Представитель севильской школы живописи, Сурбаран писал на заказ для храмов и монастырей и был признан еще при жизни своими современниками, сыграв важную роль в развитии испанского реализма.
На картине изображен живописный сюжет, популярный в Испании в XVI–XVIII веках. Он основывался на католическом догмате о непорочном зачатии родителями самой девы Марии. Отвлеченному образу Вечной девы, изображенной в окружении облаков и символических атрибутов, возносимой на небо, Сурбаран придал черты угловатой испанской девочки.
Композиция полотна при правильности рисунка несложная и заключает в себе выразительную благородную фигуру, задрапированную в одежды и поставленную в естественную, незамысловатую позу. Передний план удивительно рельефный благодаря мастерски сопоставленному сильному свету с глубокими тенями.
Франсиско де Сурбаран (1598–1664) Святая Касильда Около 1635. Холст, масло. 184×98
На портретах Сурбарана модели, освещенные сверху, обычно изображены в полный рост, представлены в спокойных позах, облаченными в одежды из тяжелых тканей. Так со сдержанными, но выразительными жестами, как бы рассказывающими об их деяниях, контрастируют бушующие внутренние страсти, читаемые в их лицах.
Многие образы мастера лишены религиозности, как, например, в картине «Святая Касильда». О ее подвиге — тайной от отца, мавританского правителя, исповедовавшего ислам, помощи пленным христианам — напоминает ее решительное смуглое лицо с жестким, строгим взглядом.
В остальном же на портрете — знатная дама, гордая, не лишенная грации, в дорогом, нарядном платье. Но святая держит в руках цветы — символ чудесного спасения от кары отца. Сурбаран, прекрасный колорист, удивительно точно передал блеск шелка, жемчуга, воздушность фона.
Художником использованы насыщенные темно-зеленые и лиловые тона.
Несмотря на домостроевский уклад в Испании XV века росло самосознание женщин: среди них появлялись ученые, политики, конкистадоры. Образ Касильды типичен в ряду других, овеянных романтикой.
Диего Веласкес (1599–1660) Портрет придворного шута «Эль Примо». Около 1644. Холст, масло. 107х82
Диего Веласкес — один из величайших представителей испанского золотого века. Придворный живописец Филиппа IV, среди прочих жанров писал острохарактерные портреты. В них удавалось передать психологизм своих моделей и избегать при этом лести даже самым могущественным фигурам.
На протяжении 1630-640-х Веласкес создал серию портретов карликов и шутов. Сквозь комическую личину живописец увидел сложный духовный мир этих людей, обделенных природой. Изобразив без тени насмешки, с простотой и тактом, раскрыл их характеры, душевное состояние, мир переживаний, доходящий до скорбного трагизма.
Высокий чистый лоб, умные глаза завораживают и заставляют вглядываться в незаурядное лицо шута. Лишь потом внимание переключается на его тщедушную фигурку. Дон Диего де Аседо занимал особое положение в свите Филиппа IV и по традиции исполнял еще несколько должностей — был курьером и хранителем королевской печати.
Его ответственность за печать с королевской подписью объясняет присутствие фолианта, который он держит, и письменные принадлежности на полу. Прозвище «Эль Примо» означает «кузен».
Возможно, карлик — родственник Веласкеса, а может быть, это имя появилось благодаря привилегии шута не снимать шляпу в присутствии короля, что разрешалось только представителям высшей аристократии, их король называл «кузенами».
Особую ценность придает портрету его незавершенность.· неоконченный фон позволяет прекрасно рассмотреть направления кисти мастера.
Диего Веласкес (1599–1660) Конный портрет Гаспара де Гусмана, герцога Оливареса 1632–1633. Холст, масло. 240×314
Гаспар де Гусман-и-Пиментель, граф Оливарес и герцог Санлукар-ла-Майор, известный как граф-герцог де Оливарес, — испанский государственный деятель. Фаворит и первый министр Филиппа IV, с 1621 по начало 1643 он играл ключевую роль в управлении Испанией и ее внешней политике. Граф показан перед полем брани гордо восседающим на вздыбившимся коне.
Обернувшись через плечо, он указывает в даль, где среди красивого пейзажа идет сражение. Колористическое решение этого парадного портрета строится на сочетании холодных оттенков, господствующих на дальнем плане, и теплых, главенствующих на первом.
Благодаря этому фигура министра и лошадь кажутся материально объемными и максимально приближенными к зрителю, а пейзаж бесконечно глубоким.
Диего Веласкес (1599–1660) Сдача Бреды 1635. Холст, масло. 303х317
Это единственное полотно Веласкеса на историческую тему — уникальный опыт для европейской живописи, поскольку принципы исторического жанра в изобразительном искусстве здесь были в корне переосмыслены.
Сюжет «Сдачи Бреды» посвящен эпизоду испано-нидерландской войны. Командующий голландского гарнизона Юстин Нассау после длительного сопротивления передает испанскому главнокомандующему Амбросио Спиноле ключ от крепости. От Веласкеса требовалось прославить силу испанского оружия, а вся сцена должна была являть собой парадное зрелище триумфа.
Но действие представлено живописцем с объективностью, доступной только кисти гения. Правая часть полотна, где расположена армия Спинолы, утяжелена идеально выписанным крупом лошади. Веласкес не стал умалять побежденных и превозносить победителей.
Отражение подлинности происходящих событий ставит его картину в один ряд с непревзойденными творениями.
Смысловой и композиционный центр картины — передача ключей. Четко проработанная симметрия помогает создать иллюзию пространственной глубины, передать ощущение туманного утра.
Главное в этом равновесии — утверждение мысли, что любой побежденный имеет право на уважение, а победитель — на великодушие.
Гуманистическая идея отличает полотно от предшествующих работ на исторические темы: главным мотивом всего произведения становится человечность.
Диего Веласкес (1599–1660) Менины Около 1656. Холст, масло. 318×276
При испанском дворе фрейлин, с детства служивших у принцессы, называли «менинами». Действие происходит в помещении дворца, превращенном в мастерскую живописца.
В центре комнаты стоит маленькая белокурая принцесса Маргарита. Одна из фрейлин подает ей кувшин с питьем, другая — присела в почтительном поклоне.
Поднесение питья инфанте определялось дворцовым этикетом, строгим порядком церемонии и воспроизведено художником во всех деталях.
Изображенная группа исполнена необычайной грации. Игра света и блеск красок придают ей вид изысканного цветника. Справа от принцессы — любимая карлица и мальчик-карлик, толкающий ногой пса. Слева виден оборот мольберта, за которым сам художник.
Чуть дальше выделяются фигуры двух придворных, а в глубине, в дверном проеме, — силуэт еще одного человека, отводящего рукой занавес.
Растворенная дверь углубляет пространство, оттуда струится свет, играющий переливами красных, золотистых, розовых и зеленоватых тонов на одеяниях героев.
Украшает интерьер словно светящееся изнутри зеркало, в котором отражается королевская чета, Филипп IV и его вторая жена, Марианна Австрийская. Они присутствуют за пределами картины, на них направлены взгляды придворных и художника. Так Веласкес расширяет сюжет картины, включая в действие незримо присутствующего наблюдателя, а сцена с инфантой становится точкой схода реальности и зазеркалья.
Существуют различные толкования жанра картины. Ее можно рассматривать как портрет инфанты Маргариты, единственной дочери короля, всеобщей любимицы. Остальные дети во втором браке были мертворожденными.
Но принцессу на картине окружают не просто придворные, а конкретные исторические лица. Фрейлины Мария Сармиенто и Изабелла де Веласко изображены с достоверным сходством, художник возле холста — сам Веласкес.
Все это позволяет говорить о картине как о групповом портрете.
Диего Веласкес (1599–1660) Пряхи (Миф об Арахне) Около 1657. Холст, масло. 220×289
В монументальной композиции «Пряхи» одновременно изображены сцены труда (пряхи за работой — на переднем плане), светской жизни (нарядные дамы, рассматривающие великолепный гобелен, — на дальнем плане) и собственно гобелен с вытканным на нем сюжетом мифа об Арахне. По широте охвата мира в «Пряхах» Веласкес идет дальше, чем в «Менинах».
Прием зеркальности способствует реальному и иллюзорному перетеканию планов. Сосредоточенные на своей работе пряхи полны энергии, объединенные единым ритмом движения, их позы грациозны, жесты ловки. Два источника солнечного света создают ощущение пространства и глубины интерьера гобеленной мастерской.
Погруженная в полумрак прозрачных теней среда напоена мерцающим золотистым светом. В атмосфере дальнего плана растворяются контуры предметов, и вытканные на коврах мифологические фигуры сливаются в живописном единстве с реальными.
Созвучие нежнейших серо-голубых, розовых, светло-синих, сиренево-розовых, блекло-желтых, светло-красных и серебристо-белых тонов преображает дальний план в мир чистой поэзии. Красота сцены переднего плана выражена сдержанными, но насыщенными красно-коричневыми, сине-зелеными, черно-коричневыми и густо-красными тонами.
Композиционный прием Веласкеса — сопоставление двух различных по характеру сцен — дал возможность правдиво выразить представление художника о многообразии мира, красоте жизни, сочетающей обе реальности — поэтическую (античный миф) и рукотворную (прекрасный гобелен, созданный руками прях).
Источник: https://nemaloknig.com/read-315566/?page=4
Сурбаран ФрансискоЖивопись, картины и биография
Художественные идеалы Испании 17 века по-другому воплотились в творчестве Франсиско де Сурбарана (Francisco de Zurbaran) (1598–1664), сыгравшего важную роль в развитии испанского реализма.
Он родился в сельской местности, художественное образование получил в Севилье.
Сурбаран писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов убедительно рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных ритмах и композициях, в монументальных формах.
Персонажи Сурбарана наделены душевным благородством, способностью к сильным чувствам. Они исполнены благочестия, но их религиозность не исступленная, как у Эль Греко, глубокий драматизм скрыт за внешней сдержанностью.
Действующие лица обычно написаны с натуры и часто отличаются портретностью.
Выходец из крестьян, Сурбаран сохранил привязанность к земле, к вещам; их изображения он включал в фигурные композиции, которые, однако, не получали у него жанровой окраски, потому что художник видел в обыденном значительное и находил возвышенное в суровой простоте, порядке, ясности.
Мощное ощущение реальной жизни, лаконизм художественного языка и пластическая сила живописи создают в произведениях Сурбарана впечатление торжественной серьезности. Художник остро чувствовал красоту строгого рисунка, простых четких монументальных объемов, построенных большими плоскостями с помощью контрастов светотени.
Ведущую роль в его произведениях играют цветовые пятна, их средствами он передает объем и движение. Плотно положенные краски глубоки, звучны, насыщенны, богаты полутонами и смелыми контрастами, мазок широк и спокоен.
Сурбаран любил голубые, розово-красные, зеленые, оранжевые, лиловые, градации серо-черных, серо-коричневых тонов.
В 1629 году Сурбаран закончил цикл картин из жизни святого Бонавентуры, избрав местом действия современный ему монастырь, верно передав монотонный патриархальный уклад жизни, степенность монахов. Самая значительная картина цикла – «Посещение святого Бонавентуры Фомой Аквинским».
Строгая обстановка кельи ученого-монаха – деревянная мебель, полки, массивные тома книг написаны с предельной убедительностью, благодаря строгой расстановке они рождают чувство размеренного ритма повседневной жизни. Красно-фиолетовые и синие цвета, гармонично объединенные с серебристо-коричневатыми, подчеркивают настроение умиротворенного покоя и важности происходящего.
Свет, падающий из открытой двери, фиксирует взгляд зрителя на главных действующих лицах – жившем в 12 веке Бонавентуре, молодом южанине-испанце с открытым одухотворенным лицом, и вкрадчивом Фоме Аквинском с умными глазами. Художник писал их с современных ему монахов, и потому образы святых, как и сосредоточенные лица окружающих их монахов, портретны.
Моделированные контрастной светотенью крупные объемы фигур размещены в узком пространстве параллельно плоскости картины, усиливая впечатление пластической насыщенности.
Сурбаран писал портреты теологов, писателей, облаченных в одежды из тяжелых тканей, на фоне пейзажа или архитектуры, освещая их потоками верхнего света. Портретируемые обычно представлены в рост, в спокойных позах, как бы рассказывающими о своих деяниях.
Страстные лирические переживания контрастируют в их лицах со сдержанными, но выразительными жестами. Многие образы лишены религиозности.
Героическая «Святая Касильда» (начало 1640-х годов, Мадрид, Музей Тиссен-Борнемиса), по легенде, дочь мавританского правителя в Толедо, в сущности, исполненная строгой грации гордая знатная дама; она изображена в нарядном платье из дорогих тканей, с корзиной цветов в руках.
Властное смуглое лицо с решительным суровым взглядом заставляет вспомнить о ее подвиге – тайной помощи пленным христианам. Согласно легенде чудо спасает ее от кары отца, приверженца ислама,– хлеб внезапно превращается в роскошные цветы.
Образ Касильды типичен для Испании 15 века: несмотря на домостроевский уклад, росло самосознание женщины, появлялись среди женщин ученые, политики, конкистадоры. Рождались образы, овеянные романтикой.
Звучные, сильные темно-зеленые, палевые и лиловые тона одежды, блеск шелка, жемчуга, воздушность фона безукоризненно переданы художником-колористом.
Благоговейное отношение Сурбарана к предметам каждодневности чувствуется в его натюрмортах, полных сурового лаконизма и вещественной мощи «Натюрморт с четырьмя сосудами» (1632–1634, Мадрид, Прадо); «Натюрморт с апельсинами и лимонами» (1633, Флоренция, бывшее собрание Контини-Бонакосси, в настоящее время – Музей Нортон Саймон, Пасадена, Калифорния).
В Испании уже в начале 17 столетия распространился обычай писать фрукты, цветы и предметы кухонного обихода. Наиболее характерное из того, что было создано в этом жанре, принадлежит Сурбарану. Наделенные пластическим совершенством, плоды и предметы живут в его натюрмортах вне атмосферы повседневного быта.
Строгий порядок, при котором ни один предмет не закрывает другой, монументальная архитектурно-ритмическая композиция, сила изысканного колорита рождают чувство спокойствия и торжественной значительности их бытия. Каждый предмет остро охарактеризован, подчеркнутые светом крепкие формы обладают весомостью.
Вместе с тем в предметах выявлено то, что сближает их друг с другом,– соотношение форм, фактуры, красок, линий, образующих стройное, исполненное согласия целое.
В конце жизни Сурбарана характер его искусства изменился.
В образах появились мягкость, теплота, нежность; в «Отрочестве Марии» (около 1660, Санкт-Петербург, Эрмитаж) запечатлена скромная девочка, рукодельница – воплощение кротости и душевной чистоты.
Вместе с тем во многих произведениях Сурбарана заметно выражение усталости, формы лишены пластичности. Усилились мистические тенденции и идеализация.
Картина Франсиско де Сурбарана Святой Франциск Ассизский. Образ Святого Франциска, стоящего в своей могиле, восходит к апокрифическому тексту XIII века. Посетители крипты в церкви в Ассизи видели, как Святой Франциск спустя долгое время после своей смерти поднялся в могиле.
Сурбаран создал еще более выразительный образ святого, благодаря сильному свету, падающему слева и выхватывающему его темную рясу и экстатическое лицо, оставляя правую часть в глубокой тени.
Этот эффект освещения вдохновлен караваджистским кьяроскуро, но в отличие от типичных для итальянца Караваджо пламенеющих композиций, Сурбаран наделил свою картину суровой религиозностью, более характерной для живописи испанского барокко того времени.
Однако Сурбаран не смог приспособиться к изменениям живописной моды, которую диктовал Бартоломео Мурильо. Не в силах восстановить свою некогда высокую репутацию, Сурбаран умер в нищете 27 августа 1664 года в Мадриде.
История зарубежного искусства ►
Источник: http://smallbay.ru/article/art_spain_surbaran.html
Какие страшные тайны хранят «Святые жены» Франсиско де Сурбарана?
Цикл женских портретов Франсиско де Сурбарана под названием «Святые жёны» почти 400 лет привлекает зрителей не только мастерским живописным выполнением, а и страшными тайнами. Так, за образом каждой святой стоит судьба, как правило, очень жестокая и беспощадная. Короткая жизнь почти каждой из них была трагически оборвана пытками, издевательствами и казнями. Франсиско де Сурбаран. (Предположительный автопортрет художника).
Франсиско де Сурбаран (1598-1664) — прославившийся художник Золотого века испанской культуры. В историю искусства мастер вошел в большей степени своей религиозной живописью. Среди художественного наследия Сурбарана есть одна таинственная серия портретов женщин-святых. Этот цикл художник создал в необычной для того времени манере: одиночные портреты женщин, облаченных в очень дорогие наряды, с божественно красивыми лицами и глазами ангелов. А предметы, вложенные в их руки художником, несут в себе тайный смысл и сами говорят за себя. Разгадка же кроется в истории жизни каждой из героинь, принявших мученическую смерть за веру.
Святая Касильда Толедская, 1640-1645. Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид.
Самый известный портрет из этой серии — Святая Касильда. На нем изображена девушка-мусульманка, богато одетая, с розами в подоле. Много веков тому назад христиане канонизировали Касильду за милосердие и сострадание: она тайно носила плененным христианам еду, пряча в складках своего одеяния.
Ее грозному отцу приближенные доложили о проделках его дочери, и тот, выследив ее, вынудил показать, что она прячет в одежде. Каково же было удивление разъяренного досмотрщика, когда Касильда развернула подол — в нём лежали розы.
Спустя несколько лет, Касильда приняла христианство, прожила до ста лет, а к месту ее захоронения до сих пор ходят паломники.
Святая Изабелла Португальская, 1635. Мадрид, Прадо.
Стоит также отметить, что легенда о чудесах с розами имеет повторение и на других портретах Франсиско де Сурбарана. Подобное чудо превращения еды, тайно приносимой узникам, в цветы, относится и к преданию о добром сердце королевы Португалии Изабеллы.
Святая Маргарита, 1630-1634. Лондон, Национальная галерея.
Девушка на потрете в одеждах народного испанского стиля, в соломенной шляпе и холщовой сумкой через плечо, с посохом и книгой в руках — это Святая Великомученица Маргарита Антиохийская, дочь языческого жреца, жившая в III веке в Антиохии.
В далекие времена язычества христианство Маргарита приняла тайно. Властелин страны, был покорен красивой девушкой и захотел взять ее в жены. Маргарита отвергла его предложение, сказав, что «не может стать суженой царя земного, поскольку уже является невестой Царя Небесного».
За это девушку посадили за решетку, а дьявол, принимая облик огнедышащего дракона (его также можно увидеть на полотне позади фигуры святой) подвергал мучениям девушку, и однажды поглотил её.
Тогда крест, который крепко зажала в руках несчастная, неожиданно стал увеличиваться, и это продолжалось до тех пор, пока он не вспорол превращенному дьяволу брюхо. На месте гибели Маргариты просочился святой источник.
Святая Агнесса, Севилья, Музей изящных искусств.
К лику святых была причислена и юная христианка Агнесса — 12-летняя девочка-подросток, которая отвергла сына знатного вельможи ради христианской веры, за что поплатилась жизнью в столь юном возрасте. В ее иконографии всегда присутствует ангел-хранитель — в образе белого ягненка, так как по легенде, во время издевательств и мучений, он всегда пытался прийти великомученице на помощь.
Однако казни избежать не удалось. По одной из версии Агнессу сожгли, по другой — ее обезглавили.
Святая Евлалия. Музей изящных искусств, Севилья.
Святая Евлалия (290-304) также совсем юной 13-летней девушкой была подвергнута тринадцати пыткам за то, что отказалась поклоняться римским богам. Двенадцатой пыткой было распятие на косом кресте, а тринадцатой- отсечение головы.
Святая Аполония Александрийская. Париж, Лувр.
Святая Аполлония, жившая вначале 1 века в Александрии. Будучи уже престарелой девой, приняла христианство. В 249 году новый правитель Александрии начал жесткое гонение и беспощадное преследование христиан.
Аполлонию также пытались склонить к отречению от веры, ее били по челюстям, пока не выбили все зубы и грозили сжечь на костре живьем. Женщина, не дожидаясь конца мучениям, сама бросилась в огонь и сгорела заживо.
Святая Энграсия, Музей изящных искусств, Севилья.
Святая Энграсия родом из семьи зажиточных христиан. Жила со своими родителями в Португалии. В назначенный срок отправилась с пышным эскортом к своему жениху в другую провинцию, чтобы выйти замуж.
Однако путешественников арестовали за вероисповедования, долго мучили, затем убили. Одна из версий гласит, что несчастную засекли до смерти, и она скончалась от болевого шока, а другая — девушке вбили гвоздь в голову.
Поэтому в иконографии в руках Энграсии непременный атрибут — гвоздь.
Святая Матильда 1640-1650. Музей изящных искусств, Севилья
Немецкая принцесса Матильда к лику святых была причислена за свою благотворительность и основание монастырей.
Святая Варвара.
Прекрасная девушка Варвара — единственная дочь своего отца, заявила, что она невеста Христа. На все его уговоры и угрозы Варвара не отреклась от данного слова. В гневе отец приказал морить ее голодом, но, так и не сломив ее волю, приказал казнить.
Святая Агата, 1630-1633. Музей Фабр, Монпелье.
К образам великомучениц в своем творчестве обращались многие художники разных эпох. Так, мученичество Святой Агаты, давшей обет Небесному Жениху, можно увидеть не только в творчестве Франциско де Сурбарана, а и на полотнах других известных европейских мастеров.
Цикл «Святые жены» (1635-1650) Франсиско де Сурбаран создавал, когда еще был полон жизненных и творческих сил. И эти портреты прославили художника не только на родине. А вот последние несколько лет своей жизни живописец прожил в нищете и в полном забвении.
AWESOME! NICE LOVED LOL FUNNY FAIL! OMG! EW!
Источник: https://homsk.com/martin/kakie-strashnye-tayny-khranyat-svyatye-zheny-fransisko-de-surbarana
Загрузка...
