Порт на закате, клод лоррен — описание картины

Клод Лоррен (Claude Lorrain, 1600 г. — 1682 г.) — великий французский художник, живописец, гравер.  Считается одним из самых великих художников-пейзажистов.

В творчестве Клода Лоррена особое внимание уделяется игре света и тени. Он старался одухотворить всю природу, весь окружающий мир, придать в своих картинах особую выразительность различным явлениям природы.

Яркий день, тёмная ночь, туманное утро, сумрак вечера — всё это находило отражение в его искусстве, становилось настолько реалистично, что у зрителя возникает ощущение — в реальности не может быть настолько прекрасного мира, скорее всего это похоже на красивую сказку.

Хотите, чтобы в вашем доме было всегда тепло и уютно? К вашим услугам утеплитель для стен ISOVER. Данная ссылка приведёт вас на официальный сайт компании, где можно приобрести качественный утеплитель по приемлемой цене.

Ацис и Галатея

Отплытие царицы савской

Пейзаж с Аполлоном и Кумской Сивиллой

Пейзаж с жертвоприношением Аполлону

Пейзаж с нимфой Эгерией и царем Нумой

Пейзаж с пастухом коз

Пейзаж с Энеем

Похищение Европы

Свадьба Исаака и Ревекки

Святилище в Дельфах

Сельский танец

Источник: https://art-assorty.ru/4490-klod-lorren-kartiny.html

Клод Лоррен. В чем заключается тайна его живописи?

Картина называется «Похищение Европы». Ее написал в 1655 г. знаменитый французский живописец Клод Желе, прозванный по месту своего рождения в Лотарингии Лорреном. Ныне она украшает один из залов московского Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.

Однажды юная и прекрасная дочь сидонского царя Агенора Европа, как повествует древнегреческий миф, вместе с подругами отправилась на берег моря. Ее увидел могучий громовержец Зевс и решил похитить. Чтобы не испугать юную царевну, он принял образ кроткого белого быка и, когда Европа уселась на его спину, быстро помчался к морю, волны которого расступились перед ним.

Этот поэтический миф привлекал многих художников. Его запечатлели древнегреческие скульпторы и вазописцы, римские мозаичисты и мастера помпейских росписей. Очень популярен был сюжет «Похищение Европы» в искусстве эпохи Возрождения.

К нему обращались крупнейшие художники XVII—XVIII вв. Прекрасную картину на этот сюжет создал русский живописец В. Серов. Каждый мастер выразил свое понимание древнегреческого мифа.

Одни стремились передать бурную динамику сцены похищения, других привлекали возможности богатого декоративного решения картины.

Преобладающее значение в композиционном построении имеют линии, влекущие взор в глубину: к извилистому берегу морского залива, стоящим на рейде кораблям и спускающимся к морю горам. Этому же подчинено и цветовое решение картины.

Густой изумрудно-зеленый цвет водной поверхности переднего плана постепенно переходит в светло-голубой, почти сливающийся с небом на горизонте.

Не случайно Лоррен помещает здесь небольшое, словно растворяющееся в мареве белое пятнышко паруса.

Картина наполнена светом и воздухом. Тонким кружевом вырисовываются на фоне неба листва деревьев, корабельные снасти.

Композиция картины, распределение затененных мест, свет, разлитый в ней и связывающий передний и дальний планы в одно нераздельное безбрежное пространство, увлекают зрителя в прозрачную морскую даль, призывают последовать за одиноким парусом на горизонте. Безмятежная идиллия сцены меркнет перед манящей далью, полной простора, воздуха.

Картина исполнена высокого лирического чувства и вместе с тем пронизана затаенной грустью о другой жизни, может быть, насыщенной тревогой и борьбой, но не менее прекрасной. Именно это качество привлекло в XIX в. художников-романтиков к произведениям Клода Лоррена.

Лоррен — представитель искусства французского классицизма XVIII в. Направление зиждилось на преклонении перед разумом человека, признании целесообразности мироздания.

Идеал классицизма — человек, живущий в счастливом единении с природой. Почти всю жизнь живописец провел в Риме, однако и вдали от родины остался глубоко национальным художником.

Он был страстно влюблен в природу, понимал и ценил ее величественную красоту.

Решающего значения эти сцены не имеют, а являются лишь смысловым и художественным дополнением картины. Их исполнение Лоррен обычно доверял собратьям, искушенным в жанровой и мифологической живописи.

Для самого же мастера главными в картине всегда были лирическое ощущение природы, воздух и свет.

По поэтичности и гармонической ясности его произведения принадлежат к лучшим образцам мировой пейзажной живописи, волнуют зрителя возвышенным чувством прекрасного, простотой композиции и свежестью красок.

Проблема освещения в живописи постоянно занимала художника. В том же зале музея находится его полотно «Прибытие Энея в Италию, или Утро Римской империи». Название можно легко заменить на «Утро в гавани». Ведь фактический герой картины — солнце, лучи которого пробиваются сквозь золотистую дымку утреннего тумана. Лоррен выбирает торжественное мгновение, когда солнечный диск едва поднимается над горизонтом и золотая дорожка бежит по ряби волн. Прибрежные скалы и корабли в гавани еще погружены в легкий сумрак, но природа уже пробуждается ото сна. Ночные тени только на переднем плане. Чем дальше, тем воздушнее становятся предметы. Они словно пронизаны светом и кажутся пылающими на золотисто-огненном фоне. Скалы и корабли, словно кулисы, обрамляют величественную сцену. Во всем ощущается гармония; кажется, что совершенство достижимо, а природа навсегда останется возвышенной и прекрасной.

Наиболее ярко особенности творческого метода Клода Лоррена проявились в полотне «Утро». Какая необыкновенная свежесть, светлая поэзия разлиты в картине! Господствует настроение тихой задумчивости, даже некоторой грусти — этому служит излюбленный художником мотив античных руин. Но оно скоро исчезнет, растворится под ослепительными лучами восходящего солнца.

Мягкой живописной манерой Лоррен передавал особенности колорита в самой природе, которую он воспринимал сквозь призму личных переживаний. Мечтательные и элегичные пейзажи мастера наряду с его циклом картин «Четыре времени суток» — это хвалебный гимн миру, его величавой красоте. Воздух, простор, прозрачные манящие дали являются главными героями пейзажей Клода Лоррена.

Источник: https://ShkolaZhizni.ru/culture/articles/29448/

Клод Лоррен — певец природы

Октябрь 15, 2012

Клод Желле, известный как Лоррен, посвятил свое творчество исключительно пейзажу, что являлось большой редкостью в современном ему искусстве. Несмотря на то что большую часть своей жизни художник провел в Риме, он, тем не менее, считается основоположником традиции именно французского пейзажа, заключающейся в интеллектуальном подходе к изображению природы.

• Пейзаж с Асканием, убивающим оленя Сильвии
• В своих картинах Лоррен представляет мирное сосуществование людей и животных.Исключением является его последняя работа,
• где животное пало жертвой человеческой жестокости.

1682; 120х150 смМузей Эшмолеан, Оксфорд

Похоже, Лоррен не искал легких путей к славе, ведь для того, чтобы оказаться на ее вершине, ему пришлось пересечь Альпы и провести остаток жизни в Риме в статусе эмигранта. Неужели художник не мог сделать блестящую карьеру у себя на родине, или, по крайней мере, в Лионе или Париже?

Рождение Лоррена-пейзажиста

Наверняка одной из главных причин, по которым Лоррен предпочел жить и работать на чужбине, являлась любовь к итальянской природе, красота и богатство которой потрясли его воображение еще в юности.

Мягкий климат Италии, ее щедрое солнце, сочная зелень и многообразие ландшафтов делали эту страну настоящим раем для пейзажистов.

Только в окрестностях Рима Лоррену посчастливилось открыть немало великолепных уголков природы, которые вполне могли служить фоном для сцен как светского, так и мифологического, и религиозного характера.

Крутые скалы и стремительные потоки горных рек, непроходимые лесные чащи и могучие стволы поваленных деревьев, оплетенные плющом, фрагменты руин древних построек и диковинные животные — все это присутствовало в его немного сумбурных, запутанных, но неизменно таинственных и завораживающих композициях.

Более поздние работы Лоррена демонстрируют его окончательный уход от стилистики Бриля и увлечение живописью Джорджоне, для которой характерны, с одной стороны, стремление к реалистичности, с другой — особая поэтическая атмосфера идиллического спокойствия…

Бракосочетание Исаака и Ревекки

1648; 149,2х196,9 смНациональная галерея, Лондон

Герои античных мифов или библейских сказанийзачастую определяли название пейзажей

Возвращаясь к начальному этапу карьеры французского художника, следует также отметить, что сильное влияние на формирование его стиля оказали не только венецианские мастера, но и Аннибале Карраччи.

Так, по примеру венецианцев, Лоррен отдает предпочтение картинам мифологической тематики, а вслед за Карраччи, считавшим, что «несколько архитектонических элементов и пара деревьев исполнены большей поэзии, чем огромные замки и густые рощи», французский художник упорядочивает композицию своих пейзажей «освобождая» их от нагромождения мотивов.

В пятидесятых годах происходит эволюция стиля Лоррена: живописец обнаруживает стремление к монументальности и религиозной живописи.

Работая в гораздо больших форматах, чем это было ранее, мастер все чаще отдает предпочтение ветхозаветным сюжетам.

Практически во всех пейзажах Лоррена того времени присутствуют архитектурные элементы, призванные определять место и время действия.

Следующий период творчества мастера принято называть «античным», поскольку в его работах преобладала тогда именно древнеримская архитектура — а точнее, здания, хотя и стилизованные под античность, но в большинстве своем являющиеся плодом воображения художника. Именно к этому периоду относятся великолепные морские пейзажи Лоррена с просторными гаванями, принимающими белоснежные парусники и побережьями, «застроенными» этими фантастическими, псевдоантичными дворцами.

Лоррен — от идеального пейзажа к идиллии

Руководствуясь мыслью об изначально разумной организации мира, открывающейся в вечной красоте и вечных законах природы, Лоррен стремится создать свой идеально прекрасный его образ. Художник настолько детально изучил законы живописных соотношений природы, что мог создавать свои пейзажи с любыми сочетаниями деревьев, вод, строений, неба.

По свидетельству Зандрарта, «чтобы проникнуть в сущность искусства пейзажа, [Лоррен] старался разными способами подступиться к природе: лежал с раннего утра до поздней ночи под открытым небом, стремясь постигнуть, как наиболее правдоподобно нарисовать зарю на рассвете и в часы заката; и когда ему удавалось уловить искомое, он тотчас темперировал [смешивал] свои краски согласно увиденному, бежал с ними домой и применял их к придуманной им картине, достигая тем высшей правдивости, не известной до него».

1. Отдых на пути в Египет
2. Мост в античном стиле и современная Лоррену деревушка в окрестностях Рима
3. являются прекрасным фоном для библейской сцены

1639; 100х125 смГалерея Дория Памфили, Рим

Почти все лорреновские пейзажи имеют сюжетную мотивировку, или, по крайней мере, были задуманы как пейзажи со сценами из мифологии, древней истории или с сюжетами на библейские темы, поскольку для образованного зрителя XVII столетия миф, язык символов и аллегорий был своеобразным ключом к восприятию пейзажа, определял его тему и настроение. Однако нельзя не заметить, что в ранних картинах Лоррена персонажи сюжетов всегда играют лишь роль стаффажа (сценки обычно располагаются на переднем плане, и нередко их написание художник поручает своим ассистентам или ученикам).

Но чем дальше, тем больше художник задумывается над этими взаимосвязями и, в конце концов, приходит к тому, что в теории искусства называется «идеальным пейзажем». В основе этого понятия лежит эмоциональная связь между предметом и его окружением, а точнее, между сценой на переднем плане и фоновой картиной природы. Лоррен перенимает концепцию пейзажа, выработанную Карраччи.

Не считая нескольких исключений, можно утверждать, что на всех картинах зрелого периода его творчества представлены пейзажи, волею художника, силой его воображения и мастерства, «сложенные» в единое целое из фрагментов натуральных зарисовок.

Сочетания вымышленных и реальных мотивов природы позволяют художнику, в соответствии с его замыслом и представлением о красоте и гармонии, воссоздать неповторимую эмоциональную атмосферу, не являющуюся универсальной, но идеально соответствующую конкретной библейской или мифологической сцене.

Подобно Никола Пуссену, Клод Лоррен довольно часто пишет идиллические сцены.

Неизменный коммерческий успех этих живописных идиллий объяснял еще итальянский архитектор и теоретик искусства эпохи Раннего Возрождения Леон Баттиста Альберти (1404-1472): «Идиллический пейзаж оказывает благотворное влияние на зрителя. Его душа безгранично радуется при созерцании мирной добродетельной сельской жизни на фоне прекрасной природы».

Цена успеха Лоррена

Церковь Тринита деи Монти

1632; 14х205 см; карандаш, тушь, лависЭрмитаж, Санкт-Петербург

В XVII веке в Риме была широко распространена практика копирования работ известных мастеров с целью представления их подлинниками и продажи по соответствующей цене.

Поскольку бизнес был очень выгодным с финансовой точки зрения, изготовителей подделок не слишком заботила моральная сторона этого сомнительного предприятия.

Среди выдающихся художников было немало таких, которые смотрели на эксплуатацию своего имени и таланта сквозь пальцы, считая наличие подделок свидетельством настоящей славы.

Клод Лоррен придерживался другой точки зрения и старался всячески препятствовать появлению «своей» подписи на копиях — чаще всего весьма небрежных и далеких от оригинала.

Чтобы избежать подделок, Лоррен исполнял копии своих живописных полотен в технике рисунка, сепии или гравюры и размещал их в специальном альбоме под названием «Книга истины» — «Liber Veritatis» (195 авторских копий; в настоящее время находится в Британском музее).

И когда очередной обманутый покупатель приносил только что купленную работу с подписью «Лоррен» и требовал ее идентифицировать на предмет подлинности, художник доставал этот альбом и, по свидетельству Бальдинуччи, «разница между оригиналом и подделкой оказывалась очевидной, поскольку украсть идею и подпись можно, но в точности овладеть стилем гениального пейзажиста — вряд ли».

(1600-1682) Клод Лоррен

• Клод Лоррен (титульная страница)

Поделиться ссылкой в социальных сетях

Источник: http://www.filoli.ru/artists/074-claude-lorrain/lorrain-tvorchestvo.php

Лоррен Клод (Lorrain Claude) | Студия И

Желе Клод(по прозвищу Лоррен) (1600–1682) известный как Клод Лоррен, родился в Шамани, на севере-востоке нынешней Франции.
О годе его рождения искусствоведы до сих пор спорят. Скорее всего, это событие относится к 1604-му или 1605 году.

Родная деревня художника находилась в Лотарингии, бывшей в то время независимым герцогством. Статус французской территории герцогство получило лишь в 1766 году.

Впрочем, между Францией и Лотарингией всегда существовали настолько тесные связи, что Клода Лоррена считали и считают французским художником.

Крестьянская семья, в которой Клод появился на свет, была многодетной и довольно зажиточной. О ранних годах художника повествуют две биографии, опубликованные вскоре после его смерти.

Одну из них написал друг Лоррена Иоахим фон Зандрарт (1606-1688), немецкий художник и писатель, живший в Риме с 1628 по 1635 год, другую — Филиппе Бальдинуччи (1624-1696), итальянский писатель, художник и коллекционер. Яркая книга Зандрарта выдает близкое знакомство автора со своим героем. Текст Бальдинуччи выглядит на этом фоне более сухим, но отличается насыщенным материалом.

Обе биографии часто спорят друг с другом, расходясь в оценках, датировках, фактологии, но, взятые вместе, воссоздают жизнь художника достаточно цельно и вместе с тем подробно.
В школе будущий живописец учился из рук вон плохо (как утверждают мемуаристы, у него всю жизнь были проблемы с грамотным письмом и счетом), но при этом рос смышленым и бойким мальчишкой.

По данным Зандрарта, Клод покинул школу, чтобы освоить ремесло кондитера. Эта профессия традиционно пользовалась почетом в Лотарингии.
Где-то между 1617 и 1621 годами юноша отправился в Италию — видимо, составив компанию кому-то из своих знакомых или родственников. В Риме он нанялся слугой к художнику Агостино Тасси. Чуть позже Лоррен стал его учеником и помощником.

Утверждают, что он провел два года в Неаполе, где учился живописи у немецкого пейзажиста Готфрида Вальса. Хронология этого периода жизни художника весьма приблизительна, поэтому трудно сказать, что чему предшествовало — творческое общение с Вальсом или мастерская Тасси.
В 1625 году (что уже документально зафиксировано) Лоррен возвратился в Лотарингию.

В октябре этого года мы застаем его в качестве помощника Клода Дерюэ, придворного живописца герцога Лотарингского. Он, в частности, ассистировал своему патрону (на долю Лоррена выпало писать фон), когда тот выполнял фрески для кармелитской церкви в Нанси, столице Лотарингии. К сожалению, этот храм разрушили во время общественных настроений Великой французской революции.

Приблизительно в то же время художник расписал фресками несколько дворцов в Риме (заметим, что его первый учитель, Агостино Тасси, прославился именно фресками). Но и эти фрески не сохранились. К этому жанру живописи, кстати, он больше никогда не возвращался.
В 1633 году Лоррена приняли в академию святого Луки — в то время так называлось профессиональное объединение художников.

Решающую роль в судьбе молодого живописца сыграл кардинал Гвидо Бентивольо. Ближе познакомиться с этим человеком позволяет его замечательный портрет кисти Антониса Ван Дейка, ныне хранящийся во Флоренции, в галерее Уффици.

По свидетельству Бальдинуччи, Бентивольо заказал Лоррену «два пейзажа, которые восхитили не только его преосвященство, но и самого папу римского Урбана VIII, и с того времени кардиналы, а затем и принцы крови принялись усердно посещать мастерскую художника». О каких пейзажах идет речь в биографии, сейчас сказать трудно.

Но вот четыре картины, созданные Лорреном в 1637-38 годах для папы Урбана VIII, точно идентифицированы.
Слава Лоррена, как выдающегося мастера пейзажа, неуклонно росла, распространившись по всей Италии. Престижные заказы не заставили себя ждать. Так, Лоррен написал несколько полотен для королевского дворца в Мадриде, построенного королем Филиппом IV в 1630-х годах.

Популярность художника имела и свою оборотную сторону — его манеру стали имитировать мечтавшие о богатстве собратья по цеху. В 1634 году француз Себастьен Бурдон даже выдал одну из своих картин за лорреновскую. Столкнувшись с подобными проблемами, художник приступил к созданию копий своих работ, сопровождаемых подробными описаниями и сведениями о покупателях.

Эти листы сложились в своеобразную книгу, названную автором «Liber Veritatis», то есть «Книгой истины». Благодаря этому произведению, хранящемуся сейчас в Британском музее в Лондоне, мы имеем возможность составить полное представление о творческом наследии Лоррена. Книга сообщает нам и имена заказчиков художника и его покровителей.

В этом ряду — три человека, в разное время занимавшие папский престол, несколько кардиналов, представители известных аристократических фамилий, военный инженер, генерал и видный хирург. География заказов тоже весьма обширна — это (помимо разных уголков Италии) французские города, Амстердам, Антверпен и т. д.
Отметим среди итальянских заказчиков Лоррена известного сицилийского собирателя произведений искусства Антонио Руффо, для которого работал и Рембрандт. В 1665 году римский агент Руффо писал своему хозяину: «Нет никакой надежды приобрести работы Лоррена, поскольку все они расписаны на много лет вперед», — что говорит о великой популярности художника в кругу тогдашних ценителей прекрасного. Постоянный спрос, к слову, позволил Лоррену поднять цену на свои картины, что, разумеется, привело и к повышению «качества» его жизни.

Лоррен поддерживал дружеские отношения с другими художниками, особенно сблизившись с Никола Пуссеном. Он занимал второстепенные должности в Академии святого Луки, всякий раз отказываясь от предложений «повыситься».

За 55 лет своего римского бытия он лишь однажды переменил место жительства, а все заработанные деньги тратил на картины, гравюры и книги.

Жены художник так и не завел, хотя в 1653 году у него родилась внебрачная дочь, Агнес, жившая вместе с ним с 1659 года. Предполагают, что матерью Агнес была служанка Лоррена. Чуть позже к нему переехали племянники Жан (в 1662 году) и Жозеф (в 1679 году).

То есть родственных связей с родной Лотарингией Лоррен никогда не терял. Дочь и племянники преданно ухаживали за престарелым художником. Приблизительно с сорока лет он страдал подагрой, а в 1663 году перенес тяжелейшую болезнь, так и не опознанную лекарями.

Годы и болезни привели к тому, что Лоррен писал все реже и реже. В «Книге истины» под 1669 годом значатся всего две картины; под 1671 годом — одна. Впрочем, снижения качества при этом не произошло. Напротив, именно в последнее свое десятилетие художник создал ряд выдающихся полотен.

Настоящим шедевром считается законченная в смертный год картина «Пейзаж с Асканием, стреляющим в оленя».Лоррен скончался в Риме 23 ноября 1682 года, в возрасте 77 лет. Его похоронили в церкви Святой Троицы.

Высеченная на надгробном камне надпись гласит, что под ним покоится «выдающийся художник, умевший, как никто, изображать лучи восходящего и закатного солнца и по праву занявший свое место среди великих мастеров».

Источник: https://www.stydiai.ru/gallery/lorrain-claude/

Клод Лоррен. Известные пейзажи

Краткая биография

Клод Лоррен (1600, Шампань — 1682, Рим), настоящее имя Клод Желле, прозванный также Лорреном, жителем Лотарингии. Около 1613 переезжает в Рим, где становится учеником зодчего Агостино Тасси.

С 1619 по 1624 продолжает обучение в Неаполе у мастера городского пейзажа Готтфрида Вальса, затем на два года уезжает во Францию. В 1634 его принимают в члены римской Академии, и вскоре он становится ведущим художником-пейзажистом.

Однако в противовес его манере изображения героических пейзажей Лоррен разрабатывает собственный лирико-реалистический стиль. Творчество этих художников является вершиной живописи зрелого римского барокко.

Известные картины

Прибытие Клеопатры в Тарсос, около 1642. Холст, масло, 117*148 см Лувр, Париж.

В 40-х годах Лоррен в своих работах все больше места отводит историческим, мифологическим и библейским сюжетам, которые часто служат лишь поводом для создания композиции.

В этом произведении, с панорамой порта, открывается вид на далекий горизонт. Нереальными кажутся построенные по образцам античных архитекторов здания, так же как и работающие или занятые разговором люди.

Пейзаж с Товием и ангелом, 1663. Холст, масло, 116*153,5 см. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.
На картине представлен сюжет из Библии — странствие архангела Рафаила и благочестивого Товия. Его чудесное исцеление символизирует пойманная рыба.

Мастер пространственных решений, художник изображает действие на фоне заката солнца — чуда природы. Все пронизано золотым светом, в сиянии которого природа представляет небывалое зрелище. Сцену, наводящую на размышления, обрамляют величественные, грандиозные деревья, что характерно для многих произведений Лоррена.

Небо подернуто причудливыми облаками, это усиливает выразительность картины.

Пейзаж с нимфой Эгерией, 1669. Холст, масло, 155*199 см. Национальный музей Каподимонте, Неаполь.
Изображенная сцена взята из «Метаморфоз» римского поэта Овидия (34 г. до н.э. — 18 г. н.э.). Эгерия скорбит по своему покойному супругу, легендарному римскому королю Нуме. Действие происходит в лесу у озера Неми.

Нимфы богини Дианы — их храм виден справа на картине — спешат ее утешить. Тщательно построенная композиция открывает взгляду зрителя далекий горизонт. Мрачный колорит придает картине унылый фон и усиливает тревожное настроение. Приглушенное освещение сцены достигается за счет изображения исполинских деревьев.

Кампо Ваччино в Риме, около 1636. Холст, масло, 56*12 см. Лувр, Париж.
Большую часть творчества Клода Лоррена составляют городские пейзажи, изображающие его вторую родину — Рим.

Гармония человека и природы, характерная для этой картины, свидетельствует о мастерстве Лоррена-пейзажиста.

Деревенский праздник, 1639. Холст, масло, 103*135 см. Лувр, Париж.
Уже в ранних произведениях Лоррен разработал композиционную концепцию, которая присуща всем его картинам.

На затененном переднем плане изображены (часто другим художником) жестикулирующие фигуры, позади которых открываются поистине космические дали.

В своих идеальных пейзажах Лоррен достигает — не имеющей до него места в живописи — гармонии иллюзий и действительности.

Пейзаж с Аполлоном и Меркурием, около 1643. Холст, масло, 55*45 см, Галерея Дориа Памфили, Рим.Картина изображает мифическую легенду о похищении богами стада Адмета. Увлеченный музыкой Аполлон не замечает, как хитрый Меркурий угоняет его стадо.

Восторженное настроение Аполлона выразительно передается посредством пронизанного светом пейзажа.

Лишь в немногих произведениях других творцов художественная теория барокко — живопись как безмолвная поэзия — нашла такое яркое и полное отражение, как в этом лирическом полотне Лоррена.

Источник: https://artrue.ru/style/barocco/klod-lorren-izvestnye-pejzazhi.html

Французский художник Клод Лоренн

17_century_rubolivar_sКлод Лоррен (фр. Claude Lorrain; 1600- 1682).

Клод Лоррен (фр. Claude Lorrain; настоящая фамилия — Желле или Желе (Gellee, Gelee); 1600, Шамань, близ Миркура, Лотарингия — 23 ноября 1682, Рим) — знаменитый французский живописец и гравёр пейзажей. 

Клод Лорен родился в 1600 году в независимом в ту эпоху герцогстве Лотарингия (Lorrain) в крестьянской семье. Рано остался сиротой. Получив начальные познания в рисовании от своего старшего брата, искусного гравёра на дереве во Фрайбурге, в Брайсгау, в 1613—14 гг. он отправился вместе с одним из своих родственников в Италию.

Работая слугой в доме художника-пейзажиста Агостино Тасси, усвоил некоторые технические приёмы и навыки. С 1617 по 1621 Лоррен жил в Неаполе учился перспективе и архитектуре у Готфрида Вельса, и совершенствовался в пейзажной живописи под руководством Агостино Тасси, одного из учеников П.

Вначале он выполнял заказные декоративные работы, т. н. «пейзажные фрески», но позже ему удалось стать профессиональным «пейзажистом» и сосредоточиться на станковых работах. Кроме того, Лоррен был великолепным офортистом; он оставил занятие офортом лишь в 1642, избрав окончательно живопись.

В 1637 французский посол в Ватикане покупает у Лоррена две картины, которые теперь находятся в Лувре: «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолеем». В 1639 испанский король Филипп IV заказывает Лоррену семь работ (ныне — в музее Прадо), из которых — два пейзажа с отшельниками. Из других заказчиков необходимо упомянуть папу Урбана VIII (4 работы), кардинала Бентивольо, принца Колонну.

Похищение Европы. 1667. Лондон. Королевская коллекцияВ эпоху барокко пейзаж считался второстепенным жанром. Лоррен, тем не менее, получает признание и живёт в достатке. Он снимает большой, трёхэтажный дом в центре столицы, неподалёку от площади Испании (с 1650); с 1634 он — член Академии св. Луки (т. е. художественной академии). Позже, в 1650 ему предлагают стать ректором этой Академии, от такой чести Лоррен отказывается, предпочитая спокойную работу. Он общается с художниками, в частности — с Н. Пуссеном, соседом, которого он посещает часто в 1660-х, чтобы выпить с ним по стаканчику хорошего красного вина.Лоррен не был женат, но имел дочь, Агнесс, родившуюся в 1653 г. Ей он завещал всё своё имущество.Лоррен умер в Риме в 1682. Последняя работа Лоррена — «Пейзаж с Осканием, стреляющим в оленя» (Музей в Оксфорде) закончена в год смерти художника, и считается настоящим шедевром.Пейзаж с Асканием стреляющим в Оленя Сивиллы, 1682. Оксфорд. Ashmolean Museum

Пейзаж с нахождением Моисея.1638. Прадо

Суд Париса. 1645-1646. Вашингтон. Национальная галерея Похищение Европы. 1655. ГМИИ им. А.С. Пушкина

Остальные картины кликабельны*

Отплытие царицы Савской.1648.Национальная галерея, Лондон

Источник: https://17-century-ru.livejournal.com/74223.html

Читать

Путеводитель по картинной галерее Императорского Эрмитажа

Характер собрания

Императорский Эрмитаж нельзя рассматривать (подобно Берлинскому музею) как систематическое пособие к изучению истории искусства. Характер коллекции отражает скорее личные вкусы русских государей или тех коллекционеров, собрания которых целиком вошли в состав Эрмитажа.

Кроза [1], Брюль [2], Вальполь [3], Екатерина II и Николай I каждый привнесли свою часть для создания того, что сделалось главным музеем Российского государства. Однако в этом собирании они не руководились целью дать полную картину истории живописи, но лишь искали окружить себя превосходными предметами.

Двухвековое собирательство в совокупности объяло все же значительные области художественного прошлого. Некоторые эпохи и страны представлены у нас с достаточной полнотой. Но есть в Эрмитаже и большие пробелы, к сожалению, как раз в тех отделах, которые особенно интересуют современное общество.

Отсутствуют итальянские “прерафаэлиты”, малочисленны старые нидерландцы XV и англичане XVIII века, наконец, даже в богатом собрании голландцев и фламандцев недостает таких мастеров, как Вермеер, Гоббема, К. Фабрициус, П. Брейгель старший, Троост и другие.

Тем не менее, собираясь ознакомить посетителя с картинами Эрмитажа, мы выбираем историческую систему — как наиболее удобную. Только нужно оговориться: можно (и даже следует) рассматривать историю искусства как одно большое целое для всех стран, имевших однородную культуру.

Великие переживания искусства, известные под названиями: Возрождение, барокко, классицизм, реализм и т. д., были явлениями общими для всей европейской жизни последних шести веков и принимали, сообразно с условиями местностей, лишь различные оттенки.

Однако было бы трудно ориентироваться в Музее, размещенном по так называемым “школам” (или, иначе говоря, по странам и народам), если бы мы выбрали строго исторический способ изложения.

Итальянская живопись

Историю живописи “новой истории” начинают обыкновенно с Италии, и это понятно, потому что на Аппенинском полуострове обозначились первые признаки той культурной весны, которую принято называть Возрождением — Ренессансом. Под этим названием не следует, однако, видеть возобновления греко-римской древней культуры и искусства.

Возрождение готовилось издавна, как только общественность стала снова входить в русло после катаклизма переселения народов и с распространения христианства, когда снова стали расти материальное благополучие и энергия духовной жизни. К концу XII века “весна” эта обозначилась в Италии, где преемственность образованности никогда вполне не прерывалась.

Одним из ее главных выразителей явился вернейший сын церкви св. Франциск Ассизский (1182 — 1226), заставивший Европу забыть о давящем кошмаре церковного порабощения и вспомнить о благословенной прелести жизни, о широкой воле, о милых радостях.

Нищенствующие францисканцы, пошедшие по всему миру разглашать откровения своего учителя, приблизили снова Спасителя к человеку и разрушили суровое наваждение, заставлявшее в Христе и во всем Царстве Небесном видеть недоступный, надменный двор с неподвижным этикетом.

С исчезновением же строгости снова могла взыграть жизнь, снова возникла мечта о свободном развитии как отдельных личностей, так и целых общественных групп. Возродилась наука и дерзость ее исследования, а вместе с тем вспомнились забытые учителя, древние философы, поэты и художники.

Когда из одоленной турками Византии явились в Италию ученые с драгоценными манускриптами и традиционными знаниями, они нашли на новой родине не школьников, а ревностных и зрелых деятелей. Возрождение началось не в 1453 году (когда пал Константинополь) и не тогда, когда стали впервые откапывать античные статуи, а когда жизнерадостное миропонимание, свойственное античной культуре, стало снова близким, когда человечество снова познало себя и обрадовалось своему знанию.

Нельзя приурочить грандиозную помощь, которую оказало пластическое искусство в этом завоевании и благословении жизни, к какому-либо одному имени. Не Чимабуе (XIII в.

) один и первый нарушил сковывавшие традиции “византизма”, но сотни и сотни требований, сотни и сотни вдохновений, выразившихся как в картинах, фресках, миниатюрах, так и в целых сооружениях.

“Вольные каменщики” и полчища художников, помогавших им свести небо на землю, были по существу такими же врагами церковного рабства и такими же фанатиками просветления в красоте, как первые гуманисты. Гениальная прозорливость римских первосвященников сказалась в том, что они приняли этих протестантов в свое лоно, сделали их своими ближайшими детьми и слугами.

Отражение в живописи первых лучей Возрождения почти не представлено в Эрмитаже.

Слабая позднейшая копия с фрески Кавалини (XIII век), ряд строгих, внушительных икон сиенской и флорентийской школ (частью переданных из бывшего Музея христианских древностей), две ремесленные картины начала XV века (недавно еще без основания приписывавшиеся великому Андреа дель Кастаньо) говорят так слабо об одной из самых “громких” страниц истории, что напрягать своего внимания на изучение их людям, не интересующимся специально данной эпохой, не стоит.

Анжелико, Фра Беато

Хорошим примером искусства, близкого к этим “первым примитивам”, может служить только Мадонна “блаженного” монаха Анжелико из Фиезоле (1387 — 1455) с предстоящими святыми Домиником и Фомой Аквинским.

Фра Беато Анджелико. Мадонна с Младенцем, святыми Домиником и Фомой Аквинским. 1424 — 1430

Тихая, слегка грустная нежность струится от этого монастырского образа (вывезенного в 1882 из доминиканского монастыря в Фиезоле) [4], в особенности из несказанно доброго и чистого лика Пресвятой Девы и из серых, однотонных красок. Фра Беато поступил в орден св.

Доминика и не пожелал идти следом за св. Франциском, к сущности которого он был так близок. Но произошло это потому, что уже в первые 150 лет своего существования францисканское монашество успело развратиться и забыть заветы своего основателя, а, с другой стороны, дух св.

Франциска за это время проник во многие другие обители и пленил все пламенные души, за какими рясами они бы ни скрывались. Как раз флорентийские доминиканцы (и среди них такой крупный церковный деятель, как Дж.

Доменичи), оставаясь верными основным принципам своего ордена, были в то же время лучшими из продолжателей святого дела Франциска.

Но если эрмитажная фреска фра Беато — прекрасный пример того одухотворения благодатью, той любовной смиренности, которыми ознаменована первая эпоха Возрождения, то для характеристики того десятилетия, в которое она написана (около 1425), она уже не годится.

Он с одинаковым рвением писал как Голгофу, так и небесные празднества, скорбные одежды монахов и переливающиеся крылья ангелов, ужасающую тьму ада и радостную лазурь неба, но, пожалуй, и он писал второе с большим увлечением, и в этом сказалась его принадлежность к XV веку, к жизнерадостному кватроченто, окончательно вырвавшемуся из мрака средневековья.

Фра Беато последний из великих чисто церковных художников, последний “святой” живописец, но он и дитя своего времени, цветущей роскошной Флоренции. Не надо забывать, что его учеником был совершенно светский Гоццоли, великий любитель модных нарядов, торжественных выездов и грандиозной архитектуры.

Источник: https://www.litmir.me/br/?b=180716&p=26