«пряхи», диего веласкес — описание картины

17.07.2008

Публикации

Веласкес, один из величайших мастеров мировой живописи, далеко вышел за пределы национальной школы. Уже испанские современники называли его «художником Истины». Какой бы области живописи он ни касался, всюду он сказал новое слово.

Диего Родригес де Сильва Веласкес — таково его полное имя — родился в небогатой дворянской семье в Севилье.

Известно, что маленький Диего воспитывался в духе христианского благочестия, посещал латинскую школу и, рано обнаружив склонность к искусству, был отдан отцом в обучение к известному живописцу Франсиско Эррере Старшему, которого вскоре покинул ради мастерской Франсиско Пачеко, теоретика искусства, заурядного художника, но опытного педагога. В семнадцать лет Веласкес получил звание мастера. В 1618 году он женился на дочери Пачеко Хуане Миранде. «После пяти лет обучения и образования, — писал Пачеко, — я отдал за него замуж свою дочь, побуждаемый его добродетелью, чистотой и другими качествами, а также в надежде на его природный и высокий гений». Гостеприимный дом Пачеко современники называли «академией образованных людей не только Севильи, но и всей Испании».

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Водонос из Севильи. 1621

Первым знакомством молодого художника с реальной жизнью стали картины в жанре бодегонов (от слова харчевня, трактир) — изображения скудных завтраков и кухонных сцен с немногими полуфигурами и натюрмортом на переднем плане. Картины населяют увиденные художником на шумных улицах родного города смышленые мальчишки, пожилые горделивые андалусски, статный водонос, желанный гость в часы южного зноя.

Однако счастливые севильские годы остались позади. Благодаря связям Пачеко Веласкес в октябре 1623 года был назначен придворным живописцем с исключительным правом писать портреты короля. Отныне почти сорокалетняя жизнь Веласкеса протекала в Мадриде.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Портрет молодого человека. Ок. 1628

Все показалось ему чуждым в новой неприветливой столице Испании. Мадрид стал средоточием пышного королевского двора, огромного бюрократического аппарата; правила придворного этикета действовали здесь с тупой неукоснительностью механизма.

Мастерская Веласкеса помещалась в одном из крыльев королевского дворца — Алькасара. В отличие от своих великих современников Рубенса и Рембрандта, Ван Дейка и Пуссена, он не мог целиком отдаться искусству. Его карьера при дворе — карьера придворного, медленно восходившего на иерархической лестнице официальных должностей, вплоть до гофмаршала двора в 1656 году.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Портрет графа-герцога Оливареса. Ок. 1641

Мастер обрел большую, чем его соотечественники, свободу в создании произведений светского содержания, но оставался ограниченным заказами своего господина Филиппа IV.

Вместе с тем жизнь в Мадриде открыла для Веласкеса возможность изучения ценнейших собраний живописи, сблизила его с испанской культурной элитой. С присущим ему безупречным вкусом сам он пополнял художественные коллекции Алькасара.

Приор Франсиско де лос Сантос писал в 1681 году, что испанский королевский дворец, который по собранию картин является «выдающимся среди других дворцов монархов мира», обязан этим «заботам Веласкеса».

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Триумф Вакха (Пьяницы). 1628—1629

О жизни Веласкеса в Мадриде дошли скупые сведения. Не сохранились его письма, почти нет высказываний, но даже то немногое, что о нем известно, создает исключительно привлекательный образ человека высокого нравственного благородства.

Радостным событием в жизни Веласкеса был приезд Рубенса в 1628 году и общение с ним. Возможно, великий фламандец был в той или иной мере связан с созданием картины Веласкеса «Триумф Вакха» (1628—1629, Мадрид, Прадо; популярное название Пьяницы принадлежит началу XIX века).

Для Веласкеса, портретиста по призванию, эта была первая большая сюжетная картина, где он обратился к новому для себя и редкому для испанской живописи мифологическому жанру. Как все его сюжетные картины, полотно необычно по замыслу.

Изображенная на фоне горного пейзажа компания испанских бродяг пирует вместе с античным богом Вакхом и сопровождающим его фавном. Избегая искусственности подобного сопоставления, художник нашел такие формы характеристики, которые резко не разделяют высокое от жизненно достоверного.

Его Вакх — простоватый, чуть располневший юноша, а в его спутниках, грубоватых, полных жизни, удали, душевного размаха, угадывается что-то крупное и значительное.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Кузница Вулкана. 1630

Возможно, по совету Рубенса Филипп IV послал Веласкеса в 1629 году в Италию. Он посетил многие знаменитые города; в Венеции, увлеченный Тицианом, Тинторетто и Веронезе, изучал и копировал их работы.

Затем жил в Риме, где и создал в 1630 году «Кузницу Вулкана» (Мадрид, Прадо), в которой, как и в Вакхе, но только сложнее и с большей долей иронии соединил мифологический сюжет со сценой, приближенной к реальности.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Конный портрет принца Балтасара Карлоса. 1635

После возвращения Веласкеса из Италии в 1631 году его искусство обрело новые силы, стало неизмеримо более уверенным и зрелым. Мастер стремится наполнить жизнью, изменить традиционные парадные схемы. Ярким утренним светом пронизан конный портрет маленького наследника престола инфанта дона Балтасара Карлоса (1635, Мадрид, Прадо), изысканный и полный радостной красочности.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Сдача Бреды (Копья). 1634–1635

О высоком творческом подъеме Веласкеса свидетельствует его картина «Сдача Бреды» (Копья; 1634—1635, Мадрид, Прадо), запечатлевшая падение в 1625 году голландской крепости Бреда — одну из немногих крупных побед испанского оружия в неудачной для абсолютистской Испании войне с демократическими Нидерландами.

Полотно принадлежит к числу самых значительных произведений европейской исторической живописи. В нем с высокой мерой объективности и глубокой человечностью охарактеризована каждая из враждующих сторон. Изображен момент, когда командующий голландским гарнизоном вручает ключ от крепости испанскому полководцу, милостиво дарующему свободу побежденным.

Действующие лица образуют полукольцо вокруг центральных фигур, вовлекая и зрителя, который становится участником события. Группа горделивых испанцев стоит под лесом стройных копий. Вместе с тем мастер с уважением и симпатией изображает побежденных голландцев.

Огромное уходящее пространство равнины наполнено серебристым туманом раннего июньского утра, с которым сливается дым пожарищ пылающих на горизонте селений.

В 1630—1640-х годах Веласкес писал портреты короля, королевской семьи, сановников, друзей, учеников, королевских шутов. В его портретах обычно отсутствуют аксессуары, жест, движение, преобладает строгая темная гамма, оживленная богатством изысканных оттенков, особенно серого тона.

Художник изображает человека в единстве самых противоречивых проявлений характера, подчас сложных, как сложна сама жизнь. При этом портреты Веласкеса эмоционально очень сдержанны.

Художника, не всегда находившего в придворных кругах вдохновлявших его моделей, влекли к себе люди творческого склада, яркого темперамента.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Себастьяно де Морра. 1643—1644

Подлинную творческую свободу Веласкесу удалось проявить в портретах шутов. Следуя традиции, он исполнял заказанные ему портреты шутов, карликов, уродцев. Произведения эти не имеют себе равных в мировой живописи. С беспощадной правдивостью художник пишет жалкие, беспомощные фигуры, больные лица, отмеченные печатью вырождения.

Тем ценнее его стремление раскрыть в каждом обиженном природой черты подлинной человечности, передать в шуте и уроде их душевное состояние, поднимающееся подчас до скорбного трагизма.

Веласкес обнаруживает мир внутренних переживаний в степенном, одиноко печальном умном карлике Эль Примо, в растерянном, забившемся в угол дурачке (Эль Бобо) из Кории, в уродце Себастьяно Морра, устремившем на зрителя взгляд, полный укора и мрачного отчаяния (все — Мадрид, Прадо).

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Эзоп. Ок. 1640

С темой подавленной и отвергнутой обществом человеческой личности связаны изображения Мениппа и Эзопа (оба — ок. 1640, Мадрид, Прадо) — стоящих в рост величественных фигур уличных нищих, носящих имена античного сатирика и античного баснописца. В образе Эзопа, одном из самых глубоких в творчестве Веласкеса, — грустное безразличие и мудрость человека, изведавшего истинную цену жизни.

Портретному искусству Веласкеса сопутствовал триумфальный успех в Италии, которую он с целью приобретений произведений искусства вторично посетил в 1649—1651 годах.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Портрет короля Филиппа IV («Ла Фрага»). 1644

Портрет Хуана Парехи. 1650

В портрете своего ученика и слуги Хуана Парехи (1650, Нью-Йорк, Музей Метрополитен) художник по-шекспировски глубоко понял гордую и незаурядную натуру этого потомка мавров, народа, подвергавшегося гонениям в католической Испании. Портрет Парехи, выставленный в ротонде Пантеона, был встречен с воодушевлением римской общественностью; Веласкеса избрали членом римской Академии Святого Луки и Общества виртуозов Пантеона.

Портрет Папы Иннокентия Х. 1650

Написанный же в 1650 году портрет римского Папы Иннокентия X (Рим, галерея Дориа-Памфили), невиданный по откровенности образа, буквально покорил итальянцев.

Мощное цветовое звучание портрета, построенного на напряженном контрасте белого и всех оттенков красного, становится как бы выражением энергии и темперамента изображенного человека. Лицо Иннокентия X — грубое, багровое, с настороженным взглядом глубоко посаженных глаз — притягивает своей властной силой.

Увидев портрет, римский Папа, как известно, воскликнул: «Слишком правдиво!», — но принял его благосклонно и художника наградил золотой цепью. Портрет главы римской церкви стал самым знаменитым созданием Веласкеса вне Испании. Посетив галерею Дориа-Памфили, В.И.

Суриков писал: «Для меня все галереи Рима — этот Веласкеса портрет. От него невозможно оторваться, я с ним перед отъездом из Рима прощался, как с живым человеком, простишься, да опять воротишься — думаешь, а вдруг в последний раз его вижу».

Автопортрет. 1638—1640

Мастер не спешил возвращаться в Испанию, что чрезвычайно раздражало Филиппа IV. Неоднократные напоминания короля и особенно решительное письмо одного из испанских друзей заставили его в июне 1651 года вернуться на родину.

Наступила пора великих творческих свершений и вместе с тем самой напряженной работы при дворе. Веласкес занимает должность гофмаршала, и жизнь его целиком замыкается в стенах Алькасара.

В последнее десятилетие своей жизни Веласкес создал свои знаменитые картины «Венера перед зеркалом» (ок. 1650, Лондон, Национальная галерея), «Лас Менинас» (1656), «Пряхи» (ок. 1657, обе — Мадрид, Прадо), великолепные придворные портреты.

Вдохновенным артистизмом, смелостью живописных находок покоряют женские и детские портреты особ королевского дома.

Глубоким психологизмом отмечен самый поздний портрет стареющего Филиппа IV (1655—1660, Мадрид, Прадо), в котором привычная величавая невозмутимость испанского монарха не может скрыть того, что он не только обрюзг и устал, но и душевно подавлен, одинок; в его обычно вялом и холодном взгляде угадывается что-то скорбное.

https://www.youtube.com/watch?v=dyc4c-bdBxw

Поздние картины Веласкеса столь необычны по замыслу, по взаимосвязи образов, многоплановому содержанию, что их истолкование и поныне вызывает оживленные споры среди исследователей.

Венера перед зеркалом. Ок. 1650

Венера перед зеркалом, которое держит амур, — одна из самых гармоничных его картин, редчайшее изображение обнаженного женского тела для испанской живописи того времени.

Особую свежесть и остроту приобретает здесь найденный художником угол зрения, подчеркивающий певучий ритм линий.

Красота веласкесовской Венеры — красота реальной живой женщины, как и в других его произведениях, красота самой натуры. Вместе с тем образ возвышенно прекрасен.

Лас Менинас. 1656

Выходя за пределы каких-либо жанров, Веласкес с неподражаемым живописным совершенством создает свои крупномасштабные поздние картины «Лас Менинас» и «Пряхи».

Условное название «Лас Менинас» появилось в каталоге 1843 года и подразумевало «Фрейлины» (оно произошло от португальского слова «менина», т. е. молодая фрейлина испанских инфант).

В музейных же инвентарях XVII—XVIII веков картина называлась Семья или Семья Филиппа IV.

В сумрачной дворцовой мастерской Веласкес, стоящий у холста, натянутого на высокий подрамник, пишет портрет королевской четы — король и королева как бы подразумеваются, присутствуя перед полотном (т. е. среди зрителей) и смутно отражаясь в зеркале на противоположной стороне зала.

Маленькая инфанта Маргарита в окружении молодых фрейлин, карлицы, карлика и спящего пса призвана развлекать родителей в томительные часы сеанса. За группой переднего плана — фигуры придворной дамы и кавалера.

Сзади гофмаршал королевы отдергивает гардину с окна, и сквозь открытую дверь солнечный свет вливается в дворцовые покои.

Жизнь запечатлена здесь в удивительном богатстве смысловых оттенков и сопоставлений, в сложной диалектике низведения официального величия и возвышения реального. Каждый образ на редкость красноречив.

Например, фигуры прелестной инфанты и уродливой карлицы размещены и сопоставлены так, что между ними возникает странное сходство, придающее их образам некие неожиданные грани; похожий на изящного мальчика карлик Николасито превосходит всех живостью и свободой. Даже дремлющему крупному псу отведена отнюдь не второстепенная роль.

Его изображение — само воплощение вечных сил природы — усиливает впечатление господствующей тишины, умиротворения, странной завороженности. Вместе с тем картина наполнена движением пространственных планов, воздуха, света. Хаос мазков чистой краски исчезает при рассмотрении картины с отдаленного расстояния — все сливается в живописном единстве в гармонически прекрасное целое.

Веласкес скромно изобразил себя в полутени, погруженным в работу. Но этот его автопортрет — один из ключевых образов картины, в которой господствует идея творческого восхождения и преображения жизни созидательной силой искусства.

Пряхи. 1657

На «одном дыхании» написана и другая прославленная картина «Пряхи», столь же сложная и многоплановая по своему замыслу. На переднем плане в полумраке ковровой мастерской помещены поглощенные работой испанские пряхи.

Читайте также:  «обращение савла», микеланджело буонарроти — описание

Их изображение созвучно древнегреческому мифу об Арахне, искусной мастерице, дерзнувшей соперничать с самой богиней Афиной. Полная юной прелести босоногая пряха составляет как бы поэтическую параллель образу античной Арахны.

На дальнем плане, на площадке, залитой солнцем, придворные дамы любуются ковром, изображение которого остается для зрителя загадочным.

Из вытканной на ковре композиции, навеянной Похищением Европы Тициана, выдвинуты в зыбкое пространство интерьера персонажи греческого мифа — Афина и Арахна. Они то ли составляют часть шпалерной сцены, то ли уподоблены актерам на театральных подмостках.

Оба плана картины сливаются в сложном взаимодействии жизни и мифа, мечты и реальности, труда и творчества. Картина соткана из света и тени, пронизана воздухом, построена на богатейшем соотношении красочных пятен. Все трепещет, все живет, в сияющий круг слились спицы быстро вращающегося колеса прялки, словно слышен его легкий, серебристый звон.

Портрет Филиппа IV («Серебряный Филипп»). Ок. 1632

Меньше, чем за год до смерти Веласкес стал кавалером ордена Сант Яго, одного из самых почетных рыцарских орденов Испании. Но даже эта милость, которая отметила его придворные, а не творческие заслуги, принесла ему немало унизительных переживаний.

Потребовались доказательства его аристократического происхождения и многочисленные свидетельства того, что он занимался живописью только «ради своего удовольствия и по повелению короля», картин своих не продавал, а жалование получал лишь по занимаемым придворным должностям. Образ жизни Веласкеса, однако, не изменился.

Подписанный после долгой войны между Францией и Испанией Пиренейский мир предусматривал брак между Людовиком XIV и старшей дочерью Филиппа IV Марией Терезой. Их обручение должно было состояться на острове Фазанов на испанской границе.

Как гофмаршал двора Веласкес руководил подготовкой и украшением специального помещения для монаршей встречи, устройством празднеств и приемов, сопровождавших длительное продвижение королевского кортежа. Веласкес удостоился всяческих похвал, на церемонии обручения он выглядел необычайно элегантно.

Воображение невольно рисует образ этого удивительного человека, всегда умеющего скрыть и свою усталость и накапливаемую годами горечь от непосильной работы, обладавшего спокойной доброжелательностью к людям. Но здоровье Веласкеса было подорвано. Приехав в Мадрид, он вскоре почувствовал приступ возвратной лихорадки.

Веласкес скончался, достигнув вершины своего искусства. С торжественными почестями его как рыцаря ордена Сант Яго похоронили в главном алтаре мадридской церкви Сан Хуан Баутиста. Рядом с Веласкесом через семь дней была погребена сраженная горем его верная спутница жизни Хуана Миранда.

Татьяна Каптерева

Источник: http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=562

Веласкес, «Менины»

Философы, искусствоведы ведут не прекращающиеся споры по поводу картины Диего Веласкеса. Его «Менины» оставили после себя много тайн и загадок. Это полотно является мировым шедевром и находится в музее Прадо в Мадриде.

Будничную обстановку вместо парадного зала изобразил Веласкес («Менины»). Эту картину живописцаможно назвать сценой из жизни королевской семьи. Но в те далекие времена даже обычного аристократа нельзя было рисовать в будничной обстановке.

Смысл картины, его философский подтекст завораживает зрителя. Художник превзошел свое время сложностью композиции, техническим мастерством и магическим очарованием.

Диего Веласкес. Севильский период

В 1599 году в небогатой дворянской семье родился Диего Веласкес. Точная дата рождения неизвестна, день крестин – 6 июня. Его родители, выходцы из Португалии, обосновались в испанском городе Севилье.

Способности к рисованию у Веласкеса проявились рано. Отец определил его в мастерскую известного художника Ф. Эрреры. Для дворян в те времена занятия живописью считались унизительными. Осуждался ручной труд аристократии.

Суровый характер Эрреры стал поводом для разногласий. Вскоре Диего Веласкес очутился в другой мастерской – художника Франсиско Пачеко. Его дом всегда был открыт для любителей искусства.

Веласкес со временем получил звание мастера живописи и женился на дочери Пачеко.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Счастливый брак, известность – все говорит о том, что успешен был в Севилье Диего Веласкес. Картины,написанные им на бытовые темы, дали толчок для развития жанра бодегонес. Изредка он писал портреты, выполнял церковные заказы.

Придворный живописец

Осенью 1623 года Веласкес занял должность придворного живописца в городе Мадриде. Основные работы того времени – портреты придворных и королевской семьи Филиппа IV.

Встреча с художником Рубенсом сподвигла Веласкеса на путешествие в Италию. Король, учитывая заслуги живописца, вскоре назначил его гофмаршалом. В тот период большое внимание детским портретам уделялВеласкес. «Менины» – одна из известнейших картин того времени. Впоследствии король наградил живописца высшим знаком отличия – рыцарским орденом Сантьяго.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Последним известным полотном Веласкеса стал портрет Людовика XIV, написанный в честь его бракосочетания с испанской инфантой. Через несколько часов после написания картины Веласкес скончался.

Диего Веласкес. Картины

Художник писал картины разной жанровой принадлежности – портреты, пейзажи, бытовые и исторические зарисовки.

Его жизнь в Севилье изобиловала жанровыми сценками из народной жизни. Большой известностью пользуются такие картины, как «Старая кухарка», «Продавец воды»; религиозные полотна – «Христос в доме Марфы», «Непорочное зачатие», «Поклонение волхвов».

Мадридский период характерен своими парадными портретами (первого министра Оливареса, короля и членов его семьи). В Италии был написан портрет папы Иннокентия X. В то же время была создана «Венера с зеркалом».Испанской инквизицией жестко осуждалось изображение обнаженного тела. Но одобрение Филиппом IV этой картины позволило Веласкесу избежать гнева церкви.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

«Венера с зеркалом»писалась под впечатлением от венецианской живописи. Дважды за свою жизнь побывал художник в Италии. Прототипом для его Венеры послужили полотна Рубенса («Венера перед зеркалом»), Джорджоне («Спящая Венера»).

Существует версия, что картина Веласкеса изображает любимую женщину художника, Фламинию, и их общего сына. Долг перед женой и стабильная работа в Испании не позволили ему остаться с избранницей.

Однако и в картине «Пряхи» можно заметить сходство сидящей спиной девушки с Венерой.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Веласкес «Менины». Описание картины

Полотно было написано в 1656–1657 годах. Оно до сих пор находится в Мадриде, в музее Прадо. На картине изображена инфанта Маргарита и ее менины (фрейлины). На заднем плане в зеркале отражаются король Филипп IV и Марианна Австрийская – родители инфанты. Придворные дамы и кавалеры, карлики, собака и сам художник – небольшая сценка из дворцовой жизни изображена на полотне.

Картина «Менины» Веласкесаоставила после себя много загадок. Король и королева представлены вместе. Тем не менее, по этикету их всегда рисовали отдельно.

Размер полотна, за которым работает художник, слишком велик для портретной живописи. Что за картину скрыл Веласкес в «Менинах»?

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Изображение пола, стен, потолка с их жесткой геометрией занимают слишком много места и кажутся неуместными. Почему художник уделил так много внимания сумрачным теням позади инфанты и ее окружения?

Пятилетняя Маргарита кажется слишком одинокой в этом огромном помещении. Ее детство проходит в соблюдении строгого испанского этикета, где смех и улыбки запрещены.

Критики и художники того времени удивлялись столь реалистичному написанию полотна. В те времена было принято несколько сглаживать образы, делать задний фон более чарующим. Так, «Спящая Венера»Джорджоне – это идеализированный женский образ. В то время как Веласкес прагматичен и реалистичен в своей портретной живописи.

Загадка картины

Писал Диего Веласкес «Менины»в тот период, когда Маргарита была единственной наследницей короля. Это не одобрялось испанскими законами – только инфант мог наследовать трон.

Спустя год после написания картины у Филиппа IV родился сын и наследник. «Менины» стали опасны. Судя по всему, фигура самого Веласкеса была нарисована позднее и закрывала собой другого героя полотна.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Рентгеновский снимок картины в 1965 году выявил наличие еще одного персонажа, которого впоследствии пришлось закрасить.

По одной версии, художника на полотне не было, а был паж. Он протягивал инфанте символ власти – королевский жезл, тем самым намекая на ее наследование испанского трона.

Поэтому после рождения наследника мужского пола картина должна была быть уничтожена. Художник, изменив героев, спас ей жизнь. Вместо пажа с жезлом он изобразил себя.

Автопортрет художника

Часто на картинах, среди персонажей, художники изображали себя на заднем плане или в углу. Это сродни подписи мастера. То же самое сделал в своем полотне и Веласкес.

«Менины» – наиболее достоверный портрет живописца.

Однако орден Сантьяго на его груди еще не был получен, почему же он присутствует на картине? Быть может, его нарисовали позднее, когда членство в рыцарском ордене было узаконено?

Существует версия, что орден был написан уже после смерти Веласкеса. Возможно, по приказу короля. Но орден написан настолько точно в манере Веласкеса, что нет сомнений в его авторстве.

Может, это не художник изображен на картине? Потому что рисовать орден на груди, когда он не получен, – серьезный проступок для придворного живописца. Да и рыцарский орден Сантьяго – слишком серьезная организация. Так кто же на полотне – сам художник или другой человек? Искусствоведы спорят по сей день по поводу написания этой картины. Удастся ли им открыть правду?

Судьба Маргариты

Жизнь инфанты Маргариты оказалась недолгой. Она вышла замуж за императора Священной Римской империи Леопольда I. Это случилось в 1666 году. Ей было 14 лет, Леопольду – 26.

По свидетельствам современников, это было счастливое супружество. У мужа и жены были общие интересы в сфере искусства и музыки. Маргарита родила шестерых детей за 6 лет брака. Но выжила только одна девочка – Мария Антония.

Маргарита умерла, когда ей шел 21-й год. Ее захоронение находится в Австрии.

Заключение

Свое название картина получила в XIX веке. До этого при описании работ Веласкеса ее именовали «Королевская семья» или «Семья Филиппа VI».

Подчеркнул прелесть инфанты в своей картине Веласкес. «Менины» создают резкий контраст между сиянием Маргариты и окружающей обстановкой. Глубокое философское содержание полотна, его тайный смысл оставляют множество загадок.

«Пряхи», Диего Веласкес — описание картины

Пабло Пикассо на основе картины написал 58 вариаций в своем неповторимом стиле. Он предложил новую трактовку полотна Веласкеса. Каждый персонаж несет двойную смысловую нагрузку – добра и зла. Герои олицетворяют две противоположности мира – жизнь и смерть.

Источник: https://www.syl.ru/article/182257/new_velaskes-meninyi-opisanie-kartinyi-diego-velaskes-kartinyi-hudojnika

Диего Веласкес – биография и картины художника в жанре Барокко – Art Challenge

Веласкес Диего, великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес (Diego Rodriguez de Silva Velazquez). Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство.

Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье.

Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни “бодегонес” (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (“Завтрак”, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Водонос”, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон).

Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче особенностей натуры сближают живопись севильского периода художника Диего Веласкеса с караваджизмом.

В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства.

Художник проницательнее вглядывался в мир, порывал с присущими искусству его времени условностями, искал пути к созданию полотен широкого обобщающего смысла.

В картинах “Вакх” (“Пьяницы”, до 1630) и “Кузница Вулкана” (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами.

На формирование Диего Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634–1635, Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов.

В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица.

Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Дама с веером”, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо).

Мудрая непредвзятость и человечность Веласкеса воплотились в его портретах королевских шутов и карликов (Эль Бобо из Кории, Эль Примо, так называемого Хуана Австрийского, Себастьяна Мора и других, все – 1631–1648, Прадо, Мадрид).

Тонко и точно разработанная гамма красных и розовых оттенков – эмоциональный ключ к пониманию жестко-правдивого образа папы Иннокентия Х (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим), портрет которого Веласкес написал во время второй поездки в Италию в конце 1648 – середине 1651 годов.

Читайте также:  Голубая комната (ванна), пабло пикассо - анализ картины

К этому же периоду относятся “Венера перед зеркалом” (около 1650, Национальная галерея, Лондон), в которой необычный композиционный прием (лицо Венеры видно только в зеркале) придает особую свежесть и остроту изображению гибкого, стройного, полного жизненного обаяния обнаженного женского тела, а также два пейзажа “Вилла Медичи” (1650–1651, Прадо, Мадрид; по другому мнению – около 1630), в необычайно для своего времени широкой живописной манере воссоздающие целостные образы природы.

В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитые свои картины.

В картине “Менины” (“Фрейлины”, 1657, Прадо, Мадрид) частный эпизод придворного быта (на первом плане – инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, рядом – сам художник за исполнением портрета испанской королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала), изображенный в смелом пространственном развороте, предстает как один из моментов общего течения жизни во всей сложности ее взаимосвязанных и изменчивых проявлений. Пленительная красота и живописное многообразие реальности воплотились в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными ударами кисти голубыми, розовыми, темно-серыми, коричневатыми прозрачными мазками.

В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи” (1657, Прадо, Мадрид), сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне — ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы.

В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы.

Живописец Диего Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения.

Творчество художника Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века и одним из ярчайших явлений мирового искусства.

Веласкес Диего, великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес (Diego Rodriguez de Silva Velazquez). Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство.

Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье.

Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни “бодегонес” (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (“Завтрак”, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Водонос”, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон).

Контрастное освещение фигур, выдвинутых на передний план, плотность письма, интерес к точной передаче особенностей натуры сближают живопись севильского периода художника Диего Веласкеса с караваджизмом.

В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства.

Художник проницательнее вглядывался в мир, порывал с присущими искусству его времени условностями, искал пути к созданию полотен широкого обобщающего смысла.

В картинах “Вакх” (“Пьяницы”, до 1630) и “Кузница Вулкана” (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами.

На формирование Диего Веласкеса как портретиста огромное воздействие оказала жизнь при королевском дворе, научившая художника постигать глубины человеческого характера, скрытые под маской придворного этикета. Бесстрастно-холодные парадные конные портреты королевских особ (инфанта Балтасара Карлоса, 1634–1635, Прадо, Мадрид) отличаются сдержанным великолепием поз, одежд, коней, величием пейзажных фонов.

В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. В этих полотнах обычно отсутствуют аксессуары, жесты, движение. Нейтральный фон благодаря тонкому соотношению валёров обладает глубиной и воздушностью; темные тона одеяний направляют внимание зрителя на ровно освещенные лица.

Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо-коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; “Дама с веером”, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо).

Мудрая непредвзятость и человечность Веласкеса воплотились в его портретах королевских шутов и карликов (Эль Бобо из Кории, Эль Примо, так называемого Хуана Австрийского, Себастьяна Мора и других, все – 1631–1648, Прадо, Мадрид).

Тонко и точно разработанная гамма красных и розовых оттенков – эмоциональный ключ к пониманию жестко-правдивого образа папы Иннокентия Х (1650, Галерея Дориа-Памфили, Рим), портрет которого Веласкес написал во время второй поездки в Италию в конце 1648 – середине 1651 годов.

К этому же периоду относятся “Венера перед зеркалом” (около 1650, Национальная галерея, Лондон), в которой необычный композиционный прием (лицо Венеры видно только в зеркале) придает особую свежесть и остроту изображению гибкого, стройного, полного жизненного обаяния обнаженного женского тела, а также два пейзажа “Вилла Медичи” (1650–1651, Прадо, Мадрид; по другому мнению – около 1630), в необычайно для своего времени широкой живописной манере воссоздающие целостные образы природы.

В последние годы жизни Диего Веласкес написал две самые знаменитые свои картины.

В картине “Менины” (“Фрейлины”, 1657, Прадо, Мадрид) частный эпизод придворного быта (на первом плане – инфанта Маргарита в окружении фрейлин и карликов, рядом – сам художник за исполнением портрета испанской королевской четы, отраженной в зеркале в глубине зала), изображенный в смелом пространственном развороте, предстает как один из моментов общего течения жизни во всей сложности ее взаимосвязанных и изменчивых проявлений. Пленительная красота и живописное многообразие реальности воплотились в серо-жемчужном колорите картины с нанесенными свободными ударами кисти голубыми, розовыми, темно-серыми, коричневатыми прозрачными мазками.

В ином, более мажорном колористическом ключе написаны “Пряхи” (1657, Прадо, Мадрид), сцена в королевской мастерской ковров с фигурами прях на первом плане и ярко освещенным солнечным светом помещением в глубине композиции, где придворные дамы осматривают готовый ковер, изображающий миф об Арахне — ткачихе, превзошедшей в своем мастерстве богиню Афину. Контрасты освещения, “двуслойное” пространственное построение композиции, своего рода золотая пыль, окутывающая фигуры прях, создают в картине особую атмосферу общего для всех персонажей чувства, объединяющую в себе все их движения, жесты, душевные импульсы.

В поздних произведениях Веласкеса с наибольшей полнотой сказались особенности его творческого метода: глубокое постижение жизни во всем богатстве и противоречивости ее проявлений, целостность ее образно-пластического воплощения, единство всех элементов художественной формы.

Живописец Диего Веласкес писал без предварительных набросков, прямо на холсте, органично соединяя непосредственные впечатления от натуры со строгой продуманностью композиции, достигая впечатления, казалось бы, вольной импровизации и вместе с тем широкого обобщения.

Творчество художника Веласкеса является вершиной испанской живописи XVII века и одним из ярчайших явлений мирового искусства.

Источник: http://artchallenge.ru/gallery/ru/46.html

Описание картины Диего Веласкеса «Пряхи»

Современный интернет мир переполнен различными блогами. Кто же такой видеоблогер? Это просто человек, который пришел домой с завода, взял камеру и начал снимать свою рутинную жизнь.

Благодаря подписчикам его жизнь улучшилась, а вот качество контента ухудшилось из-за того, что человек стал относиться к своим подписчикам как к дойным коровам.

В общем-то это весь видеоблогинг в кратком изложении.

Видеоблогеры делятся на несколько кардинально отличающихся друг от друга типа. Первые — это действительно рабочий класс, который взял в свои руки видеокамеру и начал снимать на камеру свои походы в магазин и почему-то многим это понравилось. Такие блоги не имеют никакой ценности и ведутся исключительно ради денежного вознаграждения, рекламы и прочего.

В последнее время интернет общественность заразила детская тематика. Взрослые, казалось бы, люди начинают говорить детскими фразочками и пихают в кадр своих ничего не понимающих детей и собирают миллионы просмотров. Эта тенденция так выросла в последнее время, что большинство ресурсов просто забиты подобным низкосортным контентом.

Однако просветы случаются и тут, так что мы решили включить их в нашу категорию.

Некоторые блогеры выбирают себе тематику, в которой крутятся и развиваются. Например, кинокритика.

Самый популярный и самый качественный критик на просторах русского Ютуба — это Евгений Баженов (Бэдкомедиан), а на американском — Ностальгирующий критик (Дуглас Дариан Уолкер).

Такие люди с каждым обзором улучшают качество собственного контента, обучаются новым приемам и являются примером правильного видеоблогинга.

Также можно отметить информационные блоги. Это по сути те же самые новости, только уже от лица простых граждан, а не продажных СМИ. В таких роликах можно более или менее оценить реакцию народа на тот или иной закон, или же на ситуацию в стране или мире. К тому же вы запросто можете получить информацию, о которой вам не расскажет современный зомбирующий ящик (ТВ).

Они затронули все сферы нашей жизни, хорошенько покопавшись в сети Вы сможете даже откопать уморительно глупые обзоры на салфетки, или на киндер сюрпризы. Порой можно даже удивиться тому, как люди умудряются столько говорить о всякой ерунде. Однако, как уже говорилось, многие лезут в видеоблогинг не потому, что им есть что рассказать обществу, а просто ради денежного вознаграждения и пиара.

Впрочем, встречаются и очень хорошие блогеры, которые снимают не узконаправленный контент, а просто делятся с людьми своими интересами. Но самое главное, они делают это очень качественно, сдабривают происходящее на экране различными забавными вставками или же остроумными шутками.

Такой контент тоже заливается на наш сайт и может представлять интерес для всех. Тут каждый сможет подобрать себе любимого человека и следить за всеми его действиями в сети.

С помощью нашей странички Вы сможете постоянно получать новую порцию забавных историй или же увлекательной информации от вашего любимого создателя видеороликов.

Источник: https://videonews.guru/video/Fo1UumTCxFd/opisanie-kartinyi-diego-velaskesa-pryahi.html

Известные картины Диего Веласкеса

Список популярных и знаковых работ знаменитого испанского мастера.

Картины Веласкеса

Диего Веласкес (1599–1660) — испанский художник, считающийся одной из главных фигур испанского золотого века.

Большинство работ Веласкес создал при дворе испанского короля Филиппа IV, а в 19-ом веке его известность распространилась за пределами Испании, а полотна художника стали образцом для подражания многим реалистам и импрессионистам. С того времени мастер считается влиятельной и значимой персоной для всего европейского искусства.

Триумф Вакха (1629)

Известная под названием «Пьяницы», картина изображает римского бога урожая, винограда и виноделия Вакха, в окружении нетрезвых мужчин. Композиционно работу можно разделить на две части. Слева расположена светящаяся фигура Вакха в расслабленной, но доминирующей позе. Справа, на испанский манер, изображена группа пьяниц.

Кузница Вулкана (1630)

Эта картина демонстрирует античный мифологический сюжет, в котором бог Аполлон посещает Вулкана, создающего оружие для бога войны. Аполлон сообщает Вулкану о неверности его жены. Веласкес, мастерски располагая фигуры, создает удивительное ощущение глубины.

Старуха, жарящая яйца (1618)

В период раннего творчества Веласкес был известен своими забавными жанровыми сценами. Среди лучших картин этого периода можно назвать изображение пожилой женщины, готовящей блюдо из яиц. Автор использовал сильные контрасты между светлыми и темными фрагментами наполненной рядом деталей композиции.

Христос на кресте (1632)

Созданная в середине творческого пути художника, работа изображает распятого Иисуса. Оригинальное полотно, передающее спокойствие, достоинство и благородство Христа, считается поворотным моментом в художественном развитии Веласкеса. Самая известная религиозная работа мастера вдохновила множество литераторов, в том числе, Мигеля де Унамуно — на создание «Христа Веласкеса».

Портрет Инфанты Маргариты (1659)

Эта работа — один из нескольких портретов дочери Филиппа IV, который показывает мастерство Веласкеса-портретиста. Также художник создавал и другие картины с изображением королевских детей, но наиболее известной является именно эта работа.

Пряхи (1657)

Считается, что данная работа изображает греко-римский мифологический сюжет, согласно которому невероятно талантливая ткачиха Арахна оскорбила Афину своей красотой и самоуверенностью. Согласно мифу, что Зевс превратил девушку в паука.

Сдача Бреды (1634)

Работа демонстрирует обмен ключами, имевший место быть через три дня после сдачи голландского города Бреда. Картина входила в серию из двенадцати картин с батальными сценами, заказанную Филиппом для Зала Королевств в Буэн-Ретиро (Мадрид). Веласкес выбрал сюжет для иллюстрации, показывающий гуманные события на фоне последствий войны.

Читайте также:  Натюрморт с фруктами, овощами, цветами и двумя ящерицами

Венера с зеркалом (1649–1650)

Единственная работа Веласкеса с обнаженной женщиной изображает Венеру, римскую богиню любви, красоты и плодородия, вместе с сыном Купидоном. Кокетливость героини достигается благодаря богатой цветовой палитре и теплым тонам, придающим картине оттенок эротичности.

Портрет Иннокентия X (1650)

Во время поездки в Италию Веласкес предложил папе создать его портрет. Но согласие было получено не сразу, так как папа хотел удостовериться в опытности и навыках мастера.

Убедить его помог художник Хуан де Пареха, после чего Веласкес принялся за работу. Тем не менее, художник изобразил Иннокентия в беспощадно правдивой манере, что изначально многих пугало.

Однако папа остался доволен и, согласно легенде, сказал: «Все слишком верно!».

Менины (1656)

Один из самых знаменитых портретов мастера изображает пятилетнюю Маргариту Терезу, ее служанок и фрейлин, телохранителей, карликов и собак. Слева можно видеть автопортрет художника с кистью. И по сей день «Менины» являются одной из самых анализируемых и популярных картин западного искусства.

Источник: https://artrue.ru/style/barocco/izvestnye-kartiny-diego-velaskesa.html

Пряхи

1657. Прадо, Мадрид

Это последняя крупная тематическая картина Веласкеса, своеобразный итог его творческой деятельности.

Несмотря на сюжетную неявность, в отличие от «Менин», где прямо заявлена проблематика «Художник и его творчество», проблемы искусства в «Пряхах» разработаны на более глубинном, философском уровне и, что самое главное, языком самого искусства.

Можно сказать, что Веласкес в своем полотне дал обобщающую картину многообразия стилистических, национальных и жанровых направлений своего времени и в связи с этим определил свое собственное отношение к ним.

Он подвел итог своего давнего внутреннего спора о приоритетности «художественной» (эстетически формализованной по законам красоты) и «естественной» (натуралистически-портретной) формы предмета, высокого стиля «историй» и низких истин бодегонов, условной красоты итальянской классики и антикрасоты бытового жанра, мифа как «высшего проявления свободы фантазии» и «тюремной клетки» (Х. Ортега-и-Гассет) реальности. Проблемы соотнесенности и взаимосвязи ремесла и искусства, столь мучительно переживаемые в связи личными обстоятельствами художника, нашли в «Пряхах» поистине гармоничное, умудренно-философское разрешение. И, наконец, Веласкесу удалось создать живописно-пластический эквивалент такому философскому понятию, как художественный образ, меры соотнесенности в нем иллюзии и действительности.

Внешняя канва изображения, как всегда у Веласкеса, обманчиво проста. На картине изображена мануфактура гобеленов «Санта-Изабель» в Мадриде. На переднем плане пять работниц заняты первичной обработкой пряжи, которая в виде бесформенных масс развешана по стенам мастерской.

На заднем плане, в арке на подиуме, готовую продукцию осматривают дамы. Возможно, они подбирают подходящий для театральной постановки гобелен.

Придворный театр в те времена был по преимуществу любительским, в качестве актеров выступали придворные, а декорациями служили гобелены с соответствующей постановке тематикой.

Быть может, импровизированная репетиция уже идет, так как две из дам разыгрывают сцену из «Метаморфоз» Овидия о состязании в мастерстве ткачества богини Афины (фигура слева в шлеме) и простой смертной, Арахны (фигура справа, анфас).

Согласно мифу Афина представила на своем ковре олимпийских богов в обрамлении оливковых ветвей. Последние намекали на возможность мирного урегулирования конфликта, так как вызывать богов на состязание (а Арахна сделала именно это), было в высшей степени дерзко и подлежало наказанию.

Арахна не пожелала учесть миролюбивые намерения богини и избрала для своего ковра сюжет, нелицеприятный для богов, а именно похищение Зевсом в образе быка Европы. Веласкес помещает на своей картине ковер Арахны, причем заменяет его одноименной картиной Тициана.

Судя по угрожающе поднятой руке дамы, изображающей Афину, показан момент гнева с последующим наказанием — Афина ударила Арахну челноком. Та, не снеся унижения, повесилась.

А далее, то ли в наказание за дерзость, то ли в знак уважения приверженности ткацкому ремеслу, Афина превращает девушку в паучка, который вечно ткет свою паутину.

В этом пункте содержится первая неясность смысловой программы полотна Веласкеса, из которых, по существу, соткана вся картина.

Превратиться в паука — невелика радость, но надо учитывать, что с этим природным феноменом прообраза ткачества связаны мифологические представления о происхождении ткани Вселенной и о нити судьбы.

В низменном сокрыты не только возвышенные истины, но и само существование мира, его материально-временная субстанция.

Рассмотренный с этой точки зрения неблаговидный поступок Зевса (изменил жене, похитил девушку, опустился до животного состояния) приобретает тоже иной смысл — ведь похищение Европы, давшей имя нашему континенту, привело к рождению европейской цивилизации, форпосты которой защищает Испания.

В мифе Европа, предчувствуя свою судьбу, видит во сне двух женщин, спорящих о ней, Европу и Азию. Испания находится на противоположном пограничном рубеже, где спор идет между Европой и Африкой. Основанное на аллюзиях мышление барокко допускало подобные сравнения.

Далее, включение в картину мифа о Европе служит прямым признанием Испании легитимной наследницей античной цивилизации. Возможно запоздалый, но крайне нужный для всей испанской культуры символический жест в сторону фундаментальной для всего Нового времени доктрины Возрождения.

Полная же цитата откровенного полотна Тициана является, по существу, признанием (в условиях крайнего пуританства испанской культуры) могущества стихийной чувственной витальности жизни, гениальными поэтами которой были как сам Тициан, так и современник Веласкеса П. Рубенс, а в перспективе прошлого — мастера античного искусства.

Этот неиссякаемый источник жизни Веласкес благоговейно осеняет божественным, сказочным светом и в возвышенно эстетизированном виде возносит на Олимп искусства.

Вообще вся сцена на подиуме выдержана в стиле классического итальянского барокко, опирающегося на формальную систему зрелого Ренессанса (мифологический сюжет, аллегоричность изображения, театральность говорящих жестов, условность обобщенных форм и высветленной, на манер фрески, цветовой гаммы и др.).

Ряд исследователей указывает на то, что в качестве формального источника фигур Афины и Арахны Веласкес использовал обнаженные фигуры сикстинского потолка, а также станцы Рафаэля.

Ортега-и-Гассет замечает, что Веласкесу «удалось создать полотно, в котором одновременно есть что-то итальянское, что-то голландское, а все вместе — веласкесово».

Удвоенную изображением на гобелене «итальянскую» картину Веласкес вписал в атмосферу быта ремесленной мастерской — «голландского» жанра. Именно это и есть «веласкесово».

Выступив в начале своего творческого пути против всякой условности и идеализации (противопоставление бодегонов искусству романистов), Веласкес наконец-то находит гармоничную формулу включения итальянской стилевой концепции в свою собственную — она вошла в тривиальность быта как знак преобразованного искусством художественного образа или как знак идеального в реальном бытии.

Стоит привести мнение итальянского искусствоведа Тольная, который считал, что концепция картины базируется на идеях неоплатонизма XVI–XVII в в. В свете подобного толкования сцена в арке — это овеществленный мир идеальных сущностей.

И не случайно этот мир находится под знаком совершенной во всех отношениях фигуры круга (круглое окно или люнета) и над ним возносится символическое небо арки (ренессансная иконография помещает под аркой персонажей Святого Писания).

Идеальный мир высокого искусства, живописи, театра и музыки (ее знаком является виола да гамба, прислоненная у края сцены) светозарным розово-голубым невесомым видением парит в атмосфере сумрачно-оливковых стен среднего плана.

Веласкес прибегает к излюбленному приему мистификации и пространственной дезориентации — с одной стороны, из-за яркого света, размывающего контуры предметов, сцена на заднем плане по сравнению с затененными стенами среднего плана кажется плодом фантазии, а с другой, сами стены настолько абстрактны и нематериальны, что их можно принять и за плоскость, и за неопределенное по всем параметрам пространство, причем пространство пороговое, пространство тени, пространство на грани бытия и небытия.

Именно в этом пространстве возникает странная бесформенная груда непряденной шерсти, заключающая в себе что-то от угрожающего хаоса добытийности. Именно его, этот хаос, упорядочивают своими умелыми и изящными руками пряхи на переднем плане картины.

О ситуации на картине можно сказать, что работницы мануфактуры заняты прядением шерсти. Но можно предположить, и это будет более в духе мышления Х VII в.

, что женщины тянут из кудели нить бытия и сматывают ее сначала на вертушку общей судьбы, а затем в клубки судеб индивидуальных.

Вот один из них — он ушел из рук женщины, собирающей обрывки шерсти, подкатился к краю картины и остановился, возможно не случайно, ровно в центре картины. Он такой же совершенной формы, что и круглое окно в зените.

Четыре круга как бы водят хоровод: один на полу, другой в условном небе, еще один в руках молодой пряхи, и самый большой — в виде безостановочно вращающегося колеса прялки. Вечное кружение, безостановочный бег времени.

Ортега-и-Гассет считает, что на переднем плане представлены парки (богини судьбы), так, как они описаны в поэме Катулла «Свадьба Фетиды и Пелея»: «Левая рука держит прялку с намотанной мягкой шерстью, между тем как правая легко тянет шерсть, свивая нить согнутыми пальцами, а опущенный вниз большой палец вращает веретено… У их ног стоят тростниковые корзины с белой спутанной шерстью». Одна из них тянет нить бытия (старуха за прялкой), другая измеряет срок жизни (фигура справа), третья — подбирает обрывки завершенных судеб (женщина в центре). Не только их деяния, но и сам их вид свидетельствуют о беге времени — три возраста: молодость, зрелость и старость передают эстафету времени друг другу.

Впервые персонажи Веласкеса не портретны: старая пряха наделена родовыми чертами своего возраста, голова молодой пряхи намеренно повернута от зрителя, а лицо средней — погружено в тень. Время не имеет лица. Зато за его образом на разных стадиях бытия закреплена символика определенных цветов.

Время возникло из небытия тьмы, и оттого одеяния старухи чернее ночи. Жизнь процветает зеленью трав и растений, и оттого так насыщен зеленый цвет юбки молодой пряхи. Конец жизни, согласно христианской традиции, — это новое рождение в вечности, и оттого так полыхает красным одежда третьей парки, вселяя надежду на воскрешение (см. о символике цвета в № 21/2005).

Всех троих объединяет сияние белого цвета, цвета начала начал.

Так где же вершатся судьбы мира — там, в ирреальном мире идеальных сущностей, или здесь, в реальности мастерской времени? Где вечный миф — на сцене высокого искусства или в тривиальности повседневного быта? Кто создает подлинные ценности — театральный жест или сноровка привычной к труду руки? Что есть красота — невесомая тень на картине или совершенство форм реальной женщины во цвете молодости? А может быть, не стоит так ставить вопрос, противопоставляя один мир другому?

Сентенция о том, что ремесло лежит в основе высокого искусства и что именно руки простых мастериц творят чудо мифологического мира гобелена, — это наиболее поверхностный смысловой слой.

Торжественный алый занавес, который обрамляет сцену в мастерской, наподобие театрального, являет нам еще одну загадку: возможно, перед нами еще один театральный подиум, со своим спектаклем, и перед нами еще один художественный образ, еще одна картина, но созданная другими средствами, и не Тицианом или приверженцем итальянского искусства, а самим Веласкесом.

Испанский искусствовед И.Д. Ангуло предполагает, что на переднем плане разыгрывается начало мифа об Арахне — тот момент, когда, согласно Овидию, Афина появляется перед Арахной в образе старухи.

Если принять эту точку зрения, тогда следует предположить, что миф развертывается перед нами в разных временных (начало и конец) и пространственных (земное бытие и Олимп) срезах, совмещенных в оптически единую композицию.

Об этом свидетельствует не только наше с вами зрительское восприятие, но и взгляд одной из дам (справа у арки) в сторону мастерской. Этой даме удается то, чего не может быть во времени реальном — одновременно присутствовать при начале и при конце пьесы.

Но эта ситуация вполне реальна для пространственно-временного континуума искусства и культуры, в котором разновременные ценности существуют одновременно.

Собственно, это нам и явлено — ойкумена мирового искусства от античности до современности, которую Веласкес наконец-то в равной мере приемлет. Одновременно с этим он подводит некий итог своего творчества. Две фигуры —старухи и молодой женщины в зеленой юбке — свидетельствуют об этом.

Первая — это персонаж из ранних бодегонов, в которых столь же внушительно-загадочные пожилые женщины священнодействовали над яичницей («Женщина, приготовляющая яичницу») или наставляли молодых и неопытных («Христос в доме Марфы и Марии»). Вторая — это героиня одного из наиболее классических и по тематике и по форме полотен позднего Веласкеса.

В молодой пряхе легко угадывается та же модель, которая позировала для картины «Венера перед зеркалом».

Источник: https://art.1sept.ru/article.php?ID=200601906

Ссылка на основную публикацию