«волны», гюстав курбе — описание картины

Великий живописец XIX века Иван Константинович Айвазовский любил рисовать море. Он родился и вырос в Феодосии, поэтому водная стихия всегда была доступна маринисту.

Русский художник армянского происхождения (настоящее имя Ованнес Айвазян) с необычайным талантом изображал волны. Свет и полупрозрачность отлично передали сущность и реалистичность среды. Во многих картинах Айвазовского присутствует человеческий фактор, в том числе лодки или корабли, демонстрируя борьбу человека и природы.

За всю свою карьеру Иван Айвазовский написал более 6000 картин. На половине из них изображено море и корабли. Его творчество широко признано за пределами России. Среди наград художника орден Почётного легиона (Франция), орден «Нишан-Али» IV степени и «Алмазная медаль» (Османская империя).

Источник: artcyclopedia.ru.

Источник: https://cameralabs.org/8992-gipnotiziruyushchie-poluprozrachnye-volny-bushuyushchego-morya-v-kartinakh-ivana-ajvazovskogo

Гюстав курбе

Э. Золя писал: «Это был удивительный мастер: крепость фактуры, непогрешимость техники остаются непревзойденными в нашей школе. Надо обратиться к итальянскому Возрождению, чтобы найти такую уверенную и сильную кисть»

Гюстав Курбе пишет в автобиографии о себе в третьем лице: «Родился в Орнане (Ду) 10 июня 1819 года, начал свои занятия в семинарии родного города, закончил их в Королевском коллеже Безансона. (Во время изучения философии в Безансоне часто посещал г. Флажуло, который был учеником Давида и Гро.

Это было началом его знакомства с историей искусства, начиная с французской школы.) Затем он провел год у профессора математики г. Делли, который, вопреки желанию семьи, поощрял его призвание к живописи. Отец предназначал сына к юридической карьере.

Приехав в Париж, он был сильно разочарован, увидев картины французской школы, и заявил своим товарищам, что, если бы в этом заключалась живопись, он никогда не стал бы художником. Он смотрел в Париже все, что имело отношение к живописи, и привел в порядок свои мысли. Он начал серьезное и продуманное изучение всех школ в их последовательности.

Товарищи преднамеренно завели его как то в Люксембургский музей, чтобы заставить говорить. Поставили его перед Делакруа и спросили, что он думает о его картинах. Затем повторяли его дерзкие слова: «Я завтра бы сделал так же, если бы посмел».

…Он никогда не имел учителей, вопреки тем, кто ему таковых приписывал. Его отец рекомендовал его своему кузену г. Удо, профессору права, который хотел насильно заставить его учиться и свел его к господину Стебену. На восьмой день Стебен посоветовал г. Удо предоставить Курбе самому себе…» Первые самостоятельные работы Курбе относятся к середине сороковых годов – это картины церковного содержания, ряд романтических по характеру композиций, а также несколько автопортретов и портретов. Один из них – «Автопортрет с собакой» – был выставлен в Салоне 1844 года. Следом за ней в Салоне появились в 1845 году – «Гитаристка», в 1846 году – автопортрет.

В 1847 году Курбе посетил Голландию. После этой поездки произошел перелом в творчестве художника. Под влиянием голландского искусства он порвал с романтизмом, по крайней мере, с его стилевыми приемами.

Написанный в том же году великолепный автопортрет «Человек с трубкой» (№ 7) знаменует собой рождение нового искусства, в то же время утверждая вечную связь реализма с лучшими традициями романтизма. Февральская революция 1848 года захватила Курбе.

Он основывает социалистический клуб, принимая участие в издании недолговечного журнала своих друзей Шанфлери и Бодлера, создает эмблему французского народа, одержавшего победу на баррикадах… Но при этом не спешит на баррикады: «Это самое угнетающее зрелище.

Я не дерусь, ибо не верю в борьбу при помощи ружей и пушек». Но Курбе не только сокрушался. Он борется при помощи своего оружия – кисти, резца, шпателя.

В истории французского искусства осенняя выставка 1849 года в Салоне имела особенно важное значение. Курбе представил жюри семь картин, все были приняты. Среди них были: «Сбор винограда в Орнане», автопортрет «Человек с кожаным поясом» и «Послеобеденное время в Орнане». Последняя картина вызвала наибольшую сенсацию.

В общество знаменитых французских художников ворвался молодой живописец, и в связи с его творчеством впервые было произнесено слово «реализм». Перед этой картиной, получившей вторую золотую медаль, Делакруа воскликнул: «Видел ты когда нибудь что либо подобное по своей силе? Вот это – новатор, революционер».

В чем же заключалось новаторство Курбе? Ни в чем ином, как в правдивом и неприкрашенном изображении полукрестьянской, полубуржуазной среды.

В том же 1849 году он создает грандиозную картину (3,14×6,65 метра) «Похороны в Орнане».

Все в этом произведении было новым и необычным, сюжет, взятый непосредственно из жизни провинциальной Франции, изображение тяжелого события, вызывающего грусть у зрителей, прозаические участники церемонии – жители Орнана, написанные с натуры.

Когда Курбе стал компоновать на холсте свое произведение, у него сложился целый монументальный замысел. «В настоящий момент, – пишет он Вею, – я компоную мою картину на холсте. Я не только получил от кюре похоронные одежды, но даже убедил его позировать, так же как и викария.

У меня с ним было два совершенно смехотворных разговора на моральные и философские темы. Я должен был несколько дней отдохнуть после картины, которую я только что сделал: больше не выносила голова. Все орнанцы считают честью фигурировать в «Похоронах»».

Он станковый живописец, и в качестве такового я сужу о нем. Он не декоратор, а прирожденный живописец. В этой категории он первый в своей эпохе».

Классицисты искали героев в античности, романтики выбирали в качестве героев людей ярких, необычных, действующих в исключительных обстоятельствах, реалисты сделали главной темой искусства своих современников, занятых повседневными делами.

Курбе чувствовал себя первооткрывателем, и это придавало его произведениям особую значительность: «Возвращение крестьян с ярмарки» (1850), «Здравствуйте, господин Курбе» (1854).

На Всемирную выставку 1855 года жюри допускает 11 полотен Курбе, но отвергнуты «Похороны в Орнане» и большая новая композиция «Мастерская художника». В ответ Курбе в павильоне, построенном в кустах сирени близ Выставки, устраивает свою выставку под названием «Реализм» – из 39 картин и 4 рисунков. Здесь посетители могут восхищаться разносторонностью его мощной творческой личности и одновременно возмущаться всем тем, что критика, – придя, наконец, к единому мнению, – называет революционностью Гюстава Курбе.

В обращении к посетителям «Антивыставки» говорилось: «Реализм, совокупность моих работ…» Из числа уже ранее известных картин там находились «Похороны», «Крестьяне деревни Флаже, возвращающиеся с базара», «Купальщицы», «Раненый», а также грандиозная картина, живописное выражение нового кредо артиста – «Мастерская художника».

Об этой картине сам автор сказал: «»Мастерская художника» – реалистическая аллегория моей мастерской, резюмирующая семилетний период моего творчества». В самом деле, эта картина как бы подводит итоги творческих поисков Курбе.

По своему живописному и идейному богатству это одно из самых сложных произведений художника.

Картина написана в теплых коричневатых тонах, придающих ей оттенок таинственности. На стене, служащей фоном, да и по всей картине, вспыхивают самые неожиданные цветовые блики, впечатляющие своей естественной непосредственностью. Портретное изображение людей из различных слоев общества, совместное присутствие которых в этой мастерской кажется, впрочем, несколько искусственным, игра света и теней, богатство тонов одежды и драпировок – все это изумляет зрителя единством широкого размаха сложной композиции и совершенством тщательно проработанных деталей, в том числе великолепного, словно светящегося тела женщины. Эта картина, так же как и «Похороны» и «Дробильщики камня», знаменует собой нечто большее, чем тот, – скованный чрезмерной детализацией, – реализм, который провозглашал Курбе. Изобразив живописными средствами, многосторонне и глубоко, жизнь и общество, художнику удалось создать крупное реалистическое произведение в современном значении этого понятия. Из полотен, представленных на выставке 1857 года, исключительного внимания заслуживают «Девушки на берегу Сены». По словам Прудона – наиболее художественное выражение «моральных, психологических и социальных идей». Известный писатель Т. Готье пишет: «»Девушки на берегу Сены» (какое странное название, между прочим) возвращают нас к тому экстравагантному жанру, которому художник обязан своей известностью. Это звучный удар по там таму общественного мнения, цель которого заставить обернуться невнимательную толпу. Две толстые девицы, для которых была бы слишком велика честь, если бы их назвали лоретками, растянулись на траве на берегу реки, одна животом вниз, другая – на боку, нелепо наряженные в безвкусные туалеты… Из за дерева, листья которого кажутся вырезанными из зеленой бумаги, виднеется в глубине полотна вода, голубизна которой напоминает скорее Неаполитанский залив, чем Сену. Все это вместе образует довольно фантастический пейзаж, который можно увидеть в провинциальных трактирах. Что касается девицы, лежащей на животе, то, если бы она захотела встать, снять одежды на берегу и окунуть в воду кончик ноги, как античная нимфа, она не произвела бы того впечатления рельефности, как Венера на выставке в Мон Плезир. Никакие формы не выступают под платьем. Г н Курбе все израсходовал за один раз. И все же есть в этой нарочито гротесковой картине великолепные по цвету куски, настоящее чудо, как вышитая шаль. На вульгарном лице второй спящей чувствуется биение жизни и легкая испарина сна. Руки, шея, щека первой девицы очень верны по тону, они так тонко и крепко написаны, что редко можно встретить у других…» Чем больше совершенствовалось искусство Курбе, чем ярче проявлялась могучая сила его творческой личности, тем чаще становился он мишенью резких нападок. Незаурядность и мощь – вот чего не могли простить ему его враги.

Как пишет в одной из своих критических статей Рихард Мутер, его ненавидели за то, что, в совершенстве владея мастерством, он писал так же естественно, как другие едят, пьют или разговаривают. Однажды в лесу он работал вместе с Коро, причем они выбрали один и тот же мотив.

Через некоторое время, внимательно рассмотрев набросок Коро, Курбе заметил: «Я не такой мастер, как Вы, г н Коро. Поэтому я принужден писать только то, что вижу».

В другой раз перед одной из картин Делакруа он спросил у великого, всеми почитаемого художника: «Кто эти крылатые дамы там вверху, меж облаков?», на что Делакруа ответил, что это, конечно, ангелы. Курбе поднял брови: «Как? Вы пишете ангелов? Когда же Вы их видели? А если не видели, то как же можете их писать?..

Попытка правительства привлечь художника на свою сторону путем вручения ему ордена Почетного легиона не увенчалась успехом. Отклоняя пожалованный ему в 1865 году правительством орден Почетного легиона, он пишет министру изящных искусств М. Ришару: «Мои убеждения как гражданина не позволяют мне принять награду, основанную прежде всего на монархических принципах. Я соблюдаю свое достоинство, оставаясь верным основным правилам всей моей жизни; поступившись ими, я продал бы свое достоинство за показные почести. Мне пятьдесят лет, и я всегда был сам себе господином; позвольте же мне окончить мою жизнь свободным человеком; когда я умру, обо мне скажут: он не принадлежал ни к какой школе или академии, ни к какому бы то ни было вероисповеданию или направлению, и вообще не был приверженцем какого бы то ни было режима, а только свободы»…

Во время Всемирной выставки в Париже 1867 года Курбе в особом, расположенном рядом с ней, здании выставил свои 136 картин. Эта выставка явилась ярким доказательством его творческой силы, бесспорной и несокрушимой победой художника и исповедуемого им реализма в искусстве.

Здесь была выставлена одна из лучших охотничьих сцен «Травля оленя», свыше сорока пейзажей, 30 портретов, в том числе «Ирландка Жо», напоминающие позднего Ренуара «Три девочки англичанки», «Матушка Грегуар» – женщина из народа, а также скульптура «Маленький рыболов».

И так как в это время узы, наложенные на печать, несколько ослабли, то левое крыло ее, носящее либеральный и демократический оттенок, торжественно провозгласило: «Кто в политике стремится к свободе, тот в искусстве – сторонник Курбе».

С этого времени жизненный путь Курбе идет вверх: не только продолжает расцветать его творчество, но и растут его успехи и завоеванное им признание. В 1869 году на Всемирной выставке в Брюсселе он получает первую золотую медаль; на Международной выставке в Мюнхене, где Курбе выставил «Дробильщиков камня», «Женщину с попугаем», «Травлю оленя» и один пейзаж, он – в центре внимания. Высокая награда баварского правительства была лишь предлогом для восторженной молодежи и художников самых различных стран, чтобы провозгласить пятидесятилетнего живописца величайшим из всех живущих в то время художников, великим мастером реализма. В сентябре 1870 года в Париже, провозгласившем республику, Курбе выбирают председателем Союза художников и Общефранцузского комитета по делам музеев. Свою приверженность идеалам свободы Курбе со всей определенностью проявил в дни Парижской Коммуны, когда он открыто встал на сторону революции. Избранный в члены Коммуны, он возглавил федерацию художников, активно участвовал в разработке и осуществлении мероприятий Коммуны в области искусства. После падения Коммуны он был арестован, приговорен к шестимесячному заключению и посажен в одиночную камеру тюрьмы Сен Пелажи. «Меня убили, я больше уж не сделаю ничего хорошего», – вздыхает Курбе. Написанные в тюрьме картины – великолепная модель «Женщина из Мюнхена» и натюрморт «Фрукты», которые Курбе после освобождения послал в Салон, жюри отвергло. Представитель правительства Тьера заявил по поводу этого отказа: «Это не относится к области искусства».

Курбе приговаривают к штрафу размером свыше 300000 франков на покрытие издержек по восстановлению Вандомской колонны, свергнутой во время Коммуны.

Его мастерскую опечатывают, картины разбазаривают… Травля и преследования вынуждают художника покинуть родину. Больной и разбитый духовно, он уезжает в Швейцарию, где продолжает работать вплоть до самой смерти.

Курбе умер 31 декабря 1877 года в местечке Тур де Пейлтц на берегу Женевского озера.

Источник: http://megaznanie.ru/index.php/encyclopedia/art/1161-2010-07-09-09-26-51.html

Описание картины Гюстава Курбе «Волна» (1870)

Описание картины Гюстава Курбе «Волна» (1870)

В последние годы своей жизни Курбе написал прекрасные морские пейзажи. Художник называл свои марины – пейзажи моря, настаивая на этом термине и делая акцент на море. Хотя одной из главных особенностей его морских картин является господство неба над водой: на его холстах небеса стали занимать больше половины полотна.

Пейзаж «Волна» считается одной из лучших работ мастера, она хранится в Лувре. На полотне перед нами будто на миг прервавшая свой мощный натиск волна. На холсте, почти поровну поделенном морем и небом, тучи наглухо заволокли небесный свод.

Их цвета изменяются от серого и зеленого до сиреневого и розового, такой эффект поражает своим грозным великолепием.

Окраска волны также переливается всеми оттенками темно-зеленого, производя непередаваемое впечатление всевозможными глубокими колористическими переходами, удивительно передающими могущество и власть природной стихии.

Морской пейзаж Курбе нелюдим. Кусочек берега, море и небо. Отступившая вода бросила на полоску песка камни и водоросли. Кусочек морского дна ненадолго открылся взору после откатившегося вала.

Густые тени бегущих по небу туч нависли над горизонтом.

Каждая деталь материальна. Все необычайно жизненно и экспрессивно. Замечательно передаются все предметы: вода, воздух, камни.

Однако глубже заинтересовывает созерцателей пугающее зловещее беспокойство, сила разыгравшейся гневающейся природы, перекатывающей пенящиеся валы и подгоняющей тучи.

Используя в работе мастихин и нанося краску грубыми штрихами, художник добивался многослойности своих произведений.

Морской пейзаж Курбе сыграл важнейшую роль для создания и развития нового направления в современной европейской живописи. Его новаторские приемы в изображении морского пейзажа поддержали и продолжили целые поколения последователей – творцов живописи.

(2 votes, average: 5.00

Источник: https://opisanie-kartin.com/opisanie-kartiny-gyustava-kurbe-volna-1870/

«Сезоны Курбе» в Швейцарии — Русская Швейцария

Уникальная картина, чья история окутана таинственной завесой и которую даже историки искусств с легкой руки французских журналистов стали называть «Обнаженная Мона Лиза», выставлена в залах базельского музея Fondation Beyeler, где до 18 января 2015 г. открыта выставка Gustave Courbet.

Выставка «Швейцарские годы Гюстава Курбе», где впервые представлены более 70 работ, которые художник написал в Швейцарии в последний период жизни или привез с собой в эмиграцию, — будет проходить до 4 января 2015 года в Женеве (Musée Rath, Place Neuve). Это совместный проект музея в Базеле с Женевским музеем искусства и истории (Musées d’art et d’histoire) под общим названием «Сезоны Курбе».

Француз Гюстав Курбе, рожденный в 1819 году, считается одним из пионеров классического модернизма. Он вдохновлял, он до сих пор вдохновляет.

Он осмелился посягнуть «крестьянской силой» и бодрящим свежим воздухом на изнеженную французскую живопись.

Он оставил на своих полотнах характер местечка, где родился — недалеко от швейцарской границы, где еще не Альпы, но величественная Юра восхищала его своими темными пещерами, грохочущими водопадами, девственным лесом.

Художник вырос в деревне, в зажиточной счастливой семье, свободолюбивым и дерзким. Он очень любил рисовать и ссорился с отцом, который определил его в колледж, надеясь, что сын станет юристом. А сын, согласно выработанной с товарищами «программы непокорных», сбегал с «полезных» занятий в соседнюю школу искусств.

Отец, смирившись, отправил своего сына-провинциала в Париж. Ошеломленный постной академической школой, Курбе начинает серьезное самообразования, вставая на заре, работая до темноты. Несколько лет изнуряющего труда и безуспешных попыток выставиться все же принесли плоды.

В 1844 году, когда Курбе исполнилось 25 лет, его «Автопортрет с черной собакой» был принят жюри на «Парижский салон».

Курбе любил писать себя, а оттачивал умение пользоваться цветом на белом: на белый фон ставил белые предметы, и этюды писал десятками, пока не стал виртуозом, прежде всего, белого цвета. Он, самоучка, смог за достаточно короткий период из «никого» стать мастером.

Его заметила не только критика, которая в основном критиковала, но и покупатели. Он посетил Бельгию и влюбился в север Европы, ведь «север» принимал и понимал его лучше, чем Париж. Его выводило из себя жюри салона, которая не принимала его работы — до 1849 года.

Он уже уверен в себе. Он пишет пафосные вещи («Дробильщики камня», картина погибла в 1945 г., «Похороны в Орнане»). Он рисует реальные картины («Купальщицы», «Возвращение крестьян с ярмарки», «Раненый»). Критики негодуют, видя на его полотнах не изысканности форм, но грубые мазки крестьянина-художника. Курбе продолжал писать, оттачивая эти мазки.

Утонченная публика негодовала «оскорбительной» манерой письма. Курбе продолжал писать, улучшая эту манеру. Зрителей шокировали скандальные полотна Курбе: его купальщицы — богатырские девушки с грубыми формами! Отражающие реальный мир?! Материальный, со скрытой в нем собственной красотой? Не каждый может ее увидеть, а усмотрев, зафиксировать на полотне.

Весь Париж заговорил о Курбе. Поговаривали, что Наполеон III был так рассержен, увидев «Купальщиц», что ударил по полотну хлыстом. Скандалы сослужили добрую службу.

«Тяжелая» реалистическая живопись Курбе стала популярной.

Он перестал принимать участие в Парижских салонах, устав от отказов жюри принимать все, что он предлагал, но создает собственную галерею, назвав ее в 1855 году «Павильон реализма».

Началась франко-прусская война. Курбе возглавил комиссию по спасению художественных сокровищ. Его знаменитый павильон был разобран на баррикады. Одобряя революционные настроения, Курбе с восторгом приветствовал создание Парижской коммуны. Как руководитель Комиссии искусств, он с головой окунается в политическую жизнь.

Вандомскую колонну (парижская «колонна Побед», воздвигнутая по указу Наполеона I в 1806 году) как символ человекоубийства Курбе неоднократно предлагал перенести на пустынное место, связанное с Наполеоном I, за Дом инвалидов. Но народ требовал зрелища. Колонна была повалена 18 мая 1871 года. А как только Коммуна пала, Курбе арестовали и посадили в тюрьму.

Спустя полгода его переводят в лечебницу, потом он возвращается домой, в Орнан. Новое бонапартистское правительство решает восстановить колонну — за счет Курбе. Его обязали выплатить около 300 тысяч французских франков. Все его имущество было описано. Курбе бежал в Швейцарию.

Вот такая история художника.

А выставка в базельского музея Fondation Beyeler начинается, как и карьера Гюстава Курбе, с автопортретов: ранних, но уже сложных. Затем показано то, что дало ему уверенность и свободу — ландшафты родного края. Это и была, по словам экспертов, революция в пейзажной живописи. Морские волны сменяют купальщицы в лесных заводях.

Зимние пейзажи, на которых цвет становится объектом, а предметы начинают исчезать — одно из условий рождения абстракции. И, наконец, знаменитая картина «Происхождение мира» (L’Origine du monde, 1866), та самая, прозванная «Обнаженной Моной Лизой» — знаменитейшая художественная провокация.

Впервые картина была выставлена для всеобщего обозрения в музее д’Орсе только в 1995 году, когда были выполнены все формальности передачи наследниками последнего владельца картины Франции, в качестве налога за вступление в права наследства.

Последним владельцем был известный психоаналитик Жак Лакан (1901-1981), который за десятки лет владения картиной, купленной в 1955 году за 1,5 млн французских франков, смог «выжать» из нее как минимум 4 научных труда по психоанализу.

Перепечатка текста и фотографий aboutswiss.ch разрешена на условиях размещения ссылки на оригинал материала на нашем сайте.

Источник: https://aboutswiss.ch/culture-sport/sezony-kurbe-v-shveytsarii/

Читать

Всеобщая история искусств том пятый

Искусство 19 века

От редакционной коллегии

Пятый том «Всеобщей истории искусств» посвящен искусству 19 века.

Авторами глав пятого тома являются:

Введение — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Франции от Великой французской буржуазной революции до Парижской коммуны (1789—1871) — Н. В. Яворская.

Искусство Франции от Парижской коммуны до 1890-х годов — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Испании — Т. П. Каптерева.

Искусство Англии — М. А. Орлова.

Искусство России с конца 18 века до 60-х годов 19 века. Архитектура и скульптура— И. М. Шмидт; живопись — М. М. Ракова.

Искусство России с 60-х до 90-х годов 19 века. Живопись — Т. Н. Горина; скульптура и архитектура — И. М. Шмидт.

Искусство Германии — Т. М. Кузьмина (первая половина 19 века) и А. Н. Тихомиров (введение и вторая половина 19 века).

Искусство Бельгии — Л. С. Алешина.

Искусство Голландии — В. А. Сидорова.

Искусство Скандинавских стран — А. Н. Тихомиров.

Искусство Италии — А. Н. Тихомиров.

Искусство Австрии — А. Н. Тихомиров.

Искусство Венгрии — Л. С. Алешина.

Искусство Чехословакии — Ю. Д. Колпинский.

Искусство Полыни — Л. И. Тананаева.

Искусство Югославии — М. Т. Кузьмина.

Искусство Румынии—М. Т. Кузьмина.

Искусство Болгарии — М. Цоичева.

Искусство Соединенных Штатов Америки — А. Д. Чегодаев.

Искусство Японии — В. Е. Бродский.

В главе «Искусство Чехословакии» использованы авторские материалы М. Вароша по словацкому искусству. В редактировании глав и подготовке текста тома к печати принимала участие Л. С. Алешина. Глава «Искусство Соединенных Штагов Америки» отредактирована М. Т. Кузьминой. В подготовке и редактировании главы «Искусство Болгарии» принимали участие М. Т. Кузьмина и Е. П. Львова.

Подбор иллюстративного материала осуществлен Л. С. Алешиной при участии Ю. Д. Колпинского, О. С. Прокофьева и П. В. Яворской. Макет альбома иллюстраций выполнен Р. Б. Климовым при участии редакторов тома и консультации

A. Д. Чегодаева, список иллюстраций подготовлен Л. С. Алешиной. Указатель составлен Т. П. Капгеревой. Библиография подготовлена по материалам, представленным авторами соответствующих глав.

Рисунки в тексте выполнены художником В. А. Лапиным; подготовка иллюстративного материала для репродуцирования осуществлена фотографами Е. А. Никитиным и Н. А. Крацкиным. Помимо этого использованы фотоматериалы А. А. Александрова, II. А. Беляева, С. Г. Белякова, М. А. Величко, С. Г. Гасилова, С. Г. Щиманского.

За помощь в работе при подготовке настоящей книги — консультации, рецензии, предоставление иллюстративного материала — авторский коллектив приносит благодарность Государственному Эрмитажу, Государственному музею изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Государственной Третьяковской галлерее, Государственному Русскому музею, Государственной библиотеке им. В. И.

Ленина, Государственной библиотеке иностранной литературы, Научно-исследовательскому музею архитектуры им. А. В. Щусева, Научно-исследовательскому музею Академии художеств СССР и персонально — Э- Н. Ацаркиной, Е. Б. Георгиевской, А. Л. Кагановичу, B. И. Касияну, И. Коталику (Чехословакия), С. Козакевичу (Польша), У. Кухирту (ГДР), И. М. Левиной, К. М. Малицкой, Г. Опреску (Румынии), Г.

Погань (Венгрия), Ф. С. Рогинской.

Введение

Ю. Колпинский

капитализм стал господствующей силой не только в Европе, но и на всем земном шаре.

Одни страны, как, например, Япония, сами становились на путь капиталистического развития, другие, отстававшие в экономическом развитии, вовлекались в орбиту капиталистического хозяйства путем колонизации и беспощадной эксплуатации.

Прогрессивная художественная культура 19 в. явилась новой всемирно-исторической ступенью в развитии реализма в широком смысле этого слова.

При Этом следует различать понятие реализма нового времени как определенную, программно утверждаемую художественную систему, как эстетически осознанный метод от стихийного проявления той реалистической основы или той жизненной правдивости, которые присущи самой природе искусства как особой форме общественного сознания.

Реализм в искусстве 19 в. представляет собой качественно новую ступень в истории развития реалистического метода.

И хотя он обладает своими специфическими художественно-идейными границами и исторически обусловленной эстетической ограниченностью, он являет более развитую и более программно-последовательную фазу утверждения этого метода. Именно для 19 в.

При этом сам уклад социального быта, социальные условия жизни народа служат тем непосредственным жизненным материалом, на котором и создаются типические обобщенные образы. Чтобы уяснить себе своеобразие тех противоречий, которые свойственны развитию искусства в эту Эпоху, необходимо остановиться на некоторых чертах, присущих капиталистическому обществу и его культуре.

В целом капитализм с его промышленной технической революцией и огромным подъемом экономики, науки представлял собой новую, более высокую, чем феодализм, ступень развития общества, его производительных сил, его материальной и духовной культуры.

Вместе с тем капиталистический способ производства вызвал к жизни неразрешимые в его рамках противоречия между общественным характером массового индустриального производства и частной формой присвоения его плодов, обнажил до предела все пороки и уродства, присущие Этой стадии общественного развития человечества. Он породил эксплуатируемый класс нового типа, формально «свободный», а на деле — полностью «освобожденный» от какой-либо собственности на орудия труда — пролетариат. Впервые возник класс, который по своему положению в обществе был заинтересован в ликвидации любой формы частной собственности на средства труда.

Характер новых условий жизни, обострение борьбы экономических интересов и социальных противоречий, сознательное участие масс в общественной политической борьбе и обусловливают то, что отображение конкретных социальных условий жизни, общественная оценка, «приговор» отображаемым событиям становятся одной из основных задач передового реалистического искусства эпохи капитализма.

В это же время происходит особенно резкое размежевание в каждой нации двух культур: культуры демократической и культуры реакционной, эксплуататорской.

Реакционная, враждебная реализму линия в искусстве до победы буржуазной революции была связана с идеологией старого, феодально-крепостнического строя.

После победы капитализма главной социальной силой, заинтересованной в ограничении, а затем и в подавлении реалистических и последовательно демократических тенденций искусства, становится достигшая господства крупная буржуазия.

Демократическая линия в искусстве, стремящаяся раскрыть роль народа как движущей силы истории и утвердить этические и эстетические ценности народно-демократической культуры своей нации, проходит через два этапа своего развития.

Во второй период характерной чертой прогрессивной художественной культуры становится решительная эстетическая и социальная критика уродливости, лицемерности и социальной несправедливости, свойственных буржуазно-капиталистическому обществу в целом. Постепенно к концу 19 — началу 20 в.

критика капитализма начинает вестись в искусстве (особенно в русском) уже не только и не столько с позиций буржуазной или крестьянской демократии, как это было раньше, а с позиций зарождающегося и крепнущего мировоззрения революционного пролетариата.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=204605&p=29

Национальный музей западного искусства. Романтизм и символизм

Национальный музей западного искусства

Романтизм и символизм

Продолжим наше виртуальное путешествие по Национальному музею западного искусства в Токио, сегодня хочу познакомить с работами европейских художников XIX века. На смену рококо приходит романтизм, художники изображают сильные страсти, одухотворяют природу, появляется интерес к национальному прошлому.

Развиваясь во многих странах, романтизм повсюду приобретал яркое национальное своеобразие, обусловленное местными историческими традициями и условиями. Наиболее последовательная романтическая школа сложилась во Франции, где художники использовали яркий насыщенный колорит и широкую, обобщенную манеру письма.

Французская школа живописи наиболее полно и представлена в токийском музее, от романтизма Эжена Делакруа до картин барбизонцев и символизма Гюстав Моро. Есть работы английских художников-прерафаэлитов (Pre-Raphaelites).

Прерафаэлитизм широко известен и популярен в Соединённом Королевстве, он достиг мировой славы и я рад, что в Японии есть картины живописцев этого братства, ведь традиционно английская школа живописи хорошо представлена лишь в английских музеях.

Христос, опускающийся вниз к могиле. 1859 год,

художник Эжен Делакруа, (1798-1863), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Эжен Делакруа (Ferdinand Victor Eugene Delacroix) — французский живописец и график, предводитель романтического направления в европейской живописи.

Учился в мастерской художника-классициста Пьера и Нарсиса Герена, изучал картины старых мастеров в Лувре — Рубенса, Веронезе и Тициана.

Самое большое влияние оказал на творчество Эжена Делакруа его друг Теодор Жерико. Совершил путешествие в Марокко.

Волны, около 1870 года,

художник Гюстав Курбе (1819 — 1877), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Лиса в капкане, 1860 год,

художник Гюстав Курбе (1819 — 1877), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Спящая обнаженная, 1858 год,

художник Гюстав Курбе (1819 — 1877), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Портрет молодой женщины, 1867 год,

художник Гюстав Курбе (1819 — 1877), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Гюстав Курбе (Gustave Courbet) — французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века.

Сон, память об Испании. Около1868 года,

художник Гюстав Курбе (1832 — 1883), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Гюстава Доре (Gustave Dore) — французский гравёр, иллюстратор и живописец. Самоучка, художественного образования не получил, но проводил время в Лувре и Национальной библиотеке, изучая картины и гравюры. С 1848 года художник становится участником Салона, где выставляет свои работы.

Натюрморт с графином, цветы и фрукты.1865 года,

художник Анри Фантен-Латур (1836 — 1904), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Анри Фантен-Латур (Henri Fantin-Latour) — французский художник и литограф. Учился у своего отца Жана-Теодора Фантен-Латура, а затем у Ораса Лекока де Буабодрана.

Учился в школе изящных искусств в Париже, затем два года работал в ателье Гюстава Курбе.

Известен своими цветочными натюрмортами и групповыми портретами современных ему парижских художников и писателей, друзьями которых он был. Значительно его влияние на символизм.

Воспоминание о пляже Неаполя.1870/72 год,

художник Жан-Батист Камиль Коро (1796 — 1875), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Жан Батист Камиль Коро (Jean-Baptiste Camille Corot) — французский художник и гравёр, один из самых успешных пейзажистов эпохи романтизма, оказавший влияние на импрессионистов. Учился живописи у пейзажиста Мишалона (Achille-Etna Michallon) и у Бертена (Jean Victor Bertin).

Зарисовки и эскизы Коро ценятся столь же высоко, как и законченные картины. Его цветовая гамма основана на тонких отношениях серебристо-серых и жемчужно-перламутровых тонов. Искусство Коро очень самобытно, оно отличается от параллельно развивавшегося искусства барбизонцев. Совершил путешествия в Италию, Бельгию, Нидерланды, Англию, Швейцарию.

Много путешествовал и по Франции — Нормандия, Бургундия, Прованс, Иль-де-Франс.

Весна (Дафнис и Хлоя).1865 год,

художник Жан-Франсуа Милле (1814 -1875), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Жан-Франсуа Милле (Jean-François Millet) — французский художник, один из основателей барбизонской школы. Учился в Париже в мастерской живописца Поля Делароша (1797—1856). С 1840 года начал выставлять свои работы в Салоне. В 1849 году Жан-Франсуа Милле поселился в Барбизоне, тема крестьянской жизни и природы стала главной для художника.

Пляж Трувиль.1867 год,

художник Эжен Буден (1824-1898), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Эжен Буден (Eugène Boudin) — французский живописец, был связан с барбизонской школой. Работал в Бретани, Бордо, Голландии и Венеции. Творчество Эжена Будена является связующим звеном между искусством его учителей – представителей барбизонской школы и его последователей-импрессионистов, среди его учеников — Клод Моне.

Саломея в тюрьме.1873/76 год,

художник Гюстав Моро (1826 — 1898), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Пьета. Около 1876 года,

художник Гюстав Моро (1826 — 1898), французская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Гюстав Моро (Gustave Moreau) — французский художник, яркий представитель символизма. Был учеником Теодора Шассерио в школе изящных искусств в Париже. Его полотна, акварели и рисунки были посвящены в основном библейским, мистическим и фантастическим темам.

Во время путешествий в Италию посетил Венецию, Флоренцию, Рим и Неаполь, где изучал искусство Ренессанса — шедевры Андреа Мантенья, Кривелли, Боттичелли и Леонардо да Винчи.

В 1888 году был выбран в Академию изящных искусств, был профессором в школе изящных искусств в Париже. Его живопись оказала огромное влияние на фовизм и сюрреализм, среди его учеников — Анри Матисс, Жорж Руо, Одилон Редон.

Саломея (5/14 — 62 /71) — иудейская царевна, дочь Иродиады и Ирода Боэта, падчерица Ирода Антипы; впоследствии царица Халкиды и Малой Армении. Один из персонажей Нового Завета. Первоначально Саломея вышла замуж за своего дядю, тетрарха Ирода Филиппа II.

После его смерти вышла замуж за двоюродного брата по матери, Аристобула, сына Ирода Халкидского, от него родила трёх сыновей — Ирода, Агриппу и Аристобула. Танец юной Саломеи на праздновании дня рождения Ирода Антипы очаровал его так, что он согласился выполнить любое её желание. Саломея потребовала убить пророка Иоанна Крестителя, и ей была принесена на блюде его голова.

В искусстве образ Саломеи вдохновлял Боттичелли, Дюрера, Тициана, Рембрандта, Караваджо. Саломея стала прототипом образа роковой женщины.

Пьета (pieta) — иконография сцены Оплакивания Христа девой Марией с изображением Богоматери с мёртвым Христом, лежащим у неё на коленях.

Отличие от сцены «Оплакивание» состоит в отсутствии многочисленных дополнительных второстепенных фигур, а также в том, что эта сцена не является повествовательной.

Этот иконографический тип часто встречается в западноевропейском искусстве 13-17 веков. Эта тема есть у Микеланджело, Тициана, Ван Гога.

Кубок любви, 19 век,

художник Данте Габриэль Россетти (1828 — 1882), английская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Данте Габриэль Россетти (Dante Gabriel Rossetti) — английский поэт, переводчик, иллюстратор и живописец, один из основателей движения прерафаэлитов. Для живописи Россетти характерны эстетизм, стилизация форм, эротизм, культ красоты и художественного гения. Практически во всех его работах присутствует одна и та же модель — его возлюбленная Джейн Бёрден, жена Уильяма Морриса.

Утенок, 1889 год,

художник Джон Эверетт Милле (1829 — 1896), английская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Джон Эверетт Милле (John Everett Millais) — английский живописец, один из основателей Братства прерафаэлитов. Закончил Королевскую Академию художеств в Лондоне. В 1848 году на одной из выставок Джон Эверетт Милле знакомится с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти и вместе с ними основывает движение прерафаэлитов.

Стрижка овец, 1883/84 год,

художник Джованни Сегантини (1858 — 1899), итальянская школа,

Национальный музей западного искусства (NMWA) — Токио

Джованни Сегантини (Giovanni Segantini) — итальянский художник-пейзажист, писал картины в пуантилистской технике. Учился живописи в вечерней школе при Академии ди Брера в Милане.

Тема его работ — дальние ландшафты с крестьянами и пастухами, выполненные пуантилистским точечным стилем. Много работал в горах Швейцарии.

Тяготел к символизму, в поздних работах есть влияние югендстиля (модерна).

Источник: https://litvinenko-ai.livejournal.com/144547.html

100 великих художников | Страница 73 | Онлайн-библиотека

Через год после свадьбы рождается дочь Елена, в 1851 году – Мария, а в 1858 году – Иоанна (Жанна).

В сороковые годы большое внимание Айвазовский уделяет батальной живописи.

«Живописец Главного морского штаба» (это звание ему было присвоено в 1844 году), он запечатлел эпизоды Севастопольской обороны, морских сражений на Черном и Балтийском морях, битву у Гангута, Чесменский, Наваринский, Синопский бои.

«Каждая победа наших войск на суше или на море, – писал художник, – радует меня, как русского в душе, и дает мысль, как художнику изобразить ее на полотне…»

Русский флот с искренней благодарностью относился к своему летописцу. Осенью 1846 года во время выставки к десятилетию творческой деятельности Айвазовского в Феодосию под командованием В.А. Корнилова прибыла эскадра из шести военных кораблей, чтобы приветствовать юбиляра.

В 1850 году Айвазовский создал одну из самых знаменитых своих картин – «Девятый вал».

«У самого Айвазовского, да и во всем мировом искусстве нет другой картины, которая с такой захватывающей силой передавала бы всесокрушающую мощь стихии, неотвратимый ужас надвигающейся гигантской волны, «девятого вала», – пишет Н.Г. Машковцев.

 – В этой картине огромный талант Айвазовского развернулся во всю ширь.

Страшные бури разыгрываются на многих картинах Айвазовского: «Буря ночью» (1865), «Буря» (1872), «Буря у мыса Айя» (1875), «Бури под Евпаторией» (1861). О последней писал Ф.М. Достоевский: «В его буре есть упоение, есть та вечная красота, которая поражает зрителя в живой, настоящей буре.

И этого свойства таланта г-на Айвазовского нельзя назвать односторонностью уже и потому, что буря сама по себе бесконечно разнообразна.

Заметим только, что, может быть, в изображении бесконечного разнообразия бури никакой эффект не может казаться преувеличенным, и не потому ли зритель не замечает излишних эффектов в бурях г-на Айвазовского?»

«Много внимания Айвазовский уделял изображению приморских городов, – пишет Л. Тарасов. – В картине «Вид на Одессу» (1855) город показан при лунном освещении, с большим скоплением кораблей, сосредоточенных в порту. Живописна «Лунная ночь в окрестностях Ялты» (1863) с эффектным своим освещением и множество других подобных картин.

Айвазовский умел передать в пейзаже то состояние, когда происходит перелом и море уступает после возмущения, затихая и смиряясь. Это показано, например, в картине «Радуга» (1873)».

Кроме марин, Айвазовский писал жанровые пейзажи («Ветряные мельницы в украинской степи при закате солнца» (1862), «Обоз чумаков» (1862), «Петербург. Переправа через Неву» (1870-е)). Совершив в 1869 году поездку по Кавказу, Айвазовский написал ряд горных пейзажей, в числе которых «Аул Гуниб» (1869).

Айвазовский устраивал выставки своих работ в Петербурге, Москве и за рубежом, всего состоялось 55 индивидуальных выставок мастера. И повсюду его сопровождал неизменный успех.

В мае 1881 года корреспондент английской газеты писал: «Среди многих новинок в мире искусства надо отметить выставку в галерее Пэль Мэль нескольких картин Айвазовского, русского художника, который приобрел европейское имя своими работами, и особенно силой и смелостью своих морских вещей.

В 1877 году Айвазовский разводится с первой женой. Через пять лет он вступил во второй брак с Анной Никитичной Саркисовой (Анной Мкртычевной Бурнозян).

В поздние годы своей жизни Айвазовский переживал новый расцвет своего таланта. В самом начале восьмидесятых годов, когда вполне окрепло и расцвело реалистическое направление пейзажной живописи, когда выступила могучая плеяда пейзажистов, Айвазовский написал «Черное море» (1881). Суровая реалистическая правда этой картины вполне созвучна живописи той эпохи.

Вот как отзывался об этой картине И.Н. Крамской: «На ней ничего нет, кроме неба и воды, но вода – это океан беспредельный, не бурный, но колыхающийся, суровый, бесконечный, а небо, если возможно, еще бесконечнее. Это одна из самых грандиозных картин, какие я только знаю».

В 1889 году художник создает обобщенный образ грозной стихии в картине «Волна». Айвазовский говорил, что это «лучшая моя буря».

Картины романтического характера продолжают преобладать в его творчестве. Последнее полотно, написанное за два года до смерти, – «Среди волн» (1898) – является как бы синтезом обоих направлений.

С неподражаемым совершенством изображена чуть ли не до неба вздымающаяся, пенящаяся, прозрачная морская волна, дробящаяся брызгами. С неутомимостью и поразительной быстротой художник работал до конца своих дней.

Он скончался в Феодосии 2 мая 1900 года во время работы над картиной «Взрыв турецкого корабля».

ГЮСТАВ КУРБЕ

(1819–1877)

Э. Золя писал: «Это был удивительный мастер: крепость фактуры, непогрешимость техники остаются непревзойденными в нашей школе. Надо обратиться к итальянскому Возрождению, чтобы найти такую уверенную и сильную кисть»

Гюстав Курбе пишет в автобиографии о себе в третьем лице:

«Родился в Орнане (Ду) 10 июня 1819 года, начал свои занятия в семинарии родного города, закончил их в Королевском коллеже Безансона. (Во время изучения философии в Безансоне часто посещал г. Флажуло, который был учеником Давида и Гро.

Это было началом его знакомства с историей искусства, начиная с французской школы.) Затем он провел год у профессора математики г. Делли, который, вопреки желанию семьи, поощрял его призвание к живописи.

Отец предназначал сына к юридической карьере.

Приехав в Париж, он был сильно разочарован, увидев картины французской школы, и заявил своим товарищам, что, если бы в этом заключалась живопись, он никогда не стал бы художником. Он смотрел в Париже все, что имело отношение к живописи, и привел в порядок свои мысли.

У него была образная речивость, и он ловко пользовался теми небольшими знаниями, которыми обладал. Его прозвали «Курбе-проповедник». Товарищи преднамеренно завели его как-то в Люксембургский музей, чтобы заставить говорить.

Поставили его перед Делакруа и спросили, что он думает о его картинах. Затем повторяли его дерзкие слова: «Я завтра бы сделал так же, если бы посмел».

Что касается Энгра, он ничего в нем сперва не понял. Лишь несколько позднее он заметил, что живопись всех этих людей имела свое значение, что все они искали средство для укрепления французского искусства. При виде их усилий он сказал себе: остается только промчаться мимо этого, как бомба.

В результате упорного труда он овладел подлинными средствами живописи, утерянными в Италии, Испании, Голландии, Бельгии, Германии. Он пошел по пути Гро и Жерико и почти с самого начала стал писать на уровне лучших образцов живописи, находящихся в наших музеях.

Этот выходец с гор Ду и Юры, независимый республиканец от рождения по материнской линии, наследовал революционные идеи своего отца, либерала 1830 года и сентименталиста, и своей матери, рационалистки и католической республиканки. Он забыл затем идеи и наставления своей молодости, чтобы пойти вслед за социалистами всех сект.

По прибытии в Париж он был фурьеристом. Он примкнул затем к ученикам Кабе и Пьера Леру. Одновременно с живописью он занимался философией. Он изучал французских и немецких философов. В течение десяти лет, вплоть до революции 1848 года, он ратовал вместе с редакторами «Реформ» и «Насиональ» за активную революцию.

Но его мирные идеи рухнули перед лицом реакционных действий либералов 1830 года, якобинцев и бездарных реставраторов истории…

…Он никогда не имел учителей, вопреки тем, кто ему таковых приписывал. Его отец рекомендовал его своему кузену г. Удо, профессору права, который хотел насильно заставить его учиться и свел его к господину Стебену. На восьмой день Стебен посоветовал г. Удо предоставить Курбе самому себе…»

73

Источник: http://litrus.net/book/read/148799?p=73