгибиционизм, комплекс Христа, бездетный брак, подчинение жене, нежная дружба с распутником Пиркгеймером, которого он сам в октябрьском письме 1506-го года шутливо предлагал кастрировать —

все это сочетается в Дюрере с нежной заботой о матери и братьях, с многолетним упорным трудом, частыми жалобами на бедность, болезни, несчастья, якобы его преследовавшие.

Будьте Богу верны! Обретете здоровье И вечную жизнь на небесах Как пречистая дева Мария.

Говорит вам Альбрехт Дюрер — Покайтесь в грехах До последнего дня поста, И заткнете дьяволу пасть, Одолеете нечистого.

Да поможет вам Господь Иисус Христос Утвердиться в добре! Чаще думайте о смерти, О погребении ваших тел. Это устрашает душу, Отвлекает от зла И греховного мира, От гнета плоти

И наущений дьявола…

Когда 1498 году Кобергер издал «Апокалипсис»,

Дюрер создал 15 ксилографий, которые принесли ему европейскую известность.Знакомство с венецианской школой оказало сильное влияние на живописную манеру художника. В Венеции художник выполнил по заказу немецких купцов «Праздник венков из роз» и затем поступали и другие предложения, картины которые оставили неизгладимое впечатление многогранностью цветов и сюжетов.

Сам император Максимилиан I

благоговел перед искусством Альбрехта Дюрера. Дюрер придерживался взглядов «иконоборцев, однако в поздних работах А.Дюрера некоторые исследователи находят сочувствие протестантизму.

В конце жизни Дюрер много работал как живописец, в этот период им созданы самые глубокие произведения, в которых проявляется знакомство с нидерландским искусством.

Одна из важнейших картин последних лет — диптих «Четыре апостола», который художник преподнёс городскому Совету в 1526 году.

Четыре апостола В Нидерландах Дюрер стал жертвой неизвестной болезни (возможно, малярии), от приступов которой страдал до конца жизни.

Праздник венков из роз. Масло, тополёвая доска 1506 год

Альбрех составил так называемый магический квадрат, изображённый на одной из самых совершенных его гравюр — «Меланхолии».

Заслуга Дюрера заключается в том, что он сумел так вписать в расчерченный квадрат чи́сла от 1 до 16, что сумма 34 получалась не только при сложении чисел по вертикали, горизонтали и диагонали, но и во всех четырёх четвертях, в центральном четырёхугольнике и даже при сложении четырёх угловых клеток. Также Дюрер сумел заключить в таблицу год создания гравюры «МеланхолияМагический квадрат Альбрехта Дюрера.

Есть в работах Альбрехта Дюрера три знаменитые гравюры на дереве, с изображением карт южного и северного полушарий звёздного неба и восточного полушария Земли, которая стала первой в истории отпечатанной типографским способом.

В 1494 году публикуется книга Себастиана Бранта под символическим названием «Корабль Дураков» (Das Narrenschiff oder das Schiff von Narragonia). Во время обязательных для цехового подмастерья странствий по Рейну, Дюрер выполнил несколько станковых гравюр в духе поздней готики, иллюстрации к “Кораблю дураков” С.Бранта, на котором флот пересекает море. Кругом полно дураков. Здесь смеются над дураками- моряками и кораблями Империи.

Считается, что кроме А.Дюрера, над проектом работали одновременно несколько рисовальщиков-резчиков…

Картину «Корабль Дураков» — написал и известный художник Иероним Босх.

Рисунок Дюрера «Корабль Дураков»

Наверху справа дураки на телеге, внизу по морю плывет корабль окруженный лодками, и на корабле и в лодках все дураки. Многие иллюстрации к «Кораблю Дураков», как отмечают комментаторы, МАЛО СВЯЗАНЫ С СОДЕРЖАНИЕМ САМОЙ КНИГИ.

Как выясняется, саму книгу Бранта избрали лишь как повод, предлог, для обнародования большого числа гравюр (ста шестнадцати) на тему «Корабля Дураков».

Есть у Альбрехта Дюрера и такая картина как «Праздник всех святых «(Алтарь Ландауэр) 1511 .Музей истории искусств, Вена. Эта картина также принесла огромную славу художнику.

«Меланхолия» Адам и Ева, резцовая гравюра на меди, 1504 г.

Морское чудо, 1498 Метрополитен — музей, Нью-Йорк

Cadmii

Оригинал записи и комментарии на LiveInternet.ru

Источник: https://kolybanov.livejournal.com/6779165.html