Картина «банки с супом кэмпбелл», энди уорхол — описание

Поп-арт начался в середине 20-ого века с нью-йоркских художников Энди Уорхола, Роя Лихтенштейна, Джеймса Розенквиста и Класа Ольденбурга, все из которых так или иначе привлекали в свои произведения образы из поп-культуры.

После популярности абстрактных экспрессионистов поп-арт со своими идеями, взятыми из средств массовой информации и народной культуры, стал серьезным сдвигом в модернизме.

Напротив, художники изображают обыденные предметы и людей повседневной жизни, тем самым стремясь поднять популярную культуру до уровня высокого изобразительного искусства. Возможно, благодаря многократному включению коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и звезд СМИ, движение поп-арт стремилось размыть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Понимание того, что не существует никакой иерархии культуры и что искусство может быть заимствовано из любого источника, как раз и являлось ключевой идеей поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как приверженцы поп-арта искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом.

Но, пожалуй, даже точнее будет сказать, что поп-арт художники первыми признали, что нет никакого прямого доступа ни к чему: будь то душа, мир природы или построенная среда.

Они считали, что все взаимосвязано и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разным мироощущениям и настроением, в целом о нем можно сказать, что это эмоционально абстагированное искусство. В отличие от «горячего» самовыражения жестикуляционной абстракции, которая предшествовала ему, поп-арт обычно «хладнокровно» амбивалентен.

Поп-арт художников, по-видимому, взрастило обильное послевоенное американское производство и медиа-бум. Некоторые критики интерпретировали выбор образов поп-арта как восторженное одобрение капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие критиковали за возвышение элементов повседневности до высокого искусства.

Большинство художников поп-музыки начали свою карьеру в области коммерческого искусства: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером, Эд Русча также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве дизайнера рекламного плаката. Этот бекграунд в мире коммерческого искусства обучил их визуальной лексике массовой культуры, а также методам плавного слияния царств высокого искусства и популярной культуры.

Великобритания: Независимая группа

В 1952 году собрание художников в Лондоне, называющее себя Независимой группой, регулярно встречалось для обсуждения таких тем, как место массовой культуры в изобразительном искусстве, науке и технике. Среди участников были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, архитекторы Элисон и Питер Смитсон, а также критики Лоуренс Дилей и Рейнер Банхам.

Британия в начале 1950-х годов все еще переживала аскетизм послевоенных лет, а ее граждане были неоднозначного мнения об американской популярной культуре. Тем не менее группа с энтузиазмом относилась к богатой мировой поп-культуре, которая, казалось, сулила хорошее будущее.

Образы, которые они подробно обсуждали, попадались в западных фильмах, научной фантастике, комиксах, рекламных щитах, автомобильном дизайне и рок-н-ролльной музыке.

Э. Паолоцци, «Я была игрушкой богатого человека», 1947 г

Фактический термин «Поп-арт» имеет несколько возможных истоков: первое использование этого термина в письменной форме было приписано как Лоуренс-Дилей, так и Элисон и Питер Смитсон, а также Ричарду Гамильтону, который дал определение этому слову на письме, в то время как первое произведение искусства с собственно содержанием слова «Поп» было создано Паолоцци. Его коллаж «Я была игрушкой богатого человека» (1947) содержит вырезанные изображения девушки-пин-ап, логотипа Coca-Cola, вишневого пирога, истребителя Второй мировой войны и руки человека с пистолетом, из которого вылетает слово “POP!” в плюшевом белом облаке.

Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и табличные поп-арт изображения

Поп-арт коллажи Паолоцци и Гамильтона как раз передают эти смешанные чувства европейцев к американской популярной культуре: возвеличивание серийных объектов и изображений и одновременную критику их избытка.

В своем коллаже “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?” (1956), Гамильтон объединил образы из различных источников средств массовой информации, тщательно подбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в единый обзор потребительской культуры после войны.

Р. Гамильтон, “Что же это делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?”, 1956 г

Рой Лихтенштейн и бумажная культура

Р. Лихтенштейн, «Поцелуй», 1962 г

Лихтенштейн доказал, что способен создавать серьезные произведения, хотя они и базируются на комиксах. Он использовал методы, используемые для создания изображений в комиксах, и для создания своих картин. Он не только перенял те же яркие цвета и четкие очертания, как иллюстрации из комиксов, его самым инновационным вкладом было использование “Ben-Day dots» — таких характерных маленьких точек, используемых для визуализации цвета в популярных комиксах. Несмотря на то, что Лихтенштейн сосредоточился только на комиксо подобных изображениях, его полотна не являлись точным факсимилем, а скорее были творческим реинжинирингом художника, в котором некоторые элементы могут быть добавлены или устранены, масштаб может сдвинуться, а текст может быть отредактирован. Своей ручной росписью, обычно создаваемой машиной, и воссозданием сцен комиксов Лихтенштейн размыл различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Р. Лихтенштейн, «Девушка в зеркале», 1964 г

Джеймс Розенквист и монументальный образ

Д. Розенквист, «Звездный вор»

Розенквист также непосредственно вовлек изображения из популярной культуры в свои картины. Однако, вместо того, чтобы создавать тиражи копий, Розенквист увлекался сюрреалистическими сопоставлениями продуктов и знаменитостей, часто дополняя работы политическими сообщениями. В рамках своего метода Розенквист собирал вырезки журналов, рекламных объявлений и фотографий, а затем использовал результаты в качестве вдохновения для его финального творчества. Навыки Розенквиста в создании афиш прекрасно пригождались ему в реалистичных изображениях этих коллажей, увеличенных до монументальных масштабов. Своими работами до 6 метров и более Розенквист как бы напитал обыденное тем же статусом, который ранее был зарезервирован лишь за предметами высокого искусства.

Д. Розенквист, «F-111», 1965 г

Энди Уорхол и многократное повторение

Э. Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелл», 1962 г

Энди Уорхол известен своими яркими портретами знаменитостей, однако предмет его работ широко варьировался на протяжении всей его карьеры. Общим для всех его произведений является то, что они вдохновены массовой культурой потребления. В его ранних работах изображены такие предметы, как бутылки Coca-Cola и суп-банки Кэмпбелла, воспроизведенные до бесконечности, как будто стена галереи была полкой в супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати для дальнейшего облегчения крупномасштабного тиражирования поп-изображений. Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергла представления о художественной аутентичности и гении. Вместо этого он признал коммодификацию искусства, доказывая, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелл: оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как товары народного потребления. Он также приравнял знаменитостей к массовым товарам народного потребления в портретах, таких как “Мэрилин Диптих” (1962).

Э. Уорхол, “Мэрилин Диптих”, 1962 г

Клас Ольденбург и поп-скульптура

К. Ольденбург, мягкая скульптура из папье-маше

Известный своими монументальными публичными скульптурами бытовых предметов и «мягкими» скульптурами, Клас Ольденбург начал свою карьеру с гораздо меньших масштабов. В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке в течение месяца, где он установил и продал свою проволочную и гипсовую скульптуру из обыденных предметов, начиная от пирожных и заканчивая мужским и женским нижним бельем, которую он назвал The Store. Ольденбург взимал номинальную плату за каждый отдельный элемент, что подчеркивало его мнение о роли искусства как товара. Далее он начинает создавать свои мягкие скульптуры: большие повседневные предметы из ткани и набивки, такие как кусочек торта, конус мороженого или миксер. Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных вещах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к масштабному публичному искусству. Одной из наиболее известных его работ является «Прищепка» высотой 45 футов (1974) в центре Филадельфии.

К. Ольденбург, скульптура «Прищепка», Филадельфия (слева), скульптура «Огрызок» (справа)

Независимо от масштабов, работа Ольденбурга всегда содержит игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы оправдать ожидания зрителя.

Источник: http://lobsta.ru/pop-art-iskusstvo-vdohnovlennoe-massovoy-kulturoy/

Коммерческое искусство: 14 самых известных работ Энди Уорхола

Сегодня, 6 августа, исполнилось бы 89 лет Энди Уорхолу, американскому художнику, чье имя символизирует поп-арт в искусстве. По этому случаю предлагаем  вспомнить его знаковые работы, среди которых портреты Мэрилин Монро, Элвиса Пресли и Мао Цзэдуна.  Последний, к слову, в 2014 году продали с аукциона Sothbey's за 7.6 млн. фунтов стерлингов. 

Техника шелкографии, позволяющая бесконечное количество раз воссоздавать одни и те же образы, стала визитной карточкой Уорхола.

Суть процесса заключалась в следующем – сначала он снимал человека на обычный фотоаппарат, а уже затем переносил увеличенное до необходимых размеров изображение на холст. Таким образом, он делал целые серии полотен со своими знаменитыми современниками.

Одна из главных заслуг художника (дизайнера, режиссера и издателя журнала Interview) заключается в том, что он, используя популярные образы массовой культуры (консервные банки супов, бутылки Coca-Cola и пр.), превратил их из обычных, скучных и прозаичных в настоящие арт-объекты, ставшие символом культурного ландшафта Америки второй половины XX века. 

«Зеленые бутылки кока-колы», 1962

«Двойной Элвис», 1963

«Цветы», 1964

«Банан», 1966

«Большой электрический стул», 1967

«Банки с супом Кэмпбелл», 1967

«Серия из шести автопортретов», 1967

«Мэрилин Монро», 1967

Мао, 1972

• Одри Хепберн 1973
• Лайза Миннелли, 1978
• «Микки Маус», 1982
• «Автопортрет», 1986
• «Последний автопортрет» («Камуфляж»), 1986

Источник: https://fancy-journal.com/kulturnaya-zhizn/iskusstvo-i-dizajn/19326-kommercheskoe-iskusstvo-14-samykh-izvestnykh-rabot-endi-uorkhola

Презентация. Энди Уорхолл — знаменитый создатель ста баночек супа Кемпбэл и других работ

Энди Уорхол (1928–1987)

Американский художник, скульптор, дизайнер, кинорежиссер, издатель журналов, писатель, коллекционер, продюсер

Уорхол был выходцем из бедной польской семьи, родился в 1930 г. в Филадельфии (шт. Пенсильвания). Мало кто из поклонников знал о том, что родители Андека Вархолы бежали в Америку из маленькой карпатской деревеньки от страшного голода.

Отец целыми днями пропадал на работе, братья гоняли мяч во дворе, а Энди сидел дома, боясь высунуть нос на улицу. Он был талантливым ребенком, любил рисовать, а продолжил свое образование в Институте технологии Карнеги, где изучал коммерческое искусство.

Его взгляды на жизнь и искусство были неординарными, поэтому он редко был понятым своими сверстниками и наставниками. Окончив образование, молодой художник в 1949 году переехал в Нью-Йорк и начал довольно успешно развивать свою карьеру в области рекламы. Также Энди иллюстрировал журналы.

Его популярность резко возросла после создания эксцентричных рисунков обуви, выполненных чернилами, в свободном стиле с нарочитыми пятнами.

Огромный успех, которого так ждал Энди, принесли ему золотые туфельки – реклама обуви подчеркивала изящество и тонкость вкуса, привлекала новизной и неординарностью. Подписи к изображенным туфлям сделала его мама – Джулия, чей почерк казался ему невообразимо красивым:- «Дядюшка Сэм хочет эти туфли».

По мнению критиков, эти картины отражали безликость и пошлость культуры массового потребления, менталитет западной цивилизации.  » width=»640″>

В 1960 году Уорхол создал дизайн для банок Кока-кола, который принёс ему известность художника с неординарным видением искусства.

В начале шестидесятых Уорхол всё больше занимался графикой, создавая, в основном, только произведения с изображением долларовых банкнот. В 1960—1962 появился цикл произведений с изображением консервных банок супа Кэмпбелл.

По мнению критиков, эти картины отражали безликость и пошлость культуры массового потребления, менталитет западной цивилизации. 

От изображения консервной банки с супом Кэмпбелл (1960–1962) Уорхолл перешел к простому выставлению объекта – инсталляция – традиции Марселя Дюшана. Простая банка супа Кэмпбелл выставлена в Лувре.

В таких работах Уорхолла как баночки супа Кэмпбелл, бутылки Кока-Колы, гамбургер и других выражена типично американская мысль – все уравнены посредством этих незамысловатых товаров массового потребления – и президент, и последний нищий на улице, который тоже может себе позволить бутылочку Колы.

• Уорхол как фотограф и художник работал с образами звёзд эстрады и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джима Моррисона, Мика Джаггера и Элвиса Пресли, а также с образами политиков, например, Мао Цзэдуна, Ричарда Никсона, Джона Кеннеди и Владимира Ильича Ленина («Красный Ленин», «Чёрный Ленин»).
• Мик Джаггер
• Мао Цзэдун
• «Чёрный Ленин»
• Че Гевара
• Элвис Пресли

От левой части панели, где Мерилин выполнена в цвете, художник перешел к черно-белой правой части, возможно, намекая на стирание живых черт актрисы. » width=»640″>

Мерлин Монро

Почти все наиболее известные работы включают повторение образов, заимствованных из мира рекламы, коммерции и средств массовой информации. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

100 изображений Мерилин Монро, сделанных методом шелкографии с фотографий актрисы. Возможное толкование: человек в мире коммерции и рекламы, став популярным, теряет свою индивидуальность и становится частью мира рекламы.

От левой части панели, где Мерилин выполнена в цвете, художник перешел к черно-белой правой части, возможно, намекая на стирание живых черт актрисы.

1. Дикие работы, с типичным влиянием средств массовой информации. Суицид 1964
2. Изображение символа американской независимости – кольта – Это огромное полотно типично для американской живописи.
3. Объявление 1960

В 1968 Уорхол вместе с Полом Морисси создал первый игровой фильм Плоть. В 1980 Уорхол решил организовать собственное телевидение, разработал проект нового кабельного канала (Andy Warhol's TV) и стал его директором.

Автопортрет

Источник: https://multiurok.ru/files/priezientatsiia-endi-uorkholl-znamienityi-sozdatie.html

Энди Уорхол "Банки с супом Кэмпбелл"

Характеристики изделия: Холст матовый — плотность 350 гр/м2.Подрамник — натуральное дерево (сосна). Крепеж — завесы, шурупы, веревка — в комплекте.

Упаковка — стрейч-пленка либо подарочная крафт.

Характерная структура холста придает картине подчеркнутую выразительность. Печать на полотне получается насыщенной  и стойкой к механическим воздействиям за счет применения качественных эко-чернил. Натяжка холста на торцы создает трехмерный эффект при развешивании. Первый слой упаковки — стрейч-пленка, второй слой — крафт.

Вы можете заказать любую картину из нашего каталога. Она будет напечатана в течение дня, оформлена в подарочную крафт-упаковку и передана Вам лично в руки. Если Вы не нашли для себя ничего подходящего в каталоге, всегда можно заказать печать своего изображения, которое так же будет натянуто на подрамник и красиво упаковано.

Для большей художественной выразительности вы можете подобрать багет для картины.

Классический крафт

Газета

Красный горох

Арт

Сердечки

Цветы

Самовывоз

Вы всегда можете самостоятельно забрать свой заказ у нас на офисе по адресу: г.Минск, метро Восток, пр. Независимости, 155/1 — Дом быта, 2-й этаж

Доставка по г. Минску осуществляется курьером на дом

Доставка курьером осуществляется в пределах МКАД г. Минска на следующий день после оформления заказа по будням с 16.00 до 21.00 Курьер перезвонит на указанный контактный телефон для согласования удобного для Вас времени доставки в течение дня.

Доставка по Беларуси осуществляется почтой

Мы всегда отправляем заказы в течении двух рабочих дней после подтверждения заказа. Скорость доставки зависит от региона и составляет как правило от 2 до 5 рабочих дней.

Пожалуйста, в комментарии к заказу обязательно указывайте свой действующий контактный телефон, т.к. с вами свяжется наш менеджер для подтверждения заказа.

Укажите в примечании своё полное ФИО и полный почтовый адрес (индекс, область, населённый пункт, улица, дом, квартира). За скорость перемещения посылки БелПочтой ответственности не несем).

Выберите удобный для Вас способ оплаты товара:

Наличными при самовывозе

При получении товара можно забрать его у нас на офисе самостоятельно и рассчитаться наличными деньгами. Наш адрес: г.Минск, метро Восток, пр. Независимости, 155 — Дом быта, 2-й этаж

• Наличными курьеру
• Вы можете произвести оплату наличными деньгами непосредственно курьеру в момент доставки заказа.
• Банковской карточкой через интернет

Вы можете произвести оплату с помощью ссылки, которую Вам пришлет наш менеджер, посредством банковской пластиковой карточки. Мы принимаем платежи по следующим банковским картам: Visa, Visa Electron, MasterCard, Maestro, Белкарт.

По ссылке Вы  переходите на специальную защищенную платежную страницу процессинговой системы bePaid.

На платежной странице будет указан номер заказа и сумма платежа. Для оплаты вам необходимо ввести свои карточные данные и подтвердить платеж, нажав кнопку «оплатить».

Если ваша карта поддерживает технологию 3-D Secure, вам будет предложено пройти стандартную одноминутную процедуру проверки владельца карты на сайте вашего банка (банк, выдавший вашу карту).

После оплаты наш менеджер свяжется с вами указанным вами способом для уточнения деталей по доставке.

Обращаем ваше внимание, что после проведения платежа на ваш электронный адрес придет подтверждение оплаты. Просим вас сохранять данные оплат.

«Халва» от МТБанка — это принципиально новый подход к совершению покупок. Теперь вы можете приобретать  товары на нашем сайте, оплачивая их не целиком, а равными частями. При этом нет первоначальных взносов, комиссий, и никаких переплат! Всё, что вам надо сделать: это выбрать то, что вам действительно необходимо, и совершить оплату по карте «Халва».

РАССРОЧКА ПО ХАЛВЕ — 2 МЕСЯЦА

Оплата картой «Халва» означает настоящую рассрочку на 100% стоимости товара. «Халва» предоставляет вам возможность оформить многочисленные товары в рассрочку, при этом стоимость всех покупок суммируется и выставляется в качестве одного минимального ежемесячного платежа, который необходимо погасить до 15 числа месяца, следующего за покупкой.

Источник: http://art.alasari.by/products/banki-s-supom-kempbell-endi-uorhol

Энди Уорхол "Банки с супом Кэмпбелл": описание картины

Картина, прославившая Энди Уорхола на весь мир и принёсшая ему славу как художнику, была создана в 1962 году. «Банки с супом Кэмпбелл» появились после долгих и безуспешных попыток Уорхола в мир искусства. Переехав в Нью-Йорк в самом конце 40-х и все пятидесятые напролёт проработав в глянцевых журналах и оформляя витрины магазинов, Уорхол зарабатывал около сотни тысяч долларов в год — безумные по тем временам деньги, — и не чувствовал себя счастливым. Его некоммерческая выставка 58-го года прошла незамеченной, а критики, соизволившие обратить на Уорхола внимание, отмечали, что коммерческому художнику не место среди богемы.

Всё изменилось в начале 60-х, когда Энди, уставший от работы и бесплодных попыток заявить о себе, взял отпуск и начал изображать то, что он на самом деле знал и любил. Первые эксперименты с темой и формой не принесли успеха, но когда от сложного Уорхол обратился к действительно простому — тому самому супу в банках, — его работа возымела оглушительный успех.

В создании цикла из 32 полотен, на которых отображены все выпускавшиеся на тот момент в Америке вариации «Кэмпбелл»-супа, Энди Уорхолу помогла мать: она, использовавшая жесть с банок для собственных поделок — цветов, — беспрекословно ходила в магазин, собирая всё новые вкусы.

А Уорхол рисовал. Работа заняла почти год, основной техникой для исполнения Энди выбрал шелкографию, но на тридцати двух полотнах встречаются элементы гравировки и других не-живописных стилей.

Воображение потрясает полное отсутствие украшений и каких-либо изменённых элементов: «Банки…

» — это 32 полотна, на которых на светлом фоне с почти фотографической точностью изображены банки консервированного супа.

Выставка-презентация работ состоялась в июле 62-го в галерее «Ferus». Именно от этой даты можно с уверенностью вести отсчёт взлёта популярности и признания поп-арта в США, поскольку успех «Банок с супом Кэмпбелл» был по-настоящему впечатляющим.

Зрители и критики в один голос заговорили об обществе потребления, чрезмерной одинаковости окружающих их товаров, погоне за «концентратами» — быстрыми и совершенно бездушными вещами, воплощением которых стал обыкновенный, так любимый Уорхолом суп.

На фоне успеха «Банок» Энди Уорхол создал и другие работы в том же направлении — в том числе, знаменитые «Зелёные бутылки кока-колы». Поп-арт начал привлекать всё больше внимания, в нём начали видеть настоящее искусство — возможно, упрощённое и гротескное, но, тем не менее, точно отражающее современную жизнь.

Источник: https://xn—-8sbiecm6bhdx8i.xn--p1ai/Soup.html

Как картина «Банки с супом Кэмпбелл» смогла покорить мир?

Дискуссии, касательно творческих способностей Энди Уорхола идут до сих пор. Самыми известными, но в тоже время самыми неоднозначными стали картины банок супа «Кэмпбелл». Кто-то видит в них лицо современного общества, а кто-то примитивность художника.

Творчество Энди Уорхола носит специфичный характер. Для кого-то он гений, для кого-то бездарь, лишенный таланта. Многие недоумевает «Да где же тут искусство?», «Так и я смогу нарисовать». А смогут ли? Возможно, да. В плане техники действительно ничего трудного.

Но будет ли там прослеживаться идея и стиль автора? Считается, что искусство — это то, от чего получаешь эстетическое удовольствие, будь это картины Леонардо да Винчи, Микеланджело или другие великие произведения.

Но является ли это константой? Почему нельзя назвать искусством что-то обыденное и повседневное? Энди Уорхол считал, что можно и на примере своих картин доказал, что это может вызвать резонанс.

Слава к Уорхолу пришла не сразу. Ему, как и многим представителям поп-арта пришлось пройти через шквал критики. Основным художественным движением Америки 40–50 годов был абстрактный экспрессионизм. Уорхол же предлагал совсем иной взгляд на искусство. Его работы отражали общество потребления, ценностями, которого были материальные вещи.

Критика была направленна на то, что творчество Уорхола лишено изящества и не представляет культурной ценности. Взять хотя бы знаменитые банки супа «Кэмпбелл», которые были представлены в Нью-Йорке в 1962 году. Именно благодаря им Энди Уорхол получил признание.

Многие сошлись во мнение, что картины отображают лицо тогдашнего общества, зацикленного на массовом производстве.

Первой картиной стала банка томатного супа, написанная в жанре живописи. В последующим художник отказался от работы кистями в пользу шелкографии. В этом можно отследить некий символизм. Художник создавал картины объектами, которых были продукты массового производства.

А последующие картины супа как раз-таки можно назвать производством, потому что наносились методом печати.

За всю жизнь Уорхол нарисовал множество картин, посвященных супу, в разных вариациях. Это были 10,32,100 и даже 200 банок с супом, банка с открывашкой, банка с оторванной этикеткой. Как видите это стало для художника неким фетишом.

Он и сам не отрицал этого, называя эти картины своими любимыми работами. Энди Уорхола обвиняли в коммерческих связях с компанией «Кэмпбелл». Кто-то считает, что известный бренд просто заказал у художника рекламу собственной продукции.

Основания, конечно, для этого есть, но конкретных доказательств так никто и не предъявил.

На аукционах картины Уорхола оцениваются в миллионы долларов. К художнику можно относиться по-разному. У кого-то он вызывает восхищение, а кто-то считает, что художник почует на лаврах незаслуженно.

Но нельзя отрицать, что Уорхол освежил взгляд на искусство и добавил в него разнообразия. Совсем не обязательно делать то, что принято и актуально. Есть те, кто идет против системы и Уорхол как раз относился к таким людям.

Если вам понравилась эта публикация, ставьте лайк ( ???? — палец вверх), делитесь этой статьей в соцсетях с друзьями. Поддержите наш проект, подписывайтесь на наш канал и мы будем писать больше интересных и познавательных статей для Вас.

Источник: https://zen.yandex.ru/media/id/595a0de5e86a9e0b9a96c5ed/5b327d53069d2a00a9e51136

Циник, филантроп, шутник: Энди Уорхол от А до Я

T

В день девяностолетия иконы поп-арта, суперзвезды 1960-х и самого яркого представителя нью-йоркской богемы рассказываем о нем от А до Я.

Уорхол родился в Питтсбурге, США, в семье словацких иммигрантов.Андрей Варгола — так звучит настоящее имя Уорхола на словацком.

Андрей Варгола (справа) с матерью Юлией и старшим братом 

В детстве Энди заболел хореей Сиденгама, из-за чего на время оказался прикован к постели. Во время болезни Уорхол много рисовал и собирал картинки известных людей или героев мультфильмов Диснея, вырезанных из газет и журналов. Так началась его любовь к знаменитостям и искусству.

Развившаяся болезнь вызвала проблемы с кожей, его стали называть «Энди, красноносый Уорхола».

Уже во взрослом возрасте ему так осточертел цвет его носа, что как-то раз он пошел в клинику (он вообще был сторонником пластической хирургии), чтобы там ему отшлифовали нос, но, по словам Уорхола, стало только хуже.

Уорхол был менеджером и продюсером легендарной группы. Они снимались в его фильмах и участвовали в шоу «Взрывная пластиковая неизбежность», сочетающем в себе театр, кино, танец и музыку. Шоу положило начало великому альбому группы The Velvet Underground & Nico, обложка которого стала самостоятельным произведением искусства.

Уорхол был открытым геем и стал иконой ЛГБТ-сообщества. Несмотря на то, что художник был религиозным человеком и часто появлялся в церкви, это не мешало ему открыто говорить о своей сексуальности. В ранних работах он исследовал мужское тело, составляя целые сборники с эротическими рисунками.

Aвтопортрет Энди Уорхола, 1987

Энди Уорхол и Шон Кэссиди, 1978

Если верить Уорхолу, на протяжении 20 лет он питался одним и тем же: супом Campbell и сэндвичами. А когда ходил в ресторан, заказывал то, чего совсем не хотелось, не мог съесть и просил официанта завернуть с собой. Упакованную еду он оставлял на улице — для бродяг. Это называлось нью-йоркской диетой Энди Уорхола.

Уорхол обожал знаменитостей и основал легендарный журнал, кажется, только для того, чтобы они имели возможность разговаривать друг с другом чаще.

Первые выпуски Уорхол сам раздавал людям на улице: простых горожан он любил не меньше звезд. В первых номерах журнала появились интервью с Джоном Ленноном, Сальвадором Дали, Дэвидом Боуи, Труменом Капоте.

Печатная версия журнала просуществовала почти 50 лет и была закрыта в мае этого года.

Энди Уорхол иронично называл себя самым завистливым человеком на свете, утверждая, что зависть — одно из главных чувств, заставляющее его что-то делать: «Собственно говоря, я всегда стараюсь покупать вещи и людей только потому, что завидую — вдруг кто-нибудь другой их купит, и они в конечном счете окажутся хорошими».

Уорхол и фотограф Артур Феллиг

В 1941-м Уорхол поступил в Технологический институт Карнеги (ныне Университет Карнеги — Меллон), где учился иллюстрации и коммерческому искусству.

Его первая работа появилась в журнале Glamour в 1949 году в статье «Успех — это работа в Нью-Йорке». По сути, это было стартом его собственного успеха и карьеры, молодой Уорхол начал зарабатывать иллюстрацией.

Его картинки — женские туфли и машины — стали печататься на страницах журналов, в том числе Vogue и Harper’s Bazaar.

Любовь Уорхол трактовал своеобразно и утверждал, что не уверен вообще, что когда-нибудь испытывал это чувство. Иногда казалось, что он любит свой телевизор или звукозаписывающий магнитофон больше, чем кого-либо.

Хотя в этом была своя доля лукавства: «Я не знаю, был ли я когда-нибудь способен на любовь, но после 1960-х я никогда больше не думал на языке «любви». Один человек в 1960-е обворожил меня больше, чем кто-либо за всю мою жизнь.

И очарованность, которую я испытал, была, вероятно, очень близка к какому-то роду любви».

Она была для него идеальным сочетанием красоты и чувства юмора, одной из главных женщин его жизни. После ее смерти он создал «Диптих Мэрилин» — символ творчества Уорхола и всего поп-арта. Журнал The Guardian отдал работе третье место в списке «500 выдающихся произведений современного искусства».

Всю жизнь Энди Уорхол прожил в США. Он родился и вырос в Питтсбурге в семье словацких иммигрантов, а большую часть жизни провел в Нью-Йорке.

Здесь он обрел настоящую популярность, здесь появилась его мастерская «Фабрика» и его суперзвезды — свита друзей и подруг, постоянно сопровождавших его повсюду и участвующих в его арт-проектах.

Он любил этот город и все, что связано с его страной: «Существуют три вещи, которые для меня всегда красивы: мои старые добрые ботинки, которые не жмут, моя собственная спальня и таможня США, когда я возвращаюсь домой».

В 1970-х он начал собирать вещи, место которых, казалось бы, в мусорной корзине, для своего проекта «Капсулы времени». Он запечатывал в картонных коробках бесконечные упаковки, флаеры, билеты, открытки, банки с супом и даже мертвых муравьев.

За 13 лет Уорхол собрал 610 таких капсул, их содержимое сейчас хранится в музее имени художника в Питтсбурге.

В свой расцвет поп-арт критиковался за стирание границ между низменным и возвышенным — он эксплуатировал образы рекламы и продуктов потребления, превращая бутылки кока-колы и упаковки из-под кетчупа в дорогостоящие произведения искусства.

Уорхол был пионером поп-арта и его иконой. Его мало интересовали критики, зато он обожал потребительскую культуру.

Его восхищала идея равенства, которая, как ему казалось, достижима через консюмеризм: «Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают в принципе то же самое, что и бедные.

Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумай — ты тоже можешь пить кока-колу. Все кока-колы одинаковы, и все они хороши».

Еще один представитель поп-арта и концептуализма. Они были знакомы и дружили с Уорхолом. Раушенберг работал преимущественно в технике коллажа, иногда так же, как Уорхол, использовал шелкографию и занимался инсталляциями.

Уорхол любил и ненавидел скуку одновременно.

Он воспринимал скуку как путь к катарсису: «Чем больше вы смотрите на одну и ту же вещь, тем больше из нее уходит смысла и тем лучше и опустошеннее вы себя ощущаете».

«Когда у меня появился первый телевизор, я перестал придавать большое значение близким отношениям с другими людьми», — конечно, Уорхол тонкий шутник, но телевидение и правда играло большую роль в жизни художника и было его любимым средством коммуникации. Он всегда мечтал о собственном телешоу и в 1980-х стал автором двух: Andy Warhol’s TV и Andy Warhol’s Fifteen Minute, которое показывали по MTV.

Энди Уорхол почти всегда начинал свой день одинаково: он звонил своим телефонным подругам. Самыми близкими были писательница Пэт Хэкетт и художница Бриджит Берлин, они могли разговаривать часами обо всем: о снах, общих друзьях, сексе и его собаке Арчи.

Мастерская Уорхола была пристанищем всех звезд и суперзвед Ньй-Йорка: от Боба Дилана и Жан-Мишеля Баския до Сальвадора Дали и Уильяма Берроуза, здесь знакомились друг с другом, творили, принимали наркотики и закатывали вечеринки. Некоторые жили тут днями и неделями.

Оставаясь местом главных богемных тусовок города, «Фабрика» сохраняла свою первоначальную задачу, хотя сам Уорхол трудился не так много — ему нравилось иметь ассистентов, которые выполняли монотонную работу вроде шелкографной печати одного и того же изображения.«Фабрика» сменила четыре адреса, но главной оставалась самая первая — вся покрытая серебристой краской: ей были выкрашены стены, потолки и даже унитаз, повсюду была расклеена фольга, висели осколки зеркал.

Кит Харинг — близкий друг Уорхола, завсегдатай «Фабрики» и представитель поп-арт-движения. Его маленькие угловатые человечки не менее узнаваемы, чем картины Уорхола. В 1986-м Харинг открыл на Манхэттене Pop Shop, в котором начал продавать свои работы и сувениры: от магнитов до футболок. Магазин, кстати, работает до сих пор, но в онлайн-режиме.

Глубоко религиозные родители Уорхола были прихожанами русинской грекокатолической церкви. Сам он тоже верил и любил церковь, его священник даже утверждал, что Уорхол приходил в церковь почти каждый день, но в безлюдные часы.

«Девушки из “Челси”» — пожалуй, самый известный полнометражный фильм Уорхола-режиссера о 12 девушках, развлекающихся в отеле «Челси». В фильме сыграли суперзвезды Уорхола — его свита, гости его «Фабрики» и друзья. Несмотря на то, что фильм принадлежал к авангардному, экспериментальному кино, его прокатывали в кинотеатрах, он пользовался коммерческим успехом. 

Большинство работ Уорхола выполнены в технике шелкографии, которая позволяла быстро копировать одно и то же изображение. Именно этим методом были созданы «Банки с супом «Кэмпбелл»» (Уорхол, кстати, говорил в одном из интервью, что это, пожалуй, его любимая работа), «Диптих Мэрилин», «Восемь Элвисов», серия «Смерть и катастрофа» и т. д.

Уорхол и фотограф и поэт Джерард Маланга с детьми в Нижнем Ист-сайде

Актриса, модель, подруга Уорхола, его суперзвезда и муза. Седжвик постоянно тусовалась на «Фабрике», снялась в нескольких картинах Уорхола, сопровождала его на вечерах и съемках телешоу.

Образ Седжвик стал культовым: стрижка пикси, темные тени и ресницы, короткое черное платье и огромные серьги — американская молодежь ей подражала, а рок-группы посвящали ей свои песни.

Хорошее чувство юмора было для Уорхола чуть ли не главным человеческим качеством: «Смешные люди — единственные люди, которые мне интересны, потому что, если в человеке нет ничего смешного, мне с ним скучно».

«Я стреляла в Энди Уорхола»

3 июня 1968 года Валери Соланас вошла в «Фабрику» и несколько раз выстрелила в Энди Уорхола. Она попала в живот, пули повредили восемь органов. После стрельбы Соланас выбежала на улицу и сообщила первому встреченному полицейскому: «Я стреляла в Энди Уорхола».

Валери Соланас была радикальной феминисткой, она знала Уорхола, уже бывала на «Фабрике» и даже снималась в его кино. Она заявила полиции, что тот «слишком контролировал мою жизнь». Ей диагностировали параноидальную шизофрению и посадили на три года.

После покушения Уорхол пересмотрел свое восприятие искусства и творчества и до конца жизни носил поддерживающий корсет.

Лучшие материалы The Blueprint — в нашем телеграм-канале. Подписывайтесь!

{«width»:1200,»column_width»:111,»columns_n»:10,»gutter»:10,»line»:40}false7671300falsetrue{«mode»:»page»,»transition_type»:»slide»,»transition_direction»:»horizontal»,»transition_look»:»belt»,»slides_form»:{}}{«css»:».editor {font-family: tautz; font-size: 16px; font-weight: 400; line-height: 21px;}»}

Источник: https://TheBlueprint.ru/culture/warhol-alphabet