Скульптура японии — фото, описание

• Окимонó – изящный мостик между искусством Японии и Европы
• 
• Скульптура – самый древний вид японского изобразительного искусства. Исследователи утверждают, что оназародилась в Японии раньше живописи еще на заре ее цивилизации, и долгий период была фактически
• единственной областью изобразительного искусства.

Именно в пластике получили воплощение самые древние представления японцев о взаимосвязи человека сокружающим миром.

Надгробная скульптура (Ханива), ок. V века, терракота

К сожалению, так сложилось, что в европейском искусствоведении японская скульптура до сих пор остаетсянаименее изученной областью.

Вот почему, когда мы говорим об искусстве Страны восходящего солнца,память выдает, прежде всего, информацию о замечательных японских гравюрах, а представления о японскойпластике часто ограничивается лишь нэцке, привлекательными резными миниатюрными фигурками-брелкамииз кости или дерева.Своим возникновением нэцке обязано особенностям «конструкции» японской традиционной одежды. Уже само

1. название «нэцке», или «нэ-цуке» (два иероглифа «корень» и «прикреплять»), выявляет их назначение.
2. 
3. Крестьянин с фруктами. Нецке

Поскольку в японской одежде отсутствовали карманы, мужчины держали мелкие предметы (личные печати,ключи, лекарства, табак и т. п.) в небольших лаковых коробочках («инро»), емкостях, кисетах, которыес помощью шнура прикрепляли на поясе, используя фигурки нэцкэ (размером 3-15 см) в качестве брелка-

• противовеса (японские женщины использовали для этого рукава кимоно).
• 
• Нецке (видно отверстие «химотоши»)
• Очень важным является тот факт, что нэцкэ не имеет острых углов и должно обязательно иметь сквозноеотверстие («химотоши») для шнура.Отсутствие химотоши в резной фигурке говорит о том, что это «неправильное» нэцке скорее всего относится
• к другому виду миниатюрной японской пластики – окимонó (ударение на последнее «о», как в слове «кимоно»).
• 
• Крестьянин и утки. Окимонó (слоновая кость)

Введение в Японии в конце XIX века европейской одежды в качестве официальной и закрытие множествабуддийских монастырей привело к тому, что смысл ношения нэцке в качестве брелков отпал, и многиерезчики нэцкэ даже потеряли работу.

Вот тут на сцену выходит, другой традиционный, но менее известный вид японской пластики, окимонó –станковая (имеющая самостоятельное значение) скульптура малых форм.

Сформировалось окимонó (дословно – «поставленная вещь») еще в XVI веке, когда в традиционных японскихжилищах появились специальные ниши культового назначения («токонома»), в которые помещали религиозные

1. свитки, икебану и статуэтки окимонó в качестве оберега, хранителя домашнего очага.
2. 
3. Ниша «токонома»

Своими размерами, технологией изготовления и сюжетами окимонó напоминали нэцке, но имели подставки и,конечно, не имели отверстий для шнура. До второй половины XIX века окимонó были мало известны внеДальнего Востока.После Революции Мэйдзи (1866-1869) Япония вступает на путь модернизации своей политической и социальнойжизни и становится открытой миру.

В 1873 году Всемирная выставка впервые проводилась за пределами Англии и Франции в столице Австро-Венгрии,Вене. И впервые на Всемирной выставке принимали участие экзотические страны Африки, а также Япония.Отличительной чертой выставки в Вене было внимание к национальным культурам стран-участниц.

Среди экспонатов, представляющих культурные традиции и ремесла Японии, были выставлены и окимоно,

• которые ошеломили европейцев своей изысканностью и тонкостью исполнения.
• 
• Кокон над городом Окимонó (слоновая кость)

Интерес европейцев к окимонó наметил новые требования к этим резным скульптуркам, предназначавшимсятеперь в основном для коллекционирования и украшения европейских интерьеров.

Размеры окимонó стализначительно больше (от 20 до 60 см), поверхность их тщательно обрабатывалась.

Для того чтобы общатьсяс европейским зрителем, на понятном ему пластическом языке, талантливые и трудолюбивые японские резчики

1. окимонó за несколько десятилетий освоили пластические традиции, развивавшиеся в Европе в течение веков.
2. 
3. Богини природы Окимонó (слоновая кость)

Так возник феномен японского европеизированного реализма в скульптуре, в русле которого работали мастераокимоно. Изготавливались окимоно чаще всего из слоновой кости (иногда их тонировали раствором чая),дерева, бронзы, серебра или из комбинации этих материалов.Для большей декоративности мастера использовали гравировку орнаментов, золотой лак, инкрустацию

• перламутром, эмалями и кораллом.
• 
• Окимонó (слоновая кость, коралл)
• Наиболее популярные сюжетами для резчиков окимонó были: боги, исторические персонажи, герои сказок илегенд, крестьяне и рыбаки, музыканты и актеры, старики и женщины с детьми, игры детей, животные,
• птицы, морская фауна, овощи и фрукты.
• 
• Играющие дети. Окимонó (слоновая кость)

Весной 1910 года, когда в Лондоне прошла масштабная промышленная Японско-Британская выставка, японскиемастера «европеизированных» окимонó произвели уже настоящий фурор.Расцвет окимоно в конце XIX века связан с именами выдающихся мастеров токийской школы, таких как АсахиГёкудзан (1843-1923), Исикава Комэй (1852-1913) и Удагава Кадзуо (1900-1910).

Изначально окимонó появились в Европе, включая Россию, как дипломатические дары. Например, Николаю II(тогда еще цесаревичу) великолепные окимонó и нэцке были презентованы в Японии в 1891 году. Известно,что российский император постоянно носил нэцке с собой в кармане как амулет. В настоящее время этираритеты хранятся в Эрмитаже.

После Русско-японской войны нэцке и окимоно стали широко известны в России.

1. В числе ценителей и собирателей окимоно были Максим Горький, Карл Фаберже, Федор Шаляпин.
2. Ребенок на быке. Окимонó (кость, дерево)

В Японии нет значительных музейных коллекций окимоно, ибо в начале прошлого века лучшие работы быливывезены из страны и стали украшениями европейских и американских музеев и частных собраний.

Ценныеи редкие окимонó так называемой Белой эпохи (из слоновой кости) в Японии сегодня можно встретитьтолько в Императорском дворце.Самыми значительными коллекциями окимонó обладают Антропологический музей университета Миссури, МузейВиктории и Альберта, Краковский национальный музей, Эрмитаж.

Из крупных частных собраний окимонóможно назвать коллекции профессора Нассера Халили (Лондон), Курта С. Эриха (Бохум) и бизнесмена

• Александра Фельдмана (Украина).
• Дедушка с внуком. Окимонó (слоновая кость)

Харьковскому меценату и коллекционеру Александру Фельдману за 20 лет удалось собрать одну из лучших икрупнейших в мире коллекций окимонó (около 400 произведений).

Среди настоящих жемчужин этой коллекции – «Мать, кормящая ребенка» (Кадзуо), «Продавец цветов» (Комэй),«Дедушка с внуком» (Чикааки), «Бодхисатва Канон» (Асахи Мейдо), «Конфуций» (Сеюнсан), «Дождь» (Рюичи),«Цапли» (Морино Корин), «Семь богов счастья и корабль сокровищ» (группа мастеров) и другие.Работа У. Кадзуо «Мать, кормящая ребенка» (45 см, слоновая кость) экспонировалась в 1900 году на

1. Всемирной выставке в Париже и по праву снискала славу «японской мадонны».
2. Мать, кормящая ребенка. Окимонó (слоновая кость)

Фигурка привлекает лиризмом, задушевностью, мягкой пластикой. Впервые в японской скульптуре даноизображение кормящей матери с обнаженной грудью. В образе молодой матери даже находят некую аналогиюс мадоннами Леонардо да Винчи.

Мастер Кадзуо создал несколько вариантов своей скульптуры изразличных материалов. Самым ценным считается вариант окимонó из слоновой кости – это «визитнаякарточка» коллекции А. Фельдмана.

В коллекции харьковчанина можно увидеть одно из самых крупных окимоно из кости в мире –

• «Семь богов счастья и корабль сокровищ» («Ситифукудзин и такарабунэ»).
• Семь богов счастья и корабль сокровищ. Окимонó (слоновая кость)

Японцы верят, что под Новый год семеро небожителей разносят по домам счастье. Даже увидеть такарабунэво сне – к счастью. Корабль и боги были вырезаны из нескольких частей группой мастеров в 1860 годах

1. по заказу императора Мэйдзи (потом он подарил «Корабль» Наполеону III).
2. Продавец цветов Бодхисатва Канон Окимонó (слоновая кость)
3. А вот композиция «Продавец цветов» (высота 55 см, слоновая кость) знаменитого резчика И. Комейотличается высочайшим мастерством исполнения и тщательной передачей мельчайших подробностей:
4. от морщин на лице старика до передачи лепестков цветов.
5. Продавец цветов Бодхисатва Канон Окимонó (слоновая кость)

Великолепная работа А. Мейдо «Бодхисатва Канон» (45 см, слоновая кость), изображающая буддийскую богинюмилосердия, отличается виртуозной ажурной резьбой и считается одним из лучших образцов окимоно XIX века.Миниатюрное окимонó неизвестного резчика «Гранат на веточке» (7 см, тонированная кость) как нельзя лучше

• свидетельствует о любви японских мастеров к изящным и реалистичным сюжетам из живой природы.
• Гранат на веточке. Окимонó (слоновая кость)
• Вот такие они – окимонó, соединившие в себе пластические традиции Японии и Европы в результатетворческого диалога двух великих цивилизаций. Они пронизаны глубоким восхищением перед каждым
• мгновением жизни, восприятием ее как бесценного и неповторимого дара.

Автор — Валерий КойфманИсточник — 7iskusstv.com

Источник: https://ngasanova.livejournal.com/1896122.html

Японский скульптор

• Небольшие технические трудности. В ближайшее время мы появимся в сети и сайт станет чуточку лучше

Создать демотиватор

Иногда скульптура заставляет задуматься: камень превратился в человека или человек в камень. /Силован Рамишвили/

Быть может, к скульптуре меня влечет любовь к камню. Скульптура возвращает человеческому облику весомость и равнодушие, без которых я не мыслю величия. /Альберт Камю/

********************************************************************************************************

GAYLORD HO— японский скульптор. Родился в 1950 году на Тайване. После окончания школы Гейлорд поступил в Тайваньскую Национальную Академию Искусств. Во время учебы в академии его скульптуры неоднократно побеждали на национальных выставках.

После окончания академии и службы в армии, Гейлорд отправляется в путешествие по Японии, где с 1975 по 1977 года живет и обучается у опытных мастеров. После возвращения на родину Гейлорд с его женой Лючией открывают Nomiso Design Center, который впоследствии, в 1986 году, переименовывают в Gaylord Design Corporation.

На данный момент Гейлорд известен во многих странах, его скульптуры находятся в частных коллекциях и высоко почитаемые среди любителей прекрасного. Гейлорд уделяет много внимание своей работе и также воспитывает новое поколение мастеров в академиях Китая и Тайваня.

Главная тема его работ — это эмоции в конкретный момент времени. У него великолепно получается передать это в характере его скульптур.

Дух танца

Твердят: «В начале было слово». А я провозглашаю снова: все начинается с любви!

Танец

красоты

Адам

Все начинается с любви: и озаренье, и работа, глаза цветов, глаза ребенка — все начинается с любви. Все начинается с любви. С любви! Я это точно знаю. Все, даже ненависть — родная и вечная сестра любви.

Все начинается в любви: мечта и страх, вино и порох. Трагедия, тоска и подвиг — все начинается с любви. Весна шепнет тебе: «Живи». И ты от шепота качнешься. И выпрямишься. И начнешься.

Все начинается с любви! Роберт

Рождественский

Прикосновения

любви

Торжество

Двое

Объятие

• Изобилие
• Неожиданный
• сон
• Объятия
• влюбленных
• Танец страсти
• Из рая
• Процветание
• Покой
• Божественное
• путешествие
• Сострадание
• Видение
• Мечта
• танцора
• Защита
• Благодать
• Отражение
• Превосходство
• Воспитание
• Круг
• жизни
• Превращение
• Божественные
• объятия
• Вечная
• любовь

Анна Иванова мудрец

• Активность: 21k
• Репутация: 6752
• Пол: Женщина

Анна Иванова мудрец

Источник: https://obiskusstve.com/1293627507556223247/yaponskij-skulptor/

Современная японская скульптура.Хейлорд ХО. | Волшебная сила искусства

   Гейлорд Хо говорит:»Искусство всегда было большой частью моей жизни с самого раннего возраста. Цель моего искусства — показать лучшие человеческие эмоции … любовь, сострадание, воспитание, преданность. Я их всегда подмечаю на лицах стариков и молодых женщин, матерей и дочерей. Мне нравится наблюдать за людьми.» 

                             Гейлорд Хо родился 11 апреля 1950, в Hsin-Ву, Тайвань. Родители его были бедными фермерами и Гейлорд проводил большую часть своего свободного времени помогая им, вместе со своим братом работая на рисовых полях.Но с самого раннего детсва его привлекало искусство. 

                                    Гейлорд говорит, что его первым приобщением к искусству было разрисовывание карандашом стен в кухне его матери.

 После окочнания школы, Гейлорд закончил Национальную Тайваньскую Академию художеств . Сейчас скульптуры Гейлорда всемирно известны.Он — основатель корпорации дизайна, имеющей стабильный коммерческий успех.

                          

 Мастер сам разработал для своих скульптур особый материал — Parian II на основе мраморной крошки, фарфорового порошка и полимерного клея, который дешевле мрамора и бронзы.

 Гейлорд Хо — мастер своего дела, искусный скульптор и вдохновенный художник. Его цель в каждой скульптуре отразить мимолетные чувства людей, чтобы они замерли навечно.

Скульптура ,подаренная Папе Римскому.

To Sleep, Perchance to Dream — Parian II Sculpture

Eternal Friends — Bronze Sculpture

Dream Dancer — Bronze Sculpture

Эта молодая женщина в полете, в танце, ощущает ветерок , прыжок. Скульптура передает чувство освобождения из-под стражи. 

• Она во сне, как в состоянии экстаза, ею овладело чувство радостного освобождения и неограниченного движения.
• Transformation — Bronze Sculpture
• Eve — Parian II Sculpture
• Dance of Passion — Parian II Sculpture 

Exuberance — Parian II SculptureИзобилие Этот танец женщины олицетворяет радость жизнии дух молодости. Она танцует под музыку,которая слышна только ей. В скульптуре отражена размашистость ее движений, радость жизни, полет. Женщина не знает страха, в ее лице радость, ею движет молодой дух.

Celebrations — Bronze Sculpture

ТОРЖЕСТВО Число 3 всегда было значительным числом для человечества в мифологии и религии, поэтому оно стало значительным числом и в античном искусстве. В этой скульптуре Гейлорд изображает трех изящных ангелов, которые означают три основные понятия искусства: истину, красоту и добро.

1. Reflection — Bronze Sculpture
2. Adam — Parian II Sculpture 
3. Loving Embrace — Parian II Sculpture
4. Nurture — Parian II Sculpture
5. Прикосновение любви.
6. Как вам не захотелось взлететь,неплохо бы?

Источник: https://maxpark.com/community/6782/content/2297489

Жутковатая японская деревня, где живут одни статуи

Японский фотограф Кен Оки, который работает под псевдонимом Юкисон (Yukison), путешествовал по префектуре Тояма, когда вдруг наткнулся на жуткое зрелище: собрание человеческих статуй, расставленных вокруг деревни Фуреаи-Секибуцу-но-Сато, что означает «деревня, где можно встретить буддистские статуи».

«Я почувствовал себя так, словно случайно нашел какую-то запретную зону. Невероятно», — написал Кен в твиттере. На самом деле он обнаружил парк с 800 различными скульптурами в виде буддистских божеств и знакомых основателя парка Муцуо Фурукавы.

Его замысел состоял в том, чтобы превратить парк в популярную туристическую достопримечательность, куда люди приезжали бы, чтобы расслабиться. Конечно, это классная идея.

Просто представьте, что вы один и вдруг обнаружили нечто подобное. Ночью. Когда нет никого поблизости и некого позвать на помощь. Да уж, очень расслабляет.

Источник: Demilked

Источник: https://BigPicture.ru/?p=811809

Древние Японские искусство и культура — Японская скульптура: поиски и традиции

Страница 4 из 5

Японская скульптура: поиски и традиции

Распространение в стране буддизма способствовало разви­тию в Японии искусства скульптуры, поскольку отправление буддийских культов требовало скульптурного изображения будд, бодисатв и т. п.

Однако буддизм же в определенной мере и сковывал это развитие, ибо единственным объектом изобра­жения первоначально был Будда, причем, как известно, буддий­ские художники при его изображении вынуждены были счи­таться с весьма строгими предписаниями относительно того, как, в каких позах, при каком расположении рук, ног, туло­вища и каким именно образом он должен быть изображен.

В период Асука, т. е. после 650 г., уже существовало много изображений Будды. В 650 г. выдающийся мастер этой эпохи Ямагути-но Атаногути по приказу императора создал компо­зицию «Тысяча будд».

Одной из наиболее древних статуй является статуя Будды в храме Гангодзи, сделанная скульптором Тори Буси в начале VII века. Будда изображен стоя. Высота фигуры 5 м. Известны изображения будд из бронзы. Например, скульптура триады Сяка в Золотом храме ансамбля Хорюдзи. Однако преоблада­ющая часть буддийских скульптур выполнялась из дерева.

К числу памятников раннебуддийской скульптуры, восхо­дящих к импортированным, прежде всего, корейским образ­цам, но уже явно отмеченных своеобразием японского гения, относится статуя Гусэ Каннон из храма Юмэдоно (дословно «Павильон сновидений») в монастыре Хорюдзи. Фигура боги­ни выполнена из одного куска камфорного дерева. Искусство­веды считают, что это деревянная копия бронзовой статуи, по­крытая позже тонким листовым золотом.

Каннон — так называли японцы бодисатву Авалокитешва-ру. В Японии этот образ слился с образом женского божества, выражающего идею материнской любви, милосердия, милости ко всему живущему.

Скульптура в Японии продолжала свое развитие и в период Нара, когда ранний японский абсолютизм достиг расцвета (при­мерно вторая половина VII в.). Скульптуры этого периода ха­рактеризуются уже большей творческой свободой мастера, а лучшие отличаются пластичностью и правильностью в пере­даче пропорций человеческого тела.

Прекрасными образцами искусства того периода явля­ются голова Будды в храме Ямада-дэра и триада Якуси в храме Якусидзи. Как и в дру­гих буддийских странах, в Японии периода Нара создаются огромные скульптурные изображения будд и боди-сатв, расположенные вне помещений. Например, 18-метровая скульптура бодисатвы Мироку в храме Дайандзи.

В целом буддийская скуль­птура в Японии достигла в период Нара уровня лучших образцов скульптуры других буддийских стран.

В поздний период Нара (VIII в.) была построена груп­па ведущих храмов, что потребовало большого количе­ства скульптур. В изображе­ниях будд в этот период отмечается более строгое следование канону. Вместе с тем буддийская скульптура ста­ла более разнообразной. На­чал, развиваться и портрет­ная скульптура.

Характеризуя особенности реализма в японской скуль­птуре того периода, академик Н. И. Конрад писал: «Скуль­птура наделена живым че­ловеческим лицом; но важна не только точная передача внешних черт портретиру­емого, сколько внутреннее выражение средневекового портрета. Выражение же может быть реалистическим, если оно соответствует внут­ренней природе изображаемого персонажа.

Персонажи в дан­ном случае — святые, подвижника, проповедники; подлин­ное в них — именно то, что делает их святыми, подвижниками, проповедниками. Вот эту истинную — для данного случая — реальность, выраженную в человеческом облике, и демонстри­руют статуи эпохи Тэмпё (2-я и 3-я трети VIII в. — Н. Л.).

Боролись за добро, и вот оно — в образе светлого бо­жества» (Конрад Н. И. Очерк истории культуры средневековой Японии, с. 32.).

Мы видим сосредоточенность и отрешенность в лице и в позе достигшего неба на земле монаха Гандзина, основателя мона­стыря Тосёдайдзи (VIII в.); благость и умиротворенность — в опущенных веках и молитвенно сложенных ладонях Гэкко-босацу из храма Тодайдзи; яростную мощь и энергию, постоян­ную напряженную готовность отразить удар, волю к сокруше­нию зла — в экспрессивной фигуре стража Синконгосин из то­го же храма.

Скульптуры в период Нара создавались из глины, дерева, глины и дерева, сухого лака без основы, металлов, камня. Од­ной из наиболее древних скульптур, дошедших до нас и выпол­ненных из дерева и глины, является скульптура Конгорики-си — божества, охраняющего буддийское учение, созданная, как предполагается, около 711 г.

Скульптуры из сухого лака также порой достигали внушительной величины — до 3 м. В конце периода Нара глиняная скульптура начала исчезать, деревянная же продолжала развиваться. Об искусстве японских скульпторов периода Нара косвенно свидетельствует наличие особых мастерских для изготовления будд.

Мастерские эти под­чинялись особому учреждению — приказу по строительству храмов Тодайдзи. В приказе были объединены художники, рез­чики по дереву, скульпторы, мастера по лаку, специалисты в области художественного литья и др.

Здесь велась документа­ция, из которой можно узнать, какие мастера и когда выполни­ли те или иные художественные заказы. Часть ее дошла до нас.

Одной из примечательных скульптур периода Нара явля­ется так называемый Большой Будда — Дайбуцу. Работы по сооружению этого бронзового колосса начались в 747 г. и завер­шились в апреле 757 г. Церемония освящения Большого Будды состоялась по требованию духовенства даже до завершения ра­бот по позолоте этой скульптуры. Гигантская фигура предна­значалась для столь же грандиозного, величественного храма Тодайдзи. В дальнейшем статуя Большого Будды вместе с храмом несколько раз разрушалась и вновь воссоздавалась. До­шедшая до нас скульптура почти полностью реконструирована в 1692 г.

Получила распространение такая точка зрения, будто соору­жение Большого Будды истощило страну, что способствовало росту политических противоречий. Так или иначе, но после со­здания Дайбуцу мода на столь огромные статуи стала уходить в прошлое. Количество вновь сооружавшихся крупных буд­дийских скульптур резко сократилось.

Развитие каменной скульптуры в Японии тормозилось от­сутствием подходящих материалов.

До наших дней, правда, сохранилось много каменных будд, но все же каменная буд­дийская скульптура в Японии распространена значительно меньше, чем в других буддийских странах.

От периода Нара до нас дошли рельефные на камне изображения будд — так назы­ваемые будды дзуто. В этот период вообще была довольно раз­вита техника скульптурного рельефа. Рельефы выполнялись на металле, камне, черепице и кирпиче.

В период Хэйан, продолжавшийся три века (X—XII вв.), буддийская скульптура получила дальнейшее развитие и рас­пространение.

Так как все они имели определенные различия в отправлении культа, то соответственно и к произведе­ниям искусства, необходимым для совершения обрядов, предъ­являлись особые требования.

Признаком высокого уровня развития скульптуры в пе­риод Хэйан является наличие разных стилей, направлений. Специалисты выделяют несколько таких стилей, хотя и не всег­да достаточно обоснованно.

Что касается техники выполнения скульптуры, то для ран­него Хэйанского периода было характерно создание скульпту­ры из одного куска дерева. Получил развитие и особый метод резьбы по дереву — хомбо. Скульптура из глины и сухого лака постепенно исчезла.

С начала XI века широкое распростране­ние получил метод киёсэ, который состоя, в том, что скульп­тура изготовлялась по частям, которые после обработки плотно соединяли друг с другом. Это метод так называемой блочной скульптуры. Считается, что он был разработан и освоен скульп­тором Дзете.

Метод киёсэ возник на базе метода сэгура, за­ключавшегося в том, что статую делали голой, причем посте­пенно полыми стали делать не только голову и туловище, но и конечности.

Существенное значение для развития японской скульптуры, как и искусства в целом, имело прекращение в Хэйанский пе­риод отправления послов на материк (849 г.). Это способствова­ло накоплению элементов национального стиля.

Для Хэйанского периода является весьма характерным ин­тенсивное развитие живописи, которая оказывала влияние и на искусство скульптуры: мастера стали уделять большее внимание живописно-пространственномуее решению в ущерб объемности и пластичности. По-видимому, этим объясняется появление плоских и декоративных скульптур, как, например, изображение божества Амида Нёрай, главной святыни хра­ма Бёдоин, исполненной знаменитым Дзете за несколько лет до его смерти (1057 г.).

Большой спрос в обществе на предметы искусства, в том чис­ле скульптуру, вызвало появление в период Хэйан крупных объединений потомственных скульпторов, например знамени­той киотской мастерской, основанной скульптором Косе.

Рас­цвет ее деятельности приходится на годы, когда она возглав­лялась сыном Косе Дзете и когда завершалось становление упоминавшегося выше метода киёсэ.

В конце хэйанского пе­риода в Киото существовало несколько скульптурных мастер­ских.

В начале периода Камакура (с 1185 г.) скульпторы продол­жали развивать традиции Хэйанского периода. Важную роль в этом сыграло само по себе печальное событие — гибель в хо­де жестоких междоусобиц наполненных сокровищами искус­ства храмов Тодайдзи и Кофукудзи. Восстановление храмов требовало воссоздания и погибшей скульптуры.

Это обеспечи­ло киотские мастерские крупными заказами, что создало бла­гоприятные условия для дальнейшего развития японской скульптуры.

Новое поколение киотских скульпторов отказалось от установившихся шаблонов метода киёсу; ими были уловле­ны новые, более близкие к действительности пропорции чело­веческого тела, благодаря чему удавалось изобразить челове­ческое тело в движении.

Кокэй — автор многих замечательных скульптурных про­изведений. Среди них — статуи шести священнослужителей из храма Кофукудзи, представляющие собой прекрасные скульп­турные портреты.

Выдающийся талант Ункэя проявился, в част­ности, при работе его над скульптурой Дайнити Нёрай в храме Эндзёдзи, статуей бодисатвы Мироку, скульптурными портре­тами Сэйсина и Мутяку. Для произведений Кайкэя характерен реализм и тонкая проработка деталей.

Его наиболее поздняя ра­бота из широко известных — скульптура Амида Нёрай из хра­ма Тосёдайдзи.

Прекрасными скульпторами были также сыновья Ункэя: Танкей, Кобэн, Косе. Кобэн создал, в частности, широко извест­ные статуи злых духов с фонарями: Тэнтоки — злой дух с фо­нарем в левой руке, Рютоки — злой дух с фонарем на голове. Шедевром Косе является исполненная динамизма скульптура священника Куя при храме Рокухарамицудзи.

В искусстве периода Камакура имели место реалистиче­ские тенденции, которые нашли наиболее полное воплощение в портретной скульптуре, в том числе в светской. Среди сохра­нившихся скульптурных портретов изображения известных военачальников.

К концу периода Камакура уже не велось крупное храмовое строительство, поэтому потребность в скульптуре уменьшилась. К тому же и войны, которые вели между собой северные и юж­ные властители страны, не способствовали развитию искусств.

В последовавший за периодом Камакура период Мурома-ти (1392—1568) получили распространение реалистические скульптурные изображения животных, рельефы с глубокой резьбой, а также маски для театра.

Однако японская скульп­тура в дальнейшем так и не сумела подняться выше того уров­ня, которого она достигла в периоды Хэйан и Камакура, счи­тающиеся классическими.

После периода Камакура ведущую роль в искусстве играли уже иные виды, прежде всего жи­вопись и прикладное искусство.

Но были, разумеется, и исключения. Например, в период Эдо жил и работал замечательный мастер Энку. Деревянные скульптурные портреты Энку кажутся очень современными. Между тем это XVII век. Никто не знает точно, когда родился художник, умер он в 1695 г. Энку — его дзэнское прозвище, означающее «Совершенная пустота».

Вел он нищенскую, бро­дячую жизнь, может быть, даже не был монахом. Странствуя, Энку в качестве платы за ночлег и миску вареного риса выре­зал из дерева простые и динамичные статуи любимых народом божеств.

Как художник Энку был чрезвычайно плодовит и изобретателен и нередко совершенно отходил от официальной буддийской иконографии.

Работы Энку сохранились в самых неожиданных местах, от Хоккайдо до Сикоку, чаще всего их можно встретить в ма­леньких деревенских храмах в окрестностях Нагоя. Любимым его материалом была криптомерия — дерево с мягкой древе­синой и ровной фактурой. Скульптор рассекал ствол на четыре высоких куска и одну за другой вырезал выразительнейшие фигуры — быстро и уверенно, в неистовом вдохновении.

Источник: http://shedevrs.ru/istoriya-iskusstv/453-drevnee-yaponskoe-iskusstvo.html?start=3

Искусство древней Японии (Часть 2)!

Приветствую, вас друзья! В этой статье, я продолжу рассказ про – искусство древней Японии (первую часть вы можете прочитать здесь).

Японские скульптуры и знаменитые скульпторы

Ремесло рукотворных скульптур также считается одним из самых ранних культурных особенностей Японии. Ведь начиная с дофеодального общинного строя и заканчивая глубоким средневековьем, этот вид искусства считался передовым и крайне распространенным. Техники скульптуры появлялись и развивались параллельно с живописью, следуя определенным канонам.

Но древняя и средневековая скульптуры четко отличаются друг от друга. В дофеодальный период жители создавали небольшие деревянные фигуры идолов, которые использовались в ритуальных целях в мирских делах и загробной жизни. Однако во времена пришествия буддизма, изготовление идольных покровителей «сошло на нет», и началась популяризация статуй Будды.

Издревле скульптуры создавали с использованием глины, дерева и других природных материалов. Что касается изделий из камня, оно не было столь распространенным первоначально, ведь Япония была крайне ограничена в ресурсах.

Резкий скачек в развитии скульптурного ремесла произошел во времена интеграции буддизма на территорию страны восходящего солнца.

Именно благодаря активизации строительства богатых храмовых комплексов повысилась надобность в выражение религиозных форм в камне, бронзе и позолоченном дереве.

Именно с этого момента в Японии начали работать известные на весь мир мастера, подарившие миру знаменитые статуи Будды.

Постановка монумента была определена строгими канонами: каждый образ символичен и прост, но в то же время несет в себе объемный пласт информации, описывающий, например, какой-либо момент из философской притчи. Традиционно скульптуры создавались с целью передачи вечных истин, познавший их монах обретал чувство гармонии.

Так как большинство изваяний в Японии создавались из дерева, было развито и мастерство резьбы (на фото, японское Божество — статуя выполненная из дерева). Это также является отличительной особенностью работ японских скульпторов.

В средневековье скульптуры начали воздвигать частями, соединяя их воедино уже на месте, это позволило возводить более габаритные сооружения. К началу 12 века получили развитие и портретные скульптуры, а также изображение животных.

Самые известные скульпторы древней и средневековой Японии: Ямагути но Атаногути и Тори Буси.

Керамика

Известно, что древняя японская керамика датируется 13 тысячелетием до нашей эры, это доказывает, что жители японских островов практически раньше всех в мире начали создавать предметы утвари из глины.

Ремесло керамики также последовало общим тенденциям развития искусства в Японии. Двигаясь от простых форм, навеянных религиозными течениями, и заканчивая известной на весь мир керамикой с голубым орнаментом.

Во времена глубокого средневековья в городах насчитывалось великое множество гончарных мастерских. Постепенно мастера начали откланяться от канонов простоты и естественности. Так появились мудреные росписи на всевозможной утвари, которые ценились в аристократских кругах.

К 17 веку, японские мастера освоили новые техники гончарного искусства: фарфор и фаянс. А к эпохе реформ Мэйдзи (вторая половина 19 века) изготовление фарфоровых изделий занимала значительную часть национального производства и сыграло немаловажную роль в накоплении капитала.

Икэбана

В начале 10-11 столетия в буддистских монастырях возник обряд подношения цветочных композиций к алтарю храмов. Именно этот обряд, пройдя многовековой этап видоизменения, стал известен нам под именем икэбана.

Икэбана – это искусство сбора цветов для созерцания, а в последствии техника грамотной компоновки букетов. Изначально данному мастерству обучались исключительно монахи, далее, в период позднего средневековья, этим видом искусства заинтересовалась аристократия и появился целый ряд школ, где обучали различным техникам комбинирования цветов.

Некоторые школы функционируют и в наши дни. Одним из таких заведений является школа Косу Тсудзи, более известная в современном обществе под именем Сага.

Япония – удивительная страна, с колоссальным объемом исторических достояний, позволяющих прочувствовать дух величественной нации.

Конечно говорить о искусстве и культуре Японии можно часами и без остановки, я постаралась охватить самые интересные детали данной темы в одной статье.

Подписывайтесь на мой блог, здесь будет еще много чего интересного, а также рекомендуйте его друзьям. До скорого!

Лика Райдо

Источник: http://japantouch.ru/iskusstvo-drevney-yaponii-chast-2/

Скульптура Древней Японии

Из всех видов изобразительного искусства скульптура для Японии является самым древним. Она появилась одновременно с возникновением буддизма.

Скульптуры периода ДзЁмон довольно примитивны, их использовали лишь при изготовлении различной бытовой утвари и глиняных идолов, которые получили название догу. Догу и до сих пор удивляют и привлекают простотой и некоторой условностью линий.

Узор верёвки выступал в качестве украшения, что, в свою очередь, является характерной чертой гротескного стиля в скульптуре.

Следующим этапом культурного развития Древней Японии стала культура периода ЯЁн. Этому способствовало появление земледелия, ориентированного, в основном, на выращивание риса. Название «ЯЁн» произошло от названия формы особых керамических изделий, столь распространенных в тот период практически во всех районах Японии.

Культуру периода ЯЁн в III веке сменила культура, относящаяся ко времени появления древних курганов и получившая поэтому название Кофун.

На данном этапе развития Япония переходит к иным формам правления – государственным. Появляется и новый вид японской скульптуры — ханива — для которого характерно создание глиняных фигур различных животных, птиц и людей.

Такие фигуры помещались рядом с курганами, возвышающимися над могилами усопших.

Скульптуры ханива резко отличаются от своих предшественников — скульптур догу — им присущи такие черты, как живость образов и большее разнообразие художественных мотивов. Монастырь Хорюдзи – самый знаменитый памятник со времён императрицы Суйко, правившей Японией с 593 -го по 628 -й год.

Возвел его в городе Нара племянник правительницы Сётоку в самый разгар распространения буддизма в стране. Он задумал сотворить нечто запоминающееся и неповторимое и выбор пал на воплощение в скульптуре образа Будды.

Для реализации столь необычного замысла был приглашен китайский мастер скульптуры – Тори, под руководством которого в 623 -м году был создан бронзовый скульптурный ансамбль из трёх фигур под названием «Троица Будды Сяка».

Одновременно с этими творениями в Древней Японии появились шедевры скульптуры иного рода, созданные под влиянием работ китайских мастеров. Бронзовые скульптуры в Японии VII — X вв.

создавались по специальной технологии литья по восковому аналогу.

Преимуществом данного способа стала возможность передать в бронзе даже самые незаметные и не слишком выраженные черты того образа, который задумывался автором-скульптором.

В период Нара скульптуры изготавливали из разнообразного материала: камня, глины, дерева, кансицы (сухого лака). К концу этого периода японская скульптура начала приобретать национальные черты и отражать специфические особенности культуры японского народа.

В VIII веке скульптура Древней Японии достигла своего расцвета в технике итибоку, для которой характерно выполнение головы и остальных частей фигуры из стволов деревьев. Таким образом мастера добивались чёткого выражения лиц, имели возможность более реалистично отобразить объёмы разных фигур, складки в одежде.

Все эти особенности скульптурного исполнения появились благодаря возникновению нового направления (эзотерики) в буддизме.

В X – XII вв. появились изображения древних божеств религии синто, что явилось своеобразным продолжением начавшейся со скульптуры Будды в Японии традиции воплощения образов богов в скульптуре.

Древний стиль ямато создал в 11 веке Дзётё (монах).

Из всех его скульптур сохранилась до настоящего времени лишь одна — фигура сидящего Будды (3 метра высотой), которая была создана в 1053 -м году и установлена в храме Феникса.

Эта скульптура послужила примером для подражания при создании многих шедевров японского искусства и оказала влияние на формирование последующих направлений в скульптуре в Японии.

Камакура – сравнительно новый период культурного искусства Японии, возникший в то время, когда управление страной перешло в руки военных, а столицей был назначен город Камакура, расположенный в отдалённом месте в Канто.

Вместе с этим появилось и новое направление в скульптуре, для которого характерны отражение динамики в скульптурной композиции и еще большая степень реалистичности. Муромати – продолжение периода Камакура (1333-1568 гг.).

Большим спросом стали пользоваться резные театральные маски, которые могли в точности передавать выражение лица и мимику.

Период Эдо (1600–1868 гг.) возвращает скульптурные традиции времен Камакура.

Монахи секты Дзен в поисках истины и достижения состояния просветления во время своих странствий находили новые материалы и создавали из них скульптурные композиции, мотивы которых находят отражение и в современном искусстве Японии, так же как и техника исполнения ( она сродни современной). Один из странствующих монахов воплощал образы Будды с помощью разрозненных кусков ствола дерева, однако такой способ создания скульптур так и не получил дальнейшего развития.

Источник: http://transantique.ru/articles/view/id/24

Японская миниатюрная скульптура Нэцке

Если дословно перевести с японского слово «нэцке», то получится «прикрепленное к основному». Как известно, японское платье-кимоно не имело карманов. И если женщины могли положить что-то в зашитую часть мешкообразного рукава, то мужчины были лишены этого удобства-у мужчин рукава прямые. Нэцке изначально служили для переноски предметов.

Впервые о нэцке упоминается в 1690 году. По форме они сначала напоминали круглую лепешечку рисового печенья и изготовлялись, как правило, из дерева. Чуть позже появились нэцке из лака в виде коробочек, а потом — и знаменитые ныне во всем мире маленькие фигурки из дерева, камня, слоновой кости. фарфора -очень выразительные и тщательно отделанные.

Мечтательница

Большим спросом пользовались нэцке, изображавшие ремесленников за работой. Частая тема нэцке — фокуснки, народные сказители, бродячие актеры- лица у них веселы и лукавы.

Очень популярны были изображения семи богов счастья — Ситифукудзин.

Я ль на свете всех милее…?

Когда в XVIII веке распространился обычай курить табак, то трубки и кисеты подвешивались к поясу исключительно с помощью нэцке. К середине XVIII века появляются профессиональные резчики нэцке, которые ставили на своих работах свою печать и подпись. Расцвет искусства нэцке был связан с подъемом культуры страны. Художники передавали в миниатюрных фигурках подсмотренную жизнь японцев.

Веселый Будда

Как использовались нэцке? К одному концу шнура привязывали необходимый предмет, а другой конец затыкали за пояс и,чтобы он не выскальзывал, прикрепляли к нему нэцке — фигурку со специально сделанным в ней отверстием.

Так путешественник брал с собой дорожную тушечницу (посуда с тушью), печать, а мастер чайной церемонии — набор принадлежностей для чая, купец — кошелек, ключи и маленькие счеты, самурай имел при себе коробочку с лекарствами, игроки и рыбаки — амулеты, гуляка — сосуд с саке.

К концу XVIII века нэцке уже ценятся за качество работы. Творческая фантазия мастеров была неистощимой, резьба — ажурной, профессиональная культура — высокой. Однако позже о нэцке в Японии почти забыли. И теперь о них помнят во всем мире только как о предмете коллекционирования

Источник: http://cvetamira.ru/yaponskaya-miniatyurnaya-skulptura-necke