Пейзаж с потоком, монахами и прачками — марко риччи

«Каприччио (итал. capriccio, буквально «каприз») — жанр пейзажной живописи, популярный в XVII—XVIII веках. На картинах этого жанра изображались архитектурные фантазии, в основном руины вымышленных античных сооружений. Для оживления пейзажа нередко использовался стаффаж. Каприччио тесно связан с жанром ведуты. На некоторых картинах элементы каприччио могут сочетаться с другими жанрами.

Жанр достиг своего совершенства в полотнах Джованни Паоло Панини. Мастерами каприччио также были Марко Риччи, Каналетто и Джованни Пиранези. Среди более поздних картин можно отметить «Дань сэру Кристоферу Рену» и «Мечту профессора» Чарльза Кокерелла, а также работы Джозефа Гэнди. В наше время в этом жанре работает художник Карл Лоубин (Carl Laubin).

В более широком смысле термин «каприччио» может обозначать фантастические картины вообще.

Примером может служить серия гравюр «Vari capricci» (Разнообразные причуды) Джованни Тьеполо (опубликованная в 1743 году), где можно видеть развалины древних статуй и руин, но основное внимание привлекают бродящие поблизости люди в экзотических одеяниях — воины, философы, молодёжь.

Гравюры не подписаны, и догадываться об их смысле можно только по самим изображениям. Впоследствии он написал похожую серию гравюр под названием «Scherzi di fantasia» (Шутки фантазии). Его сын Джованни Доменико также создавал подобные работы по примеру отца.»

• Джованни Баттиста Тьеполо.

Марко Риччи. Вымышленный пейзаж с двумя всадниками.

Марко Риччи. «Вымышленный пейзаж с пралями».

1. Пиранези.

• Пиранези.

1. Бибьена, Фердинандо Галли.

Он же. Capriccio architettonico con scene della vita di Davide, c. 1720

• Валериани, Джузеппе.

1. Он же.

• Пьетро Гонзаго.

1. Он же.

• Паннини Джованни Паоло. «Каприччо с римским форумом», 1741

1. «Каприччо с Пантеоном, храмами Сатурна и Портуна, базиликой Максенция и обелиском Августа», 1740

• «An Architectural Capriccio» 1740

Художник Джозеф Ганди пытался представить, как будут выглядеть развалины здания Банка Англии, которое было спроектировано сэром Джоном Соуном. Стоит отметить, что эту работу Ганди выполнял по заказу самого Соуна.

По какой-то сложно объяснимой причине человечество всегда привлекал вид руин, заброшенных развалин , а также самого процесса разрушения и упадка.

Казалось бы, зачем смотреть на то, что явно говорит о тщетности всех человеческих усилий и достижений? Но человек – существо загадочное, и немцы в какой-то момент даже придумали специальный термин «Ruinenlust», который используется для обозначения того эстетического восторга, в который приходят и приходили люди при виде руин.

Известен живописными фантазиями, чей основной мотив — парки и реальные, а чаще воображаемые «величественные руины» (по выражению Дидро), множество набросков к которым он сделал во время пребывания в Италии.

Каприччо Робера высоко ценились современниками, о нем писал в поэме «Воображение» (1806) Жак Делиль, Вольтер избрал его для украшения своего замка в Фернее.

Его картины представлены в Лувре, музее Карнавале, петербургском Эрмитаже и других дворцах и усадьбах России, во многих крупных музеях Европы, США, Канады, Австралии.

О живописном мире художника снят документальный фильм Александра Сокурова «Робер. Счастливая жизнь» (1996).

Художник имел обыкновение оставлять на полотнах свои фирменные метки. В каждой картине среди надписей на стене руины, на памятнике, каменном обломке, даже на клейме коровы и др. можно найти имя: «Hubert Robert», «H. Robert» или инициалы «H.R.».

На некоторых картинах среди изображённых людей художник оставлял свой автопортрет (седовласый мужчина средних лет). Позднее варьировал прежние мотивы, в новых же вещах все чаще сочетал достоверные виды с придуманными деталями («Разрушение моста Нотр-Дам», 1786-1788, Музей Карнавале, Париж; и др.

); иногда склонялся к романтической фантастике, представляя в виде руин вполне сохранные здания (в том числе Лувр).

В 1790-е годы написал серию видов Большой галереи Лувра. Его картины украсили многие дворцы, а затем музеи Европы, в том числе и в России, где его вещи охотно приобретали, начиная с эпохи Екатерины II.

Гюбер Робер умер в Париже 15 апреля 1808 года от апоплексического удара.

1. Павильон с каскадом.

• Римские руины.

1. Итальянский парк.

• Старый мост.

1. Пейзаж с обелиском.

Пейзаж у обелиска.

Один из символов Рима – Колизей, однако, на самом деле выглядит он не так замечательно и привлекательно, как мы привыкли его видеть на открытках и в кино. Колизей находится недалеко от «Золотого дома» Нерона, который был построен после римского пожара 64 года н.э.

Когда-то прекрасный Колизей сейчас полуразрушен, и для того чтобы представить себе, насколько эффектным он был в античные времена, сейчас может потребоваться изрядная доля воображения. Несмотря на это, Колизей остается одним из символов Рима. Колизей – самый известный, самый большой и самый великолепный из амфитеатров древнего Рима.

Строительство этого колоссального исторического памятника началось при императоре Веспасиане и закончилось через восемь лет при императоре Тите в 80 году н.э.

Название «Колизей» появилось в XIII веке, и связано оно с тем, что рядом находился легендарный Колосс Нерона, который достигал 37 метров в высоту. При Веспасиане Колосс был переименован в статую бога солнца Гелиоса. В это же время ему была добавлена соответствующая солнечная корона.

В ходе археологических раскопок на территории Колизея удалось обнаружить множество зданий, которые находились когда-то рядом с амфитеатром. Известно, что они были конфискованы и разрушены после 64 года н.э., когда Нерон решил построить здесь свою резиденцию.

Она включала в себя пруд, множество бытовых зданий и сады. Колизей, который называли амфитеатром Флавиев или амфитеатром цезаря, был построен императорами династии Флавиев как подарок гражданам Рима. Строительство амфитеатра заняло восемь лет.

Поначалу здесь, согласно древним источникам, проводились различного рода игрища, включая сражения с животными (венатионес), убийство пленников животными и другие казни (ноксии), водные битвы (навмахии) – для этого арена заливалась водой – и сражения гладиаторов (мунера).

Считается, что во время этих представлений погибло около 500 тысяч человек.

Во время открытия Колизея в 80 году н.э. игры проходили 1000 дней подряд. За это время было убито более 5000 животных, включая слонов, тигров, львов, лосей, гиен, бегемотов и жирафов.

Даже много веков спустя римский Колизей все еще считается самым ценным памятником античности на планете .

• Это всё он же.

1. Прачки среди руин.

• Забытая статуя.

1. Фонтан на террасе дворца.

• Архитектурный пейзаж с каналом. 1783

Воображаемый вид Большой галереи Лувра в руинах. 1796.

Вид Большой галереи в Лувре.(деталь) 1796.

Ещё не разрушена. Какая жалость. :))

Процитирую, напоследок, любопытную версию от одного очень известного товарища:

Создатель создал нас одновременно с жильём. Как мы им распорядились, дело десятое. Это особенность хомо сапиенс, отличающая его от других видов – крушить, ломать, и убивать. Из этого следует следующий вывод. Нас создавали так же, как мы создаём породы собак. Одних для охоты, других для охраны, третьих для собачьих боёв, четвёртых для украшения жилища.

Ну, не он первый, кстати, выдвинул теорию, что поскольку бог всемогущ по определению, то ему ничего не стоило создать человечество пять минут назад, сразу вместе со всей историей, артефактами, полезными ископаемыми и прочей ерундой, вроде наших знаний и жизненного опыта, записями в компьютерах и соцсетях…

Да, и на КОНТе тоже, само собой. :)))

• История
• Западные цивилизации

Источник: https://cont.ws/post/314477

Блоги / Музейные палаты: Живопись Венеции в ГМИИ

Тема передачи «Музейные палаты» в субботу, 28 июля – выставка «От Тьеполо до Каналетто и Гварди» в ГМИИ им. Пушкина.

Гость передачи – сокуратор выставки, главный научный сотрудник ГМИИ, хранитель итальянской живописи Виктория Маркова.

В центре экспозиции – XVIII век, Сеттеченто. Его для Венецианской республики расценивают по-разному. Кто-то говорит о политическом угасании (действительно, войн не вели, в тогдашнюю геополитику почти сто лет не 
лезли – ну как еще можно расценить такое?). Другие отмечают успешное развитие экономики и – не первый в истории Венеции, но очередной – взлет искусств (музыка, театр, живопись…).

Вот об изобразительном искусстве и поговорим. В экспозиции более полусотни картин, происходящих из нескольких источников.

Это Городской музей Палаццо Кьерикати в Виченце, собрание Банка Интеза Санпаоло (Палаццо Леони Монтанари в Виченце) и собственные фонды ГМИИ (но и здесь появятся вещи, ранее не выставлявшиеся и не знакомые московскому зрителю).

Интересно, что все три собрания располагают солидной коллекцией работ указанного периода, но все имеют при этом лакуны. Отсюда и возникла идея совместной выставки (которая, кстати, после московского показа отправится и в Италию). Как раз в Палаццо Ктерикати – здание, выстроенное, как и многие другие в Виченце, знаменитым Палладио.

Что же мы застаем в начале столетия? Конечно, по-прежнему популярны сюжеты на мифологические, античные темы. Вот «Смерть Софонисбы» Джованни Баттисты Питтони (сюжет, изложенный античными авторами, трансформировался в эпоху классицизма в трагедии и оперы – и живописцы также не 
обошли его стороной).

Его же «Диана и нимфы» – невзирая на положенные богине-охотнице атрибуты и даже символическое изображение несчастного Актеона на заднем плане, сама Диана тут скорее выступает воплощением стилистики рококо.

Популярны натюрморты, создающиеся не без влияния фламандцев. А то и напрямую ими: автор, известный как Джакомо да Кастелло – это на самом деле уроженец Антверпена Якоб ван де Керкховен, успешно соединявший стилистику «снайдерсовского» натюрморта с жанровой сценкой.

• Жанр цветочного натюрморта не менее популярен – его примером выступают работы Элизабетты Маркиони.

Рядом с росписью культовых сооружений – понятно, на 
религиозные темы – развивается и роспись городских палаццо и загородных вилл.

И 
тут появляется пейзажная живопись, относившаяся до того к «низшему» жанру и 
игравшая скорее служебную роль. Впрочем, авторы тут еще только подступаются к 
жанру городского пейзажа – «ведуты».

И по возможности добавляют драматизацию, сюжетность. Среди авторов этого раннего периода – Себастьяно и Марко Риччи. Представлен их «Пейзаж с руинами».

Себастьяно Риччи вообще отличался несколько театральной декоративностью постановок – вкупе с постепенным отходом от свойственной караваджистам драматической светотени и осветлением колорита. Вот, к примеру, его евангельская сцена – «Сотник перед Христом».

1. Впрочем, «драматическая светотень» все еще присутствует – вот Джамбаттиста Пьяццетта и «Экстаз святого Франциска».
2. Резковатые контрасты сохраняются и в работе Карло Айсмана Бризигеллы (он известен, впрочем, и как баталист – что, возможно, это в 
   какой-то степени объясняет): драматичный пейзаж с руинами предстает в сочетании с совершенно бытовыми сценками.
3. И уж совершенно по-караваджистски предстает «Александр Македонский у тела персидского царя Дария» Джанантонио Гварди (запомним это имя и не будем путать с его младшим братом Франческо, о котором речь еще пойдет дальше).

Пейзаж все еще часто выступает обрамлением для исторического или религиозного сюжета. Франческо Авиани, «Пейзаж с чудесным уловом».

• Его же – «Пейзаж с Лазарем и богачом».
• Гаспаре Дициани трактует ветхозаветный сюжет «Нахождение Моисея» практически как жанровую сценку.

Тут сделаем небольшое отступление в сторону как раз «жанра» – то есть жанровых сцен как таковых. В экспозиции представлен оригинальный и 
совершенно не представленный в российских музеях Пьетро Фалька, известный больше по прозвищу «Лонги». Привезена целая серия его забавных малоформатных работ.

Самая веселая здесь, пожалуй – с изображением выставленного на 
улице слона. Надо полагать, зрелище для того времени был необычным – так что автор сопроводил работу текстовой врезкой: «Vero ritratto del Elefante», то есть «подлинный портрет слона» – со всеми подробностями относительно времени и места действия.

1. Как жанровая сценка трактуется и «Туалет Вирсавии» у Якопо Амигони (к слову, это работа из фондов самого ГМИИ, но выставляется впервые).

Тут мы, собственно, подбираемся к заявленным в названии выставки именам. Тьеполо – конечно, имя, с которым связан очередной перелом в 
стилистике итальянской живописи.

Но осторожно – их тоже двое. Первым, разумеется, вспоминается отец – Джованни Батиста (Джамбаттиста) Тьеполо. Обновивший, как считается, палитру венецианской – если не вообще итальянской – живописи своего времени. Нам привезли его плафонную композицию – «Время, открывающее истину».

• Его же – мадонна с предстоящими святыми.

А вот из работ сына Джандоменико (Джованни Доменико) Тьеполо. «Эней, Анхиз и Асканий» – сцена бегства героев из горящей Трои.

Колорит более сдержанный, герои более естественны – это уже новая манера, отличная от манеры его отца. Вот еще одна из работ Джандоменико – «Возвращение блудного сына».

А вот теперь к собственно «ведутам», городским пейзажам. Тут не обошлось без парадокса: этот жанр, становясь постепенно одним из ведущих в 
Европе, для самой Венеции особой роли не играл – вплоть до того, что произведений такого рода в итальянских музеях мало, а вот за ее пределами (в том числе и в России) они представлены активно.

Впрочем, это и не всегда фотографически точное изображение – недаром многие пейзажные полотна носят название «каприччо». Особенно отличался в этой манере Лука Карлеварис, которого иной раз объявляют чуть ли не основоположником жанра.

• «Вид Большого канала в Венеции» Микеле Мариески.
• Весьма символичная как раз для музея Виченцы, привезшего свои произведения на московскую выставку, работа Франческо Дзуккарелли «Идеальная ведута Виченцы с аллегорией прославления Андреа Палладио» (символично, поскольку этот архитектор во многом и отстроил город).

Но конечно, главное имя в этой когорте – Каналетто, или Джованни Антонио Каналь. А среди его работ на выставке – «Возвращение Буцентавра к молу у дворца дожей».

То есть завершение традиционной для Венеции церемонии «обручения» дожа с Адриатикой, после которой главная, церемониальная  галера дожа и сопровождающие ее галеры сановников рангом поменьше возвращались обратно к дворцу. Точность тут – просто топографическая.

По имеющейся у искусствоведов информации, заказал эту работу иностранец – французский посол (и, по легенде, не забыл попросить изобразить и 
себя – вернее, свою лодку). А хранится работа сейчас в Москве, в ГМИИ, но 
нередко отправляется на гастроли – как раз в Италию.

Последователь и племянник Каналетто, Бернардо Беллотто – тоже точен в изображении, но не декоративен, а тонок в колорите. Тоже преимущественно работал для иностранных заказчиков.

Ну, и наконец, обещанный Гварди-младший, Франческо. Да, сначала у него мы тоже видим «открыточные» виды – как эта «Пьяцетта в Венеции».

• Но на смену им приходят архитектурные фантазии с руинами.
• А вот это уже предромантизм – а собственно живописную манеру впоследствии оценят импрессионисты.

Выставка «От Тьеполо до Каналетто и Гварди» открыта в 
главном здании ГМИИ им. Пушкина и продлится до середины октября.

Татьяна Пелипейко

Источник: https://echo.msk.ru/blog/museum_echo/2248286-echo/

«Бесподобие». Выставка шедевров живописи без очередей

Хорошо известно, сколь велико внимание москвичей к выставкам зарубежной классической живописи. Мы же нашли в столице выставку очень высокого уровня, обделенную рекламой и посетителями. На этой неделе последний шанс посетить её.

Прогуляться по выставке —>

Далее передаем слово Василию П. Все фото в этой публикации также его авторства.

Арт-Галерея «VS unio» была основана в 2014 году Виктором Шкулевым и Сергеем Герасимовым.

Коллектив галереи состоит только из профессиональных искусствоведов, архитекторов, дизайнеров, художников и менеджеров.

Эта сплоченная команда придумала и воплотила в реальность новую площадку в Московском бизнес-квартале «АРМА» для создания самых смелых и неординарных творческих проектов.

Сейчас в галерее работает уникальная выставка, на которой собраны работы таких титанов западноевропейского искусства, как Бернардо Беллотто, Франческо Гварди, Джованни Тьеполо, Тициан Вичеллио, Абрахам Брейгель и других. Однако о ней почти никто не знает, да и посетителей там практически нет.

Название выставки «Бесподобие. Частные собрания западноевропейской живописи XIV-XVIII веков». Эти работы не только не были ни разу у нас в стране, но и, с момента их создания, экспонировались крайне редко, так как находились в частных коллекциях.

Во все времена коллекционирование произведений искусства было и остаётся занятием редким, требующим больших материальных, эмоциональных и временных затрат, поэтому такой вид деятельности доступен не всем – скорее неординарным и необычным личностям.

Семья Буссандри примечательна тем, что в начале XX века они основали огромную фабрику по изготовлению изящной и антикварной мебели, поставляли ее по всему миру. Сейчас коллекция уже поменяла своих владельцев, но собирала ее именно семья Буссандри в Италии.

Внуки Оскара Буссандри распродают коллекция по частям и то, что представлено на выставке, является собственностью коллекционера из Прибалтики.

Картины размещены в небольшом выставочном пространстве. Их развеска и освещение выполнены профессионалами.

• 
• Здесь же экран во всю стену, где показываются фрагменты экспонированных картин.
• 

Названия картин написаны на полу. Так что посетители, желающие узнать информацию, совершают как бы ритуальный поклон.

Одной из жемчужин выставки является картина Тициана Вечеллио (1488 — 1576) «Святой Иероним».

Тициан Вечеллио — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль.

Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Ему не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

В этой картине мастер обращается к своему излюбленному образу святого Иеронима. На фоне римских руин Кадорино, выполненных в светлых тонах, перед зрителями разворачивается фигура отшельника с бородой, рельефность его мышц напоминает фигуру «Моисея» Микеланджело.

Школа Джованни Беллини (1430 — 1516). «Мадонна с младенцем и святыми Рохом и Себастьяном».

Марко Риччи (1676 — 1730). «Сцена кораблекрушения».

Марко Риччи — венецианский художник переходной эпохи от барокко к рококо, гравер и сценограф. Родился в городе Беллуно. Был племянником художника Себастьяно Риччи, в мастерской которого получил первые художественные навыки. Обучение относится к периоду времени 1694—1696 гг.

В 1696 году вместе с дядей прибыли в Венецию, потому что начали работать вместе. Позже художник перебрался на жильё в папский Рим, где работал как художник-пейзажист. Делал также вымышленные пейзажи с древнеримской архитектурой (каприччо). В период 1706—1707 гг.

вместе с дядей работал над декорированием дворца Фенци во Флоренции.

По инициативе британского дипломата Чарльза Монтегю, Марко Риччи получил приглашение на работу в Лондон. Среди произведений лондонского периода — театральные декорации к двум спектаклям итальянской оперы, которые он выполнил в сотрудничестве с художником Джованни Антонио Пеллегрини (1675—1741).

Пеллегрини также делал картины для декорирования британских дворцов и Марко Риччи помогал в создании картин для дворца Барлингтон (шесть картин). Впоследствии после недолгого пребывания в Венеции он будет работать в Лондоне с дядей. В 1716 году вместе с дядей они вернулись в Венецию.

Художник достиг зрелости и создаёт пейзажи, вымышленные пейзажи, жанровые сцены, театральные декорации, карикатуры.

Джанникола ди Паоло Манни (1460 -1544). «Поклонение младенцу Христу».

Известно, что автор был учеником Перуджино. Его работы можно увидеть в церквях Перуджи.

Розальба Джованна Каррьера (1675 — 1757). «Флора».

Розальба Каррьера – итальянская миниатюристка, одна из главных представителей стиля рококо в искусстве Италии и Франции. Венецианская художница-женщина была избранным членом «Французской Королевской Академии живописи», что для ее времени было чрезвычайной редкостью. Её искусством восхищались многие монархи Европы, заказывая свои портреты.

Обратите внимание, рама к картине подобрана тематическая, с цветами.

Франсуа Буше (1703 -1770). «Вакханалия».

Франсуа Буше — французский живописец, гравер, декоратор, яркий представитель художественной культуры рококо. Творчество Буше-живописца исключительно многогранно, он обращался к аллегорическим и мифологическим сюжетам, изображал деревенские ярмарки и фешенебельную парижскую жизнь, писал жанровые сцены, пасторали, пейзажи, портреты.

Буше был удостоен множества почестей, включая звание придворного художника. Активно привлекался к украшению резиденций короля и мадам де Помпадур, частных особняков Парижа.

Фаворитка Людовика XV маркиза де Помпадур, которую он запечатлел на нескольких портретах, была его поклонницей.

В последние годы жизни был директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля».

Франсуа де Труа (1645-1730). «Луиза Франсуаза де Бурбон — дочь Людовика XIV и Мадам ди Монтеспан».

Жан-Франсуа де Труа — французский художник-портретист. С двадцатичетырехлетнего возраста трудился в Париже. В 1674 году был принят в члены Парижской академии художеств, в 1693 году стал её профессором, в 1708 г. — директором и, наконец, в 1722 г. — адъюнкт-ректором.

Писал исторические картины и портреты, отличаясь свободою и мягкостью кисти и приятным, хотя и чересчур красноватым колоритом.

Как портретист, он был в большом почёте у своих современников, особенно у дам, которым угождал, изображая их идеально-прекрасными богинями Олимпа. Его величали французским Тицианом и Ван-Дейком.

Он портретировал всю королевскую фамилию, многих из придворных сановников, их жен и дочерей.

Франческо Фонтебассо (1707 -1769). «Пир Клеопатры».

Стал учеником Себастьяно Риччи, но значительное влияние на Франческо Фонтебассо произвёл его современник Джованни Баттиста Тьеполо. В 1730-х годах посетил Болонью и Рим, где познакомился с трудами мастеров Болонской и Римской школы соответственно. Некоторое время работал в Тренто.

Вернувшись в Венето, он стал проводником идей неоклассицизма. С 1755 года преподавал в Венецианской Академии искусств. В 1750-х годах совершил ряд росписей венецианских палаццо, благодаря которым стал широко известным. В 1760 году Франческо Фонтебассо был приглашён в Санкт-Петербург для росписи плафонов Зимнего дворца.

В 1762 году, по рекомендации Ивана Ивановича Шувалова, стал преподавателем Петербургской Академии художеств по классу исторической живописи.

***

На выставке показаны и другие значительные работы. Например, «Святой евангелист» Таддео Гадди — самая старинная работа на выставке — была написана в первой половине XIV века. Итальянский художник — представитель проторенессанса — был учеником Джотто.

Серия панорамных видов Дрездена, написанная в середине XVIII века мастером документально точного пейзажа итальянцем Бернардо Белотто, хранится в Эрмитаже.

Но там не хватает выставленной в галерее работы — «Вид Нового рынка в Дрездене». Есть на выставке произведения видного представителя венецианской школы ведуистов, Франческо Гварди.

  Представлен мастер натюрмортов, итальянский художник барокко, фламандец по происхождению, Абрахам Брейгель.

Многие работы, представленные на этой выставке, ни разу за сотни лет не покидали своих хранителей и не выставлялись перед широкой публикой, и уж тем более, они ни разу не были у нас в стране.

Всего представлено 20 живописных шедевров.

Мы с женой сходили на выставку дважды. Правда, в будни и в рабочее время, но каждый раз были на ней единственными посетителями. Для выставки такого уровня это просто невозможно.

Даты проведения выставки: 29 ноября 2017 года – 27 января 2018 года. 

Адрес галереи: Бизнес-квартал «АРМА», Нижний Сусальный пер., д.5, стр. 5А. 

Время работы галереи: вторник – суббота с 12 до 20 часов.  

Публикация подготовлена: Василий П.         Фото автора.

Источник: http://moscowwalks.ru/2018/01/24/bespodobiye/

Книга: Галерея Академии Венеция

академия искусств).

В пейзаже (и это признак нового стиля) формы словно растворяются посредством невесомо легких, вибрирующих мазков. Именно так утверждалась декоративная составляющая рококо.

Марко Риччи (1676–1730) Пейзаж с потоком, монахами и прачками 1715–1720. Холст, масло. 136×197

Марко Риччи, племянник Себастьяно Риччи, — родоначальник венецианской пейзажной живописи XVIII века. В композициях дяди он часто выполнял пейзажные фоны. Предполагают, что морские виды в работах Аллессандро Маньяско также принадлежат его кисти.

В своих пасторальных ландшафтах Марко Риччи, используя венецианскую технику «pittura di macchia e tocco forte» («живопись пятна и динамичного мазка»), разнообразно передает атмосферные нюансы и всегда противопоставляет романтически взволнованную природу (обычно с крупными массами деревьев) мелким жанровым сценкам в окружении великолепного пейзажа. В этой связи всегда возникает вопрос: не писал ли стаффажные фигуры его знаменитый дядя? Интересно, что композиции вдохновлены натурными впечатлениями: из Венеции в поисках подходящих мотивов художник отправлялся в ее окрестности. На представленном холсте запечатлены места в долине Пьеве, родине живописца.

Марко Риччи был универсальным художником — живописцем, декоратором, карикатуристом, графиком. Сохранились 33 гравюрных пейзажа, в которых, как и в гуашах и пастелях, наблюдается его интерес к проблемам освещенности.

Розальба Каррьера (1675–1757) Портрет ребенка из семьи Ле Блон. Около 1730. Бумага, пастель. 34×27

Венецианка Розальба Каррьера была дочерью художника и кружевницы. В начале своей успешной творческой деятельности она расписывала фарфоровые табакерки для продажи путешественникам и на всю жизнь сохранила любовь к миниатюре.

В XVII–XVIII веках в Европе чрезвычайно ценилась техника пастели.

Характерный нежный, «легкий мазок», как отмечали поклонники творчества Розальбы Каррьеры, мягкость, светлая красочная гамма и стремление «искусной девицы» наделить свои модели особым очарованием сделали ее пастели в буквальном смысле образцовыми для современников — портреты копировали другие художники. Для потомков произведения Каррьеры стали своего рода зеркалом времени. Так, историки моды часто иллюстрируют рассказы именно ее творениями.

Исследователи предполагают, что на представленном портрете запечатлена дочь генерального консула Франции в Милане Ле Блона. В собрании Галереи Академии находится портрет и самого консула, на котором также легкое сфуматто смягчает формы нежнейшей аурой.

Розальба Каррьера (1675–1757) Автопортрет. Около 1746. Бумага, пастель. 31×25

В 25 лет Каррьера вошла в профессиональную гильдию художников Святого Луки в Риме. В 1720 в Париже она стала членом Французской королевской академии.

Популярность ее искусства способствовала формированию нового стиля — рококо. Каррьера исполнила портрет его самого выдающегося представителя — Антуана Ватто, писала членов королевской семьи и многих других.

В Вене ее ученицей была будущая императрица Мария-Терезия.

В данном автопортрете художница обнаруживает способность быть не только певицей мягкой грации, но и глубоким психологом, беспощадно обнажающим самые затаенные внутренние порывы и драмы человека. Работа написана за несколько лет до того, как Каррьера ослепла.

Удивительно выражение лица пожилой женщины, увенчавшей себя лавровым венком, ее губы сжаты, провидческий взгляд не теряет своей остроты, даже будучи запечатленным нежной пастелью.

Невольно возникает мысль о предчувствии ею своей трагической судьбы, разрушенной безумием.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770) Святой Иосиф с Младенцем Иисусом и святыми. Около 1735. Холст, масло. 210х114

Сын венецианского капитана, Джованни Батиста Тьеполо, — ведущий мастер последнего века Серениссимы. Его творчество соединяет в себе традиции Веронезе, барочную основательность и изящество рококо. Тьеполо, президент венецианской Академии живописи, стал подлинным наследником великих земляков.

Венецианская республика, потерявшая к этому времени владычество над морями, все еще сохраняла независимость. Жизнь в городе часто напоминала веселое представление.

Блеск и аристократизм художественной школы родного города Тьеполо воплощал, работая над заказами и в других городах Италии, Испании и Германии.

И все же данная композиция с изображениями святого Иосифа с Младенцем, святых Франциска из Паолы, Анны, Антония и Петра из Альканты, которая раньше находилась в церкви бенедиктинок Сан-Просдочимо в Падуе, хоть и сохраняет нижнюю точку зрения, однако своей благородной сдержанностью, нерезким ракурсом, очевидной рациональностью построения несет печать классицистической манеры.

Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770) Обретение Истинного Креста и святая Елена 1744–1745. Холст, масло. Диаметр 500

Исторический сюжет плафона церкви Каппучине в Кастелло (была уничтожена при создании наполеоновских садов — «Джардини») повествует об обретении святой Еленой, матерью римского императора Константина, признавшего христианство официальной религией, Истинного Креста. Воскресение покойника, которого положили перед каждым из трех крестов, найденных под землей, определило, какой именно стал орудием казни Иисуса.

Масштабное тондо фрески и ее расположение диктовали особый ключ к построению композиции. Тьеполо пишет «земной» регистр (своих персонажей) плотным полукольцом со сложным перекрестным движением, утяжеляя его колоритом, «плотными» формами, что позволяет кресту, на котором был распят Спаситель, царить в светлом и прозрачном небесном пространстве.

При самой низкой точке зрения, избранной художником, все изображение взято в резком ракурсе, которым виртуозно владел Тьеполо.

Поэтому можно разглядеть не только императора в красном плаще, преданных последователей Богочеловека и торжествующую Елену, но и фрагменты античных построек, символизирующих вместе с Крестом победу христианства над язычеством.

« первая

12

13

14

15

16

. . .

последняя (18) »

Источник: https://litvek.com/book-read/350026-kniga-n-getashvili-galereya-akademii-venetsiya-chitat-online?p=14

Читать онлайн Галерея Академии Венеция страница 10. Большая и бесплатная библиотека

Бернардо Строцци (1581–1644) Пир в доме Симона. Около 1630. Холст, масло, 272×740

Бернардо Строцци был известен современникам по прозвищу Каппуччино, а также — Прете Дженовезе («Священник из Генуи»). Он действительно был монахом ордена капуцинов в Генуе, но в 1610 покинул стены монастыря, чтобы ухаживать за больной матерью и более интенсивно заниматься любимой живописью.

В 1630 после ее смерти Строцци не пожелал вернуться к затворнической жизни, за что был посажен в тюрьму. Выйдя на волю, он уехал жить в Венецию, и последний период его жизни является чрезвычайно плодотворным.

Однако данное масштабное полотно исследователи склонны считать «генуэзским» произведением.

На этот сюжет Паоло Веронезе создал один из своих шедевров, и Строцци явно им восхищен: архитектурный мотив картины он «рифмует» с веронезевским.

И все же «абсолютный», нейтральный фон центральной части полотна обнаруживает уже вкус времени к караваджистской оптической среде, позволяющей светотеневому контрасту рельефно выделять человеческие фигуры, подчеркивать психологические реакции и делать осязаемыми натюрморты.

В Галерею полотно попало из капеллы дворца Горлери в Генуе, а писалось для приемной монастыря Санта-Мария ин Пассьоне незадолго до прибытия в Венецию.

Лука Джордано (1632–1705) Распятие святого Петра 1655–1660. Холст, масло. 196×258

Неаполитанец Лука Джордано был чрезвычайно плодотворен. Сегодня его работы (несколько тысяч произведений), «перебравшись» из дворцов и храмов, находятся во многих музеях мира. Долгое время считалось, что он не более чем мастеровитый художник, способный на создание неглубоких, бравурных, однообразных декоративных композиций, которые подготовили почву последующему рококо.

Однако исследователи, учитывая особенность практики той эпохи, когда многие заказы, сделанные живописцу, в большинстве своем исполнялись учениками и подмастерьями, выделили из его творчества подлинные произведения и обнаружили незаурядного, глубокого виртуоза.

Джордано был учеником испанца Хусепе Риберы, но был открыт и для других влияний, в частности Пьетро да Кортона, венецианцев Ренессанса и особенно Веронезе.

По бытовавшему в художественной среде обычаю Джордано предпринял путешествие в Рим и Венецию. Живописная манера сцены из жизни святого Петра возникла под влиянием этой поездки.

Композиционные диагонали резко прочерчивают поверхность большого полотна, мощный рельеф напряженных человеческих тел утверждается на первом плане, излучая энергетические волны, заставляя зрителя содрогаться от жестокой трагедии.

Рыбак из Галилеи Симон стал одним из призванных учеников Христа: «Иисус же, взглянув на него, сказал: ты — Симон, сын Ионин; ты наречешься Кифа, что значит «камень»». (Кифа — по-арамейски, по-гречески — Петр.) При императоре Нероне в 64 н. э. уже немолодого Петра распяли на кресте, исполнив просьбу казнимого: считая себя недостойным умереть, как Учитель, он просил распять его вниз головой.

Фра Галгарио (1655–1743) Портрет графа Джованни Батиста Ваилетти. Около 1710. Холст, масло. 226×137

Настоящее имя художника, перенявшего ремесло отца, — Джузеппе Гисланди. Из родного Бергамо двадцатитрехлетний живописец прибыл в Венецию. Серьезные уроки мастерства ему преподал Себастьяно Бомбелли, официальный портретист городской знати.

Именно благодаря ему Галгарио получил не только круг заказчиков, запечатлевая патрициев, а в период пребывания в Ломбардии и миланскую аристократию, но и перенял искусство изображения эффектного жеста, замечательный парадный колоризм, особенно в трактовке костюмов.

В Венеции он принял постриг в монастыре Святого Франциска («фра» — «брат»), а вернувшись на родину в 1702 поступил в монастырь в Галгарио.

Аскетизм его жизни стал причиной выбора в основном мужских моделей, в которых он всегда находил остроиндивидуальные черты, создав, таким образом, галерею представителей эпохи Просвещения.

Мастерство, с которым переданы горящая яркость красок роскошно вышитого одеяния вельможи, спокойное достоинство позы графа и сдержанная энергия его взгляда делают «Портрет графа Джованни Батиста Ваилетти» шедевром мировой живописи.

Себастьяно Риччи (1659–1734) Диана и Каллисто 1712–1716. Холст, масло. 64×76

Купанию Дианы, которая в III веке до н. э. была отождествлена с богиней Луны, сестрой солнечного Аполлона, посвящен цикл композиций. Полотно Тициана на этот сюжет пользовалось широкой популярностью.

Девственная охотница была окружена своими наперсницами, целомудренными нимфами. Одну из них, Каллисто (что значит «красивее всех»), соблазнил верховный олимпиец Зевс. Овидий в «Метаморфозах» описывает, как об этом узнала Диана:

«Лунные в небе рога возникали уж кругом девятым,Как, от охоты устав, истомленная пламенем брата,В свежую рощу придя, откуда струился с журчаньемСветлый ручей и катил волною песок перетертый,Местность одобрив, к воде стопою она прикоснуласьИ, похваливши ручей, — «Далеко, — говорит, — соглядатайВсякий; нагие тела струею бегущей омоем!»Бросилась краска в лицо Паррасийки.Все сняли одежды, Медлит она лишь одна.Со смутившейся платье снимают.

Только лишь спало оно, наготою был грех обнаружен…»

Совершенно очевидно, что для Себастьяно Риччи, выдающегося венецианского художника, родоначальника рококо, эпизод с обнаружением беременности прекрасной нимфы стал поводом для восхищения чувственной прелестью красавиц.

Их обнаженные тела, показанные в разных ракурсах, создают изысканный узор в центральной части полотна. Элегантностью позы выделяется великая богиня-охотница (продемонстрированы ее атрибуты — копье в руке, пес у ног).

Выбранную здесь утонченность женского телосложения исследователи склонны относить к влиянию английской живописи, оказанному на Риччи во время его пребывания в Лондоне. В период работы над полотном он вместе с племянником Марко расписывал Бёрлингтон-Хаус (сегодня — Королевская академия искусств).

В пейзаже (и это признак нового стиля) формы словно растворяются посредством невесомо легких, вибрирующих мазков. Именно так утверждалась декоративная составляющая рококо.

Марко Риччи (1676–1730) Пейзаж с потоком, монахами и прачками 1715–1720. Холст, масло. 136×197

Марко Риччи, племянник Себастьяно Риччи, — родоначальник венецианской пейзажной живописи XVIII века. В композициях дяди он часто выполнял пейзажные фоны. Предполагают, что морские виды в работах Аллессандро Маньяско также принадлежат его кисти.

В своих пасторальных ландшафтах Марко Риччи, используя венецианскую технику «pittura di macchia e tocco forte» («живопись пятна и динамичного мазка»), разнообразно передает атмосферные нюансы и всегда противопоставляет романтически взволнованную природу (обычно с крупными массами деревьев) мелким жанровым сценкам в окружении великолепного пейзажа. В этой связи всегда возникает вопрос: не писал ли стаффажные фигуры его знаменитый дядя? Интересно, что композиции вдохновлены натурными впечатлениями: из Венеции в поисках подходящих мотивов художник отправлялся в ее окрестности. На представленном холсте запечатлены места в долине Пьеве, родине живописца.

Марко Риччи был универсальным художником — живописцем, декоратором, карикатуристом, графиком. Сохранились 33 гравюрных пейзажа, в которых, как и в гуашах и пастелях, наблюдается его интерес к проблемам освещенности.

Источник: https://dom-knig.com/read_188581-10

Итальянская живопись в XVII и XVIII векахXIV-Сеттеченто

Том 3История живописи

Партнёрские ссылки:

Лишь Маньяско в конце XVII века удается обогатить и оживить формулы Розы. В сущности, и он повторяет вслед за последним то, что неаполитанец получил от изучения гравюр Калло и Беллы. И у Маньяско в Эрмитаже «разбойничьи станы» или морские берега носят явные следы известной рутины, выработанной не столько от жизни в природе, сколько от посещений картинных коллекций.

Но зато в каждом мазке мастера, в каждом оттенке его излюбленных сине-зеленых и золотисто-оливковых красок чувствуется необычайно сильный темперамент живописца. Как декорации комнат, эти «самоцветные», при всей своей темноте и густоте красок сияющие картины превосходят все, что создано в этом роде, не исключая более поэтичных, но и более надуманных пейзажей Розы.

Марко Риччи. Руины. (Фигуры Дж. Б. Тиеполо). Офорт

Многое от Маньяско унаследовал Марко Риччи, племянник знакомого нам вождя венецианских декораторов — Себастиано Риччи237. Но Риччи имеет и свои особенности. Во-первых, это чудесный архитектурный живописец, — его офорты и его картины в Вичентинском музее в достаточной мере доказывают это.

А затем Марко, при известной склонности к рутине (черте, свойственной всем художникам XVIII века), и поэтичный певец натуры, более проникновенно относящийся к своему объекту, нежели Маньяско, и тем самым являющийся переходной ступенью от генуэзского «оргиаста» к нежному, чувственному Гварди.

Какие чудесные партии трепещущих деревьев, какие великолепные небеса встречаются на лучших его холстах; и какой это превосходный рисовальщик, уверенно справляющийся с «раскладкой» масс и планов!238

Мы только что упомянули об архитектурных пейзажах Риччи. У него такие пейзажи — исключения; наоборот, длинный ряд художников превратили архитектурную живопись в совершенно обособленную отрасль, в которой итальянскому искусству досталось создать немало прекрасных произведений.

Настоящими родоначальниками этой отрасли (не говоря уже о мастерах XIV и XV веков) были те художники «полного возрождения», которые охотно предоставляли свои силы к услугам театральных представлений. Среди них мы находим самого Рафаэля, Перуцци, Франчабиджо, Понтормо, Бекафуми, Бронзино и нескольких других.

К самым ранним, чисто перспективным trompe lоеilям, исполняющим роль театральных декораций в домашней обстановке и как бы «вскрывающим стены», принадлежат обе фрески Перуцци в верхнем салоне виллы Фарнезины.

К концу же века иллюзионно-архитектурная живопись все более и более специализируется, причем она находит себе очень важное подспорье в усиливающемся поклонении античности и в изучении остатков древней архитектуры.

В конце XVI века налицо уже обе специальности, как таковые: иллюзионно-архитектурная живопись, имеющая много точек соприкосновения с театрально-декоративной и с той орнаментально-архитектурной живописью, которая являлась на помощь фигуристам при росписи плафонов и стен, с так называемой «квадратурой», и — живопись руин, отвечавшая более интимным «сентиментальным» потребностям. — В последней специальности немало потрудились нидерландцы, начиная еще с Гэмскерка и Коуке и кончая П. Брилем, Брэнбергом, Асселейном, Вэниксом и теми мастерами, с которыми мы еще встретимся при обсуждении «пуссеновского» пейзажа.

Примечания

237 Марко Риччи родился, по Cividal di Belluno, в 1673 г.; ученик своего дяди (который был учеником Маньяско).

Марко отличался очень беспорядочной жизнью и был постоянным посетителем таверн; однажды он убил в ссоре гондольера и, во избежание наказания, бежал в Далмацию, где он пробыл четыре года и откуда ему дозволено было вернуться лишь благодаря хлопотам Себастиано; с последним Марко отправился в Париж (1710 г.

) и в Англию; по возвращении в Венецию, он прожил тринадцать лет в доме у дяди, которому пришлось неустанно следить за тем, чтобы Марко, страдавший приступами черной меланхолии, не лишил себя жизни; к сожалению, это все же не удалось Себастиано, и Марко отравился путем постепенного увеличения доз прописанных ему лекарств; умер Марко Риччи 21 января 1729 г. и погребен в S. Moise. — Картины Риччи находятся во многих частных собраниях, а также в музеях Вены, Дрездена и Турина; декоративные картины мастера украшают некоторые дворцы Венеции и ее окрестностей. Серию в 24 картины, украшавшую собрание консула Смита, издал в 1743 г. Дзанетти под заглавием: «Ricci Marci Bellunensi Tabulae XXIV coloribus expressae quae extantin edibns… Smith». Другие его пейзажи гравированы Бартолоцци, Вольпато, J. Spilsbury, Виваресом, Шателэном, Ньютоном, Д. А. Фоссати, Джаксоном (на дереве в несколько красок). Прекрасны и собственные офорты художника — между прочим, серия: «Varia M. Ricci pictoris paestantissimi expеrimenta ab ipsomet autore invento dilineata…», Venetiis, MDCCXXX. Тот же Дзанетти утверждает, что со времен Тициана и среди современников не найти пейзажиста, который равнялся бы Марко Риччи, и в этом же духе отзывается Ланци, указывающий при этом, что лучшие картины мастера ушли в Англию.

) и специалист по «зимам» Ferdinande Foscbi (середина XVIII в.; картины в Лилле, Гренобле, Дармштадте, у кн. Аргутинского); туринцы — P. Bagetti (1764-1833 гг.) и Amedeo Cignaroli (1730-1880 гг.); флорентиец Jacopo Chiavistelli (1618-1698 гг.); специалист по маринам пизанец P. Chiafferi (около 1680 г.

); миланец P. Antoniani (умер в 1775 г.); венецианцы Giuseppe Zais (ученик Цукарелли; умер в 1784 г.) и Antonio Diziani (сын «фигуриста» и декоратора Gaspero). Особенно в моде были в XVIII в.

(главным образом, в Англии) «аркадийские» пейзажи переселившегося в Венецию флорентийца Francesco Zucarelli (1702-1788 гг.; ученика P. Anesi и G. B.

Morandi), да и в наши дни мания «воссоздавать в обстановках былое время» привела к известному пробуждению интереса к забытому мастеру (несколько приторные, но не лишенные изящества образцы творчества Ц. — в Эрмитаже, в Венецианской Академии, в Лондонской галерее и во многих других местах).

Источник: http://www.benua-history.ru/2127-Ricci.html

Искусство. Национальные школы живописи. — маньяско, алессандро

АЛЕССАНДРО МАНЬЯСКО /Лиссандрино/(1667-1749) ALESSANDRO MAGNASCO

• искусство италии
• генуэзская школа

Маньяско Алессандро (1667-1749) Magnasco Alessandro.   Итальянский живописец, представитель романтического направления в искусстве барокко. Генуэзская школа. Учился у отца, живописца Стефано Маньяско, и в Милане у Франческо Аббиати; испытал влияние Сальваторе Розы, Калло, мастеров генуэзской школы. Работал в Генуе, Милане, Флоренции(1703-1711).

Первые уроки живописи Маньяско получил у своего отца, Стефано Маньяско, ученика Валерио Кастелло. В 1682 после смерти отца генуэзский купец привозит мальчика в Милан, где он становится учеником Филиппе Аббьяти, научившим его техническим приемам венецианской живописи, очень важным для его образования, и преподававшим ему искусство портрета.

Художник успешно работал в этом жанре (однако портреты работы Маньяско не сохранились), но вскоре начинает писать небольшие, исполненные в нервной манере сцены, которые и принесут ему славу. Его первым известным произведением является «Пейзаж с руинами» (1697, Милан, частное собрание).

В 1703 Маньяско покидает Милан и отправляется в путешествие во Флоренцию, где он долгое время находится на службе у великого герцога Тосканского Джан-Гастона, по заказу которого он исполнил «Пейзажи» (Флоренция, Палаццо Питти). В 1711 художник возвращается в Милан и создает декорации для въезда в город императора Карла VI.

Здесь художник остается до 1735, работая для аристократических семей города — Арези, Карнеди и графа Коллоредо, правителя Милана, для которого он в 1720-1725 пишет 9 картин («Урок катехизиса в соборе», «Монахи в трапезной», «Синагога» — монастырь Зайтенштеттен в Австрии).

Но самые блестящие произведения Маньяско создает в конце жизни, вернувшись в Геную в 1735, например, «Сцену в саду Альбаро» (Генуя, Палаццо Бьянко), слегка напоминающую Ватто. Иногда он писал большие фигуры в религиозных картинах («Христос в Эммаусе», Генуя, ц. Сан-Франческо ин Альбаро).

Но в Генуе его не ждал успех, подобный тому, который он узнал в Милане: его искусство многие считали «смешным». Маньяско работает для пейзажиста К. А. Тавелла, исполняя фигуры пастухов и отшельников в его картинах. У Маньяско не было непосредственных учеников, но было несколько подражателей (таких, как Чиччо Наполетано или Коппа Миланезе, упомянутый Ратти).

Источники подобных сцен искали в картинах художников «бамбоччанти» (братья ван Вал, Синибальдо Скорца). Однако Маньяско нельзя отнести к художникам, изображавшим повседневную реальность, — к таким последователям Питера ван Лара, как, например, Черкуоцци. Но он близок Ж. Калло и С. Роза, у которых реальность становится фантастической.

Из генуэзской живописи Валерио Кастелло (работам которого близки его «Св. Амбруаз и Теодор», Чикаго, Художественный институт) и Кастильоне художник заимствовал свой характерный мазок и световые акценты, а из ломбардской (Черано и Мораццоне) еще и маньеристическое волнение.

Благодаря венецианской живописи, с которой он познакомился через своего учителя, он обрел индивидуальную, свободную манеру. На протяжении своего творчества художник претерпевает длительную эволюцию, постепенно изгоняя из своих полотен цвет, все более погружая сцены в светотень в духе Тициана или Тинторетто.

Значительная часть картин Маньяско — это сцены с монахами («Трапезная», Бассано, музей), разбойниками (Бордо, Музей изящных искусств), цыганами («Свадебный цыганский банкет», Париж, Лувр; «Свадебный цыганский кортеж», Берлин-Далем, музей). За это Ланци назвал его «Микеланджело битв генуэзской школы».

Эти сцены зачастую помещаются в морские и лесные пейзажи («Пейзаж с прачками», Неаполь, Каподимонте), в которых он превозносит красоту леса, почти как художники XIX в. Наконец, Маньяско освободил итальянский пейзаж от условностей, заимствованных у римских художников.

Бушующая природа напоминает море, которое он любил больше всех других итальянских мастеров, облагораживая декоративный жанр марин («темпеста»). Он ввел живые детали в живопись руин, открывая путь Паннини. Очень часто он изображает темы, раскрывающие современные нравы («Концерты в мастерской художника», «Уроки музыки»).

Он предвосхищает и остроумие Хогарта, и ужасы Гойи, как, например, в сценах в сумасшедшем доме или в мрачных картинах («Воры, изгоняемые скелетами», Кампо-Морто, ц.Санта-Мария Ассунта). Но особенно его привлекают религиозные сюжеты, которые напоминают работы болонца Креспи («Св.Карл Борромей», Милан, музей Польди-Пеццоли; «Экстаз св. Франциска», Генуя, Палаццо Бьянко; «Поклонение волхвов», Дюнкерк, музей). Творческо Маньяско не поддается никакой классификации: то религиозный, то богохульствующий, простой декоратор или очень чувствительный мастер, он оставался прежде всего антиклассическим художником-одиночкой. Его великим предшественником был Тинторетто. Последователями Маньяско были венецианские живописцы Антонио и Франческо Гварди и Тьеполо, которые подражали его мазку. Признанный при жизни и забытый в XVIII в., он обрел популярность лишь в начале XX в., когда в нем увидели предтечу импрессионизма и даже экспрессионизма.

• уффици
• алессандро маньяско

• эрмитаж санкт петербург
• алессандро маньяско

• пинакотека брера милан
• алессандро маньяско

• музей польди-пеццоли
• алессандро маньяско

• государственный музей. амстердам
• алессандро маньяско

• музей эшмола
• алессандро маньяско

• музей истории искусства.вена
• алессандро маньяско

• галерея академии. венеция
• алессандро маньяско

• прадо мадрид
• алессандро маньяско

• штеделевский художественный институт
• алессандро маньяско

• музей гетти лос-анджелес
• маньяско

• метрополитен-музей
• алессандро маньяско

• нац. галерея вашингтон
• алессандро маньяско

• бостонский музей изящных искусств
• алессандро маньяско

Библиография: Л.Дьяков. Алессандро Маньяско. Москва1978г.

II(41),III(136)

Источник: http://eguarwr.ru/index/alessandro_magnasco/0-1254