Автопортрет с желтыми лилиями, н. с. гончарова, 1907

Курс валют предоставлен сайтом old.kurs.com.ru

В Третьяковской галерее на Крымском валу открылась большая выставка работ Наталии Гончаровой.

Полагаю, нет необходимости объяснять, что речь не о супруге поэта Пушкина, а о художнице ХХ столетия. Хотя и эта Наталия — из тех же Гончаровых (ее отец приходился Наталье Николаевне внучатым племянником).

Этот автопортрет с желтыми лилиями Гончарова написала в 1907 году. Разумеется, сделан он не без иронии и черты лица нарочито огрублены. Вот, во всяком случае, ее фотография примерно того же периода.

Что интересно — начинала одна из самых знаменитых русских художниц ХХ века как скульптор. Посещала скульптурную мастерскую в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, даже была награждена малой серебряной медалью. Но живопись все-таки перетянула ее на свою сторону.

В первых живописных опытах еще отражается весь спектр тогдашних европейских течений.

В этом пейзаже с рябиной — явный пуантилизм. (Кстати, он стал одной из первых работ Гончаровой, приобретенных в 1913 году Третьяковской галереей по решению ее попечительского совета. Вторым стал тогда натюрморт с букетом и флаконом краски.)

А за этим пейзажем 1908 года — несомненный Сезанн.

Но очень скоро Наталия Гончарова — как, впрочем, и многие из ее современников — обращается к стилистике народного искусства — лубку, росписи подносов, народной иконе.

Этот «неопримитивизм» ощутим в ее «крестьянском» цикле ранних 1910-х (хотя многие сравнивают эти работы и с Гогеном).

Интересны работы Гончаровой на религиозные темы. Тут также влияние и старинной, дониконовской, и непрофессиональной народной и старообрядческой иконы.

С одной стороны, такие работы вызывали скандал. С другой — Гончарову пригласили расписать церковь (выстроенную, к слову, по проекту Алексея Щусева). Однако осуществлению этого проекта помешала первая мировая война.

1. А вот очень эффектная декоративность полиптиха «Сбор винограда».
2. «Жатва».
3. «Павлин».

Но всяческие «измы» вокруг продолжают бурлить. Вот эксперимент в футуристическом стиле — «Аэроплан над поездом».

• «Гонки гребцов», 1912 год.
• Имитируя «лучизм», изобретенный ее спутником жизни Михаилом Ларионовым, Гончарова пишет в такой манере его портрет.
• Кубизм — также одно из новаторств эпохи.
• Близки к этой манере и некоторые «крестьянские» композиции.

В то же время Ларионов и Гончарова немало работают для театра. Сохранилась их фотография 1914 года — работа над декорациями в Большом театре. (Обратим внимание, что Гончарова здесь в брюках — тоже абсолютное новаторство для того времени, если не сказать хулиганство. :))

Вот некоторые из театральных эскизов Гончаровой. (О важности костюма она впоследствии писала, воспринимая его не только как часть сценического образа персонажа, но скорее режиссерски — как часть общего баланса сцены.)

Именно театр позвал художников в дорогу — их пригласил в 1915 году для работы в Швейцарию Сергей Дягилев. В результате они оказались в эмиграции и впоследствии в Россию уже не вернулись.

• В Европе Гончарова обращается к «испанской» теме (уже затронутой ею ранее в театральных работах).
• На выставке, кстати, произошло «воссоединение» одного из испанских полиптихов (сейчас эти работы — в разных музеях, один фрагмент — в Третьяковке).
• За границей пришлось зарабатывать не только работой для театра, но и для домов моды. Впрочем, у Гончаровой еще в России был опыт сотрудничества с домом Надежды Ламановой
• А вот платье, сшитое по ее эскизу в Париже, в модном доме «Мирбор».
• Немало было и работы в книжной иллюстрации, в графике.
• Живописная манера Гончаровой в 20-х — 30-х годах, между тем, начинает меняться.
• Вот французские пейзажи.
• «Купальщица с собакой».
• Натюрморты — жанр, который Гончарова не оставляла всю жизнь.
• Вот и среди работ 50-х годов по-прежнему присутствуют натюрморты (а художнице за 70 лет, у нее болят суставы и она с трудом держит кисть — но продолжает работать).

И вот одна из поздних серий — конец 50-х годов. Эти работы Наталия Гончарова написала под впечатлением от полета в космос первого спутника.

Всего на выставке — около 400 произведений, исполненных за полвека, от 1907 до 1959 года. Из фондов самой Третьяковки, а также еще 16 музеев и 10 российских и зарубежных частных собраний.

До середины февраля.

Источник: https://echo.msk.ru/blog/tatiana_pelipeiko/1178528-echo/

Картины художницы Натальи Сергеевны Гончаровой

Аэроплан над поездом (1913, Холст, масло. 55 x 83 см, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан)

В начале XX в. в кругах художников зазвучало имя Натальи Сергеевны Гончаровой (1881—1962 гг.). В ранних ее картинах преобладал импрессионизм. Но в дальнейшем она стала одной из родоначальников русского примитивизма. Увлекаясь темами народного искусства, Гончарова создала такие произведения, как «Уборка хлеба» (1908г.), «Идолы» (1908—1909 гг.) и «Рыбная ловля» (1909 г.).

Гончарова Наталья Сергеевна (1881-1962)

Наталья Гончарова постоянно экспериментировала, и на определенном этапе у нее появился свой живописный прием: плоские цветовые пятна она заключала в четкий контур. Но эксперименты на этом не закончились.

Творческая дружба Гончаровой с М. Ф. Ларионовым подтолкнула художницу к увлечению лучизмом, однако и этот запал скоро иссяк, и уже в 1913 г. Наталья Сергеевна активно занялась книжной графикой и оформлением спектаклей («Золотой петушок» Римского-Корсакова). В 1915 г. вместе с Ларионовым Гончарова уехала в Париж и отдала всю себя оформлению театральной сцены.

Автопортрет с желтыми лилиями (1907, Холст, масло. 77 x 58.2 см, Третьяковская галерея, Москва)

Ангелы и аэропланы (1914г)

Архистратиг Михаил (1914г)

В мастерской худоника (1907г)

Велосипедист (1913, Холст, масло. 78 x 105 см, Государственный Русский музей)

Жнецы (1911г)

Испанка (1916г)

Испанки (Гальский петух) (1916г, Бумага, графитный карандаш 64,2 х 49, Третьяковская галерея, Москва)

Костюм цыганки (1916г, Бумага, акварель 67 х 50, Собрание С. И. Григорьянца)

Крестьяне (1911г)

Купание лошадей (1911г, Холст, масло 117,2 х 102, Третьяковская галерея, Москва)

Орхидеи (1913г)

Павлин под ярким солнцем (1911г)

Прачки (1911-12г)

Родная для родного Пушкина ()

Сирень (1906, Холст, масло, Нижегородский художественный музей)

Французский петух (Гальский петух) (1914г)

Четыре евангелиста

Шабат (1909-1910, Холст, масло. 137 x 118 см, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан)

Эскиз декораций к опере Н. А. Римского-Корсакова Золотой петушок (Антреприза С. П.Дягилева.1914г)

Московская улица (1909г)

Мытье холста (1910, Холст, масло. 105 x 117 см, Государственная Третьяковская галерея, Москва)

Портрет М.Ф. Ларионова и его взводного (1911, Холст, масло, Государственный Русский музей)

Источник: https://evivid.ru/kartiny-khudozhnicy-natali-sergeevny.html

Вот такая Гончарова! (Наталья)

Гончарова Наталья Сергеевна (1881-1962) -принадлежала к старинному дворянскому роду, приходилась двоюродной правнучкой жене А.С.Пушкина. Но для истории искусства это возможно, что-то значит, а для золотого фонда нашей культуры значит только тот факт, что это был замечательный, яркий  художник!

Наталия Гончарова вошла в русское искусство как «амазонка авангарда», новатор живописи, блестящий декоратор, живописец, график, театральный художник. До того, как начала заниматься искусством, Наталья Сергеевна посещала занятия в Московском университете.

В 1900-х гг. Гончарова много путешествовала, тогда же начала заниматься живописью. В 1901 г. поступила в МУЖВЗ, на скульптурное отделение, за свои скульптурные работы она получила малую серебряную медаль, но вскоре оставила училище.

Еще в училище Гончарова познакомилась с Михаилом Фёдоровичем Ларионовым, который вскоре стал признанным лидером художников русского авангарда. Гончарова связала с ним свою личную и творческую судьбу, была постоянной участницей всех его художественных начинаний.

Их имена неразделимы в истории русского искусства.

• 
• «Автопортрет с желтыми лилиями»

«Посадка картофеля»,

1. 
2. «Мальчик с петухом»
3. 
4. «На покосе»
5. 

«Купание лошадей»

«Лед»

В 1912 году М.Ларионов выдвинул идею «лучизма», одного из первых теоретических обоснований беспредметного искусства. Она была с энтузиазмом подхвачена Натальей Гончаровой. И начался один из интереснейших периодов творчества художницы!

«Желто-зеленый лес». . Период ее творчества, который она определяет как лучистый и футуристический. Велосипедист, кстати, написан именно в этот период! Мне чертовски нравятся ее полотна этого  периода с их прозрачностью, бестелесностью фигур и радующей цветовой гаммой!

«Орхидеи». Сами попытайтесь определить, принадлежит ли это полотно к лучистому, футуристическому периоду!

• «Натюрморт с говядиной».

 «Кошка (лучистое восприятие розовое, черное и желтое)» Господи, я в восторге от этого полотна! Это же надо – ТАКОЙ свет и ТАКОЕ воспиятие!

«Фабрика»»Велосипедист»

• Творить из мглы, рассветов и лучей,
• Включить в оправу стройную сонета
• Две капельки росы, три брызга света
• И помысел, что вот еще ничей!
• К.Бальмонт

Источник: https://tanjand.livejournal.com/153266.html

Афиша Воздух: Путеводитель по выставке Наталии Гончаровой – Архив

«Автопортрет с желтыми лилиями», 1907–1908, Третьяковская галерея

На этом автопортрете Гончаровой 26 лет. Она уже довольно известна в художественных кругах, но все еще начинающая художница, подруга Михаила Ларионова. По этой картине можно предугадать особенности ее будущего творческого мышления.

Во-первых, сложно догадаться, что перед нами молодая девушка из старинного дворянского рода. Она пишет себя не тонкой и хрупкой, а насмешливой и открытой. Рука, которой она держит цветы, написана грубой и сильной — это рука художника.

Ее зоркий, исполненный юмора взгляд, обстановка ее мастерской, где стены увешаны этюдами, тоже говорят нам, что перед нами самостоятельная художница. Второе и главное в этой картине — цвет.

Она еще не отказывается от мягкости и импрессионистичности — это особенно заметно в цветовых переливах на белой блузе — но уже начинает пользоваться открытым активным цветом, что говорит о знакомстве с фовизмом, она увлекалась Матиссом, Сезанном, Гогеном, Ван Гогом и другими постимпрессионистами.

Это программный портрет, в котором женщина-художница, в будущем одна из самых знаменитых русских художниц, заявляет о своем мужественном колористическом даровании. Она ведь училась сначала на скульптурном отделении, но ее учитель и будущий муж Михаил Ларионов, как она сама говорила, «открыл ей глаза на ее глаза».

«Пейзаж с красной землей», 1908–1909, Третьяковская галерея

В Московское училище живописи, ваяния и зодчества Наталия Гончарова поступила в 1901-м, а уехала навсегда из России в 1915-м. За эти 14 лет в России она так много сделала, что на своей профессиональной выставке в 1913 году показала около 800 работ.

Ее пейзажи 1909–1910 годов интересны тем, что она берет знакомые мотивы русской природы и настолько интенсивно решает их в колорите, что русские виды не узнать. По сути, она пользуется постимпрессионистическим принципом дополнительного цвета. К красному добавляется зеленый, к желтому — голубой и синий.

Это цвета, которые усиливают друг друга. Если мы вспомним историю русского пейзажа после Левитана — Грабаря, Юона, Коровина, — то поймем, что художница идет не от них, а от современного ей французского искусства.

Позднее она говорила, что больше всего училась в это время у французов, но вскоре поняла, что это не слишком перспективный путь. Ей казалось, что когда она идет от Сезанна, то делает вещи более слабые, чем если идет от иконы.

Сезанн и иконы были для Гончаровой равноценны, но ее собственные работы, выполненные под влиянием того и другого, серьезно различались. Так в 1910 году Гончарова приходит и к крестьянскому жанру, и к своим религиозным композициям.

«Мытье холста», 1910, Третьяковская галерея

Поскольку Гончарова выросла в деревне, в небольшом семейном имении, картины на крестьянские сюжеты стали ядром ее ранних работ. На этой картине изображены женщины, которые моют холст — то есть отбеливают домотканую материю. «Мытье холста» вызвало сильнейшее отторжение у критики.

Писали, что это не крестьянки, это бабы — грубые, приземистые, неизящные люди, написанные в варварском стиле. Критик Тугенхольд, например, сравнил картины Гончаровой со сквернословными частушками. Именно в это время Ларионов формулирует, а Гончарова воплощает принципы так называемого неопримитивизма.

Они считали, что современное искусство должно быть актуальным по языку, но при этом отталкиваться от собственных источников, которые могут быть сколь угодно глубокими. От иконы, от лубка, от деревянной игрушки, от подносов (которыми увлекались их соратники по «Бубновому валету»), от вышивок, от платков. В этой картине главную роль вновь играет цвет.

Она также вводит элемент орнамента, который идет от народного костюма, а сами крестьянки одеты именно так, как одевались крестьянки Тульской губернии. Интересно, что сама Гончарова в повседневной жизни любила носить платки, подчеркивая таким образом свою связь с народными корнями. До Гончаровой никто так не писал крестьян.

Вспомним Зинаиду Серебрякову, у которой крестьянки похожи на античные статуи. Кстати, Малевич во многом под влиянием Гончаровой стал писать своих кубистических крестьян, а впоследствии Гончарова в развитии крестьянского жанра все больше и больше стремилась к кубизму.

«Апостолы», 1911, Русский музей

Это программная работа для Гончаровой. Когда она говорит, что исходит от иконы, это не стоит воспринимать буквально. Апостолы — это скорее ее размышления на традиционную евангельскую тему. Эту вещь сравнивают с работами Дюрера и Эль Греко. Современные Гончаровой церковные изображения во многом потеряли свою монументальную силу, потому что подражали Васнецову и Нестерову.

Поэтому Гончарова обращается в глубокую древность — к древним пластам христианства, которые перекликаются у нее с народным искусством.

Она как будто пытается ответить на вопрос — как те грубые и величественные крестьяне, которых она пишет, представляли себе бога? Был ли он для них нежноликим, или он и его ученики казались какими-то могучими древними мужиками? Гончаровская живопись дышит древностью, про эту картину не скажешь, что она похожа на Матисса или Ван Гога.

Это сплав традиций Эль Греко и, возможно, раннехристианской катакомбной живописи. Основной цвет здесь — серый, даже нимбы у архангелов не золотые, а тоже какие-то серые: по сравнению с другими вещами Гончаровой это произведение почти монохромное; есть мнение, что это одна из лучших ее вещей.

«Феникс» (из цикла «Жатва»), 1911, Третьяковская галерея

Этот цикл тоже относят к вершинам творчества Гончаровой. Серия состояла из 9 частей, сохранилось 7, причем вещи оказались в разных музеях. У нас в Третьяковке, в Костроме, в Омске, и еще две картины в Центре Помпиду. С 1913 года этот цикл ни разу не собирался в России вместе — до сих пор.

Перед нами авторский сюжет Апокалипсиса, основанный на откровении Иоанна Богослова. Ангелы побивают град Вавилон камнями, в центре олицетворение греха — Вавилонская блудница в жутких драконах. Здесь художница вводит мотив Феникса — птицы, которая возрождается в огне.

Это совершенно уникальная вещь — все картины решены в одних и тех же цветах, при этом у каждой есть своя гамма. Где-то преобладают теплые цвета, где-то холодные. Это очень плоская живопись, она совершенно не натурна и фантазийна. Такой интенсивности цвета нет почти ни у кого из художников в то время.

Это одна из самых темпераментных вещей у Гончаровой.

«Натюрморт с кошкой (Кошка и поднос)» 1910–1911, Centre Georges-Pompidou

Это вещь, которой еще никто в России не видел. Гончарова была мастером натюрморта, но именно этот выделяется своей цветовой гаммой: он красочный, но не яркий. Вообще Гончарова любила рисовать животных — птиц, белок, собак.

Здесь мы видим кошку с крошечными котятами, которая позирует на фоне драпировки и подноса. Ткань, на которой лежит кошка, написана в манере Гогена. Влияние Гогена здесь заметно в том, как ткань не идет в глубину, а поднимается, съедая пространство.

Это ощущение поддерживает миска, которая как будто прикреплена к плоскости. Поднос — любимый сюжет художников круга «Бубнового валета».

В 1910 году была первая выставка «Бубнового валета», где блистала Гончарова, и там собрались все — Ларионов, Гончарова, Кончаловский, Машков, Лентулов, Малевич молодой, Кандинский. Потом их пути разошлись — Ларионов и Гончарова выделились и организовали группу «Ослиный хвост».

Бубнововалетцы часто изображали подносы. В этом натюрморте очень интересный и необычный поднос, в центре которого в примитивном стиле изображен не то турецкий военный, не то украинский атаман. Явно передан какой-то обобщенный восточный национальный колорит. Лицо этого усатого военного перекликается с мордой кошки, которая гипнотизирует нас своими желтыми глазами.

«Осенний вечер. Испанки», 1922–1928, Третьяковская галерея

Эта картина только что появилась в Третьяковской галерее — ее передали нам из Министерства иностранных дел, других подробностей я сообщить не могу. Она интересна тем, что никогда до сих пор не экспонировалась, и известна только по выставке 1929 года.

Стилистически эта картина примыкает к тому плоскому декоративному кубизму, к которому художница обратилась, когда приехала во Францию, под влиянием последних работ Пикассо и Гриса. Она мучалась ностальгией, но не хотела бесконечно тиражировать одни и те же образы, работая на рынок русских эмигрантов.

Гончарова хотела быть общеевропейским современным художником, так что Испания — это не то чтобы реально волновавшая ее тема, скорее повод для применения мастерства. «Осенний вечер» — очень сумрачная картина. Даже собака здесь какая-то очень нахальная, зловещая и прямо гипнотизирует своими глазницами.

Вот такая странная, довольно условная картина, но настолько эффектная, что приковывает к себе внимание.

«Завтрак», 1924, Третьяковская галерея

Это довольно редкий в творчестве Гончаровой образец бытового жанра. Картина стояла в мастерской Гончаровой, когда ее посетила в 1928 году Марина Цветаева. Цветаева анализирует эту картину в своем очерке 1929 года и подробно разбирает ее сюжет.

Она говорит, что это гениальная сатира на буржуазную семью, и видит здесь любовный треугольник: супружеская пара в центре и подруга улыбающегося мсье, что сидит слева. Еще одна пара справа — это пара несчастливая, исполненная какой-то меланхолической грусти.

Если тройка слева окружена пышной зеленью, то около этих несчастных справа какие-то тощие деревца, которые нагнетают печальную атмосферу. Цветаева упоминает и эту собаку — собаки вообще почему-то несимпатичные у Гончаровой; она говорит, что это не пес, а бес. И еще одно замечание Цветаевой: «детей нет и быть не может».

Персонажи собственной картины Гончаровой несимпатичны. Они написаны ярко, точно, с юмором, при этом она пишет какой-то чуждый ей мир, в котором нет поэтического измерения.

«Натюрморт с барабулькой и магнолиями», около 1928, Третьяковская галерея

Самым любимым мотивом Гончаровой с 20-х годов стали магнолии. Она их писала в самых разных видах — цветущие на дереве, срезанные, белые, розовые, разноцветные. Магнолии часто составляли фон для ее испанок. В 1939 году художница даже организовала выставку «Испанки и магнолии».

В натюрморте мы видим типичный для этого периода у Гончаровой мотив — магнолии с виноградом и рыбами. Общая цветовая гамма у нее в это время изменилась. Цветаева заметила, что после поездки в Испанию у Гончаровой появилось обилие черного, серого, белого и рыжего — в противовес красному, синему, желтому и зеленому ранних лет.

Казалось бы, Гончарова начинает работать все более натурно в конце 20-х — в 30-е годы, что означает отход от ее ранних авангардных поисков. И все же здесь остаются черты пережитого уже кубизма. Например, фон делится на неравные части, и его части контрастируют друг с другом.

В любых своих стилистических проявлениях Гончарова ценила красоту, и декоративный дар ее никогда не оставлял.

«Пустота», 1913, Третьяковская галерея

На нашей выставке мы впервые показываем, как развивалось беспредметное направление в творчестве Наталии Гончаровой — художницы, известной своими фигуративными работами. Она занимает особое место в истории беспредметной живописи.

Работа «Пустота» была одним из ее первых опытов, однако подтверждает чутье Гончаровой на требования времени. Это вещь в чем-то парадоксальная. Весь фон заполнен плотной живописью — синее, лиловое, серое, какие-то углы. На это наложена странная форма, которая кажется колышущейся.

Белые части — это просто загрунтованный холст. Отсутствие краски обозначает небытие. Геометрически неправильная форма напоминает что-то органическое и живое. Оттого что к правому нижнему углу эта форма сужается, она кажется дышащей.

Некоторые исследователи видят в этой работе какие-то философские размышления, например, намек на теософский образ туннеля, который ведет к духовному совершенству. У нас нет никаких доказательств того, что Гончарова увлекалась теософией, но в то время были популярны альтернативные духовные учения, так что вполне могла.

В какой-то мере, как опыт изображения «ничто», эту вещь можно назвать предшественницей «Черного квадрата» Малевича. «Пустота» — уникальная, в общем, вещь в мировом искусстве, нам практически не с чем ее сравнить.

Но и в творчестве Гончаровой это тоже уникальная работа, потому что последующие поиски беспредметности у нее пошли по другому пути — лучизма и кубофутуризма. Самые последние беспредметные работы 50-х годов, которые она писала уже в старости, называются «Космическая серия» — они были вдохновлены полетом советского спутника.

• Где Третьяковская галерея на Крымском валу
• Когда 16 октября — 16 февраля
• Билеты взрослые — 400 руб, школьники и студенты — 250 руб

Источник: https://daily.afisha.ru/archive/vozduh/art/putevoditel-po-vystavke-natalii-goncharovoy/

Любимые художники. Наталья Гончарова

Переходящее знамя лидерства европейской изобразительной мысли кочует из страны в страну. В 15-16 века, в эпоху Возрождения, оно развивалось над Италией. В эпоху барокко его перехватили голландцы и испанцы.

Потом какое-то время оно металось по всей Европе и, наконец, во второй половине 19 века прочно обосновалось во Франции, где импрессионисты подвели черту под классическим искусством и открыли дорогу искусству новому.

А в начале 20 века до передовых позиций в мировом изобразительном искусстве наконец добралась и Россия — отобрала знамя и уверенно встала в авангарде. Сегодняшняя героиня — одна из главных персоналий русского авангарда.

Наталья Гончарова (1881 — 1962)»Автопортрет с желтыми лилиями» (1907, Третьяковка)

Наталья Сергеевна Гончарова — двоюродная правнучка Натальи Николаевны Гончаровой, в замужестве — Пушкиной. Вспоминая Наталью Николаевну, мы неизбежно вспомним и мужа её, Александра Сергеевича. Так и говоря о Наталье Сергеевне, никуда не деться от её супруга — художника Михаила Ларионова. Потому что парочка эта была союзом не только романтическим, но и творческим.

Учиться искусствам Наталья Гончарова начала в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, в отделении скульптуры.

Училась довольно успешно, пока Михаил Ларионов не сказал ей ставшие знаменитыми и вошедшие во все их биографии слова: «У вас глаза на цвет, а вы заняты формой. Раскройте глаза на собственные глаза!» Дама обиделась (и её можно понять), но приняла к сведению.

И, надо сказать, в данном вопросе Ларионов оказался абсолютно прав: Наталья Гончарова — блестящий колорист. Закончилась история примирением и переводом в класс Коровина.

Первая выставка заканчивается в первый же день арестом нескольких работ и самой Гончаровой — по обвинению в порнографии. Во за эту работу, в том числе.»Натурщица на синем фоне» (1910)Обвинение довольно странное. Говорят, причиной стала не сама обнаженка (она-то испокон веков присутствовала в живописи), а то, что автором её была женщина. Впрочем, уже на следующий день Гончарову отпустили.К следующей выставке Гончарова придумывает (уверен, что не без участия Ларионова) себе биографию — дескать, путешествовала, работала с Гоеном, Ван Гогом, Моне — но поняла, что Европа лишь копирует Восток и именно там надо искать истоки вдохновения. Под Востоком, надо полагать, она имела в виду не столько Азию, сколько собственно Россию и её традиционную культуру. Что ж, это вполне было в духе времени — рисовать «чтоб похоже» научились все и это перестало быть доблестью, художники за вдохновением стали обращаться не к «старым мастерам», а к первобытному и народному искусству. Тогда появился и вошёл в моду примитивизм (или наивное искусство) — сознатетельное упрощение рисунка, подражание непрофессиональным народным художникам.Гончарова и Ларионов брали на вооружение всё — и модернизм, и лубок, и икону… Ларионов тогда выдвинул концепцию «всёчества» — все стили хороши, и всем можно пользоваться для выражения своей творческой идеи. И работы Гончаровой того времени прекрасно это иллюстрируют.Тут есть и отсылки к Гогену и экспрессионизму вообще…»Покос» (1909, Собрание Танашеровых, Москва)И к восточным орнаментам…»Павлин под ярким солнцем (стиль египетский)» (1911, Третьяковка)И к иконописи…

«Старец с cемью звёздами. Апокалипсис» (1910, Третьяковка). Привет shakko_kitsune.

К религиозной тематике и иконе Гончарова обращалась довольно часто. Я в этой теме не особо разбираюсь, но встречал два противоположных мнения. Одно — что в этих работах Гончарова полностью отошла от традиций и канонов русской иконописи. А другое — что несмотря на внешнюю необычность, полностью формальным канонам следовала.Теперь нам снова придётся вспомнить про Михаила Ларионова. Предупреждаю сразу: сейчас будет одно моё субъективное суждение, а потом и вовсе мои домыслы.

Итак, субъективизм. По моему ощущению, в их паре идеологическим лидером был именно Ларионов. А вот собственно как художник — Гончарова была гораздо выше.

 Не могу сказать, что Ларионов был плохим художником — нет, конечно. Довольно интересный художник он был, но всё-таки, на мой взгляд, не того уровня.

Гончарову в художественной табели о рангах я бы вообще поставил в авангард авангарда — вместе с Кандинским, Малевичем, Шагалом.

А теперь домыслы. Уверен, что Ларионов это прекрасно осознавал. Возможно подпитывал талант Гончаровой своими идеями. И уж в чём точно преуспел — в пиаре их тандема. Ну и, конечно, каждый уважающий себя художник того времени должен был иметь свой собственный «-изм«. И Ларионов придумал лучизм.

На тот момент в тренде изобразительного искусства вслед за упрощением формы появились исследование и трансформация этой самой формы. Пикассо с Браком во Франции придумали кубизм — как попытку расчленить форму на части и пересобрать заново, уже в 2D — показав одновременно со всех сторон, снаружи и изнутри, в разные моменты времени, во всех состояниях сразу, внешность и суть.

Ларионов призвал в союзники физику (а конкретно — оптику) и заявил, что будет писать не сам предмет, а лучи света, им отражамемые. Вот образчик лучизма в исполнении Ларионова:М. Ларионов, «Петух. Лучистый этюд» (1912, Третьяковка)А вот — лучизм от Гончаровой.»Кошки» (1913, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк)«Жёлтый и зелёный лес» (1913, Государственная галерея Штутгарта)«Лучистые лилии» (1913, Пермская государственная художественная галерея)

Василий Кандинский разработал целую теорию цвета, изучал восприятие человеком разных цветовых оттенков, проводил параллели между цветом и музыкой. Малевич исследвоал цвет, как один из компонентов своего супрематизма. А у Гончаровой просто были «глаза на цвет» — и, на мой взгляд, никто из авангардистов не чувствовал цвет лучше Гончаровой.

Надо сказать, лучизм не нашёл себе последователей и просуществовал недолго. Но тут снова на сцену выходит пиар-менеджер Ларионов. Позже он будет называть лучизм первым беспредметным (т.е. абстрактным) искусством. Но нет. Во-первых, Кандинский был всё-таки раньше.

А во-вторых, лучизм как ни крути не беспредметный: кошки, лес, лилии — какая ж тут абстракция?В 1915 Сергей Дягилев уговаривает Гончарову работать над оформлением своих «Русских сезонов» и они с Ларионовым едут в Париж. И Гончарова проявляет себя и в ипостатси театрального художника.

Эскиз декорации к опере Римского-Корсакова «Золотой петушок» (1914)

• Эскиз костюма к неосуществлённому балету Леонида Мяснина «Литургия» (1915, Государственный центральный театральный музей, Москва)

Более поздняя.Дизайн задника к балету Стравинского «Жар-птица» (1926)Революция 1917 года застала Гончарову и Ларионова в Париже.

Возвращаться они не стали. Гончарова продолжала работать над оформлением театральных постановок, пробовала себя в моде — делала эскизы для Шанель, например. А из живописных работ стоит отметить её испанскую серию  — это, пожалуй, моя любимая часть творчества Гончаровой.

«Испанские танцовщицы» (1918, частная коллекция)Вот эта самая любимая — просто волшебная.»Весна. Белые испанки» (1932, Третьяковка)В 1938 году Гончарова и Ларионов примут французское гражданство, а в 1955 зарегистрируют наконец свой брак — хотя отношения их к тому времени будут уже весьма свободными.

Гончарова умерла в 1962 году, Ларионов двумя годами позже.Закончу вот этой работой. Это из относительно раннего — ещё не лучизм, но уже и не кубизм.»Цветы» (1912, частаня коллекция)Интересна она тем, что это самая дорогая картина, написанная женщиной (да, есть вот и такой мужско-шовинистический рейтинг).

Ну и несколько фото, найденных в сети — Ларионов и Гончарова.Фото отсюда: https://artchive.ru/publications/3141~Istorija_ljubvi_v_kartinakh_Mikhail_Larionov_i_Natalja_Goncharova

Вот теперь точно всё. Следующий герой — британец, картины которого попали под дождь (на самом деле — нет).

• Казимир Малевич (1879 — 1935) История европейского изобразительного искусства одним абзацем. Долгое время главным заказчиком живописи была…
• Один из ярчайших и интереснейших художников всех времён. Его биография окутана огромным количеством мифов и легенд, многократно растиражированных в…
• Аркадий Пластов (1893 — 1972) «Весна. В бане» (1954, Третьяковка, Москва) Всё-таки показывать картины — тоже надо уметь. В Новой…

Источник: https://savin-andrey.livejournal.com/90973.html

И кудри черные закручены

27.10.2016 00:01:00

О Пушкине, Гумилеве, Цветаевой и стихах художницы

Самая дорогая русская художница, двоюродная правнучка супруги Пушкина Наталия Гончарова Наталия Гончарова. Автопортрет с желтыми лилиями. 1907. ГТГ. Изображение с сайта www.mkrf.ru

Быть потомком известной личности всегда тяжело. Ведь сравнения, за редким исключением, оказываются не в пользу родственника великого человека. Еще хуже, если такой потомок сам стремится к славе. Сколько раз в таком случае он слышал в свой адрес о беспробудно спящем летаргическим сном гении – лучше не считать. Легко можно сбиться.

Поэтому начало карьеры художницы Наталии Сергеевны Гончаровой (1881–1962) нельзя было назвать простым. Фамилия обязывала, и родство – супруга Пушкина Наталья Николаевна Гончарова приходилась ей двоюродной прабабушкой.

Тем не менее одна из первых студенческих работ удостаивается награды (малая серебряная медаль), а вскоре ее картины экспонируются на выставках дягилевского «Мира искусства» и «Осеннего салона» в Париже.

В последующем, после создания совместно с супругом Михаилом Ларионовым концепции «лучизма», согласно которому живопись передает не реальность, а «пересечение отраженных лучей различных предметов», гончаровские полотна приобретали Фонд Соломона Гуггенхайма и правительство Франции, а их автор не без основания считается «самой дорогой русской художницей».

Впрочем, родство с Пушкиным на жизнь Наталии Сергеевны тоже повлияло. Биограф художницы Владимир Полушин подробно описывает ее литературные связи. Да, в значительной степени они были обусловлены профессиональной деятельностью.

Автор знаменитого «Павлина» оформляла или иллюстрировала книги Велимира Хлебникова, Алексея Крученых, Валентина Парнаха. Французский перевод «Словодвига» последнего вышел тиражом в 150 экземпляров. Нарисовала она картины и к «Сказкам» своей тезки, ученицы Алексея Ремизова Кодрянской.

А вот сотрудничество с самим Алексеем Михайловичем, несмотря на инициативу писателя, увы, не сложилось…

Дружила с Николаем Гумилевым и даже стала персонажем его новеллы («сказки») «Черный генерал», а также была знакома с Мариной Цветаевой, написавшей о ней эссе. В свою очередь, она также иллюстрировала Гумилева и Цветаеву.

Владимир Полушин. Наталия Гончарова. – М.: Молодая гвардия, 2016. – 528 с.

Из неосуществленных «литературных» замыслов Гончаровой следует отметить работу над «Фейными сказками» Константина Бальмонта и «Калевалой», к которым она подготовила эскизы. Впрочем, и автор «Горящих зданий» в долгу не остался, написав стихотворение «Испанка. К картине Н.С. Гончаровой».

Также была знакома художница с Гийомом Аполлинером, Ильей Зданевичем, Владимиром Маяковским. Последнего считала гением – именно этим художница объясняла эпатаж поэта и связанные с ним многочисленные скандалы.

В одном из выступлений она так описала автора поэмы «Во весь голос», кстати, вполне в духе столь любимого им футуризма: «Рост у Маяковского огромный, рот – огромный, особенно во время произнесения речи или стихов. Огромный голос, созданный для произнесения речей перед многотысячной толпой, созданный для чтения стихов перед такой же аудиторией, и особенно его стихов.

Голос многогласных труб, как и его поэзия, говорящая о многогласности жизни: солнце вваливается сквозь щели деревянного забора и говорит с человеком на человеческом языке».

Также имела место и опосредованная связь с литературой – оформление различных театральных постановок классики. Художница работала над «Золотым петушком» и «Сорочинской ярмаркой».

Следует отметить, что и сама Наталия Сергеевна не была чужда писательству.

Естественно, в стихах также не обходилось без Пушкина (ранее она в числе прочего иллюстрировала французское издание «Сказки о царе Салтане»). Вот ее «Портрет поэта»:

• Иконный лик
• И кудри черные закручены,
• Как ветрами степными.
• Стан строен – тополь 
• молодой:
• И на балу, и на параде
• Невольно взгляд отыскивал его
• И очи дев склонялися пред ним
• Скрывая трепетно тревогу
• Пред царственным величием 
• его.

А как Гончаровой было не писать? Все-таки родство обязывает.

Источник: http://www.ng.ru/ng_exlibris/2016-10-27/7_862_goncharova.html

Гончарова Наталия Сергеевна (1881–1962) Автопортрет с желтыми лилиями

Гончарова Наталия Сергеевна (1881–1962)

Автопортрет с желтыми лилиями

Современники называли Гончарову «амазонкой русского авангарда». И не напрасно – ее творчество внесло значительный вклад в развитие авангардного искусства в России.

Автопортрет с желтыми лилиями. 1907. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Следующая глава

ГОДЫ ПОПА: 1958–1962 Музыка, изготовляемая в чисто коммерческих целях
Рок-н-ролл уступил место попу. Но что такое поп? Так называют популярную молодежную музыку взрослые люди, журналисты и прочие плохо информированные слои общества. Мы же будем пользоваться данным словом

ИСТОКИ И ЮНОСТЬ
(1881–1895) XX век — свидетель революции в искусстве, в ходе которой отжившие традиции, словно дрогнувшие на поле битвы воины, сдавали одну позицию за другой под натиском авангарда новаторов, выступавших с прозорливостью пророков. Поколению второй половины

Автопортрет
1493. Лувр, ПарижРенессансный гений Дюрера, движимого ненасытной жаждой знаний, сравним лишь с гением Леонардо да Винчи. Живописец, рисовальщик, гравер, теоретик искусства, он очень быстро превзошел в мастерстве всех своих соотечественников. В возрасте 22 лет

Автопортрет
1500. Старая пинакотека, МюнхенВ Германии этого времени художник приравнивался к ремесленникам, что для Дюрера было неприемлемо. Его тщеславие, проявившееся в самых разнообразных автопортретах, зародилось из осознания собственной ведущей роли в искусстве

Автопортрет
Между 1627 и 1632. Государственный Эрмитаж, Санкт-ПетербургВан Дейк работал в разных жанрах, но общеевропейское признание он получил как портретист. В 1621 году художник уехал в Италию, в то время ему было немногим более 20 лет, но он уже встал на одну ступень с

Автопортрет
Ок. 1773. Государственный Эрмитаж, Санкт-ПетербургАвтопортрет написан Менгсом на пике своей славы. В 1771 году он стал президентом Академии Св. Луки в Риме, а также членом многих других академий Европы. За год до написания этой работы он создал автопортрет для

Пабло Пикассо (1881–1973) Любительница абсента
1901. Государственный Эрмитаж, Санкт-ПетербургИспанец Пабло Пикассо, получивший славу во Франции, экспериментировал в живописи, графике, скульптуре на протяжении всей жизни. Он говорил: «Мастерская должна быть лабораторией. Там

Автопортрет
Перед нами знаменитый мастер, снискавший восторженные отзывы современников, и одновременно уставший и разочарованный человек. По воспоминаниям современников, «Кипренский был красив собою, с прекрасными выразительными глазами и волнистыми от природы

Автопортрет
По воспоминаниям ученика Брюллова, этот автопортрет был написан мастером во время тяжелой болезни всего за два часа. Работа поражает гениальной виртуозностью исполнения: несколькими движениями кисти «причесаны» волосы, вдохновенно, мелкими мазками

Источник: https://design.wikireading.ru/1131