Женский портрет, робер кампен, около 1435

• Art historians have long been trying to find 
• the origins of the Northern Renaissance, 
• to find out who was the first master 
• who laid this manner.

Robert Campin — The Merode Altarpiece (1425-1428)

Искусствоведы давно пытались найти истоки Северного Возрождения, выяснить, кто был первым мастером, заложившим эту манеру. Долго считалось, что первым художником, немного отошедшим от традиций готики, был Ян ван Эйк. Но к концу XIX века стало ясно, что ван Эйку предшествовал ещё один художник, кисти которого принадлежит триптих с Благовещеньем, ранее принадлежавший графине Мероде (т. н. «Алтарь Мероде»), а также т. н. Флемальский алтарь. Было предположено, что обе эти работы принадлежат руке Флемальского мастера, личность которого в то время ещё не была установлена.

В XX веке некоторые учёные предположили, что Флемальским мастером мог быть не кто иной, как Робер Кампен, который упоминается в документах как мастер-живописец в Турне с 1406 года. Впервые эту версию упомянул Юлен де Лоо в 1909 г.

Доказательством послужил документ, упоминающий, что двое учеников — Жак Даре и Рожеле де ля Пасторе — были приняты в его студию в 1427 году. Последним был, скорее всего, великий Рогир ван дер Вейден. В единственном дошедшем до наших дней триптихе Даре прослеживаются схожие черты с работами Флемальского мастера.

Эти же черты находят и в работах ван дер Вейдена. Таким образом, можно предположить, что они оба были учениками флемальского мастера, то есть Робера Кампена.

Нидерландский живописец Робер Кампен родился около 1375 года в городе Валансьен – некогда процветавшей столице графства Эно (Геннегау) и считается основоположником живописной традиции Северного Возрождения . Несколько лет Кампен учился живописи в Дижоне.

В период с 1418 по 1432 год Кампен руководил в Турне художественной мастерской, в которой среди прочих учились выдающиеся нидерландские живописцы Рогир ван дер Вейден и Жак Даре.

В эпоху соперничества между бургундским герцогством и французским королевством Кампен выступал на стороне последнего, за что неоднократно подвергался судебным преследованиям. Умер художник в Турне в 1444 году.

Изучение художественного наследия Кампена крайне затруднено тем, что нет ни одной картины, где бы имелась его подпись.

В соответствии с принципами работы в средневековых художественных мастерских, живописец, как правило, лишь намечал композицию картины, прорисовывал лица, а остальное заканчивали его ученики.

К тому же с картин часто делалось несколько копий, принадлежавших как руке самого мастера, так и учеников. Таким образом, атрибуция всех произведений, приписываемых в настоящий момент Кампену, спорна.

Из основных работ следует назвать три створки Флемальского алтаря («Святая Троица»; «Дева Мария с младенцем»; «Святая Вероника», две створки алтаря Верля (Прадо, Мадрид), «Портрет мужчины в красном тюрбане» (Лондонская национальная галерея), триптих Мероде (музей Метрополитен в Нью-Йорке).

Робер Кампен стоит у истоков так называемых «фламандских примитивов». Его художественную манеру отличает реалистичность в изображении персонажей и деталей интерьера. В живописи Робера Кампена бытовые подробности заслоняют или полностью вытесняют прежде характерные для полотен религиозной тематики атрибуты: на его картинах отсутствует золотой фон, а также нет ореолов над святыми.

Робер Кампен также выступает в качестве одного из провозвестников европейского искусства портрета: для изображенных им персонажей – представителей местной знати – характерен трехчетвертной поворот, а лицо занимает большую часть картины. 

Virgin and Child (1410)

Mass of Saint Gregory (1415)

Saint John the Baptist (1415)

Adoration of Shepherds (1420)

Miracle of the Rod and Betrothal of the Virgin (1420)

The Nuptials of the Virgin (1420)

Blessing Christ and Praying Virgin (1424)

Crucifixion (1425)

Madonna by a Grassy Bank Oak (1425)

The Annunciation (1425)

The Two Thieves With The Empty Cross, The Entombment, The Resurrection (1425)

The Merode Altarpiece — Joseph As A Medieval Carpenter (1425-1428)

The Merode Altarpiece — The Annunciation (1425-1428)

The Merode Altarpiece — The Donors (1425-1428)

Holy Virgin in Glory (1430)

La Vierge de l'Apocalypse (1430)

Madonna And Child Before A Fireplace (1430)

Portrait of a Man (1430)

Portrait of a Woman (1430)

Virgin and Child in an Interior (1435)

Werl Altarpiece — St. Barbara (1438)

Werl Altarpiece — St. John The Baptist And The Donor, Heinrich Von Wer (1438)

Virgin and Child Before a Firescreen (1440)

____________________________

Источник: https://pendaldal.blogspot.com/2017/07/robert-campin-1375-1444.html

Книга: Лондонская Национальная галерея

полотне изображена комната с висящими на стене двумя картинами. На одной — Амур, держащий игральную карту (по утверждению экспертов Галереи) или письмо (и тогда, конечно, оно любовное). На парной картине Вермера в качестве украшения показанного интерьера тоже имеется живописная работа.

Как установлено, мастер воспроизвел «Сводню» Дирка ван Бабюрена (Музей изящных искусств, Бостон), таким образом вновь затронул данную тему.

Документальных свидетельств об обстоятельствах и времени создания полотна, как и большинства произведений Вермера, не сохранилось.

Его датировка основывается на стилистических особенностях письма художника.

Искусство Нидерландов и Фландрии

Ян ван Эйк. Портрет мужчины (Автопортрет?). 1433

Робер Кампен (1378/1379-1444) Мужской портрет Около 1435. Дерево, темпера. 40,7×28,1

Робер Кампен — нидерландский живописец, один из родоначальников искусства Раннего Возрождения в своей стране.

Имя художника встречается во многих старинных документах, но без указания созданных им произведений.

В начале XX века выдвигалась гипотеза о его тождестве с анонимным мастером из Флемаля, довольно обширный круг работ которого был уже известен. В настоящее время эта версия принята большинством ученых.

Художник создал новый тип композиции: погрудное изображение человека в три четверти, данное на нейтральном фоне. Герой на картине предстает именно таким, каков он в жизни. Живописец далек от мысли приукрасить его, не скрывает никакие физические недостатки.

На полотне — типичный бюргер, выражение смирения и набожности вытеснено чувством собственного достоинства.

Робер Кампен (1378/1379-1444) Женский портрет Около 1435. Дерево, темпера. 40,6×28,1

Портрет женщины и портрет мужчины, как считает большинство исследователей, являются парными и, возможно, первоначально они были соединены вместе. Об этом свидетельствуют не только их одинаковый размер, но и композиционно-стилистические особенности. Моделями были зажиточные граждане города Турне, где работал Робер Кампен.

Установлено также, что они являлись супругами. На обеих работах герои предстают погрудно и занимают все пространство картины. Художнику, с одной стороны, удалось создать две индивидуальности, с другой — очевидное двуединство пары. Хотя взгляды четы не встречаются, лица обращены друг к другу.

Притом что лицо женщины несколько меньше и более ярко освещено, чем лицо мужчины, в их абрисах усматривается определенная симметрия. Оба портрета являют собой пример высочайшего живописного мастерства Кампена. Они устанавливают планку, которая еще долго была недостижимой не только на его родине, но и во всей Европе.

Именно это искусство оказало огромное влияние на весь ход художественного процесса в Европе в XVI веке.

Ян ван Эйк (около 1390–1441) Чета Арнольфини 1434. Дерево, масло. 82,2×60

Ян ван Эйк — фламандский живописец Раннего Возрождения, выдающийся мастер портрета, автор картин на религиозные сюжеты, один из первых художников, освоивших работу масляными красками.

«Чета Арнольфини» — признанный шедевр Ван Эйка. Он завораживает с первого взгляда и надолго приковывает внимание. Возникает осознание серьезности запечатленного момента, наличия некоего символического смысла.

Над его разгадкой размышляли крупнейшие искусствоведы, пытаясь понять значение множества предметов.

Долгое время считалось, что здесь изображен Джованни ди Арриджо Арнольфини со своей супругой Джованной Ченами, но в 1997 было установлено, что они заключили брак в 1447, через тринадцать лет после создания работы и спустя шесть лет после смерти Ван Эйка.

Супружеская чета показана в интерьере очень богатого дома. Витиеватая латинская надпись означает: «Ян ван Эйк был здесь 1434». Кроме нее и самого факта создания портрета присутствие художника подтверждается его отражением в зеркале на задней стене комнаты.

Широкое истолкование произведение получило как документ, зафиксировавший акт бракосочетания.

В этом ключе интерпретируются свеча (поскольку она одна и горит над Джованни, то делали вывод, что портрет посмертный: жена Арнольфини умерла при родах), туфли (символика восходит к Ветхому Завету, по законам которого их нужно снимать, вступая в святое место, а место бракосочетания для нидерландцев было таковым) и собачка (она считалась символом супружеской верности). Однако дискуссия по поводу содержания работы все еще продолжается.

Иероним Босх (около 1450–1516) Осмеяние и коронование терновым венцом Около 1490–1500. Дерево, масло. 73,5×59,1

Иероним Босх — нидерландский художник, крупнейший мастер Северного Возрождения, один из самых загадочных живописцев в истории западного искусства. Босх написал целую серию полуфигурных сцен Страстей. Представленная картина — самая ранняя.

Увенчание Христа терновым венцом являлось одним из видов Его осмеяния, учиненного римскими воинами. Корона (венец) была древним символом силы, правления и почета. То, что она сделана из терновника вместо листьев лавра, использовавшегося для плетения венков героям и поэтам, — еще один акт поругания.

Примечательно, что усиливающаяся от столетия к столетию экспрессивность передачи мук Спасителя отразилась и в размере колючек терния: поначалу венец был с небольшими шипами, но в XV–XVI веках, особенно у северных мастеров — немецких и нидерландских, — они стали огромными, именно такие у Босха. Римский характер сцены передавался многими деталями, живописец изображает латные рукавицы у воинов.

« первая

5

6

7

8

9

. . .

последняя (17) »

Источник: https://litvek.com/book-read/342858-kniga-a-maykapar-londonskaya-natsionalnaya-galereya-chitat-online?p=7

Фламандский живописец Робер Кампен (1378-1444) Часть 1

?

Карл Кори (karhu53) wrote, 2017-10-02 18:30:00 Карл Кори karhu53 2017-10-02 18:30:00 Фламандский живописец Робер Кампен (1378-1444) Часть 1Цитата сообщения Булгакова_Татьяна

ПОРТРЕТНАЯ ЖИВОПИСЬ СЕВЕРНОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ

Женский портрет

Портрет францисканца

• 
• Портрет мужчина в красном тюрбане
• 
• Молитва                                                                                                                                       Биография и информация

Робер Кампен.Нидерландский живописец Робер Кампен родился около 1375 года в городе Валансьен — некогда процветавшей столице графства Эно (Геннегау) и считается основоположником живописной традиции Северного Возрождения. Несколько лет Кампен учился живописи в Дижоне. В период с 1418 по 1432 год Кампен руководил в Турне художественной мастерской, в которой среди прочих учились выдающиеся нидерландские живописцы Рогир ван дер Вейден и Жак Даре. Кроме того, исследователи предполагают, что Кампен мог встречаться с еще одним знаменитым современником — Яном ван Эйком, который в тот момент жил в Лилле. В эпоху соперничества между бургундским герцогством и французским королевством Кампен выступал на стороне последнего, за что неоднократно подвергался судебным преследованиям. Скончался Кампен в 1444 году в Турне.Изучение художественного наследия Кампена крайне затруднено тем, что нет ни одной картины, где бы имелась его подпись. В соответствии с принципами работы в средневековых художественных мастерских, живописец, как правило, лишь намечал композицию картины, прорисовывал лица, а остальное заканчивали его ученики. К тому же с картин часто делалось несколько копий, принадлежавших как руке самого мастера, так и учеников. Таким образом, атрибуция всех произведений, приписываемых в настоящий момент Кампену, спорна. Из основных работ следует назвать три створки Флемальского алтаря («Святая Троица»; «Дева Мария с младенцем»; «Святая Вероника», две створки алтаря Верля (Прадо, Мадрид), «Портрет мужчины в красном тюрбане» (Лондонская национальная галерея), триптих Мероде (музей Метрополитен в Нью-Йорке).Робер Кампен стоит у истоков так называемых «фламандских примитивов». Его художественную манеру отличает реалистичность в изображении персонажей и деталей интерьера. В живописи Робера Кампена бытовые подробности заслоняют или полностью вытесняют прежде характерные для полотен религиозной тематики атрибуты: на его картинах отсутствует золотой фон, а также нет ореолов над святыми.

Робер Кампен также выступает в качестве одного из провозвестников европейского искусства портрета: для изображенных им персонажей — представителей местной знати — характерен трехчетвертной поворот, а лицо занимает большую часть картины. Умер художник в 1444 г.     https://artchive.ru/artists/73488~Rober_Kampen

Источник: https://karhu53.livejournal.com/30103044.html

Робер кампен. алтарь мероде (благовещенье)

?

banan_x (banan_x) wrote, 2013-09-22 20:28:00 banan_x banan_x 2013-09-22 20:28:00 Categories: ( из книги Василенко Н.В. «Северное Возрождение»)Северное Возрождение получило свое название по аналогии с Итальянским Ренесансом. Однако по духу искусство Нидерландов, Германии и Франции XV-XVI веков было совсем иным.  Античные традиции вдохновляющие Итальянских мастеров мало распространились на север. Вспышки интереса к замечательным традициям классического  наследия  носят локальный характер. На севере мастера опирались на достижения романского и готического искусства. Но все же искусство Нидерландов XV века носит качественно новый характер. Античность – только одна сторона Ренесанса как культурного явления. Другая не менее важная- совершенно новое видение и оценка окружающего мира, которое находит свое отражение в произведениях искусства. На севере то же происходит «открытие Мира и Человека»Религиозная мысль не утратила своей актуальности, экспрессивность религиозного мистицизма, линеарность и вытянутость пропорций, ломкое готические линии в складках одежды, изобразительный язык Средневековье — лишь постепенно вымывается из северной живописи.

Круг сюжетов картин северных мастеров продолжает оставаться религиозным, по-прежнему неизменна и иконография.  Но все же вера здесь претерпевает некоторые изменения. Духовной основой Северного Ренесанса стало так называемое Devotio moderna («Новое благочестие») Глвная идея: бог пребывает во всех вещах, даже очень простых, человек соприкосается с божественным не только в церкви  или во время молитв, но каждую минуту, созерцая окружающий мир. Поэтому особенностью северного искусства  на раннем этапе становится внимание к деталям в изображении природы и интерьера.

Художники Северного возрождения переносят религиозную картину в реальный, привычный для человека XV века мир.

 Интерьеры алтарные  картин северных мастеров  полны тщательно выписанными предметами быта, каждый из которых  не только привычен для обыкновенного горожанина в его повседневной жизни, но и заключает в себе скрытый символический подтекст.

Символическое значение предметов хорошо знакомо благочестивому верующему XV века. Показательно, что сначала художники осваивают в совершенстве умение достоверного изображения предметов и лишь потом уделяют должное внимание пространственным объемам и перспективе.

Важны звеном развития живописи Нидерландов становится творчество Роберта Кампена ( Флемальского мастера) работавшего в 20-30 годы XV века в Турне.В его картинах религиозный сюжет впервые обогащается «зарисовками»  из реальной жизни.

Мадонна греющая руки у камина прежде чем прикоснуться к  младенцу, спокойный уют домашнего интерьера, городская улочка видная из окна дома — тонко подмеченные детали усиливают  эмоциональное восприятие религиозной картины. Новшества Робера Кампена получат своё развитие в работах  Яна Ван Эйка и Рогира ван дер Вайдена.

РОБЕР КАМПЕН. Алтарь Мероде (ок.1430)

рассмотреть можно тут http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2e/Robert_Campin_-_L%27_Annonciation_-_1425.jpg?uselang=ruЦентральная часть  Алтаря — Это один из первых примеров в нидерландской живописи, когда сцена Благовещения перенесена в обстановку мирского жилища.На боковых створках изображены портреты заказчиков алтаря и св. Иосиф, плотничающий в своей мастерской. Самостоятельные изображения св.Иосифа очень редки в истории искусств, а здесь ему отведена целая створка  целиком. Столярные инструменты, гвозди, клещи могут напоминать о крестных муках Спасителя, как атрибуты Страстей Господних. Святой Иосиф мастерит мышеловки, и это неслучайно: в понимании человека XV века мышеловка означала ловушку для дьявола.Центр триптиха — сцена Благовещения. К читающей Мадонне приближается архангел Гавриил, готовый сообщить благую весть. В лучах света, проходящем через круглое окошко, видна фигурка Младенца Христа с Распятием, устремленная к Деве Марии.

(

Такое изображение было признано еретическим, поскольку иллюстрировало крамольную с точки зрения Римско-католической Церкви мысль о том, что Дева Мария будто бы не зачала Спасителя во чреве своем, а получила Его в виде младенца с небес в момент Благовещения. Правда, осуждение такой интерпретации в западном искусстве произошло не сразу – поначалу папство против него не возражало)Каждый предмет интерьера выписан с  тщательностью и вниманием к мельчайшим деталям. Рукомойник, наполненный прозрачной водой, и белоснежное полотенце рядом — напоминают о чистоте Девы Марии и таинстве непорочного зачатия. Тоже означает и ветка лилии стоящая на столе в расписанном кобальтом кувшине, какие наверняка были почти в каждом доме. Неслучайны подсвечник со свечой: как подсвечник поддерживает свечу, так и Богоматерь — опора для Христа.  Скрытый комментарий    можно найти и на подлокотниках резных кресел.Верили, что львица рождает детенышей мертвыми и лишь через три дня возрождает их своим рычанием к жизни.  Источником такого поверья послужила древняя книга «Физиолог», своеобразная энциклопедия, повествующая о реальных и вымышленных животных. В текстах отразилось раннехристианское представление о символическом значении того или иного существа. Так согласно этой книге, в истории со львами люди того времени видели напоминание о смерти спасителя на Голгофе и его воскрешении по истечении трех дней.

________________________________________________________________________

Пытаясь воспринять центральную часть Алтаря, где избражена сцена благовещенья я с удивлением поняла, что в первую очередь мой взгляд привлекает лицо Девы Марии а не ангел весь в белом.

 Думаю это получилось за счет композиции: фигура Марии расположена как бы в более темном углу картины, в обмлении ярких цветов, красного и синего, и от этого её светлое лицо более подчеркнуто, эффект усиливается белым полотном в которое завернута книга в руках у Мадонны, это белое пятно как бы подсвечивает её лик. Мария сидит облокотившись локтем на скамью.

Но вся её фигур не имеет веса, даже то, что художник обозначил её согнутые колени не дает почувствовать её телесность, она парит и она почти дух и только смятая подушка обозначает её присутствие в этом мире. Даже ангел, кажется более отягощен телесностью, но поразительный колорит крыльев..

(я любуюсь ими уже не первый день) кажется они излучают и свет и тепло, я не могу точно описать свои чувства, крылья божественны. Ангел очень осторожен, он боится напугать от того все его движение очень мягкое, мне кажется сейчас он коснется её и прикосновение его будет похоже на легкий ветерок, так нежен он.

Мне очень нравится одна деталь этого полотна — это дымок над погасшей свечкой, он дает понять, что ангел явился только что, за мгновение до того как мы увидели эту сцену.Может быть это банально, но мне кажется, что вся эта сцена выражает покой и тепло, Мария ещё не заметила ангела и от того очень спокойна. Все обстановка очень светлая, много воздуха и света делает настроение праздничным легки.

Источник: https://banan-x.livejournal.com/14335.html

Пизанелло. Молодая дама из семьи д’Эсте

?

Category: Пизанелло. «Портрет принцессы из дома Эсте», 1435—1440, Лувр

Если это портрет Джиневры д'Эсте, то в картине зашифрована ее ранняя смерть: её муж, жестокий военачальник, который приходился ей одновременно и дядей, и двоюродным братом, по слухам, убил ее, подав яд в кубке из изумруда. Убил, говорят, из-за неверности жены, однако, поскольку свою следующую супругу он задушил за ужином салфеткой, возможно, у него просто привычка была такая негигиеничная.

Бонус: высокохудожественное изображение висельников.

Этот образ молодой дамы принадлежит к раннему периоду современного портрета[56]. Он был выполнен в то десятилетие, когда Ян ван Эйк и Робер Кампен написали самые значительные свои портреты.

Однако от них он отличается использованием профильного поворота – позы, являющейся реминисценцией к античному искусству и часто избираемой Пизанелло (1395-1455) для его медалей и рельефов.

Этому же влиянию монет и медальерного портрета мы должны приписать недостаток моделирования во многих выполненных им лицах, их сходство, другими словами, с барельефом.

Пизанелло. Портрет Лионелло д'Эсте. 1441. Его легко было бы считать парным к портрету принцессы и, следовательно — изображением жены, но есть проблема — картины имеют разный размер, поэтому явно не составляли тандем.

Относительно идентификации модели, изображенной Пизанелло на этой небольшой панели, шли значительные споры. Из многих сделанных предположений здесь стоит упомянуть два.

Хрупкое, похожее на ребенка лицо, с высоким выбритым лбом и волосами, плотно зачесанными назад и удерживаемыми на месте неровно завязанным прозрачным боннэ наподобие скуфьи, чаще всего считают принадлежащим Маргарите Гонзага. Она была женой Лионелло д’Эсте (см. илл. 53), выданной за него в 1433 году – том самом, который предполагают датой создания портрета.

Вторая гипотеза идентифицирует модель как Джиневру д’Эсте, супругу Сиджизмондо Пандольфо Малатеста из Римини, позже впавшую в немилость.  Предполагают, что в 1440 году, когда ей было двадцать два года, он ее отравил.

Пьеро делла Франческа. Портрет  Сиджизмондо Пандольфо Малатеста. Очень неприятный человек.

Кем бы она ни была, практически нет сомнений, что ее изображение принадлежит к жанру придворного портрета. Молодая женщина, возможно принцесса, могла позировать в течение брачных переговоров, или по случаю помолвки, или даже вскоре после недавней свадебной церемонии. Эта гипотеза подкрепляется фоном, на котором изображена модель – декоративном, в ковровом стиле.

Ослепительные цветы – водосборы и гвоздики, на которых сидят бабочки, возникающие из темно-зеленых листьев куста, были мариологическими атрибутами, обычно обозначающими непорочность.

Однако,  равно возможно, что это был посмертно выполненный портрет наподобие «Баттисты Сфорца», написанной Пьеро делла Франческо (илл.

48), поскольку бабочки часто символизируют воскресение на изображениях моделей, которые умерли молодыми.

Вазон, вышитый на рукаве, является символом дома Эсте. Можжевельник по-итальянски «джинепро», что напоминает имя Джиневра.

Фольклор приписывает тайные магические силы растению. Говорили, оно защищало людей против демонов, и, в более практичном смысле, помогает против инфекционных заболеваний. Можжевельник также рекомендовали как средство защиты от ранней смерти.

Источник: Norbert Schneider. The Art of the Portrait: Masterpieces of European Portrait-painting, 1420—1670. Taschen 2002. P. 52-53Перевод: shakko.

  

В профиле принцессы иногда находят сходство с профилем из «Принцессы и Святого Георгия, убивающего дракона» того же Пизанелло. 

Эта фреска любопытна высокохудожественным изображением висельников

См. также http://ru.wikipedia.org/wiki/Портрет_Джиневры_д'Эсте

Источник: https://shakko-kitsune.livejournal.com/568180.html

Читать

Кристина Ляхова, Галина Дятлева

Мастера портрета

История портретной живописи

Портрет (от франц. portrait) – это жанр изобразительного искусства, а также произведения этого жанра, показывающие внешний облик конкретного человека. Портрет передает индивидуальные особенности, неповторимые черты, присущие только одной модели (моделью называют человека, позирующего мастеру при работе над художественным произведением).

Но внешнее сходство – не единственное и, пожалуй, не самое главное свойство, присущее портрету. Настоящий портретист не ограничивается воспроизведением внешних черт своей модели, он стремится передать свойства ее характера, раскрыть ее внутренний, духовный мир. Очень важно также показать социальное положение портретируемого, создать типический образ представителя определенной эпохи.

Как жанр, портрет появился несколько тысячелетий назад в античном искусстве.

Среди фресок знаменитого Кносского дворца, найденных археологами при раскопках на острове Крит, есть целый ряд живописных женских изображений, относящихся к XVI веку до н. э.

Хотя исследователи назвали эти образы «придворными дамами», нам неведомо, кого пытались показать критские мастера – богинь, жриц или знатных дам, одетых в нарядные платья.

Наибольшую известность получил портрет молодой женщины, названный учеными «Парижанка». Мы видим перед собой профильное (по традициям искусства того времени) изображение молодой женщины, весьма кокетливой и не пренебрегавшей косметикой, о чем свидетельствуют ее глаза, обведенные темным контуром, и ярко накрашенные губы.

Художники, создававшие фресковые портреты своих современников, не углублялись в характеристику моделей, да и внешнее сходство в этих изображениях весьма относительно.

В Древней Греции и Древнем Риме станковой живописи не существовало, поэтому искусство портрета выразилось главным образом в скульптуре. Античные мастера создавали пластические образы поэтов, философов, военачальников и политиков. Этим произведениям свойственна идеализация, и в то же время среди них встречаются и очень точные по своей психологической характеристике образы.

«Парижанка». Фреска из Кносского дворца, XVI век до н. э.

Эти изображения выполняли ритуально-магические функции. Появились они в эпоху эллинизма, когда Древний Египет был захвачен римлянами.

Эти портретные образы, выполненные на деревянных досках или на холсте, помещались вместе с мумией в гробницу усопшего.

«Портрет молодого римлянина», начало III века н. э.

На фаюмских портретах мы видим египтян, сирийцев, нубийцев, иудеев, греков и римлян, живших в Египте в I–IV веках н. э. Из Древнего Рима в Египет пришел обычай хранить в доме написанные на деревянных дощечках портреты хозяев, а также скульптурные маски умерших родственников.

Фаюмские портреты создавались в технике темперы или энкаустики, что особенно характерно для более ранних изображений. Энкаустика – это живопись красками, где главным связующим звеном был воск.

Художники использовали расплавленные восковые краски (на многих дощечках с портретными изображениями сохранились следы стекания таких красок). Подобная техника требовала особых приемов.

На области щек, подбородка и носа краска накладывалась плотными слоями, а остальные части лица и волосы писались более жидкой краской. Мастера использовали для портретов тонкие дощечки из сикоморы (тутовой смоковницы) и ливанского кедра.

Среди самых известных портретов, исполненных в технике экаустики, – «Мужской портрет» (вторая половина I века н. э.) и «Портрет пожилого мужчины» (конец I века н. э.), являющиеся прижизненными изображениями. В этих произведениях поражает умелая светотеневая моделировка и использование цветового рефлекса.

В период Средневековья, когда искусство было подчинено церкви, в живописи создавались в основном религиозные образы. Но и в это время некоторые художники писали психологически точные портреты.

Широкое распространение получили изображения донаторов (дарителей, заказчиков), которых показывали чаще всего в профиль, обращенных к Богу, Мадонне или святому. Образы донаторов обладали несомненным внешним сходством с оригиналами, но не выходили за рамки иконописных канонов, играя в композиции второстепенную роль.

Профильные изображения, идущие от иконы, сохраняли главенствующие позиции даже тогда, когда портрет начал приобретать самостоятельное значение.

Дж. Беллини. «Портрет донатора». Фрагмент

Расцвет портретного жанра начался в эпоху Возрождения, когда главной ценностью мира стала активная и целеустремленная личность, способная изменить этот мир и идти наперекор обстоятельствам.

В XV веке художники начали создавать самостоятельные портреты, на которых показывали модели на фоне панорамных величественных пейзажей. Таков «Портрет мальчика» кисти Б. Пинтуриккьо.

Тем не менее наличие в портретах фрагментов природы не создает целостности, единства человека и окружающего его мира, портретируемый как будто бы заслоняет собой природный ландшафт. Лишь в портретах XVI столетия возникает гармония, своеобразный микрокосм.

К портретной живописи обращались многие знаменитые мастера Возрождения, в том числе Боттичелли, Рафаэль, Леонардо да Винчи. Величайшим произведением мирового искусства стал знаменитый шедевр Леонардо – портрет «Мона Лиза» («Джоконда», ок. 1503), в котором многие портретисты последующих поколений видели образец для подражания.

В период Ренессанса многие художники, создававшие алтарные и мифологические композиции, обращались к портретному жанру.

Глубоким проникновением во внутренний мир модели отличаются психологические портреты нидерландского живописца Яна ван Эйка («Тимофей», 1432; «Человек в красном тюрбане», 1433).

Признанным мастером портретного жанра был немецкий художник Альбрехт Дюрер, автопортреты которого до сих пор восхищают зрителей и служат примером для художников.

Б. Пинтуриккьо. «Портрет мальчика». Картинная галерея, Дрезден

В эпоху Возрождения в европейской живописи появились разнообразные формы портрета. Большой популярностью в то время пользовался погрудный портрет, хотя появлялись и поясные, поколенные изображения и портреты в полный рост.

Знатные супружеские пары заказывали парные портреты, в которых модели изображались на разных холстах, но обе композиции объединял общий замысел, колорит, пейзажный фон.

Яркий пример парных портретов – изображения герцога и герцогини Урбинских (Федериго да Монтефельтро и Баттисты Сфорца, 1465), созданные итальянским живописцем Пьеро делла Франческа.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=178556&p=5

Робер Кампен

Робер Кампен (Robert Campin) (ок. 1375-1444). Известен также как Флемальский мастер и Мастер алтаря Мероде.

Родился около 1375 года. В 1410 году Кампен получил гражданство в Турне. Он возглавлял большую преуспевающую мастерскую, выполнявшую многочисленные заказы города. Согласно сохранившимся документам, Кампен был учителем знаменитого Рогира Ван дер Вейдена и Жака Даре, которые в период с 1427 по 1432 год обучались в его мастерской.

Свою художественную карьеру Кампен начал несколько раньше Ван Эйка и совершенно независимо от него. В ранних работах мастера несомненна связь с искусством франко-фламандской миниатюры, послужившей для Кампена отправной точкой.

В них художник демонстрирует острую наблюдательность и пристальный интерес к отдельным деталям. Замечательный пейзаж в одной из ранних картин, «Рождество Христово» (ок.

Картины Кампена великолепны по цветовому решению, их краски ярки и праздничны. Художник писал свои полотна в новой технике масляной живописи, позволявшей достигнуть тончайших цветовых эффектов. Он отличался умением передать фактуру ткани и металла, глубину интерьера и сложный рисунок теней, падающих от предметов, освещенных несколькими источниками света.

Две крупные работы Кампена дошли до нас лишь в виде фрагментов или копий. Алтарь «Снятие с креста» известен по копии правой створки с изображением злого разбойника на кресте. От второго алтаря сохранились лишь створки «Мария с младенцем», «Святая Вероника» и «Троица». Но и этих немногих фрагментов достаточно, чтобы представить себе масштаб этих произведений и дарования их создателя.

Поздние работы Кампена уже несут в себе черты влияния Ван Эйка. Они более организованны и аристократичны, черты архаизма в них практически отсутствуют.

Замечательным примером работ этого периода могут служить боковые створки так называемого Алтаря Верля «Иоанн Креститель и заказчик у алтаря» и «Святая Варвара у камина» (обе 1438).

Кисти Кампена приписывают также несколько портретов, среди которых выделяется «Портрет толстого мужчины», написанный с яркой убедительностью и остротой.

Художественное значение творчества Кампена огромно. Наряду с Ван Эйком он был одним из основателей нидерландской школы живописи, оказавшей значительное влияние на развитие всего мирового искусства.

Художник умер 26 апреля 1444 года.

Источник: http://vissage.ru/velikie-khudozhniki/rober-kampen