Благословляющий христос, антонелло да мессина

Дева Мария всегда вдохновляла художников — во все времена и во всех странах ей посвящали скульптуры, фрески, алтарные образа и мозаики. Лик Марии одухотвореннный, нежный, строгий, полный любви к своему сыну и ко всем верующим. Со многими образами Девы Марии связаны чудесные исцеления, в Вероне таких образов было более 20, и истории о чудесах обрастали легендами и передавались из поколения в поколение.

• 10 самых красивых Мадонн в истории живописи.
• 10. Мадонна со Святыми Баттистой и Себастианом, Перуджино, 1493, Галерея Уффици, Флоренция
• Художника, которого мы знаем по прозвищу Перуджино, звали Пьетро ди Кристофоро Вануччи (около 1448 — февраль, 1523).

Образ Мадонна с Иоанном Крестителем и Святым Себастианом был создан в 1493 году по заказу вдовы Корнелии Сальвиати и её сына Пьетро для монастыря Св. Доменико во Фьезоле. В 1493 году художник женился на дочери архитектора Кьяре Фанчелли, и в лице Мадонны находят очертания его любимой жены — заостренный узкий подбородок и очертания маленького рта.

Мадонна изображена сосредоточенной, наклон головы в сторону Св. Себастиана, взгляд устремлен в пустоту. Она полна предчувствий о страданиях, которые выпадут на долю её сына, и предчувствует мученичество Себастиано. Произведение полно ярких красок и света, одежда Мадонны цвета коралла и синяя юбка, мантия темно-синяя. Лицо обрамляют светлые локоны, на голове покрывало синего цвета.

Мадонна со Святыми, 1493 год, Перуджино, Галерея Уффици, Флоренция

9. Благовещение, аттрибуция Леонардо Да Винчи, около 1475, Галерея Уффици, Флоренция

Дева Мария изображена в тот момент, когда чтение прервано чудесным появлением Ангела. Мария только что услышала весть о своей судьбе — она ожидает ребенка — божьего сына. Мария изображена с распущенными светлыми волосами с нимбом, одежда элегантна. Конечно, удивление, но весть принята достойно и только жест левой руки выдает смятение, защиту и приятие судьбы.

Необычная композиция Благовещения, ошибки в изображении перспективы и неизвестная история картины, которая находилась в церкви Св.Бартоломео в Монтеоливето до 1876 года вызывали споры об авторе.

Вазари не пишет о ней, искусствоведы, среди них веронец Кавальказелле, приписывали её Гирландайо (1449 — 1494). Только найденные рисунки Леонардо в Лувре и Оксфорде, которые были подготовительными работами, приблизили к признанию молодого Леонардо автором Благовещения.

Возможно, это один из первых заказов, который получил молодой художник будучи ещё учеником мастерской Вероккьо (1435 — 1488).

Ошибки в перспективе — более длинная правая рука, маленький кипарис по сравнению со зданием на заднем плане, короткие ноги и их расположение к пюпитру.

Предполагают, что такие ошибки могли быть сделаны намеренно, если бы картина располаглась на стене и смотреть на неё надо было только с правой стороны.

Не зная, для какого помещения художник создавал эту работу, трудно решить, что было ошибкой.

Благовещение, 1475 года, аттр.Леонардо да Винчи, Галерея Уффици, Флоренция

8. Полиптих Страшного Суда, Ван Дер Вейден, около 1450, богадельня Отель Дьё, Бон, Франция

Складной деревянный алтарь из девяти панелей Страшный Суд был заказан канцлером Герцога Бургудского Николя Роленом для богадельни в Боне, здесь же он и остался до сих пор. Фламандский художник Рогир Ван дер Вейден (около 1399 — 1464) изобразил Мадонну в молитве, обращенной к Христу. Выражение годости и нежности оновременно придал он взгляду Марии.

Она изображена в синей одежде, голова укрыта белым покрывалом, мы видим только лицо. Фигуры на золотом фоне, который придает монументальность всей работе Страшный Суд.

Створка алтаря Страшный Суд, 1450 год, Ван дер Вейден

1. 7. Христос и Дева Мария, 1424 год, Кампин, Музей Искусства, Филадельфия
2. 
3. Малоизвестное произведение фламандского художника Роберта Кампин (1378/79 — 1479), которого называют Маэстро ди Флеммаль.

Дева Мария в молитве раядом с благословляющим Христом, к нему обращен её взгляд полный любви и сострадания. Лицо Марии необычайно нежное, реальное, светлые локоны на плечах, покрывало на голове насыщенного синего цвета.

Благословляющий Христос и Дева Мария в Молитве, 1424 год, Филадельфия

6.Мария Аннунциата, 1476 год, Антонелло да Мессина, Дворец Абателлис, Палермо

Художник Антонелло да Мессина (1429/30 — 1474) — настоящий виртуоз в живописи, ему свойственна тщательная проработка деталей, монументальность форм и глубина фона. Здесь он изображает Марию на темном фоне, что отличало фламандскую живопись.

Мария в одежде синего цвета, её взгляд нежный и загадочный, жест приподнятой руки готов выйти из пространства картины. Она готова нам рассказать о тайне, которую сообщил ей Ангел. Тайну, которую нам не суждено узнать!

Мария Анунциата, 1476 год, Антонелло да Мессина, Палермо

5. Мадонна дель Магнификат, 1481 год, Сандро Ботичелли, Галерея Уффици, Флоренция

Круглая форма картины тондо говорит о частном заказе — такие полотна размещали в спальне. Предполагают, что Ботичелли (1445 — 1510) написал работу Мадонна Магнификат — Мадонна с младенцем и пятью Ангелами по заказу Медичи, и здесь представлена семья Пьеро дей Медичи.

Его жена Лукреция Торнабуони в виде Мадонны, братья Лоренцо и Джулиано в виде Ангелов с книгой. За ними сестра Мария, старшие дочери Бьянка и Наннина поддерживают корону над Мадонной, а младенец на её коленях — младшая дочка Лукреция.

Точно мы не знаем кого изобразил художник, потому что история картины начинается для нас только в 1784 году, когда её продали в Уффици.

Очень популярное изображение, существует пять известных копий Мадонны Магнификат в разных Музеях мира. Мадонна изображена практически в натуральную величину, как королева Небес.

Корона — настоящий шедевр ювелирного искусства, вся состоит из звезд, оправдывая прозвище Девы Марии Утренняя звезда.

Мадонна Магнификат, 1481 год, Сандро Ботичелли

4. Мадонна дей Палафреньери, 1605 год, Караваджо, Галерея Боргезе, Рим

Мы прекрасно знаем имя женщины, которую изобразил Караваджо (1571 — 1610) в виде Мадонны — это Магдалина Антоньетти, известная куртизанка Рима. Полотно предназначалось для Ватикана, для церкви Св. Анны дей Палафреньери, но картина вызвала скандал, и её быстро убрали из церкви.

Мадонна с лицом знаменитой проститутки, соблазнительный вырез платья и ребенок уже вырос и не похож на младенца.

Изображение такой простой, далекой от идеальной Мадонны было необычным и вызвало возмущение у деятелей церкви.

Мадонна дей Палафреньери, 1605 год, Караваджо

3. Мадонна дель Бельведере, 1506 год, Рафаэль, Музей истории Искусств, Вена, Австрия

На этом полотне Рафаэля Санцио (1483 — 1520) поражает идиллия и полное спокойствие — Мадонна изображена на фоне великолепного пейзажа, напоминающего живописные пейзажи Леонардо. Второе название картина получила именно из-за пейзажа Мадонна в зелени.

Одно из двух полотен, созданное во Флоренции, для заказчика Таддео Таддеи, Мадонна была продана наследниками Императору Фердинандо Австрийскому.

В 1663 году она украшала его замок Амбраз, а через сто лет перевезена в Вену в Палаццо дель Бельведер.

Мы видим Мадонну сидящей на лугу с двумя детьми, композиционная пирамида, в которой все персонажи связаны между собой взглядами и жестами. Мать поддерживает сына, делающего первые шаги, рядом Джованнино — гармония, душевное спокойствие, ласковая материнская любовь — вот чем наполнена картина на фоне идеальной природы.

Мадонна Бельведера, 1506 год, Рафаэль

Насыщенный голубой цвет создает воздушную перспективу. Синий — цвет неба и Церкви, красный — цвет крови и будущих страданий Христа. Справа красный мак — символ страданий, предназначенных Христу. В цвете заложено единство Матери Церкви со своим Сыном. Лицо Мадонны, как Солнце, именно от него освещается небесный фон на полотне.

• Мы видим красоту в полном идеальном воплощении, Мадонна — красота и чистота души.
• 2. Мадонна делла Седжола, 1514 год, Рафаэль Санцио, 1514 год, галерея Палатина, Палаццо Питти, Флоренция

Мадонна в кресле — картина круглого формата тондо была предназначена для частных покоев, предполагают, что в Риме Папа Римский Леон Х заказал её для родственников Медичи во Флоренции.

В 1723 году в инвентарной описи Уффици Мадонна находилась в королевских покоях — в спальне Принца Фердинанда. На картине Иоганна Цоффани в 70-е годы XVIII века Мадонна в кресле показана в Трибуне Уффици.

Мадонна покидала Флоренцию только во времена французских реквизиций при Наполеоне, но благополучно вернулась.

На картине Мария нежно обнимает сына, на них смотрит Маленький Иоанн, сложивший ручки в молитве. Изображение пронизывает атмосфера интимности, ласковой материнской любви и нежности. Интересная цветовая гамма придумана Рафаэлем — в центре сосредоточены теплые тона, а к краям расходятся холодные.

Мадонна в кресле, 1514 год, Рафаэль

1. Мадонна с младенцем и Ангелами, 1465 год, Филиппо Липпи , Галерея Уффици, Флоренция

Художник Филиппо Липпи (1406 — 1469) придал Мадонне черты своей любимой женщины Лукреции Бути — монахини, которая стала матерью его двоих детей, но никогда не стала его женой. История создания картины Мадонна с двумя Ангелами нам неизвестна.

Надпись XVIII века на обороте картины указывает, что работа была на Вилле Подджо в колекции Медичи, с 1796 года она была в Коллекции Великого Герцога, ставшей основной для  Галереи Уффици. Небольшие размеры намекают на частный заказ, посвященный важному событию.

Возможно, что художник изобразил своего сына Филиппино (родился в 1457 году) в виде Ангела (смотрит на зрителей) рядом с младенцем Христом.

Крмпозиция картины и цветовая гамма — абсоютная новизна в то время во Флоренции, художник опередил время — впервые Мадонна изображена в три четверти, а лицо в профиль на фоне открытого окна и природы вдали (под влиянием фламандской живописи). Такую нежную и светлую палитру через десятилетия мы увидим только у Леонардо.

Один из них радостно обернулся к зрителю, и его веселье на контрасте с серьезной Мадонной создает равновесие и гармонию на полотне. Виртуозная техника живописи в изящной прическе, жемчуге и покрывале Марии.

Она стала образцом для многих художников Возрождения.

Мадонна с двумя Ангелами, 1465 год, Филиппо Липпи

Крылья Ангела, подушечка и колено Мадонны на переднем плане расширяют перспертиву, они выходят за рамки картины. Полотно пытались копировать Вероккьо и Ботичелли, но ни одно из повторений не достигло полного эффекта. Только у Липпи мы видим картину полную жизни, пространства, нежной меланхолии и непосредственности.

1. Читайте статьи на сайте
2. Мадонна Милосердия
3. Мадонна Роженица
4. Мадонна Смирения
5. Лоренцо Венециано — венец готики
6. Пизанелло — изобретатель медалей

Источник: http://www.veronavisita.it/?p=13719

Антонелло да Мессина Святой Себастьян

Картина известная, но меня давно занимало, что же все-таки на ней нарисовано?

Кажется, мы снова оказались на улице идеального города. Причем уже немножко обжитого:

Но, ей богу, совершенно идеального. С очаровательными, но абсолютно фантастическими башенками:

Просторные улицы и площади (Площадь и улица — два главных мотива в изображении города в живописи кватроченто. И.Е. Данилова… налить чернил и выпить плакать), вымощенные идеально ровной драгоценной плиткой, чистые, как будто не таджики, а немцы из советских преданий вымыли все шампунем.

Блюстители порядка (форму еще не изобрели):И кумушки, проветривающие ковры. Кстати, именно так выглядело подавляющее большинство ковров, и стоили они, как твоя иномарка:Ну, и вдали приличные господа прогуливаются вдоль берега водоема:А расстрелянный Себастьян вам не мешает? Его вообще-то за мертвого приняли, только ночью, когда его жена пришла красть тело мужа, обнаружилось, что он жив. То есть, по мнению всех этих людей посреди чистенькой площади к дереву (откуда оно тут взялось, сухое-то дерево — дрова жуть как дороги!) висит свежий труп. Денек солнечный, труп нагревается, блин…Ужасный век, ужасные сердца?Когда все предупреждающие звоночки сливаются в мощный гул, я начинаю думать. Это помогает.Мессина умеет рисовать, и списать некоторые баги на «художник налажал» не получится.Первый звоночек — таки дерево:Как-как оно к плитке крепится? А не падает почему? И при том плитка идеально ровная. Все видели асфальт вокруг деревьев в городе, да?Второй звонок — стражники у колонны. Представим себе труп на улице любого современного города. По делу он или просто так, но это проблема органов правопорядка. Потому, что этот самый правопорядок от такого дела немедленно нарушится. А наших стражников ничего не волнует, хотя они должны как минимум нервничать. Они же расслабленно обсуждают находящийся в центре площади объект.Третий звонок очень громкий — спящий стражник:Уберите из композиции труп, и все встанет на свои места. Солнышко разморило товарища на дежурстве. Плохо, конечно, но не очень. Проспится — вернется в строй, все равно ничего плохого не происходит, порядок и спокойствие налицо… Ребята! У вас же труп посреди площади!!! Если подельники казненного захотят отбить тело, им будет любезно предоставлено копье этого алкоголика! Хотя бы оружие у него заберите от греха…

Следующий набатный бой — в идеальном городе убивают святых? И бросают на площади? И всем пофиг? В реальном Риме так и было, но когда дело доходит до Рима идеального, он не такой! Он не мог так поступить! Все скользкие вопросы обходятся самым тщательным образом. Ловко маскируется отсутствие крестов на храмах (см. Обручение Марии Перуджино, например), не попадают в кадр жуткие жертвенники и стремные культы тоже не показаны. Остается благодать и чистота. И труп… Огромный труп в центре кадра. Или нет?

И уже по мелочи, что делает валяющаяся колонна на площади рядом с деревом? Валяется? И это, конечно, правильный ответ.

Если вся композиция обретает смысл, если убрать с первого плана тело, то, может быть, это коллаж? Может быть, по мнению всех присутствующих на картине, там стоит не труп святого Себастьяна, а напоминание о его страданиях? Памятная колонна с надписью, например.

А рядом валяется кусок поверженной языческой колонны, как символ победы христианства. Но тогда получится, что в центре кадра две колонны, мало друг от друга отличимые. И, чтобы усилить эффект, вместо памятного предмета Мессина изобразил то, о чем он напоминает.…Мне хочется, чтоб девушки и детиПришли сюда на утреннем рассвете,Чтоб день был светел, чтобы ветер тих,Чтоб солнце золотилось на дороге….Забудь свои печали и тревоги,-Здесь мертвые спокойны за живых.

                     М. Дудин, 1945 год

Источник: https://arabena.livejournal.com/52008.html

Антонелло да Мессина. Как совершенствуется мастерство в живописи?

Шедевр мал размером, всего 46×36,5 см, но по трехмерному пространству и сложной композиции равен большой картине. Его создатель — Антонелло да Мессина, один из самых интересных и выдающихся живописцев XV столетия. Как ясно из имени, происходил он из старинного города Мессины в северо-восточной части острова Сицилия. Лишь узкий Мессинский пролив отделяет Сицилию, омываемую тремя морями, от Италии в ее самой южной оконечности — Калабрии. Географическая близость к итальянскому континенту и постоянная связь с ним в значительной степени определили и художественный облик этого мастера. Его глубоко индивидуальное творчество, в котором своеобразно сочетались стиль, приемы и техники двух разных живописных школ, привлекло к себе внимание многих искусствоведов.

Антонелло да Мессина учился в Неаполе у итальянского живописца Колантонио и там же мог широко ознакомиться с произведениями прославленных нидерландских мастеров XV века: Яна Ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена, Петруса, Кристуса, Дирка Боутса и других.

Их картины находились в художественных собраниях неаполитанской знати и особенно в коллекции короля Альфонсо, большого любителя живописи. Таким образом, не выезжая за пределы королевства, Антонелло да Мессина имел возможность увидеть и познать новое живописное мастерство и поразительную по цвету и тонкости масляную технику лучших представителей иноземной школы.

Это и наложило глубокий отпечаток на его искусство, особенно раннего периода, до путешествия в северную Италию.

На втором этапе своего творческого пути Антонелло да Мессина достигает расцвета мастерства — изображения человеческой фигуры. К таким выдающимся картинам относится «Благовещение Марии».

На темном фоне четко выделяется полуфигура Марии, закутанная с головой в темно-голубой плащ, спускающийся на лоб.

По контрасту с этим интенсивным цветом, основным в картине, особенно выделяется ее лицо, исполненное в твердых и четко очерченных формах.

В 1475 г. Антонелло поселился в Венеции.

Проезжая через северную Италию, он познакомился с произведениями выдающихся художников того времени — Пьеро дела Франческа и Андреа Мантеньи, которые оказали на него большое влияние.

В Венеции он оказывается в среде крупнейших живописцев этой школы во главе с Джованни Беллини. Прежние нидерландские влияния уступили место новым впечатлениям, новым средствам художественного выражения.

Самым поразительным и выдающимся примером нового живописного видения Антонелло да Мессина является картина «Святой Себастьян» (171×85,5 см), написанная в 1475—1476 гг. в Венеции.

Небольшой формат был обусловлен тем, что она представляла собой левую створку ныне исчезнувшего алтарного образа, в центре которого находилась статуя святого Рока, а на правой створке — изображение святого Христофора.

Эти трое святых почитались как покровители-защитники от чумы.

Посреди дворика с мраморным полом могучее дерево, вершиной уходящее в небеса и срезанное краем рамы. К этому-то дереву и привязан пронзенный стрелами святой Себастьян, чья атлетическая фигура безупречна. Объемность и монументальность фигуры, высота которой достигает высоты двухэтажного палаццо, расположенного слева, подчеркнута также массивным обломком колонны, лежащей у ее ног.

Таков «Портрет молодого человека в красной шапке». Его взгляд устремлен на зрителя, губы сжаты, выражение лица замкнуто и серьезно. Устанавливается какой-то личный контакт между ним и смотрящим на него человеком.

Настолько портретные образы, созданные Антонелло да Мессина, благородны, умны и реалистичны в своем бытии.

К превосходным его картинам относится также «Портрет Тривульцио», человека средних лет в ярко-красной одежде и черном головном уборе.

Портреты Антонелло да Мессина — подлинные шедевры в итальянском искусстве Возрождения. И имя мастера неразрывно связано с этой блестящей эпохой человеческой культуры.

Источник: https://ShkolaZhizni.ru/culture/articles/29405/

Антонелло да Мессина. Antonello da Messina

Антонелло да Мессина Творчество и биография Антонелло да Мессина Христос в терновом венке, 1476 Музей Лувр, Париж Портрет мужчины, 1478 Государственный музей, Берлин Святой Иероним в келье, 1474 Национальная галерея, Лондон На картине Антонелло да Мессина зритель видит святого Иеронима, погруженного в чтение в своей келье. Только лев справа замер, прислушиваясь к доносящимся снаружи звукам. Возможно, Антонелло да Мессина в некоторых отношениях испытал влияние нидерландской живописи: детали в роде предметов на полках, изразцового пола, птиц, устроившихся на подоконнике, а также характер света — все это напоминает яркий реализм картин Робера Кампена и Яна нан Эйка. Нет никаких свидетельств того, что Антонелло да Мессина когда-либо покидал Италию, но он, видимо, был знаком с техникой нидерландских мастеров. Согласно некоторым источникам, он обучался технике масляной живописи у самого мастера Ван Эйка, а затем принес секрет этого метода в Италию. Более вероятно, что Антонелло испытал влияние фламандских художников в Милане. В 1475-1476 годах Антонелло да Мессина был в Венеции, где его новаторская техника оказала большое влияние на Джованни Беллини и других современников. Антонелло да Мессина (Antonello da Messina) (около 1430–1479) Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения.

Работал главным образом в Мессине на острове Сицилия. Около 1450 переехав в Неаполь, учился у Николо Колантонио — живописца, связанного с нидерландской традицией. В 1475–1476 работал в Венеции. Антонелло да Мессина был дружен со многими венецианскими художниками, особенно с Джованни Беллини, перенявшими у него в известной мере живописную технику.

Антонелло да Мессина одним из первых в Италии стал работать в технике чистой масляной живописи.

Он заимствовал у нидерландских художников технику масляной живописи, что позволило ему сочетать свойственные северным живописцам тщательность письма, обилие деталей, глубину светонасыщенного цвета с монументальностью замысла, тонкой передачей пространства, света и воздуха, спокойствием и классической уравновешенностью образов («Распятие, Мария и Иоанн», 1475, Национальная галерея, Лондон; «Святой Себастьян», Картинная галерея, Дрезден).

Зрелое творчество Антонелло да Мессина представляет собой сплав итальянских и нидерландских элементов. Написанные им в Венеции картины считаются лучшими в его творчестве.

Антонелло да Мессина также внес значительный вклад в развитие ренессансного портрета (так называемый «Кондотьер», 1475, Музей Лувр, Париж). Искусство Франции. Парижские художники, скульпторы, архитекторы, мастера гравюры. История зарубежного искусства.

От эпохи романского стиля и готики средневековья до современности.

Источник: http://www.nitpa.org/antonello-da-messina-antonello-da-messina/

Описание картины Благословляющий Христос – Антонелло да Мессина

Антонелло да Мессина – яркий представитель итальянской школы живописи Раннего Возрождения. Зрелое творчество мастера являет собой сплав итальянских и нидерландских элементов. Образ благословляющего Христа является вариантом иконографического типа, получившего определение “Salvator Мuпdi” .

Христос изображен без державы, символа власти, и не коронованным. Его всепроникающий взгляд и благословляющий жест приковывают внимание. Рука, поднятая над рамой, написана с явным перспективным сокращением.

Она должна была поражать современников иллюзией, будто выступает за плоскость картины и направлена непосредственно к стоящему перед ней зрителю.

Внимательный взгляд обнаружит, что часть живописного слоя стерта, и под ним видно несколько иное первоначальное положение руки. Примечательно, что одним-двумя десятилетиями позже подобный образ дважды создаст Ганс Мемлинг. Это доказывает, что не только нидерландские мастера влияли на итальянских современников, было и наоборот.

(No Ratings Yet)

1. Мертвый Христос, поддерживаемый ангелом – Антонелло да Мессина Антонелло да Мессина видный представитель южной итальянской школы эпохи раннего Возрождения. Живописцу свойственны высокая техническая виртуозность, тщательная проработка мельчайших деталей,……
2. Мужской портрет – Антонелло да Мессина Замечательный образец мастерства Антонелло-портретиста – портрет молодого человека, исполненный около 1475 года. Фон, как и в других его портретах, был……
3. Благовещение – Антонелло да Мессина На этой известнейшей картине Антонелло передает с помощью небольшой гаммы оттенков, в простых формах и сдержанных жестах пик эмоционального напряжения:……
4. Распятие – Антонелло да Мессина В этой картине Антонелло удалось передать напряжение кульминационного момента трагических событий, и она является лучшей художественной версией среди прочих, сделанных……
5. Благословляющий Христос – Джованни Беллини “Благословляющий Христос” принадлежит к ранним работам художника. Беллини тяготел к тонкому и мягкому изображению. Ясное и спокойное чередование планов, ощущение……
6. Христос перед Пилатом – Якопо Тинторетто Картина Якопо Тинторетто “Христос перед Пилатом”. Размер картины 515 x 380 см, холст, масло. В середине 60-х годов 16 века……
7. Христос перед Каиафой – Ганс Гольбейн “Страсти Господни в серых тонах” считаются одним из главных творений Ганса Гольбейна Старшего. Цикл получил такое название благодаря серой монохромной……
8. Портрет А. Н. Львова – Карл Брюллов Неспокоен, при всей кокетливости позы с эффектно перекинутым через плечо плащом, образ А. Н. Львова. Слегка подавшийся вперед корпус и……
9. Христос в доме Марфы и Марии – Ян Стен Религиозная живопись не пользовалась официальным признанием в протестантской Голландии. Но Стен, будучи католиком, не разделял иконоборческих взглядов своих соотечественников. В……
10. Христос на Масленичной горе – Марко Базаити Другое традиционное название полотна – “Моление о чаше”. Работу заказал художнику Франческо Фоскари для семейного алтаря в церкви Сан-Джоббе. Поэтому……
11. Христос у колонны – Микеланджело Меризи да Караваджо По словам арт-биографа мастера – Джан Пьетро Беллори, данная работа была заказана семьей ди Франко, для часовни святого Доменико Маджоре…….
12. Христос на кресте – Диего Веласкес Созданная в середине творческого пути художника, работа изображает распятого Иисуса. Оригинальное полотно, передающее спокойствие, достоинство и благородство Христа, считается поворотным……
13. Христос в доме Марфы и Марии – Ян Вермеер Дошедшие до нас религиозные полотна Вермеера поразительно отличаются от жанровых работ живописца. Историки искусства полагают, что картина “Христос в доме……
14. Христос в доме Марфы и Марии – Якопо Тинторетто Еще один евангельский сюжет в творчестве Тинторетто. Марфа и Мария были сестрами Лазаря, которого любил Господь и которого Он воскресил……
15. Мертвый Христос – Витторе Карпаччо Картина Витторе Карпаччо “Мертвый Христос”. Размер картины 145 x 185 см, холст, темпера. Бездыханное тело Иисуса Христа на скамейке, покрытой……
16. Христос в пустыне – Иван Крамской В картине Крамского пустыня производит впечатление холодного ледянящего пространства, в котором нет и не может быть жизни. Могучая вертикаль словно……
17. Христос, несущий крест – Эль Греко Картина испанского художника Эль Греко “Христос, несущий крест”. Размер картины 105 х 79 см, холст, масло. Необычные приемы изобразительного языка,……
18. Христос перед Пилатом – Ганс Гольбейн “Страсти Господни в серых тонах” считаются одним из главных творений Ганса Гольбейна Старшего. Цикл получил такое название благодаря серой монохромной……
19. Мертвый Христос с Богоматерью и Марией Магдалиной (Пьета) – Аньоло Бронзино В своем раннем творчестве Бронзино интерпретирует тему смерти Христа еще не столь смело, как он делал это впоследствии. Лица Марци……
20. Христос, освящающий хлеб и вино – Джон Констебл Констебл в роли мастера религиозной живописи практически неизвестен. В самом деле, картины религиозного содержания – наименее удачное из того, что……

Источник: https://art.goldsoch.info/blagoslovlyayushhij-xristos-antonello-da-messina/

Читать онлайн "Всеобщая история искусств в шести томах. Том 3 (с иллюстрациями)" автора Колпинский Юрий — RuLit — Страница 42

Картина «Сон св. Урсулы» овеяна воздухом и светом, придающими ей неповторимую свежесть и прозрачность. Высокая строгая комната венецианского дворца, в которой спит святая, тихо входящий ангел, корона, положенная в ногах, собачка у постели, цветы на окнах — все дышит чистым и нежным чувством, придающим тонкую поэтичность и очарование этой сцене.

Второй цикл картин, уже не столь большого размера, как цикл «Жизнь св. Урсулы», написанный для церкви Сан Джорджо дельи Скьявони, также состоит из девяти частей. Лучшие из них—«Св. Георгий, поражающий дракона» и «Св.

Иероним в келье». Последняя интересна свободной и реалистической передачей интерьера, изображающего скорее кабинет ученого с книгами, нежели келью святого, что указывает на возрастающие гуманистические интересы художника.

илл.105б Карпаччо. Св. Иероним в келье. 1502-1507 гг. Венеция, церковь Сан Джорджо дельи Скьявони.

Родившись в Сицилии, он в молодые годы работал в Неаполе, а впоследствии в Венеции и Милане.

Его роль в развитии венецианской живописи настолько значительна, что, несмотря на неаполитанское происхождение, он обычно причисляется к школе венецианских мастеров.

Большое значение в формировании стиля Антонелло да Мессина имел Неаполь с его своеобразной художественной культурой.

При дворе герцога Альфонса Арагонского он имел возможность близко познакомиться с произведениями нидерландских мастеров Яна ван Эйка и Рогира паи дер Вейдена и перенять у них масляную технику, распространив ее затем в венецианской живописи.

Здесь же он соприкоснулся с традициями испано-каталонских художников, привлеченных для работы в Неаполь. В раннем периоде своего творчества Антонелло да Мессина был тесно связан с нидерландскими традициями, примером чего может служить его «Распятие» (Лондон, Национальная галлерея).

На фоне бледного неба и голубовато-серого пейзажа мягко вырисовываются тело Христа, фигуры Иоанна и Марии. Насыщенная рассеянным мягким светом, объединяющим отдельные тона в общее красочное звучание, картина проникнута настроением особой внутренней сосредоточенности, присущей живописи старых нидерландских мастеров.

К 1465 —1474 гг. относится ряд таких картин художника, как «Благословляющий Христос», алтарный образ «Благовещение» и изображения мадонн.

илл.85 Антонелло да Мессина. Св. Себастьян. 1476 г. Дрезден, Картинная галлерея.

илл.86 Антонелло да Мессина. Св. Себастьян. Фрагмент. См. илл. 85.

Образ св. Себастьяна был очень популярен у мастеров Возрождения, так как он открывал перед художником возможность дать в культовой композиции изображение обнаженного тела.

Дрезденская картина Антонелло принадлежит к наиболее оригинальным истолкованиям этого образа, в котором уже не осталось и следа от традиционно церковного подхода к изображению мученика. Без подчеркнутого драматизма, без патетики, в стоическом спокойствии пронзенного стрелами Себастьяна Антонелло сумел выразить героическую сущность человека.

Обнаженное тело Себастьяна вылеплено красками и светом с безупречной правильностью пропорций и тем повышенным чувством объема, о котором свидетельствует подчеркнуто геометризированно трактованный цилиндрический ствол античной колонны, лежащий рядом с фигурой святого.

Своеобразный контраст к теме страдания составляет прекрасный мир, окружающий героя.

Мастер изобразил святого Себастьяна среди великолепного архитектурного пейзажа, в котором живая реальность каждой подробности — от спящего на мостовой воина до женщин на украшенном ковром и цветами балконе — заставляет забыть о таком неправдоподобном мотиве, как то, что дерево, к которому привязан святой, вырастает прямо из каменных плит мостовой. Монументальная пластическая форма, перспектива, свет и цвет — каждый из этих элементов изобразительного строя обладает в дрезденской картине повышенной силой воздействия.

илл.87 Антонелло да Мессина. Мужской портрет («Кондотьер»). 1475 г. Париж, Лувр.

Превосходным мастером проявил себя Антонелло также в области портретного искусства.

Таковы его замечательные реалистические портреты — так называемый «Кондотьер» (Лувр) с сурово сжатым ртом и твердым взглядом или «Мужской портрет» (Лондон, Национальная галлерея), полный мягкой серьезности и сосредоточенности. Этими и другими своими работами он предвосхитил реализм портретов Джовании Беллини.

Он всемерно развил и упрочил принципы реалистической живописи, основы которой были заложены его предшественниками и современниками. Однако его искусство в такой же мере, в какой оно было связано с 15 столетием, неотделимо от художественных проблем 16 в.

и рассматривается поэтому в разделе, посвященном венецианской живописи чинквеченто.

* * *

Проследив распространение ренессансного искусства в его ранних формах по различным областям Италии, мы возвращаемся к Флоренции, искусство которой во второй половине 15 в. дает наиболее полную и сложную картину многообразных художественных течений, развивавшихся на протяжении этого периода.

Второе поколение флорентийских скульпторов выступило на художественную арену тогда, когда уже был заложен крепкий фундамент реалистического искусства, когда уже были созданы великие произведения в архитектуре и пластике Тосканы: купол Флорентийского собора Брунеллески, бронзовые двери Гиберти, многие из лучших работ Донателло. Дальнейшее распространение реалистических принципов и их переработка в сторону большего смягчения и утонченности форм принадлежат в первую очередь семье художников делла Роббиа. Связующая роль между первым и вторым поколениями мастеров тосканской скульптуры выпала па долю Лука делла Роббиа (1399/1400—1482). Его нежные и лирические образы, преимущественно изображения мадонны с младенцем, в которых раскрывалась тема материнства, согреты теплым человеческим чувством, праздничны, радостны и были легко доступны восприятию самых широких кругов.

илл.72 Лука делла Роббиа. Поющие ангелы. Рельеф кафедры для певчих из собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Фрагмент. Мрамор. Между 1431 и 1438 гг. Флоренция, Музей собора.

Подобно большинству скульпторов Возрождения, Лука делла Роббиа начал свое художественное образование в золотых дел мастерских, но рано занялся скульптурой в мраморе. Одной из первых его работ являются рельефы кафедры для певчих во Флорентийском соборе, исполненные между 1431 и 1438 гг. в соревновании с Донателло.

Слова церковного псалма «Хвалим господа», написанные на архитраве кафедры, иллюстрированы различными рельефами, изображающими игру юных музыкантов на трубах, арфах, тимпанах, органе и хоровое пение. Подобно Яну ван Эйку, работавшему в 1420—1430-х гг. над Гентским алтарем, Лука делла Роббиа на боковых стенках кафедры дал глубоко поэтическое изображение ангелов, поющих псалмы.

Но главная заслуга этого мастера и его школы состояла в создании нового типа скульптуры Возрождения благодаря использованию глазурной техники, применявшейся раньше только для изготовления аптечных сосудов, кружек, тарелок, горшков, ваз и т. п.

благодаря своей дешевизне получила широкое распространение во Флоренции, Сиене, Умбрии, Венеции, Фаэнце и Урбино. Лука делла Роббиа первый применил технику глазури в круглой скульптуре и рельефах, давая их в сочетании с архитектурой. Медальоны из майолики с ее ярко-синими, белыми, желтыми, зелеными и светло-коричневыми тонами чрезвычайно оживляли стены зданий.

Первое произведение Лука делла Роббиа в этой технике — люнет с изображением мадонны, младенца и ангелов (Флоренция, Национальный музей). Он участвовал также в декоративном оформлении капеллы Пацци. Многочисленные майоликовые рельефы Лука делла Роббиа, обрамленные яркими гирляндами из цветов и плодов, рассеяны по всем европейским музеям.

Источник: https://www.rulit.me/books/vseobshchaya-istoriya-iskusstv-v-shesti-tomah-tom-3-s-illyustraciyami-read-344976-42.html

Шедевры Антонелло да Мессина показывают в Третьяковской галерее

В рамках Года Италии в России в Третьяковской галерее открылась выставка работ одного из ключевых мастеров итальянского возрождения XV века Антонелло да Мессина.

Она может показаться камерной — всего четыре небольшие работы из музеев Мессины (Областной музей «Мария Акашина») и Палермо (Областная галерея Палаццо Абателлис).

Но три из них впервые покинули пределы Италии, а если учесть, что всего на Апеннинах осталось только девять работ художника, то получается, что итальянцы привезли в Москву чуть меньше половины всех работ художника, которыми располагают.

Парадокс в том, что этот знаменитый итальянец вдохновлялся нидерландскими мастерами не в меньшей степени, чем живописью Пьеро делла Франчески. По крайней мере технике масляной живописи он учился именно на работах фламандцев. Кстати, Антонелло из Мессины (1430-1479) был одним из первых итальянских художников (если не самым первым), кто полюбил технику масляной живописи.

Дело в том, что в Неаполитанском королевстве, к которому относилась Сицилия, а значит, и Мессина, в XV веке в моде были нидерландские мастера. И король Альфонсо Арагонский собрал отличную коллекцию, в которой были, например, подлинники Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена.

На самом юге Италии в XV веке живописную манеру определяли мастера с севера! Звучит абсолютно фантастически.

Но только на первый взгляд. Мессина, откуда был родом художник, вовсе не была сицилийским захолустьем. Как уверяют сицилийцы, этот город соперничал с Венецией.

Прежде всего как крупнейший международный порт, в который на пути в Брюгге останавливались торговые суда, в том числе венецианских купцов. Он был к тому же любимым городом Арагонской династии, здесь был королевский дворец, великолепные соборы…

Не менее показательно, что художника знают: в Венеции он сразу получает крупные заказы на роспись алтаря в Сан Касиано и триптих в Сан Джулиано. Это знак не только известности самого мастера, но и обширных культурных связей его родной Мессины.

Итальянцы привезли в Москву чуть меньше половины всех работ художника

Впрочем, в Москву привезли работы до 1475 года — раннего Антонелло да Мессина. Три поясных изображения святых Августина, Иеронима, Григория считают частью верхнего ряда алтарной композиции, созданной между 1470 и 1473 годами.

Двухстороннюю работу: Мадонну с благословляющим младенцем и монахом-францисканцем, на обороте которой — лик страдающего Христа, — относят примерно к середине 1460-х.

Предполагается, что это из тех религиозных произведений, что писались для частных лиц и которые, как иконы, брались в путь или использовались для домашней молитвы. Камерность, теплота, психологизм живописи не отменяет ее драматизма и строгости.

А в случае с изображениями трех святых впору говорить о праздничной торжественности. У этих трех работ — золотой фон с искусной гравировкой, красные одежды святых вкупе с погруженностью в чтение книги создают впечатление сияния и тишины.

Смотреть фоторепортаж Виктории Виатрис

Заманчиво сравнить «Святого Иеронима», привезенного в Москву, со знаменитой работой в лондонской Национальной галерее «Св. Иероним в кабинете» (1475-1476).

Притом что перед нами образ одного и того же святого и притом что между произведениями пролегла всего пара лет, разница ошеломляет. В одном случае художник ориентировался на картины Яна ван Эйка.

Святой Иероним тут больше напоминает ученого, помещенного на возвышении в середине расчисленного, уходящего вглубь пространства то ли кабинета, то ли дворца. Оно связано с окружающим переходами арок, окон, лестниц. В другом случае — очевидна традиция византийской иконы.

Собственно, именно этот мотив — византийского влияния (помимо нидерландского и собственно итальянского) в живописи Антонелло да Месссины — видимо, и хотели подчеркнуть кураторы, привезя ранние шедевры сицилийца.

По крайней мере, в Мессине, как и в Венеции, язык византийского искусства не был чужим, а главный собор Мессины в XIV веке был украшен мозаиками «в греческом стиле». Опять же, Константинополь пал в 1453-м, можно сказать, в годы молодости художника — лава истории была еще горячей.

Появление произведений одного из самых загадочных художников итальянского Кватроченто в залах ГТГ на Лаврушинском выглядит удивительно органично. Это не встреча разных цивилизаций, скорее — дальних родственников.

Источник: https://rg.ru/2011/09/13/messin.html